Si tuviera que comparar 'Volver a soñar' con algún otra producción, ese sería sin duda 'Cinema Paradiso'. No exagero. Obviamente la película de Tornatore es la película de Tornatore pero el nivel de emotividad que provocan ambas realizaciones en su tramo final es casi similar, deja ese poso bueno y ese sentimiento tan grande que es el de llorar de felicidad. El primer paso dentro de la industria cinematográfica de Daniel Gálvez condensa en poco mas de 10 minutos lo que el cine es capaz de provocar en el ser humano y su función como catalizador para hacer soñar incluso a aquellos que lo han perdido todo como es el caso del protagonista de 'Volver a soñar', Mauricio (Hermann Bonnín), un sin techo que no ha renunciado a soñar y al cual ese arte que tanto ama, el séptimo, le depara una ultima gran sorpresa. Ese sería un argumento perfecto sin revelar ningún detalle esencial. No es que haya truco final, su potencial reside en la magia de toda la historia no de un as bajo la manga al final. Parece increíble que se trate de un cortometraje de un director novel, la factura técnica es excelente y el mensaje que se quiere transmitir claro y emotivo, sin pretensiones, directo al corazón sin disfrazar la realidad de ñoñerías y banalidades. El cine dentro del cine y nunca mejor dicho, en 'Volver a soñar' se nota el amor de Gálvez por el cine en el tratamiento humilde y austero de la historia y como la desarrolla, queda claro que el director barcelonés aporta esa experiencia adquirida durante años como aficionado y como periodista en pases de prensa y festivales (véase la escena del discurso dentro de la sala y donde pone la cámara para enfatizar la soledad de ese director novel); este mismo tratamiento honesto y sencillo esta en su mensaje final y las localizaciones elegidas (en una de las escenas podemos ver a Mauricio asistiendo a la proyección
de 'La nit que va morir l´Elvis' en los Cinemes Girona y mas tarde otra película en el
Cine Alexandra) son una prueba de esa experiencia que menciono y que tan bien queda reflejada en el cortometraje. El guión del propio Gálvez y el montaje de Marc Bou que también es el script son otro de los puentes fuertes de 'Volver a soñar' pues mantiene el interés hasta el final, empatizar con el personaje de Mauricio es fácil, y eso se debe tanto al guión que construye un personaje con escasas frases pero muy cercano y a una interpretación notable del veterano Hermann Bonnín que aporta una mirada tierna pero humilde. El protagonista total y absoluto es Bonnín pero en el reparto también encontramos otras caras conocidas en pequeños papeles como la de Aina Clotet, conocida sobre todo por sus papeles en series catalanas de gran éxito como 'Estació d´enllaç', donde empezó su carrera y en otras como 'El cor de la ciutat', 'Infidels' o 'Gran Nord', su ultimo trabajo fue en la segunda entrega del díptico romántico dirigido por Dani de la Orden, 'Barcelona, nit d´hivern'. También en papeles pequeños Bruno Sevilla ('Tercer Grado', 'Sweet Home'), Anna Ycobalzeta ('Ventdelplá', 'Polseres Vermelles', 'Merlí') y Tony Corvillo ('El cor de la ciutat', 'La Riera', 'El Principe'). J.M. Quintana Cámara ('Isonomia') es el compositor de una banda sonora que le va como anillo al dedo a la historia, un solo de piano que acompaña las imagenes por momentos y que se deja oír en su total esplendor en los créditos finales. Cuenta con una acertada y urbana fotografía de Marcos Plana ('The Directors Cuts', 'Around Us') y esta producido por el propio Daniel Galvez en colaboración con John Prskalo. 'Volver a soñar' tiene una duración de 14 minutos, esta completamente rodado en Barcelona y tras los créditos finales encontrareis una prueba que refuta mis palabras sobre el amor que destila su director por este arte, un guiño/cameo al estilo Hitchcock con el director y el productor cruzando de lado a lado. Hace unos pocos días 'Volver a soñar' fue seleccionado por primera vez para competir en la selección oficial del Ko&Digital Festival Internacional de Cine Solidario de Sant Sadurní d'Anoia siendo su proyección el martes 14 de junio a partir de las 20:30h en c/Industria, 59 (Sant Sadurní d'Anoia, Barcelona). Desde las cuentas oficiales del blog en Twitter y Facebook os iremos informando de las novedades del corto pero tambien podeis estar al dia siguiendo su pagina oficial en Facebook.
