PELE

Pelé - Zimbalist Brothers - Estados Unidos

4/10

Por fin he podido ver el biopic de Edson Arantes do Nascimento aka Pelé, por fin tras casi 2 años. Inicialmente iba a estrenarse durante el Mundial de Brasil en 2014 pero varios problemas de distribución y el mal papel de la selección anfitriona en dicho evento retrasaron el estreno mundial de la película escrita y dirigida por los hermanos Zimbalist que aterrizara finalmente en las salas españolas el próximo día 26 de agosto. En Estados Unidos se estrenó el pasado mayo. Tras el excelente documental realizado en 2010 para el canal ESPN, 'Los 2 Escobar', donde se relataba la historia de los dos Escobar y la selección colombiana de fútbol durante el Mundial de 1994, los hermanos Zimbalist trazan un nuevo biopic con la intención de dar el salto definitivo a la industria norteamericana siendo los mejores adaptadores de historias futbolísticas en formato cinematográfico. El resultado no pudo ser mas desalentador. 107 minutos que se hacen eternos, 'Pelé' puede ser el biopic ficcionado mas aburrido de la ultima década, un film vacío con todos los tópicos habidos y por haber del deporte en el cine que no explora en absoluto todos los detalles y se centra solo en una etapa del futbolista, la que conocen hasta los no aficionados a este deporte. Demasiado extensa e insulsa para lo poco que ofrece en términos generales y por si esto no fuera suficiente, esta rodada en ingles, que si en otros films es una buena manera de llegar al mercado internacional aquí se torna por completo en su contra y no deja que se sienta en la pantalla la esencia del pueblo brasileño rebajando así la calidad final del resultado. Uno de los ases de este deporte y una figura mítica como Pelé merecía un biopic mucho mas extenso donde se profundizara mas o en sus inicios o en la explosión de su carrera tras el Mundial de Suecia en 1958 donde la película termina. Los efectos especiales o la banda sonora de A.R. Rahman ('Slumdog Millionaire') no se ajustan a los tiempos que corrian, demasiada camara lenta y movimiento espectacular, no parecen Pelé y sus amigos, parecen Goku, Potter y los mini Vengadores! Si hay una excelente fotografía del colaborador fijo de Darren Aronofski, Matthew Libatique, y detalles como una tragedia que sufrió de pequeño y la explicacion del origen del jogo bonito de la selección canarinha basada en la Jinga, una especie de ritual herededado de los ancestros africanos que emigraron a Brasil del cual también surgiría la capoeira. Aparte de este detalle curioso, no hay ningún otro destacable que no se pueda encontrar en los miles de documentales y vídeos existentes sobre los inicios del mejor jugador brasileño de todos los tiempos. El nacimiento de una estrella, la resolución o el partido final, a lo 'Victory' o a lo 'Space Jam', recuerda incluso a algunos partidos de la serie nipona que lo peto en Tele5 en sus inicios, 'Oliver y Benji', quiero decir que, la explicación que se da a la reacción brasileña en la final contra Suecia es que cuando el equipo dejo de jugar amarrado táctamente y empezaron a usar la Jinga fue cuando arrasaron a los suecos, recurso narrativo muy visto que no es algo malo pero que si llega muy tarde y deja sin la oportunidad de ver como Pelé se consagró como jugador durante los años siguientes. Los actores pasables, ni tan siquiera D´Onofrio destaca como Feola y, claman al cielo, o se entienden sabiendo que el propio exjugador ahora ministro es uno de los productores, detalles como la no aparición de mujeres en toda la película salvo la madre del propio Pelé o el cameo extraño que este tiene en el tramo final del film. Brasileños y no hay mujeres? Que los Zimbalist no conocen el pasado de Garrincha? Respecto al idioma, ya no solo se trata de suplantar el brasileño con el ingles sino que hay momentos en los que se oyen frases en brasileño mezcladas con inglesas y no, no se trata de un error de doblaje, es tristemente así. Hay una escena curiosa donde el mandamás del Santos visita a un Pele adolescente para hacerle una propuesta y la madre lo introduce en brasileño para luego presentarse acto seguido a Pele en ingles...adios sentido común, es increíble como en 2016 se pueden cometer semejantes errores en producciones tan grandes. Y lo mismo con ese conductor de autobús que anuncia que se van en brasileño cuando todo el mundo en ese lugar habla en ingles. De haber estado rodada en brasileño, el film hubiera ganado muchos mas enteros pero, y hago hincapié en esto, el hecho de usar el ingles muestra un desconocimiento claro de la forma de sentir este deporte de los brasileños y su forma de ser tan pasional. Regular biopic ficcionado en lo que narra y en los recursos que utiliza, algo pobre en detalles interesantes donde extrañamente la parte que mejor funciona y mas ritmo tiene es la de la infancia del propio jugador en el primer segmento y que viendo los resultados finales que arroja la pelicula en lineas generales podria haber sido una mas que acertada base principal para el film. 

