FKM 2016 - PALMARES

Este año he tenido la oportunidad de asistir a la octava edición del Festival de Cinema Fantástico da Coruña, una oportunidad para disfrutar de diversas actividades artísticas y por supuesto, de una variada programación cinematográfica aderezada con una más que interesante sección competitiva. En un festival que ya se categoriza dentro de lo 'fantástico' no es de extrañar los dos grandes homenajes dentro de su programación. Al padrino del gore, Herschell Gordon Lewis, se le homenajeba este año con todo un maratón de sangre con los títulos de 'Blood Feast' (1963) y 'Two Thousand Maniacs!' (1964). Como no podía ser de otra manera, el segundo homenaje ha sido para la ciencia ficción, con títulos tales como 'Bad Taste' (Peter Jackson, 1987) e 'karie XB-1' (Jindrich Polák, 1963). Sin embargo el homenaje a este querido género no acabó allí, ya que en el festival se pudo asistir a diversas masterclass sobre el mismo, así como de efectos especiales y diversos talleres infantiles. Además de la ciencia-ficción también tuvo cabida en este completo festival el cine infantil, los videojuegos, el anime y la animación. Este año tuvo lugar el I Concurso Internacional de Guiones FKM 2016, organizado en colaboración con la Asociación Gallega de Guionistas, la Asociación Gallega de Productoras Independientes y la European Women's Audiovisual Network, con el fin de potenciar las producciones de los géneros de ciencia-ficción, fantásticas y de terror escritas en gallego.

De este primer concurso ha resultado ganador 'Paperback Writer' de Antón Varela Rodríguez. El corto ganador del Concurso Internacional de Curtametraxes fue 'Einstein-Rosen' de Olga Osorio. También pudimos disfrutar de un Concurso Internacional de Largometrajes Operas Primas, resultando vencedora 'Baskin' de Can Evrenol.


Además, los galardones que se repartieron fueron los siguientes:

- Mejor guión: 'Lovemilla' de Teemu Nikki

- Mejor banda sonora: 'La valija de Benavidez' de Laura Casabe

- Mejores efectos especiales: 'Baskin' de Can Evrenol

- Premio del público: 'Rendezvous' de Guillermo Julián y Román Santiago Pidre

Un festival de cine fantástico no podría tener mejor broche de oro que una sesión de maquillaje zombie a cargo de Pablo Perona, seguido de un Zombiewalk en toda regla. A modo de clausura, una fiesta Jaggermeister que puso punto y final a una semana llena de actividades culturales, cine y mucha, mucha, sangre. 

AFTER THE DARK

After the Dark - John Huddles - Estados Unidos

John Huddles nos trae en esta cinta algo más que un entretenimiento, nos propone poner en jaque nuestros propios principios morales mediante las vivencias que atraviesan los personajes de la trama. Nos situamos en Yakarta, donde tiene lugar un encuentro de un grupo de estudiantes extranjeros para despedir a su profesor de filosofía. Será allí donde se verán sometidos por el profesor a un cruel test: deberán tomar ciertas decisiones que los lleven a tener cabida en un búnker con capacidad para 10 personas, siendo 21 en total, que les permitiría sobrevivir a un cataclismo nuclear. Deberán decidir quien tiene cabida en el búnker y quien no, según las destrezas y los trabajos que les han sido designados a cada persona al azar. Aunque un tipo de film como este es fácil que caiga en la pesadez y en la palabrería, Huddles nos propone un reto intelectual estimulante envuelto en una atmósfera ligera que hace que la filosofía que embarga la cinta sea accesible a todo tipo de espectador. El director consigue que centremos nuestra atención en la historia que nos cuenta. sin embargo, pese a querer imprimirle a la película un análisis filosófico extremo, este solo consigue arañar la superficie. Algunos de los argumentos que se usan para que una persona entre o no en el búnker no resultan lo suficientemente consistentes y son fácilmente rebatibles de tal forma que podrían haber fácilmente ocupado el puesto que les arrebató otra persona dentro del refugio. Quizá esto se deba a que Huddles ha intentado aligerar la carga filosófica para tratar de llegar a todo tipo de público, perdiendo de ese modo la profundidad filosófica que probablemente necesitaría esta película. Así como sí resulta estimulante preguntarnos qué haríamos nosotros en determinadas situaciones, resulta un tanto decepcionante la excesiva superficialidad que recibe el trato de la trama.

