SAINT YOUNG MEN

Saint Young Men- Noriko Takao - Japón

En esta original película nos situamos en Tachikawa, los arrabales de la ciudad de Tokio, Japón, lugar que Jesús y Buda escogen como para descansar y disfrutar como unos singulares turistas, abandonando su habitual paraíso celestial. Los protagonistas buscan un año sabático, por lo que ponen todo su empeño en pasar desapercibidos, sin embargo su naturaleza divina les traiciona y no pueden evitar ponen el práctica sus dones. En estas nada anodinas vacaciones explorarán todos los rincones visitados por los mortales, desde los típicos baños japoneses hasta los mercados. Del mismo modo que disfrutarán a lo grande del mismo modo que nos gusta hacer a los mortales, atracones de pasteles, hacernos selfies para capturar hasta el más mínimo momento, visitar parques de atracciones o rendirnos al magnetismo de las series. Aunque del mismo modo deberán la otra cara de la vida humana, hallar un modo de afrontar la vida. También conocerán a los diferentes arquetipos que conforman la sociedad nipona, desde los más entrañables e inofensivos, como niños y gente amable y hospitalaria, hasta pequeños gamberros y miembros de la Yakuza. A pesar de que los últimos tiempos reina un ambiente de moralina en el que parece que no se puede hacer humor con según qué cosas, sobre todo con la religión, este largometraje japonés se atreve a hacer reír al público utilizando un humor sano, ligero y, evidentemente, sin ningún ánimo de herir sensibilidades ni verter sangre. 'Saint Young Men', conocida en España como 'Las vacaciones de Jesús y Buda', es una producción japonesa a cargo de la dirección de Noriko Takao. Es un film que rompe con la animación japonesa tradicional, lo cual supone un soplo de aire fresco, aunque la animación más tradicional se mantiene en el diseño de los fondos y personajes. La atmósfera de ligero humor va guiada por una melodía suave en la que podemos reconocer ritmos típicos japoneses, más modernos o antiguos, con tintes cristianos o budistas, dependiendo del momento. Una comedia muy recomendable que consigue hacer humor con un tema tan delicado como la religión sin caer en la burla ni hacer demasiado hincapié en los aspectos que podrían suscitar una mayor controversia.

MISS HOKUSAI

Miss Hokusai - Keiichi Hara - Japón 

El presente largometraje del estudio japonés Production I.G.  se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto.  A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña. 

ESPECIAL SAN VALENTIN

El 14 de febrero es una de esas fechas como el 31 de octubre (Halloween) que relacionamos con la cultura norteamericana. Pero con el paso de los años hemos ido integrándolas en la nuestra y, aunque reneguemos de San Valentín, al final, acabamos 'celebrándolo' de una manera u otra. Nos entra la tontería y nos da, por ejemplo, por ver películas de temática romántica. No olvidemos que San Valentín es el patrón de los enamorados, pero como no tienen por qué ser todo títulos melodramáticamente cursis, en BloodStab han hecho una selección de pelis más que recomendables . Nunca pensaríamos en el director de 'Clerks', Kevin Smith, como un tío romántico ¿no? Pues que sepáis que 'Chasing Amy' (1997) es una de las películas más románticas de su época y que marcó a mi generación. Si encima os gusta la música y los Sex Pistols, 'Sid & Nancy' (1986) tiene todos los ingredientes, reflejando la historia de amor entre el líder de la banda y su mayor groupie. No hace falta que nos remontemos tan atrás en el tiempo, en 2013 Spike Jonze nos sorprendió y emocionó con una de las películas que más reflejan las curiosas relaciones amorosas que establecemos hoy en día: 'Her'. Ese mismo año, una producción japonesa, 'The Garden of Words', demostraba como ya había hecho Hayao Miyazaki con 'El Castillo Ambulante' que, a través de la animación, también se pueden contar grandes historias de amor. Y, sin irnos más allá de nuestras fronteras, en 2014 el vasco Mikel Rueda nos regaló 'A escondidas'. Echad un vistazo porque tenéis donde elegir y seguro que encontrareis vuestra película para este día. ¿Lo mejor de todo? Que os daréis cuenta que, en realidad,  podéis verlas cualquier día del año.