EDDIE THE EAGLE

Eddie The Eagle - Dexter Fletcher - Reino Unido

4/10

Difícil sacar alguna lectura mas de las que el director de 'Eddie The Eagle' quiere que saquemos de su film. El británico Dexter Fletcher en su tercer largometraje después del drama mafioso 'Wild Bill' en 2011 y el musical 'Sunshine on Leith' de 2013 vuelve a probar con un nuevo subgénero como es el basado en hechos reales para relatarnos a modo de fabula edulcorada la historia de Eddie Edwards, el saltador de esquí británico mas famoso de todos los tiempos, su gran fuerza de voluntad y el espíritu perseverante que lo llevo a conseguir su sueño desde pequeño, participar en uno Juegos Olímpicos Invernales. Eliminemos una etiqueta. 'Eddie The Eagle' no es un biopic al uso ya que no relata toda la vida del personaje sino tan solo la etapa que concierne a su salto, y nunca mejor dicho, a la fama. Fletcher usa unos créditos iniciales extensos para entrelazar varias escenas sobre la infancia de un torpe Eddie (Taron Egerton) a base de gags splastick hasta su llegada a Alemania donde conoce a Roberto Sedinho...perdón, a Bronson Peary (Hugh Jackman), un ex esquiador aficionado a la bebida que se encarga del quitanieves en las pistas de entrenamiento. Aquí comienza una buddy movie convencional llena de optimismo y buen rollo a partes iguales donde el drama solo hace acto de presencia a modo de frases cortantes y crueles. Ni siquiera los típicos 'matones', en este caso compañeros de equipo o el propio finlandés volador, Matti Nykänen (Edvin Endre), llegan a ser todo lo crueles que se podría esperar. A su lado Cartman es el anticristo. Lo mejor de 'Eddie The Eagle' es la falta de complejos que tiene, una pareja de protagonistas mas que acertada mostrando una complicidad que va mas alla de la pantalla aunque a veces el personaje de Eddie resulte un tanto caricaturizado, la simplicidad evocadora de aquellas comedias de los 80 o su clara determinacion en hacer gala de un humor básico, en ese sentido es muy honesta y agradecida con el publico pero la sensación constante de estar viendo algo que ya has visto le resta mucho interés a una  historia que analizada desde otro punto quizás hubiera disfrutado de un mejor resultado final. Estamos pues ante una extraña versión simpatica y cargante de buen rollismo de 'Rocky', 'Karate Kid' o la mítica serie de anime 'Campeones', 'Ganes o pierdas siempre apunta alto', asi reza una de las leyendas en los carteles promocionales que junto a la lucha diaria como esencia del deporte olímpico acrecentan esta sensación de mareante felicidad con escenas que rozan un surrealismo de lo mas curioso sirviendo como ejemplo la comprobación del estado de la nieve de Peary cual indio salvaje con tan solo el tacto de sus dedos o el salto desde el trampolín de 70 metros que Hugh Jackman realiza, en tejanos, fumando y de noche, solo le faltó como broche final sacar sus garras de Wolverine al aterrizar. La película esta apadrinada por Matthew Vaugh, director de 'Kick Ass', 'X-Men: First Class' o el actioner bondiano británico 'Kingsman' que arrasó en taquillas de todo el mundo el año anterior, de hecho en alguno de los carteles promocionales reza la frase: 'De los productores de Kingsman'. Esto creo que ha repercutido a la hora por ejemplo de elegir a los protagonistas ya que en las dos primeras películas dirigidas por Dexter Fletcher sus protagonistas eran mayormente actores jóvenes y algún veterano provinientes sobre todo de la televisión o con muchas tablas en la pequeña pantalla mientras que en 'Eddie The Eagle' los dos protagonistas principales son estrellas de cine, Hugh Jackman y Taron Egerton, a uno lo tenemos hasta en la sopa y el otro recién esta viendo despegar su carrera tras protagonizar la citada antes 'Kingsman'. Al margen de que esta sea una imposición o no de la productora, el resto del casting que aparece en 'Eddie The Eagle' se ha formado en series de televisión británicas de mas o menos prestigio como por ejemplo Jo Hartley, la actriz que interpreta a la madre de Eddie que, curiosamente, ya hizo lo pripio siendo la madre de otro niño inglés en la película y saga de miniseries posteriores dirigida por Shane Meadows, 'This is England'. La utilización de profesionales 'criados' en la televisión es una constante en la filmografía de este director incluso en muchos de los aspectos técnicos de sus producciones. El realizador del país del té cuenta esta vez con un compositor mas experimentado que otras veces para la banda sonora, Matthew Margeson, entre cuyos trabajos encontramos como no, 'Kingsman', o 'Kick Ass 2'. Dentro de dicha banda sonora encontramos temas originales clasicos de aquella epoca como 'Two Tribes' (Annihilation Mix)' de Frankie Goes To Hollywod, 'Hero in Your Eyes', 'Eagle Will Fly Again' de Howard Jones, 'The Sky´s the Limit' de Nik Kershaw, 'The Cowboy Song' de Thin Lizzy, 'Bolero' de Maurice Ravel, 'Real Gone Kid' de Deacon Blue, 'You Make my Dreams' de Daryl Hall y John Oates, 'Moment' de Tony Hayley, 'Jump' de Van Halen, 'Out of the Sky' de Marc Almond, 'Ascension' de Holly Johnson y 'Thrill Me' interpretada por Jackman y Egerton junto a la orquesta Manoeuvres in the Dark que podeis escuchar aquí: https://www.youtube.com/watch?v=XyOrhDiMSPs. Fletcher también cambia de guionistas como ya hiciera en sus anteriores dos trabajos y para la ocasión se vale de Simon Kelton, creador de la historia, y Sean Macaulay. El único que repite en toda la filmografia de Fletcher es el director de fotografía George Richmond que mira tu como son las cosas en la vida, también realizó la fotografía en 'Kingsman'. 'Eddie the Eagle' es la pelicula que el Cholo Simeone proyectará en breve a sus jugadores, donde su director nos muestra que no hay que dejar de luchar por nuestros sueños sea cuales fueren, en ningún momento, y que por mas difícil que se presenten las situaciones hay que perseverar y dedicar todos nuestros esfuerzos en aquello que nos hace sentirnos completos y realizados aunque el resto del mundo no entienda el porqué nos produce tanta felicidad.

TRUMBO

Trumbo - Jay Roach - Estados Unidos

8/10

Biopic sobre el guionista norteamericano Dalton Trumbo, repudiado y perseguido durante la década de los 40 por la industria cinematográfica de su país por su militancia en el partido comunista. El biopic es un genero complicado y en muchas ocasiones las películas de este genero resultan fallidas. No es el caso de 'Trumbo' que se apoya principalmente en un reparto brillante, encabezado por el extraordinario Bryan Cranston (Breaking Bad) y que esta perfectamente secundado por gente como Diane Lane, John Goodman, Helen Mirren, Elle Fanning o un fantástico Louis C.K. Todo este elenco consigue despertar el interés del espectador sacándole jugo a un buen y solido guión y descubriendo esta interesante y para muchos desconocida historia, entre los que me incluyo. Cranston despliega todas sus dotes interpretativas, que ya exhibió hasta la excelencia en 'Breaking Bad', y consigue dotar a su personaje de tonos dramáticos con momentos cómicos, rubricando una actuación soberbia, que culmino en una merecida nominación al Oscar. Sin discusión lo mejor de la película y el pilar principal de toda la cinta. Jay Roach demuestra que no solo sirve para dirigir comedias absurdas como la saga Austin Powers, y deja que la película vaya fluyendo, siguiendo cronológicamente los acontecimientos y con una puesta en escena sin artificios y con aroma de buen cine clásico. Consigue dotar a la película de un muy buen ritmo que no decae en las casi dos horas de metraje. El director no pone ningún impedimento, y eso, hoy en día, ya es mucho decir. El guión, firmado por John Mcnamara, es uno de los puntos fuertes de la cinta. Consigue evolucionar a todos los personajes en su justa medida, especialmente el de Dalton Trumbo. Algunos secundarios quedan un poco menos bien dibujados (nada importante), pero el excelente trabajo de los actores consigue que eso no sea ningún problema. La película también logra un muy buen retrato del inicio de la Guerra Fría después del final de la Segunda Guerra Mundial y del conservadurismo y el anticomunismo que se instalo en la industria cinematográfica y en la sociedad estadounidense y especialmente en algunas de las estrellas más rutilantes de Hollywood, cómo por ejemplo el mítico John Wayne. Una película necesaria, con la que Hollywood intenta redimirse del maltrato que infringió a uno de sus mejores escritores de la época más gloriosa del cine. Aviso que cuando terminas solo tienes ganas de revisar 'Espartaco' y 'Vacaciones en Roma', escritas por Trumbo, alguna con nombre falso, y que seguro que las veremos desde una óptica totalmente diferente. Una cinta que creo que encantará a los amantes del cine clásico en particular y a los amantes del cine en general.