RENDEZVOUS

Rendezvous - Guillermo Julián y Román Santiago Pidre - España

La presente película está escrita, dirigida y producida por los realizadores Guillermo Julián y Román Santiago Pidre. Estos profesionales nos muestran, en una propuesta arriesgada, un futuro poco halagüeño en el que una empresa, Tiger Corps, desarrolla un proyecto para tratar de mejorar el mundo. Como no puede ser de otro modo, las cosas no salen como esperaban y en vez de ver su mundo mejorado, desatan sombrías consecuencias. La película sorprende por los escasos recursos con los que fue elaborada, tanto es así que fue filmada a partir de dos cortos que conforman ambos actos de la película, levemente conectados, de ahí el nombre 'Encuentros'. En cada parte podemos observar el modo en el que cada director entiende la Ciencia-ficción, mientras que en 'El chico con la cabeza más grande del mundo', vemos como Román nos lleva hasta un terreno más intimista; por otro lado 'El Capitán' de Guillermo tiende hacia una ciencia-ficción más ligera. A pesar del, ya mencionado, bajo presupuesto posee un trazo elaborado y cuidado, a la par que unos efectos especiales humildes pero que consiguen su propósito. Sin embargo, aunque consigue momentos de tensión, algunas escenas carecen de la fuerza necesaria. La idea de la película es buena, pero la ejecución no consigue llevarla a cabo con la suficiente efectividad. Otra parte más floja de la película son las interpretaciones, que más que efectivas parecen efectistas. No cabe duda de que el género de la ciencia ficción es de los más complicados de llevar a cabo, y esta película no alcanza a impactar al espectador.

SAINT YOUNG MEN

Saint Young Men- Noriko Takao - Japón

En esta original película nos situamos en Tachikawa, los arrabales de la ciudad de Tokio, Japón, lugar que Jesús y Buda escogen como para descansar y disfrutar como unos singulares turistas, abandonando su habitual paraíso celestial. Los protagonistas buscan un año sabático, por lo que ponen todo su empeño en pasar desapercibidos, sin embargo su naturaleza divina les traiciona y no pueden evitar ponen el práctica sus dones. En estas nada anodinas vacaciones explorarán todos los rincones visitados por los mortales, desde los típicos baños japoneses hasta los mercados. Del mismo modo que disfrutarán a lo grande del mismo modo que nos gusta hacer a los mortales, atracones de pasteles, hacernos selfies para capturar hasta el más mínimo momento, visitar parques de atracciones o rendirnos al magnetismo de las series. Aunque del mismo modo deberán la otra cara de la vida humana, hallar un modo de afrontar la vida. También conocerán a los diferentes arquetipos que conforman la sociedad nipona, desde los más entrañables e inofensivos, como niños y gente amable y hospitalaria, hasta pequeños gamberros y miembros de la Yakuza. A pesar de que los últimos tiempos reina un ambiente de moralina en el que parece que no se puede hacer humor con según qué cosas, sobre todo con la religión, este largometraje japonés se atreve a hacer reír al público utilizando un humor sano, ligero y, evidentemente, sin ningún ánimo de herir sensibilidades ni verter sangre. 'Saint Young Men', conocida en España como 'Las vacaciones de Jesús y Buda', es una producción japonesa a cargo de la dirección de Noriko Takao. Es un film que rompe con la animación japonesa tradicional, lo cual supone un soplo de aire fresco, aunque la animación más tradicional se mantiene en el diseño de los fondos y personajes. La atmósfera de ligero humor va guiada por una melodía suave en la que podemos reconocer ritmos típicos japoneses, más modernos o antiguos, con tintes cristianos o budistas, dependiendo del momento. Una comedia muy recomendable que consigue hacer humor con un tema tan delicado como la religión sin caer en la burla ni hacer demasiado hincapié en los aspectos que podrían suscitar una mayor controversia.