Sid & Nancy - Alex Cox - Reino Unido

8/10

‘Sid & Nancy’, también conocida como ‘Sid & Nancy: Love Kills’, es una película que retrata la vida de Sid Vicious (Gary Oldman), bajista de la banda de punk rock Sex Pistols. En este biopic del año 1986 dirigido por Alex Cox, se destaca la relación del músico con su novia Nancy Spungen (Chloe Webb). Esta película puede resultar interesante para quienes ya conocen los hechos verídicos sobre Sid Vicious, como también para quienes quieran enfrentarse a una historia de amor trágico. Ese amor parece surgir y afirmarse en la mutua destrucción de Sid y Nancy. Amor, drogas, punk, locura… y algo más. Voy a intentar no revelar mucho para los que se encuentran en el grupo de personas que desconocen la historia real. El director repasa los últimos años de Sid Vicious y su banda Sex Pistols. A través de una estética invadida de punk en escenarios y atmósfera, refleja el punto de encuentro entre Sid y Nancy. El músico, en un principio rechaza a la groupie, todo cambia cuando ella le vende heroína. Las drogas son el elemento que aparece como un ritual de iniciación del amor, pero también marca el comienzo de la destrucción. Sid y Nancy están profundamente enamorados y la agresión recíproca, tanto como las drogas, son el combustible de esta relación. El desenlace está marcado por los hechos reales que acontecieron en octubre de 1978. En el vertiginoso transcurrir de ese amor aparece la fatalidad, la destrucción en su forma más explícita. Sid y Nancy son protagonistas de un amor trágico…hasta el final. Mención especial para una escena que se ha convertido en icono. Un callejón es el lugar donde se mezclan la estética punk con el romanticismo: bajo una lluvia de basura, Sid y Nancy se besan…mientras escuchamos la canción ‘Taxi to Heaven’ los vemos en cámara lenta, como si estuvieran suspendidos en el tiempo... Duración: 111 minutos.

A escondidas - Mikel Rueda - España

7/10

Ibrahim (Adil Koukouh) acaba de cruzar la frontera desde Marruecos y vive en un centro de menores donde sabe que le echaran en un par de días. Se siente perdido dentro de un mundo, dónde se ve rechazado y culpable por ser inmigrante. Rafa (Germán Alcarazu) un joven vasco, superado por el despertar sexual, en mitad de unos amigos que no comparten su realidad. Las vidas de estos dos chicos tan diferentes pero tan iguales, están a punto de cruzarse. La unión de ambos se hará tan fuerte, que empezaran a vivir y sentir cosas que no podrán controlar. Mientras, Alicia (Ana Wagener) miembro de la ONG que lucha porque Ibrahim pueda quedarse en el país y Jose (Alex Ángulo, en una de sus ultimas apariciones en la gran pantalla antes de fallecer) director del centro de menores donde vive el joven marroquí, intentan guiarles y ayudarles a entenderlo, a entenderse. Un filme sin igual, donde detallan este drama romántico con toques homofóbicos, amores adolescentes, racismo, desigualdad, educación, delincuencia.. Después de casi 8 años de trabas y dificultades, por fin Mikel Rueda, pudo llevar este proyecto a la gran pantalla en octubre del 2014 y como bien reza en la película.. Da igual de dónde seas, no importa que seas heterosexual u homosexual, el primer amor es una experiencia única e irrepetible. Duración 92 minutos.