RUMBA TRES, DE IDA Y VUELTA

Rumba Tres, De Ida y Vuelta - Joan Capdevila, David Casademunt - España

7/10

Documental musical que huye de convencionalismos, se muestra sincero y absorbe la energía de sus tres protagonistas, el grupo barcelonés de rumba catalana conocido como Rumba 3, para relatarnos con alegría y sin tabues el auge del mítico conjunto en la década de los 70 así como su casi total desvanecimiento en el panorama musical actual. No creo que haya muchos grupos o cantantes, ya no solo españoles sino internacionales, que hayan cantado ante 40 mil personas bajo el monolito de Whasington como hizo el grupo barcelonés Rumba 3 en 1990. Este es un detalle a tener en cuenta, menos conocidos que Chunguitos, Chichos o igual que los también barceloneses Bordón 4, Pedro Capdevila, José Sardaña y Juan Capdevila, Rumba 3, nacieron el el barrio de Buen Pastor en Barcelona como grupo a finales de los 60, tres amigos de la infancia con algo en común, su amor por la música y las canciones de Joselito. Lo mejor que se puede esperar de este tipo de documentales es que entretengan, provoquen cualquier tipo de sentimiento y que cuente anécdotas o detalles desconocidos por la gran mayoría. En ese sentido cumple sobradamente con dos partes claramente diferenciables por su montaje, una primera donde se relata el éxito del grupo tanto a nivel nacional e internacional en países como Colombia, Ecuador, Chile, México, Venezuela, Estados Unidos donde tocaron en Whasington y Houston así como en buena parte de Europa, Países Bajos, Alemania y hasta Polonia. La rumba catalana, la rumba-pop, todo un éxito de masas con que obviamente conllevo una legión de fans enloquecidas con los tres guapos cantantes, de esto también se habla en esta primera parte, y aquí algunos de los familiares entrevistados, no solo no se callan nada sino que apunta anécdotas muy curiosas. Los entrevistados son en su mayoría los familiares mas cercanos del trio pero también se han prestado a colaborar artistas como Lolita, Estopa, Braulio, José Mota, Justo Molinero o el reciente fallecido rey de la rumba catalana, Peret, en una de sus últimas entrevistas concedidas. Todo un gusto oírlo hablar. Si el fue el rey, o el maestro con el permiso de El Pescailla, Rumba 3 fueron los príncipes de la rumba catalana sin ninguna duda, su música fácil y rítmica acompañaba unas letras llenas de alegría y despreocupaciones que liberaban a la gente de sus problemas diarios. Pero este éxito se propago mas a nivel internacional, como le ocurrió a Severiano Ballesteros, pese a ser muy queridos en España, su fama en el resto del mundo superaba con creces a una generación española levente oscurecida por el franquísmo, embocada al inicio de la movida y la consagración del rock y del pop en las listas de éxitos nacionales. La segunda parte muestra por fin al trio contando sus inicios y las penurias que pasaron hasta que la efímera fama les alcanzo de la mano de Salvador Escamilla y el programa 'Radio-Scop' donde consiguieron su primer contrato discográfico con la discográfica Discophon. El documental dura 80 minutos aproximadamente sin contar los créditos y esta segunda parte en concreto se espera con muchas ganas durante toda la primera, quiero decir, sus directores y montador van creando y generando un interés progresivo en ver el 'estado' actual de un grupo tan conocido alrededor del mundo formado por 3 humildes chicos de un barrio obrero de Barcelona y, aunque nunca hayas oído cantar a Rumba 3, este mito musical que vas viendo crecer delante de tus ojos engendrado a base de testimonios familiares que provocan escenas ficcionadas de lo que ocurrió junto a un variado repertorio de grabaciones televisivas del grupo nunca llega a ser aburrido o pretencioso sino como digo, todo lo contrario, el interés aumenta con cada testimonio e imagen de archivo que se ve. Destacar en esta segunda parte el testimonio de la infancia del líder espiritual del grupo, Juan Capdevila, duro y cruel como la vida misma, es ahí donde se entiende su personalidad como miembro de Rumba 3 y su espíritu bromista y alegre, esta claro de donde venia esa explosión de energía cuando agarraba el micrófono y bailaba como lo hacia Bobby Farrell de Boney M, su durísima infancia le marco el carácter para siempre. La parte tecnica de 'Rumba 3, de ida y vuelta' brilla en la dirección y el guión dinámico de los noveles David Casademunt y Joan Capdevila (hijo de Juan Capdevila) y también en el montaje de Pau Bacardit cuyo último trabajo 'Anabel', un filme de Antonio Trashorras, se proyecto en el pasado festival de Sitges. Las escasas escenas ficcionadas son de gran calidad y muestran a la perfección esas anécdotas tan interesantes que tanto los familiares como el propio grupo relatan. La fotografía es sencilla, obra de Christian Moyès, tampoco el montaje permite explayarse mucho y es en esas ficciones supletorias de los testimonios donde vemos el acertado trabajo de Moyès. Tossa Bella (Tossa de Mar es la localidad donde reside actualmente Rumba 3) produce y distribuye el documental en colaboración con RollOut Producciones y Fitzcarraldo Films a quienes agradezco el habernos facilitado el visionado de este acercamiento a uno de los mejores grupo de rumba catalana que ha dado este país.