LA VALIJA DE BENAVIDEZ

La valija de Benavidez - Laura Casabé - Argentina

Laura Casabé consigue aunar con éxito un thriller un tanto fantástico con la comedia negra con el fin de sorprendernos con una sátira al snobismo, el 'postureo' y el elitismo que tanto caracterizan a muchas de las personas que se mueven por el mundo del arte. Para ello se vale de nuestro protagonista el señor Benavidez hijo de un famoso artista de renombre y, para más inri, está casado con una hermosa promesa de la pintura mientras él es un 'mero' profesor de plástica. El detonante surge cuando, una noche después de discutir con su bella y talentosa mujer, pide asilo a su psiquiatra, también coleccionista de arte y se lleva con él una valija. No es hasta la mañana siguiente cuando descubrirá la siniestra verdad; se encuentra en una residencia donde artistas participan para ampliar sus habilidades creativas. La película hace gala de una forma descarnada de atacar el snobismo, y las pretensiones de las personas del mundo del arte (perfectamente trasladables a cualquier otro ámbito que saque a relucir ese rasgo humano), lo que se convierte en el corazón y motor del largometraje. Quizá sea que tengo debilidad por lo extravagante, pero me agrada la mezcla de muerte y arte que podemos observar en el film de Casabé, su gran habilidad narrativa que consigue engañar al espectador, logrando mantenernos en vilo hasta el final. Esta película posee una mayor carga siniestra que el cuento homónimo de Samantha Shweblin, logrando una atmósfera angustiosa a la que contribuye el trabajo interpretativo. Desde luego no podemos decir que sea un retrato realista de la sociedad, pero sí podemos ver en ella la sátira de un mundo perfectamente reconocible.

MISS HOKUSAI

Miss Hokusai - Keiichi Hara - Japón 

El presente largometraje del estudio japonés Production I.G.  se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto.  A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña. 

MACBETH

Macbeth - Justin Kurzel - Reino Unido

Después de recibir un ascenso por el rey Duncan (David Thewlis) tras salir victorioso de una importante batalla, lord Macbeth (Michael Fassbender) duque de Escocia, recibe el vaticinio por parte de tres brujas de que será rey, mas sin dejar descendencia. Instigado por su esposa (Marion Cotillard), con la finalidad de ver cumplida la predicción lo antes posible, el matrimonio invita a Duncan a celebrar la victoria en su casa. El plan está en marcha, le darán muerte a Duncan y harán recaer la culpa sobre los guardias, de tal modo que la corona recaerá sobre la cabeza de lord Macbeth. Será entonces cuando el remordimiento, la culpa, la sed de poder y la ambición entrarán en escena haciendo ver cada rostro amigo como posible culpable de conspiración. William Shakespeare es uno de los autores que más cuenta con adaptaciones de sus obras, tanto cinematográficas como teatrales. Llevar Macbeth a las salas de cine ya de por sí es arriesgado, si se cuentan todas las veces que ha sido adaptada y más si se trata de impactar al espectador con algo original y novedoso. Justin Kurzel ('Snowtown') hace una apuesta fuerte al pretender unir las dos grandes artes escénicas en un único largometraje. El restultado no puede decir que sea un éxito, pero tampoco resultó un fracaso total. El filme nos sorprende con una estética muy cuidada, una atmósfera agobianta y propicia para los acontecimientos, que provoca que 'Macbeth' sea un gran espectáculo visual. El inteligente uso de la cámara lenta en secuencias determinadas le imprime a esos planos una belleza casi pictórica, para lo que resulta de suma importancia el gran trabajo de fotografía de Adam Arpakaw así como la exquisita labor de vestuario de Jacqueline Durran. Quizá lo que nos impide entrar del todo en la película sea que el filme depende demasiado de la obra shakesperiana, tanto es así que los protagonistas respetan el diálogo original, hablando en verso y prosa. El hecho que el diálogo se ciña tanto a la obra original resultan una suerte de grilletes para los actores, que aunque realizan un trabajo intachable (sobre todo en el caso de Michael Fassbender, me permito añadir) provoca que el vigor y la naturalidad de su interpretación de vea mermada. Evidentemente esto se debe a la herencia directa de la obra teatral que adapta el presente largometraje, pero sería bueno saber dónde habría que poner los límites para que una obra diseñada originalmente para ser representada encima de las tablas pueda ser llevada a la gran pantalla e impresionar al espectador sin causar confusión. Quizá aún tendremos que hacer algunos experimentos más de ensayo-error que nos puedan conducir en un futuro a la fórmula que nos permita fusionar con éxito el teatro y las artes cinematográficas.