If Only - Gil Junger - Estados Unidos
6/10

'Un día inesperado' ('If Only') nos cuenta la historia de Sam, una extrovertida americana que se traslada a Londres para estudiar violín en una escuela de música, ya que su sueño es convertirse en una cantante de éxito. Por otra parte su novio inglés Ian, es un ejecutivo serio y discreto, demasiado frío e incapaz de expresar sus emociones. Su relación con altos y bajos cambia repentinamente tras un truculento accidente, que hace que él tenga una segunda oportunidad para poder comunicarle a su novia lo que realmente siente por ella. Aunque a priori pueda parecer la típica comedia romántica, su director Gil Junger nos sorprende en este sentido, ya que pasados unos minutos nos damos cuenta que en realidad nos encontramos ante un dramón en toda regla (aunque sin perder ese tono cómico), y es ahí donde radica uno de sus puntos fuertes, ya que si por momentos puede resultar algo empalagosa (quizá demasiado), se llega a compensar por el tono más amargo de ciertos pasajes de la cinta, haciéndola difícil de catalogar en un solo género. Pero es que además coquetea con la ciencia ficción, más light eso sí, al encontrarnos elementos de 'Atrapado en el tiempo' y de otras comedias en las que los protagonistas tienen la oportunidad de remendar errores del pasado, a través de las llamadas paradojas temporales. Los protagonistas Jennifer Love Hewitt y Paul Nicholls hacen unas interpretaciones bastante solventes, aunque quizá la química entre ellos no esté del todo conseguida, sobre todo por Nicholls y su fría interpretación al comienzo de la película. Love Hewitt es productora de la película y eso se nota, ya que nos permite ver la faceta menos conocida de la actriz, en este caso la música, interpretando varias canciones en la propia película (entre ellas la preciosa Take My Heart Back), todo un vehículo de lucimiento por y para la actriz. El guión es original dentro de lo que cabe, por que empieza pareciendo una comedia romántica, donde destacan las escenas donde trabaja el personaje de Nicholls, pasando a ser un drama con tintes fantásticos, con escenas como las del taxista interpretado por Tom Wilkinson, y terminando a ser una tristísima historia de amor y redención. Técnicamente la película está bastante cuidada en todos los aspectos, destacando la fotografía y los increíbles paisajes en la Inglaterra más rural. Una película bastante desconocida y con un nivel por encima de la media, que suma puntos si además eres seguidor de la encantadora Jennifer Love Hewitt. Ideal para ver en pareja. Duración: 92 minutos.



Chasing Amy - Kevin Smith - Estados Unidos
7.5/10

Holden (Ben Affleck) y Banky (Jason Lee), dibujante y entintador (¡calcador!) respectivamente, pasan los días en su estudio de Jersey trabajando en su cómic de éxito 'Bluntman y Chronic'. En una convención de cómics en Nueva York conocerán a Alyssa (Joey Lauren Adams), también colega de profesión. Holden conectará con Alyssa inmediatamente hasta el punto de que acabará enamorándose de ella. Pronto descubrirá que ella es gay. A partir de aquí seremos testigos de una serie de conflictos emocionales que afectarán tanto a la pareja protagonista como al propio Banky, el cual no entenderá que su amigo se haya enamorado de una lesbiana. Esta tercera parte de la trilogía de Jersey ('Clerks', 'Mallrats' y 'Persiguiendo a Amy') de Kevin Smith es, para mi, su película más redonda. El humor y las referencias pop del director siguen vigentes en todo momento pero sin llegar a entorpecer la trama. Sentimientos a flor de piel, evitando la cursilería, celos, envidias y un cuestionarse la sexualidad propia se dan la mano en mi recomendación de San Valentín. Solos o en pareja, disfruten del día. Duración: 113 minutos.

Her - Spike Jonze - Estados Unidos

8/10

En un futuro cercano, Theodore (Joaquin Phoenix), un hombre triste, solitario y a punto de divorciarse, trabaja en una empresa online que se dedica a escribir cartas de amor para otra gente. Un día compra un nuevo sistema operativo basado en un modelo de A.I para su ordenador, con el que sorprendentemente empezara una relación sentimental. Este es el extraño y descabellado argumento de 'Her', pero es una película tan bien escrita y filmada por Spike Jonze que la convierte en una de mis largometrajes románticos de referencia. Y es que para que el espectador consiga creerse la historia, el guión tiene que ser muy bueno, y lo es, no en vano gano el Oscar en 2013. Jonze también logra filmarla con una sensibilidad muy especial, que le da una identidad única a la película. Si a todo esto le sumamos un diseño de producción magnifico, una fotografía preciosa y una buena banda sonora utilizada con muy buen gusto, nos queda una película casi redonda. Mención especial para Joaquin Phoenix, protagonista casi absoluto de la cinta, que nos regala una de las mejores y mas difíciles interpretaciones de su carrera, construyendo un personaje tierno y conmovedor. Pero, personalmente lo que mas me cautivo, fue Scarlett Johansson, que le da voz al sistema operativo (Samantha) y que no sale ni un solo segundo en pantalla, y que cautiva al espectador con una voz sensual y inigualable y evidentemente indoblable. Una película que solo se puede disfrutar al 100% en versión original. Duración: 126 minutos.