CANTINFLAS

Cantinflas - Sebastián del Amo - México

7/10

Dos años. Dos años ha tardado en llegar a los cines españoles este falso biopic del mítico artista mexicano interpretado por Óscar Jaenada, 'Cantinflas'. Hago un inciso: Gracias A CONTRACORRIENTE FILMS por seguir haciendo tan buenísimo trabajo. Prosigo. Falso biopic o biopic no convencional porque no cuenta nada de la infancia de Mario Moreno y su montaje a caballo entre la pre-producción de su gran éxito en tierras americanas 'Around the World in 80 days' y los inicios del propio personaje a partir de 1933 restan mucho interés y ritmo a una historia que pudo haber dado mas de si. Cierto es que se llama 'Cantinflas' y no 'Mario Moreno'. Tratándose mas de un biopic del personaje que del artista que lo creo, la omisión de la infancia del actor mexicano esta 'justificada'. La introducción de esa parte 'americana' me parece mas que una buena idea para la cronología tanto del guión como del montaje pero hay que ver el cuadro desde fuera y darse cuenta que no es mas que una campaña de marketing para vender el producto en todo el mundo, para que 'Cantinflas' sea un pseudo biopic global y no un producto puramente para el publico latino. Tampoco engaña ya que uno se puede dar cuenta del tono y por donde se van a mover los hilos en los primeros 10 minutos de película. Otra de las cosas que entrarían dentro de ese truco de marketing que es la parte 'americana' es la banda sonora totalmente azucarada, empalagosa e infantil del murciano Roque Baños que conforma un ambiente a moralina naftalinera nada acorde con ese 1955 tan luminoso que se nos muestra.

Volviendo a lo de biopic de Cantinflas/Mario Moreno hay algo que no llegué a entender, si la explicación a que su infancia no sea relatada es que se trata de un biopic del personaje y no del artista, porque no se nos cuenta el origen de los famosos harapos que Mario usa para convertirse en Cantinflas? En comparación con por ejemplo Chaplin, el gorro y el bastón son algo significativo en su carrera, como Batman y su traje, si se trata del biopic de Cantinflas me parece un gran error no explicar el origen de ese atuendo tan característico. También se aprecia en el guión algo de confusión en el intento de mostrar poco o mucho los momentos claves en la vida de Mario Moreno (pero no era un biopic sobre el personaje?), su lucha por la igualdad y el reparto equitativo de las subvenciones del sindicato de actores, el drama personal con su mujer por no poder tener hijo así como el trauma de verse superado por su propia creación como así demuestra la única escena en que vemos a un Mario Moreno lanzando un vaso contra un cuadro de Cantinflas. Mas que confusión en el guión suena a metraje recortado, a sensación de querer contentar a todos y contar mucho en poco tiempo como por ejemplo intentando hacer que el espectador entienda de donde saco la inspiración Mario par algunas de sus futuras películas haciendo de político (escena en el teatro) o barrendero (escena con un amigo del barrio). La película dirigida y co-escrita por Sebastian del Amo junto a Edui Tijerina tiene algo especial, algo que la salva y la hace única. Óscar Jaenada. El español no solo ofrece un registro pasmosamente idéntico al del actor mexicano sino que físicamente es la viva imagen de Cantinflas. Por mucho que se empeñe la gran mayoría de publico mexicano en echar pestes sobre la elección de Oscar para el papel, es algo que salta a la vista, era la mejor elección posible, facciones, gestos, miradas, tono de voz, todo, y os lo dice un fan de la filmografía de Cantinflas. La actuación de Jaenada es brillante, resucitando a Cantinflas (comedia) y a Mario Moreno (drama) como se puede observar en el primer encuentro que tiene con Michael Todd (Michael Imperioli). Oscar Jaenada es el salvavidas de esta película sin ninguna duda y la razón de darle un 7/10 a la película. Como español se podría decir que barro para cada pero sinceramente, sabéis que no, solo hay que verlo actuar en un par de escenas para darse cuenta que no se podría haber encontrado ningún actor mejor que el para este papel. Poco mas, me gustaría que hubieran desarrollado mas la parte dramática y que se mostrara la infancia de Mario pues creo que en ella esta la esencia del mito de Cantinflas, en sus raíces y en su humildad. Entre la actuación de Jaenada, la multitud de cameos la película y los 3 o 4 detalles simpáticos que tiene el guión sobre curiosidades de la vida de Cantinflas, el film se soporta mejor y se hace pasable. De momento habrá que conformarse con este 'biopic' hasta que el ciclo de la vida nos permita ver de nuevo otro distinto con otra visión o enfoque donde se nos cuente TODA la vida de Mario Moreno.

AMERICANA 2016 - DIA 3

Crónica diaria con mini reseñas de Josep Cabanas sobre las películas vistas en la tercera edición del American Film Festival. Realizó su primera edición el mes de febrero del año 2014 en los Cines Girona. El festival nació de la firme motivación de un grupo de amigos para exhibir una selección de las mejores películas independientes estadounidenses de la temporada al público de Barcelona. La excelente respuesta del público llevó a más de 2.400 espectadores a los Cines Girona, donde se colgó el cartel de entradas agotadas en ocho de las doce sesiones programadas con un resultado de ocupación del 82%. La película ganadora del premio del público artsy fue la aclamada 'Short Term 12' ('Las Vidas de Grace'), segundo largometraje del hawaiano Destin Cretton, que también ganó premios en otros prestigiosos festivales como la Seminci o South by Southwest (SXSW). En 2015 la segunda edición de Americana se cerró con un total de 5.000 espectadores, una cifra que un año más demostró el interés del público barcelonés por un cine estadounidense diverso y creativo que queda fuera de los canales habituales. La película ganadora del premio del público fue 'Selma' de la realizadora Ava Duvernay. El premio del Jurado Joven de 'La Casa del Cine' fue para la película 'Buzzard' de Joel Potrykus. Entre las actividades paralelas del Americana Film Fest encontramos una retrospectiva en la Filmoteca de Cataluña, el ciclo ‘On the road’ organizado por el Consulado General de los Estados Unidos en Barcelona en el Centro Cívico Fort Pienc, el taller de crítica y el seminario sobre cine independiente realizados en 'La Casa del Cine' por Manuel Yáñez y Sergio Morera respectivamente, un vermut colectivo en el Convento de San Agustín en colaboración con Ven tú!, colaboraciones con Sala Montjuïc y Cinema Liure a la Platja y los talleres infantiles de Americana Kids realizados en el marco del festival.

Wildlike - Frank Hall Green - Estados Unidos 

6/10

Mackenzie es una problemática adolescente que después de la muerte de su padre es enviada por su madre a un pueblecito de Alaska a vivir con su tío con el que no acabará de encajar y escapará hacia Seattle. Durante este viaje conocerá a un adulto con el que vivirá una relación de amistad en su trayecto común. 'Wildlike' es una historia de dos personas rotas por la perdida de un ser querido, y también sobre la extraña amistad que surge entre ellos, y que a pesar de no contarse mucho el uno al otro, inician un viaje por la bellas tierras de Alaska. El ritmo lento que nos impone el director Frank Hall Green, no juega demasiado a su favor, pero esto lo compensa un poco la pareja protagonista, en especial la joven protagonista, Ella Purnell, de la que creo que en futuro oiremos a hablar. El resultado de la película no es del todo satisfactorio, pero me quedo con sus buenas actuaciones y algún buen momento sobre todo en su tramo final. 

 The Overnight - Patrick Brice - Estados Unidos 

6.5/10 

Una pareja recién llegada a Los Ángeles con su hijo, intentará integrarse lo más rápido posible a la ciudad. Para ello aceptaran la invitación de sus vecinos de pasar una agradable velada con ellos que se convertirá en su noche más loca y extraña de sus vidas. 'The Overnight' es una comedia que juega muy bien creando situaciones realmente incomodas, transformándolas en divertidas para el espectador. Para que ello funcione, Patrick Brice, utiliza muy bien a los cuatro actores de la película, los televisivos Adam Scott ('Parks & Recreation') y Taylor Schilling ('Orange is the New Black') por un lado y a Jason Schwartzman y la francesa Judith Godrèche por el otro. Ambos están convincentes en sus papeles y exhiben una buena sintonía en pantalla. No soy muy amante de las comedias y me cuesta mucho reírme y divertirme con ellas, pero esta película ha conseguido ambas cosas. 

Trumbo - Jay Roach - Estados Unidos 

8/10

 Biopic sobre el guionista norteamericano Dalton Trumbo, repudiado y perseguido a partir de 1940 por la industria cinematográfica de su país por su militancia en el partido comunista. El biopic es un genero complicado y en muchas ocasiones las películas de este tipo son fallidas. No es el caso de 'Trumbo' que se apoya en un reparto fantástico (Diane Lane, John Goodman, etc...) comandado por el gran Bryan Cranston, que aquí hace gala de todas sus habilidades y muestra el gran talento con el que nos deleito en 'Breaking Bad'. El recital de Cranston viene acompañado de un buen guión que nos cuenta de manera solvente una historia muy atrayente. De la dirección de Jay Roach no hay nada malo que decir, solo que deja que la película vaya fluyendo y no pone ningún impedimento. El retrato del inicio de la Guerra Fría y del conservadurismo de algunas de las estrellas más rutilantes de Hollywood, cómo por ejemplo John Wayne, esta bien logrado y consigue interesarte. Una película necesaria, con la que Hollywood intenta redimirse del maltrato que infringió a uno de sus mejores escritores de la época más gloriosa del cine. Aviso, cuando terminas solo tienes ganas de revisar 'Espartaco' y 'Vacaciones en Roma', escritas por Trumbo, alguna con nombre falso, y que seguro que las veremos desde una óptica totalmente diferente. Una cinta que creo que encantará a los amantes del cine clásico en particular y a los amantes del cine en general y una buena manera de clausurar el Americana Film Festival 2016.

THE DANISH GIRL

The Danish Girl - Tom Hooper - Reino Unido

7.5/10

La nueva película de Tom Hooper ('Los Miserables' , 'The King's Speech) es una melodrama de época basada en hechos reales que nos narra la historia de un matrimonio de artistas que vive en el Copenhague de principios del siglo XX. Su vida dará un giro inesperado el día que Einar (Eddy Redmayne) posa vestido de mujer para un cuadro que esta pintando su esposa Gerda (Alicia Vikander) sustituyendo a una modelo femenina. A partir de ese momento Einar iniciara una transformación hasta convertirse en Lili. Basada en el best-seller de David Ebbershoff, que cuenta la historia del primer caso conocido de operación de cambio de sexo, 'The Danish Girl' es una película que no gustara a todo el mundo, ni creo que sea una cinta para el gran publico. Muchos la tacharan de cursi, sensiblera o demasiado correcta. Puede que tengan razón, pero el talento visual con la que trata la historia Tom Hooper a mi me ha convencido. Un biopic nunca es fácil de trasladar a la pantalla i mas si trata un tema como el transexualismo, pero Hooper lo hace con buen gusto y sensibilidad. Esta historia en manos de otro director hubiera naufragado estrepitosamente, pero el autor de 'Los Miserables', apoyado en la magnífica fotografía de Danny Cohen y en una muy buena ambientación, sabe donde colocar la cámara en todo momento y como sacar lo mejor de la extraordinaria pareja protagonista. El guión adaptado por Lucinda Coxan no le ayuda demasiado, pero tampoco es un obstaculo insalvable, quizás en su parte final es donde este flojea mas. Hooper también puede ayudarse de la gran partitura del ganador del Oscar del año pasado por 'El Gran Hotel Budapest, Alexandre Desplat, que nos regala una banda sonora impresionante dotada de una sensibilidad y melancolía que combina a la perfección con las imágenes. Pero sin duda lo mejor y mas destacable de esta cinta son sus dos actores principales. Eddy Redmayne vuelve a brindarnos una actuación magnifica, como ya hizo el pasado año en 'The Theory of Everything', que le valio para ganar el Oscar de la Academia de Hollywood. Aquí se transforma literalmente en una mujer, y lo hace de manera muy convincente. En algún momento logra ser incluso mas femenino que su partenaire. Pero para mi 'La chica danesa' autentica de esta película es Alicia Vikander, que nos confirma lo que ya nos mostró en la excelente 'Ex-Machina' i en la notable 'Operación U.N.C.L.E' i se reafirma como la actriz revelación de este 2015, con el permiso de Daisy Ridley (Star Wars: The Force Awakens). Vikander os ofrece una interpretación llena de naturalidad, frescura y una fuerza tremenda. Tal es la fuerza con el que dota a su personaje que en muchos momentos se come la pantalla y a todos los que están a su alrededor, Redmayne incluido, y ella pasa a ser el eje central en que se mueve la película y la que lleva el peso de la película. En resumidas cuentas, a pesar de sus defectos, que los tiene, sus virtudes son mayores, y he disfrutado de un visionado bastante placentero, aemás me ha interesado conocer esta historia que desconocía en absoluto.