True Romance - Tony Scott - Estados Unidos

8/10

Empezaré diciendo que a mí las películas románticas en general nunca me han gustado, no veo porque ha de interesarme como dos personas se enamoran así sin ton ni son, muy bien llevada la historia y muy bien hecha tiene que estar una cinta de este tipo para que me interese y ese es el caso de la que he elegido para ver en San Valentín: ‘True Romance’ o como se tradujo aquí tan fielmente ‘Amor a Quemarropa’. Lo primero que destaca del filme es el brillante guión de un casi desconocido por entonces Quentin Tarantino que nos deslumbra con esta historia de amor salpicada de peleas, tiros, sexo, drogas, mafia y todas esas cosas que le gustan tanto a él y a nosotros. La dirección de Tony Scott cumple, como siempre, sin ser brillante adapta el guión de Tarantino de manera satisfactoria y es que no es fácil dirigir una película con alma de road movie y tan coral. En ella aparecen grandes actores ya consagrados por entonces y algún que otro desconocido que terminaría siendo una gran estrella de Hollywood. Ejemplo de lo primero es el intenso duelo interpretativo protagonizado por Dennis Hopper y Christopher Walken, maravilloso. Y como ejemplo de lo segundo tenemos a Brad Pitt haciendo un pequeño papel encarnando a un fumeta colgado que pasa de todo. Destacar también a sus dos protagonistas Christian Slater (Clarence) y Patricia Arquette (Alabama) en los que para mí son los papeles de su vida. Muy apropiada, aunque no lo parezca,  la intimista banda sonora de Hans Zimmer, saliéndose un poco de lo típico en este tipo de metrajes. En fin, que no se me ocurre mejor plan en San Valentín que ver una auténtica historia de amor como la de Clarence y Alabama. Duración: 120 minutos

The Garden of Words - Makoto Shinkai - Japón
9/10

Esta joyita de medio metraje en formato anime del año 2013 es obra del japonés Makoto Shinkai. En ella, el experimentado director nipón nos cuenta con absoluta delicadeza y un tacto increíblemente sutil una pequeña historia de amor difícil de olvidar en la que un joven de 15 años y aspirante a diseñador de zapatos conoce a una mujer algo mayor que el durante un día de lluvia. Técnicamente el trabajo de animación es impecable, sobre todo en los escenarios que plantea Shinkai, que aún siendo pocos esta construidos con todo lujo de detalles y la historia que nos cuenta es emocionante, llena de sensibilidad y con un final potentísimo en cuanto a emoción y fuerza. Este formato reducido de 45 minutos condensa todo lo importante que los personajes tienen para contar sobre ellos y sus vidas, las cuales, tampoco quedan abandonadas en el guión escrito por el propio Shinkai, al contrario, son las que provocan que ambos protagonistas acaben conociéndose: Takao gusta de la tranquilidad que no tiene en casa y aprovecha para ir andando al colegio en vez de en tren y Yukari se evade con sus cervezas y sus chocolates alejada del ajetreo del trabajo. La banda sonora es otra maravilla, prácticamente compuesta por un piano y realizada por el novel Daisuke Kashiwa añade ese toque entre melancólicamente calmado y místico que le va a la perfección a este tipo de relato. Creo que es una historia también enfocada a mostrar con sutileza una de las mayores fantasías sexuales de los hombres, tener una relación con una mujer mayor que ellos y, en ese sentido, Makoto transforma el morbo y la curiosidad en algo tan bonito que como dije al principio, es difícil de olvidar. Sea el formato, por su indiscutible calidad técnica, sea la lluvia que permite los encuentros o ese final tan explosivamente romántico, la verdad es que 'The Garden of Words' es una de esas perlas de la animación que todo el mundo debería ver. Altamente recomendable, sobre todo para ellos. Duración: 46 minutos

SIDONIA NO KISHI

Shidonia no Kishi - Kibun Shizuno - Japón

7.5/10

Serie de animación para televisión que adapta el manga homónimo de Tsutomu Nihei. Por ahora lleva dos temporadas. La Tierra ha sido destruida tras el ataque de una raza alienígena Los Gauna, Lo poco que queda de la raza humana viaja ahora por el espacio en unas naves espaciales gigantes, una de estas naves es la Sidonia. Para protegerse de dichos Gaunas en Sidonia se utilizan los Gardes, unos Mechas (Robots gigantes) pilotados por pilotos expertos. El protagonista Nagate Tanikaze, es un chaval que ha vivido toda la vida en los subterráneos de la nave, sin contacto con el exterior, solo en compañía de su abuelo (¿a alguien más le suena esto?) que le obliga a entrenar diariamente en unos simuladores de garde. Cuando este muere, a Nagate no le queda más remedio que salir a la superficie, allí los responsables de la sidonia se darán cuenta del valor que tiene el muchacho para la defensa de la nave y le alistan como cadete. Antes de meterme a hablar plenamente del anime me gustaría dar unos pequeños apuntes sobre el autor. Nihei estudió arquitectura, pero ya desde muy pequeño le llamaba el mundo del cómic y demostró grandes dotes para el dibujo, digo esto porque en todas sus obras gozan de gran importancia estructuras arquitectónicas. La que quizás su obra más conocida ‘Blame’ (Cuyo protagonista tiene un cameo en esta serie) está enteramente ubicada en un mega edificio o más bien un conjunto de estos de corte industrial, lleno de recovecos, pasillos y escaleras imposibles y que crean un ambiente angustiante. la importancia que tienen aquí este tipo de estructuras es clave, en Sidonia también hay construcciones inverosímiles, pero todo es más amable y más humano. La verdad es que el diseño de cada uno de los rincones de Sidonia es una auténtica pasada, desde la fábrica de arroz al cementerio pasando por la academia. Eso sí, las medidas de seguridad brillan por su ausencia, podremos ver puentes sin barandillas, lagos sobre edificios y cosas totalmente estrambóticas, pero que estéticamente quedan genial.

Técnicamente la serie es una pasada. A ver, la serie está hecha enteramente por ordenador, es CGI. Yo prefiero el dibujo a mano de toda la vida aunque no me molestan para nada los efectos que puedan meterle por ordenador, pero ya ver una serie entera hecha así me echaba un poco para atrás, incluso el framerate (los cuadros por segundo) parece un poco bajo. De todo esto te olvidas cuando has visto cinco minutos de la serie, a veces se te puede llegar a olvidar que está hecho en 3D, está perfectamente bien integrado y deben de usar alguna técnica de Cel Shading (Renderización tipo dibujo animado) que le sienta de muerte, disimula el efecto 3D y hace que no sea tan frio como la imagen puramente generada por ordenador. En cuanto al argumento ya os habréis dado cuenta que es lo típico. Raza de monstruos ataca a los humanos y estos contraatacan con robots, una constante del manga que viene desde tiempos inmemoriales, desde Mazinger Z a evangelion tenían esta estructura argumental. Lo que hace especial a Knights of Sidonia argumentalmente hablando es el desarrollo de sus personajes, las peculiaridades de los habitantes de Sidonia (ahora los humanos pueden hacer la fotosíntesis, pueden haber lotes de once o doce hermanos gemelos o incluso hay quien nace hermafrodita) o incluso las peculiaridades de la propia nave. Podremos ver la evolución del protagonista, como va pasando de ser un tipo raro y sin mucha personalidad a un auténtico héroe, algo que echaba de menos en los mangas más actuales (Sobre todo en Singeki no Kiojin). También tendremos auténticos líos de faldas entre Nagate y sus compañeras de la academia, con los típicos triángulos… o cuartetos amorosos. El ritmo de la serie es muy bueno, sobretodo en la primera temporada, hay acción en casi todos los episodios, nuestros héroes se enfrentarán a amenazas cada vez más grandes y cada vez será más difícil derrotar a los Gauna, lo que nos hará no perdernos un segundo ni para parpadear. Todo esto estará intercalado con escenas de la vida cotidiana, momentos emotivos, románticos e incluso humorísticos. También resaltar el toque picantón que tiene a veces (lo de que tengan que hacer la fotosíntesis desnudos da mucho juego en este aspecto), algo que aunque no aporta mucho tampoco molesta. Quizás la segunda temporada, hacía su mitad sea un poquito más lenta en cuanto acción, pero es igualmente entretenida y se resarce al final de la temporada con unas escenas de lucha de mechas apasionantes.

Pues en conclusión podemos decir que es una serie totalmente recomendable para todo fan del anime o de la ciencia ficción, no creo que defraude a nadie con sus escenas de acción mecha contra monstruo en el espacio. Por último me gustaría despedir la reseña con unas palabras que dijo Hideo Kojima (creador de la saga Metal gear) sobre la serie: 'es un tipo de anime que no hemos visto en mucho tiempo y que posee el espíritu sci-fi. Usando tecnología digital concebida para los juegos, crean animaciones que encapsula haberes de la cultura japonesa como el manga, animación cel, kanji, robots gigantes, etc. Lo que nace es un único 'hecho en Japón' que Hollywood nunca hubiera logrado producir. La cultura japonesa ha perdido su 'genialidad', y Knights of Sidonia será el caballero blanco que la salve'.