JOY

Joy - David O. Russell - Estados Unidos 

4/10

El principal reclamo de 'Joy', y después de ver la película, creo que el único, es Jennifer Lawrence. Pero ni su maravillosa actuación consigue reflotar la nueva cinta de David O.Russell. Joy Mangano (Jennifer Lawrence) es una joven que vive con sus padres separados, su hermana, su hija y su ex-marido. Esto y las circunstancias de la vida han impedido que pueda realizar los sueños que tenia de pequeña y desarrollar su gran potencial y creatividad. A pesar de todo ello consigue crear y patentar una mopa auto-absorvente y acabara convertiendose en una de las caras más reconocibles de la teletienda americana. El gran problema de 'Joy' esta en su flojo y mal hilvanado guión, escrito por el propio Russell, el cual nos cuenta una historia muy poco interesante y así es muy difícil que una película funcione. Además David O.Russell tampoco consigue encontrar el tono en la dirección y donde eso se hace mas perceptible es en los personajes que rodean a Joy, que a mi me han parecido auténticos gilipollas tóxicos para la protagonista, que a lo mejor tratados en clave de comedia hubieran funcionado, pero esa indefinición en el genero le va totalmente a la contra. La película ni divierte, ni emociona, ni consigue interesar, y en eso su principal responsable es el director, que sumado a su mal guión hace que el conjunto de la película suspenda. Donde tampoco acierta es en el uso de la banda sonora, un conjunto de buenas canciones que (mal) combinadas con las imágenes te dejan una sensación de indiferencia total. Que nadie crea que soy un 'hater' de David O.Russell, a mi 'Silver Linings Playbook' me encantó, creo que la maltratada 'American Hustle' es una buena película, y 'The Fighter' és excelente y su mejor largometraje, pero aqui no acierta en nada. No se puede desaprovechar un reparto que cuenta con Jennifer Lawrence, Robert deNiro, Bradley Cooper, Virginia Madsen, Isabella Rossellini i Dascha Polanco ('Orange is the New Black') con un guión tan malo. Él es el principal culpable de que 'Joy' sea una cinta fallida. Como ya he dicho al principio de estas lineas, la única cosa buena es Jennifer Lawrence, para mi la mejor actriz del panorama americano actual. Con nada consigue iluminar la pantalla y firma una de las mejores y mas solidas actuaciones de su corta pero esplendida y meteórica carrera. No creo que le de para un Oscar, pero la nominación me parece que la tiene asegurada. Del resto del reparto poca cosa que decir, deambulan por la pantalla con mayor o menor acierto, pero con este guión poca cosa mas podían hacer. En especial sale mal parado Bradley Cooper, no por su culpa sino por su personaje, totalmente desdibujado y innecesario. En resumidas cuentas, ni la gran interpretación que nos regala Jennifer Lawrence consigue levantar una película lastrada por su mal guión. Y es que sin un buen guión es casi imposible realizar una buena película.

Lo Mejor: La gran actuación de Jennifer Lawrence, lo único que se aprovecha de la película.

Lo Peor: El mal guión y el poco interés que este despierta en el espectador, y el responsable de esto és el que lo ha escrito, y que tampoco ha estado muy acertado en la dirección, David O.Russell.

KAZE TACHINU (THE WIND RISES)

Kaze tachinu (The Wind Rises) - Hayao Miyazaki - Japon 

7.5/10

El genio Hayao Miyazaki dice adiós. Con la esplendida  'Kaze tachinu (The Wind Rises)', el artista japonés da por terminada su carrera como director.  Miyazaki abandona la sala por la puerta grande entre vítores y gritos. camina despacio, marcando cada paso, con la cabeza alta, se detiene en la puerta, se gira y nos regala esa sonrisa bajo sus gafas. Nos saluda levantando levemente su sombrero blanco y desaparece fundiéndose con la luz. El anuncio de la retirada en la dirección de Hayao Miyazaki el 1 de septiembre de 2013 llegaba mediante comunicado oficial tras el estreno de esta película en el pasado Festival de Venecia. A sus 72 años el artista japones reconoció que sus energías ya no eran las mismas: 'Pasaron cinco años entre mis dos últimas películas. La siguiente no la podría estrenar hasta dentro de seis o siete años, yo ya tendría casi 79 años y estaría agotado.' Hace cinco años se estrenó 'Ponyo en el acantilado', y ha tardado lo mismo en crear esta nueva gran película. 'The Wind Rises' es un cierre magnifico y esplendido a toda una carrera dentro del cine de animación. Hay secuencias y planos que justifican todo el precio de la entrada, algunos de ellos tan impresionantes que no querrás ni parpadear para no perderte ni un solo fotograma de tan brillante muestra de talento. Se despide el director más grande que este genero ha podido dar. Un artista capaz de contar todas sus obras por buenas o muy buenas, sin excepción. Desde 'Nausicaa del Valle del Viento' hasta 'El castillo ambulante' pasando por 'La Princesa Mononoke' o 'El viaje de Chihiro'. Todas y cada una de ellas son tributos a la belleza dentro del cine, a la animación hecha sentimiento, por ese motivo consideramos que le debemos estar profundamente agradecidos al señor Miyazaki. Este largometraje posee dos claras fuentes de inspiración. La primera es el manga homónimo creado por Miyazaki y la segunda es el relato corto del mismo titulo escrito por Tatsuo Hori en 1937, a quien por cierto se homenajea en el filme. Hori asumió una línea del poema de Paul Valéry: 'Le vent se lève, il faut tantrer de vivre.' que traducida al japonés quiere decir: 'Kaze tachinu, ikimeyamo iza (El viento se levanta, debemos tratar de vivir).' Este pasado 2013 estuvo nominada al Oscar a mejor largometraje de animación donde fue derrotada por la americana 'Frozen' y en los Globos de oro a mejor película extranjera donde corrió la misma suerte frente a 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino. Nominaciones y premios a partes iguales en todo tipo de festivales, Círculo de Críticos de Nueva York, Críticos de Chicago, Asociación de críticos de Los Angeles, Critics Choice, Premios Annie, Japan Academy Prize for Animation of the Year, Satellite Awards o el citado antes, Festival de Venecia. Fue la película más taquillera de Japón en 2013. Se estrenó junto a 'The tale of princess Kaguya' que es otra producción Ghibli dirigida por Isao Takahata; algo extraño ya que el hecho de estrenar dos films a la vez no pasaba desde el año 1988 con 'Mi vecino Totoro' y 'La tumba de las luciérnagas'.