KAZE TACHINU (THE WIND RISES)

Kaze tachinu (The Wind Rises) - Hayao Miyazaki - Japon 

7.5/10

El genio Hayao Miyazaki dice adiós. Con la esplendida  'Kaze tachinu (The Wind Rises)', el artista japonés da por terminada su carrera como director.  Miyazaki abandona la sala por la puerta grande entre vítores y gritos. camina despacio, marcando cada paso, con la cabeza alta, se detiene en la puerta, se gira y nos regala esa sonrisa bajo sus gafas. Nos saluda levantando levemente su sombrero blanco y desaparece fundiéndose con la luz. El anuncio de la retirada en la dirección de Hayao Miyazaki el 1 de septiembre de 2013 llegaba mediante comunicado oficial tras el estreno de esta película en el pasado Festival de Venecia. A sus 72 años el artista japones reconoció que sus energías ya no eran las mismas: 'Pasaron cinco años entre mis dos últimas películas. La siguiente no la podría estrenar hasta dentro de seis o siete años, yo ya tendría casi 79 años y estaría agotado.' Hace cinco años se estrenó 'Ponyo en el acantilado', y ha tardado lo mismo en crear esta nueva gran película. 'The Wind Rises' es un cierre magnifico y esplendido a toda una carrera dentro del cine de animación. Hay secuencias y planos que justifican todo el precio de la entrada, algunos de ellos tan impresionantes que no querrás ni parpadear para no perderte ni un solo fotograma de tan brillante muestra de talento. Se despide el director más grande que este genero ha podido dar. Un artista capaz de contar todas sus obras por buenas o muy buenas, sin excepción. Desde 'Nausicaa del Valle del Viento' hasta 'El castillo ambulante' pasando por 'La Princesa Mononoke' o 'El viaje de Chihiro'. Todas y cada una de ellas son tributos a la belleza dentro del cine, a la animación hecha sentimiento, por ese motivo consideramos que le debemos estar profundamente agradecidos al señor Miyazaki. Este largometraje posee dos claras fuentes de inspiración. La primera es el manga homónimo creado por Miyazaki y la segunda es el relato corto del mismo titulo escrito por Tatsuo Hori en 1937, a quien por cierto se homenajea en el filme. Hori asumió una línea del poema de Paul Valéry: 'Le vent se lève, il faut tantrer de vivre.' que traducida al japonés quiere decir: 'Kaze tachinu, ikimeyamo iza (El viento se levanta, debemos tratar de vivir).' Este pasado 2013 estuvo nominada al Oscar a mejor largometraje de animación donde fue derrotada por la americana 'Frozen' y en los Globos de oro a mejor película extranjera donde corrió la misma suerte frente a 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino. Nominaciones y premios a partes iguales en todo tipo de festivales, Círculo de Críticos de Nueva York, Críticos de Chicago, Asociación de críticos de Los Angeles, Critics Choice, Premios Annie, Japan Academy Prize for Animation of the Year, Satellite Awards o el citado antes, Festival de Venecia. Fue la película más taquillera de Japón en 2013. Se estrenó junto a 'The tale of princess Kaguya' que es otra producción Ghibli dirigida por Isao Takahata; algo extraño ya que el hecho de estrenar dos films a la vez no pasaba desde el año 1988 con 'Mi vecino Totoro' y 'La tumba de las luciérnagas'.