'The Wind Rises' es un biopic clásico y ficticio sobre Jiro Horikoshi, el hombre que diseño los aviones japoneses que terminarian por atacar la base norteamericana de Pearl Harbor durante la segunda Guerra Mundial. Miyazaki se despide con una película algo más adulta y madura-con momentos de humor contados-que de costumbre, más realista y dramática, donde esos grandes toques de fantasía vistos en anteriores trabajos aparecen sólo en los sueños del protagonista y en donde el director japones da rienda suelta a su poderosa imaginación y buen hacer. El mundo de los sueños y obsesiones de Jiro acompañados de la figura de Caproni (diseñador italiano al que idolatra Jiro) son muestras de ese gran mundo de fantasía que aun tiene este autor en su mente. Curiosamente y al igual que el director, Jiro también padece problemas de visión, mas concretamente, miopía. Esto le impedirá cumplir el sueño de ser piloto para terminar convirtiéndose en diseñador aeronáutico. Es realmente increíble y asombroso la capacidad de este genio para construir y sorprendernos una vez tras otra con esas escenas tan sencillamente detalladas y que quedan grabadas en la retina del espectador. Miyazaki recorre la vida de este chico de campo, amable, generoso y soñador llamado Jiro a través de los hitos históricos nipones contemporáneos, concretamente desde la Era Taisho en 1912 hacia adelante como: la epidemia de tuberculosis, el terremoto de Kanto, el desempleo, la gran depresión, la entrada del país en guerra, pobreza, revoluciones, fascismo o la supresión de la libertad de expresión. Una guerra tras otra. Su alejamiento político refuerza las acciones del protagonista y no se posiciona a favor de nadie dejando al espectador libre de pensamiento. Esa misma lejanía fue motivo de críticas tanto positivas como negativas en su país. Esa famosa línea entre el bien y el mal que tantas veces hemos visto en otras producciones del artista de Ghibli aquí se llama política. Miyazaki vuelve a dejar que su protagonista surque los cielos como lo hiciera el maldecido Marco Pagot en 'Porco Rosso', vuelven los aviones y la pasión por la aviación, vuelven esos personajes tan bien matizados que muchos llevamos 5 años esperando.'The Wind Rises' es Miyazaki puro, a pesar de que es algo más realista si cabe, y menos fantasioso también, pero no deja de ser igual de emotivo y sorprendente que en otras ocasiones. Es el perfecto broche para cerrar una carrera repleta de éxitos. 

Podría haber sido una película mucho más cruel de no ser por el estilizado dibujo al que nos tiene acostumbrados el director nipón que siempre intenta mostrarnos el lado bueno de las cosas antes que el visceral y ordinario. Paralelamente al tratamiento historicista nipón desarrolla otra línea dramática centrada en una bellísima historia romántica, como nunca habíamos visto. El amor que nace entre Jiro y Nahoko es de aquellos tan bonitos que puede resultar empalagoso si se trata de explicar, pero es enternecedor si se tiene la oportunidad de visualizar. La escena cuando ella lo arropa es de una tremenda ternura. El amor siempre ha sido uno de los matices que gustan a ese Miyazaki tan humano, y aquí es palpable desde que se inicia el romance entre los protagonistas cuando el viento los une por casualidad en el tren donde se cruzan sus primeras miradas hasta que termina la película. Lo peor o menos agradable es ese toque melancólico que tiene este último trabajo del director japones, ese aire a despedida, a fin de fiesta, ese aire que bien podría ser utilizado como frase secundaria del titulo principal, 'The Wind Rises', el adiós de un genio. La banda sonora es una maravilla dotada de vida propia. Las composiciones creadas por Joe Hisaishi te envuelven totalmente. Este compositor japones es el habitual del maestro nipón, con el que ha trabajado en más de 10 ocasiones, y también de Takeshi Kitano con el que cuenta hasta 7 colaboraciones. El piano es el verdadero protagonista de casi todas las partituras de Hisaishi, aunque para esta ocasión en concreto usa mucho en el arranque las mandolinas y guitarras en las apariciones de Caproni, dejando el piano para los momentos de más emoción o tensión, para finalmente descargarse con una suite de violines maravillosa. También se pueden apreciar toques de distintos instrumentos-mucho acordeón-dependiendo en que país (mundo de los sueños, Japón, Alemania) se encuentre la acción, unas melodías agradables y temáticas nada repetitivas. Un grande en pocas palabras, un compositor capaz de elevar el disfrute del espectador que presencia las imágenes que Miyazaki pone delante de él y envolverlo por completo para terminar emocionándole con cada una de las líneas de sus composiciones musicales, como pasa en la impresionante e inesperada escena del terremoto de Kanto. El tema principal de la película-y que aparece en los créditos finales- está compuesto e interpretado por Yumi Arai y se llama 'Hikoukigumo'. Pianista, letrista, cantante y compositora, Arai lleva en la música desde que era muy joven y prueba de ello es que el tema principal de 'The Wind Rises' fue escrito y compuesto cuando tenía 18 años, en 1972. Tampoco es la primera vez que trabaja para Ghibli dado que ya lo hizo en 1989 con la canción 'Rouge no den’gon' en la película 'Nicky, la aprendiz de bruja'.

YIP MAN

Ip Man (Yip Man) (Yi dai zong shi Ye Wen)(The Legend of Yip Man)(Grandmaster Yip Man)
Wilson Yip - Japon
8.5/10