'The Wind Rises' es un biopic clásico y ficticio sobre Jiro Horikoshi, el hombre que diseño los aviones japoneses que terminarian por atacar la base norteamericana de Pearl Harbor durante la segunda Guerra Mundial. Miyazaki se despide con una película algo más adulta y madura-con momentos de humor contados-que de costumbre, más realista y dramática, donde esos grandes toques de fantasía vistos en anteriores trabajos aparecen sólo en los sueños del protagonista y en donde el director japones da rienda suelta a su poderosa imaginación y buen hacer. El mundo de los sueños y obsesiones de Jiro acompañados de la figura de Caproni (diseñador italiano al que idolatra Jiro) son muestras de ese gran mundo de fantasía que aun tiene este autor en su mente. Curiosamente y al igual que el director, Jiro también padece problemas de visión, mas concretamente, miopía. Esto le impedirá cumplir el sueño de ser piloto para terminar convirtiéndose en diseñador aeronáutico. Es realmente increíble y asombroso la capacidad de este genio para construir y sorprendernos una vez tras otra con esas escenas tan sencillamente detalladas y que quedan grabadas en la retina del espectador. Miyazaki recorre la vida de este chico de campo, amable, generoso y soñador llamado Jiro a través de los hitos históricos nipones contemporáneos, concretamente desde la Era Taisho en 1912 hacia adelante como: la epidemia de tuberculosis, el terremoto de Kanto, el desempleo, la gran depresión, la entrada del país en guerra, pobreza, revoluciones, fascismo o la supresión de la libertad de expresión. Una guerra tras otra. Su alejamiento político refuerza las acciones del protagonista y no se posiciona a favor de nadie dejando al espectador libre de pensamiento. Esa misma lejanía fue motivo de críticas tanto positivas como negativas en su país. Esa famosa línea entre el bien y el mal que tantas veces hemos visto en otras producciones del artista de Ghibli aquí se llama política. Miyazaki vuelve a dejar que su protagonista surque los cielos como lo hiciera el maldecido Marco Pagot en 'Porco Rosso', vuelven los aviones y la pasión por la aviación, vuelven esos personajes tan bien matizados que muchos llevamos 5 años esperando.'The Wind Rises' es Miyazaki puro, a pesar de que es algo más realista si cabe, y menos fantasioso también, pero no deja de ser igual de emotivo y sorprendente que en otras ocasiones. Es el perfecto broche para cerrar una carrera repleta de éxitos. 

Podría haber sido una película mucho más cruel de no ser por el estilizado dibujo al que nos tiene acostumbrados el director nipón que siempre intenta mostrarnos el lado bueno de las cosas antes que el visceral y ordinario. Paralelamente al tratamiento historicista nipón desarrolla otra línea dramática centrada en una bellísima historia romántica, como nunca habíamos visto. El amor que nace entre Jiro y Nahoko es de aquellos tan bonitos que puede resultar empalagoso si se trata de explicar, pero es enternecedor si se tiene la oportunidad de visualizar. La escena cuando ella lo arropa es de una tremenda ternura. El amor siempre ha sido uno de los matices que gustan a ese Miyazaki tan humano, y aquí es palpable desde que se inicia el romance entre los protagonistas cuando el viento los une por casualidad en el tren donde se cruzan sus primeras miradas hasta que termina la película. Lo peor o menos agradable es ese toque melancólico que tiene este último trabajo del director japones, ese aire a despedida, a fin de fiesta, ese aire que bien podría ser utilizado como frase secundaria del titulo principal, 'The Wind Rises', el adiós de un genio. La banda sonora es una maravilla dotada de vida propia. Las composiciones creadas por Joe Hisaishi te envuelven totalmente. Este compositor japones es el habitual del maestro nipón, con el que ha trabajado en más de 10 ocasiones, y también de Takeshi Kitano con el que cuenta hasta 7 colaboraciones. El piano es el verdadero protagonista de casi todas las partituras de Hisaishi, aunque para esta ocasión en concreto usa mucho en el arranque las mandolinas y guitarras en las apariciones de Caproni, dejando el piano para los momentos de más emoción o tensión, para finalmente descargarse con una suite de violines maravillosa. También se pueden apreciar toques de distintos instrumentos-mucho acordeón-dependiendo en que país (mundo de los sueños, Japón, Alemania) se encuentre la acción, unas melodías agradables y temáticas nada repetitivas. Un grande en pocas palabras, un compositor capaz de elevar el disfrute del espectador que presencia las imágenes que Miyazaki pone delante de él y envolverlo por completo para terminar emocionándole con cada una de las líneas de sus composiciones musicales, como pasa en la impresionante e inesperada escena del terremoto de Kanto. El tema principal de la película-y que aparece en los créditos finales- está compuesto e interpretado por Yumi Arai y se llama 'Hikoukigumo'. Pianista, letrista, cantante y compositora, Arai lleva en la música desde que era muy joven y prueba de ello es que el tema principal de 'The Wind Rises' fue escrito y compuesto cuando tenía 18 años, en 1972. Tampoco es la primera vez que trabaja para Ghibli dado que ya lo hizo en 1989 con la canción 'Rouge no den’gon' en la película 'Nicky, la aprendiz de bruja'.