'IP Man' podría ser la mejor película de artes marciales de la historia de no ser porque este género en concreto abarca muchísimos puntos de vista, gustos y opiniones diversas. Cualquier fan de las artes marciales vistas en pantalla grande tiene su film preferido y especial, respetando eso si, al maestro Bruce Lee. A los fans de Jackie Chan no suele gustarles tanto Jet Li, esto ocurre al revés, quienes disfrutan de las multi-coreografiadas escenas de acción de Chan ven solamente como buenas y poco más las de Li. No siempre, pero suele ocurrir. Algo así como los fans de PES y FIFA, por poner una comparación rápida. Hay muchos más actores de artes marciales obviamente, Chow Yun-Fat,  Michelle Yeoh, Yuen Biao, Sammo Hung, Tony Leung, Andy Lau, Zhang Ziyi o Angela Mao, pero quienes se repartían la mayor parte de fans fueron ellos dos. Ambos igualmente inexpresivos y cada uno de ellos en su estilo, el humor de Jackie y la eficiencia de Li. El paso del tiempo no perdona a nadie y las 2 estrellas asiáticas de acción internacionales ya no cuentan con la gran participación en películas con las que contaban antes, en parte también porque el publico general ya no consume el cine de acción como en la época dorada de ambos. Mientras que Chan ya solo aparece en un film al año y sin ser protagonista, Li goza de algo más de 'vida cinéfila' al verse incluido en la saga 'The Expendables', pero al margen de esta no se prodiga ya como antaño. Esto nos deja a nuevos grandes actores como el tailandés Tony Jaa de la saga 'Ong Bak', Iko Uwais de 'The Raid' y su secuela o el protagonista de esta cinta, el magnífico Donnie Yen. Donnie no es nuevo, algunos lo conoceréis por su personaje de Cielo en 'Hero' junto a Jet Li y Tony Leung, o también por sus otros papeles en producciones tan conocidas dentro de este mundo como 'Bodyguards and Assassins', '14 Blades' o la interesante 'Dragon (Wu xia)'. Se le podría incluir tranquilamente en la generación de Chan y Li aunque un peldaño más abajo (comenzó su carrera en 1984, en pleno auge del mono borracho de Chan), pero Yen no solo sigue activo y con proyectos (3 películas en 2014 y futuro protagonista de la segunda parte de 'Crouching Tiger Hidden Dragon') sino que demuestra en cada oportunidad que tiene el buen hacer que posee para no solo la ejecución en coreografías de artes marciales y su puesta en escena sino también algo más de expresividad en sus interpretaciones que la gran mayoría de actores de este género. Actualmente y en mi humilde opinión, es el mejor actor de artes marciales que hay, sin ninguna duda. Aquí da vida al famoso, y consumido en los últimos tiempos por el séptimo arte, maestro Yip man, más conocido por ser el instructor del mítico Bruce Lee en su edad mas temprana, la película se centra en su vida en Foshan, durante los años 30 con epicentro el estallido de de la segunda guerra sino-japonesa que provocaría la ocupación nipona de parte del sur de China. No estamos ante un biopic clásico donde se nos cuente toda la vida del maestro, más bien estamos ante una ventana que permite ver una parte importante de la vida (ficcionada) de uno de los genios de las artes marciales más importantes y respetados de la historia.

Tras esta primera visión dirigida por Wilson Yip le han seguido 5 más, incluida una serie de televisión. 'Yip Man II' llegó en 2010 con mismo protagonista y director, Donnie Yen y Wilson Yip. Si bien no es tan espléndida y satisfactoria como la primera se deja ver bastante bien y fija en la acción su motor principal. Además, cuenta con un némesis como el clásico actor en estos lares, Sammo Hung, que a sus años seguía manteniendo una forma y unas maneras envidiables. Ese mismo año llegaría la primera de las 2 dirigidas por Herman Yau, 'Ip man: the legend is born', interesante pero más floja que las anteriores, tiene el aliciente de contar la vida de Yip man desde su más tierna infancia hasta la adolescencia, haciéndonos comprender el porqué de muchas de sus reglas sobre el comportamiento y la educación. El segundo trabajo de Herman fue en 2013 con 'Ip man: the final fight', este film está considerado la tercera parte de la saga de entregas realizada por Wilson Yip. Herman hizo dos películas complemento a las de Yip, una precuela y una secuela, y a ellas se le une también la versión/visión de Wong Kar Wai, 'The Grandmaster' con Tony Leung como protagonista, un film que técnicamente es soberbio pero que falla en contar de forma interesante una trama que debería serlo. Las producciones sobre el gran maestro finalizan con una serie de televisión con 50 capítulos titulada 'Ip Man (Yip man)' a finales de 2013. Wilson Yip y Donnie Yen habían trabajado juntos antes en 3 grandes films de acción como 'Kill Zone' (aquí junto a Sammo), 'Dragon Tiger Gate' y 'Flash Point', todo producciones made in Hong Kong. Y es que Donnie, no se ha prodigado en el país norteamericano salvo en 1 ocasión, en 'Blade 2', con un papel muy secundario. Una de las curiosidades de esta película es que uno de los secundarios es nada más y nada menos que el que fuera protagonista de la mítica cinta de los años 80, 'History of Ricky', Siu-Wong Fan aka Louis Fan. Desde aquel papel tan solo contaba con 4 películas en su haber, desde su aparición en 'Yip man', ya ha participado en 5 películas mas. Fan también aparece en la segunda parte de Wilson Yip y en la primera de Herman Yau en otro papel distinto. El némesis de Yip Man en la película es un actor japonés perfecto en su papel, haciendo tan suyo un personaje con tan elegancia y sobriedad como lo hace el propio Yen, se trata de Hiroyuki Ikeuchi. Considerada por la crítica como una de las mejores películas de artes marciales de la historia, codeándose con títulos como 'Kill Bill', 'The Raid', 'Crouching Tiger, Hidden Dragon', o clásicos como 'Return of the Dragon' o 'Drunken Master', en 'Yip Man' la verdadera inteligencia es tratar las artes marciales lo más realistas posibles. Se dan cabida en momentos puntuales a los efectos especiales pero solo para intentar hacer las escenas de lucha lo más cercanas a la realidad. No se abusa de ellas, no es un machaque de 106 minutos con constantes entradas y salidas de extras que nunca mueren. Aquí en 'Yip Man', cualquier escena de acción está integrada perfectamente en el metraje, sin calzador. Unas escenas donde se puede saborear el arte como tal que es, donde poder admirar el estilo Wing Chun que hizo tan famoso a este maestro. Conoceréis su forma de ver y entender la vida con respeto y educación, esa filosofía de la cual, y está más que demostrado, quedó impregnado otro genio como Bruce Lee. Cinta de corte clásico, con inicio donde todo es muy bonito, varapalo en la mitad y desenlace duro porque no es el esperado por todos. Final épico y que funciona perfectamente porque todo lo visto antes justifica precisamente dicho final. El enfrentamiento de China contra Japón, el respeto mutuo entre dos maestros en sus estilos al que la historia, y la guerra, ha puesto uno delante del otro. Todo ello con el trasfondo de la ocupación japonesa y las penurias que comportó dicho conflicto, donde los chinos eran tratados como simples animales. Puede gustar tanto a los fans más viejos de este tipo de cine como a los que no les gusta o lo suelen criticar por repetitivo y poco original ya que la propia historia, sonido, actores y fotografía así como el enfoque final que se da a toda la película la hacen un producto muy agradable de consumir para todos. Si Donnie Yen consigue convenceros como héroe de acción no dejéis pasar la secuela de este film y echadle un ojo a titulos como 'Kill Zone' y 'Flash Point', no os defraudará.