Dos años. Dos años ha tardado en llegar a los cines españoles este falso biopic del mítico artista mexicano interpretado por Óscar Jaenada, 'Cantinflas'. Hago un inciso: Gracias A CONTRACORRIENTE FILMS por seguir haciendo tan buenísimo trabajo. Prosigo. Falso biopic o biopic no convencional porque no cuenta nada de la infancia de Mario Moreno y su montaje a caballo entre la pre-producción de su gran éxito en tierras americanas 'Around the World in 80 days' y los inicios del propio personaje a partir de 1933 restan mucho interés y ritmo a una historia que pudo haber dado mas de si. Cierto es que se llama 'Cantinflas' y no 'Mario Moreno'. Tratándose mas de un biopic del personaje que del artista que lo creo, la omisión de la infancia del actor mexicano esta 'justificada'. La introducción de esa parte 'americana' me parece mas que una buena idea para la cronología tanto del guión como del montaje pero hay que ver el cuadro desde fuera y darse cuenta que no es mas que una campaña de marketing para vender el producto en todo el mundo, para que 'Cantinflas' sea un pseudo biopic global y no un producto puramente para el publico latino. Tampoco engaña ya que uno se puede dar cuenta del tono y por donde se van a mover los hilos en los primeros 10 minutos de película. Otra de las cosas que entrarían dentro de ese truco de marketing que es la parte 'americana' es la banda sonora totalmente azucarada, empalagosa e infantil del murciano Roque Baños que conforma un ambiente a moralina naftalinera nada acorde con ese 1955 tan luminoso que se nos muestra.
Volviendo a lo de biopic de Cantinflas/Mario Moreno hay algo que no llegué a entender, si la explicación a que su infancia no sea relatada es que se trata de un biopic del personaje y no del artista, porque no se nos cuenta el origen de los famosos harapos que Mario usa para convertirse en Cantinflas? En comparación con por ejemplo Chaplin, el gorro y el bastón son algo significativo en su carrera, como Batman y su traje, si se trata del biopic de Cantinflas me parece un gran error no explicar el origen de ese atuendo tan característico. También se aprecia en el guión algo de confusión en el intento de mostrar poco o mucho los momentos claves en la vida de Mario Moreno (pero no era un biopic sobre el personaje?), su lucha por la igualdad y el reparto equitativo de las subvenciones del sindicato de actores, el drama personal con su mujer por no poder tener hijo así como el trauma de verse superado por su propia creación como así demuestra la única escena en que vemos a un Mario Moreno lanzando un vaso contra un cuadro de Cantinflas. Mas que confusión en el guión suena a metraje recortado, a sensación de querer contentar a todos y contar mucho en poco tiempo como por ejemplo intentando hacer que el espectador entienda de donde saco la inspiración Mario par algunas de sus futuras películas haciendo de político (escena en el teatro) o barrendero (escena con un amigo del barrio). La película dirigida y co-escrita por Sebastian del Amo junto a Edui Tijerina tiene algo especial, algo que la salva y la hace única. Óscar Jaenada. El español no solo ofrece un registro pasmosamente idéntico al del actor mexicano sino que físicamente es la viva imagen de Cantinflas. Por mucho que se empeñe la gran mayoría de publico mexicano en echar pestes sobre la elección de Oscar para el papel, es algo que salta a la vista, era la mejor elección posible, facciones, gestos, miradas, tono de voz, todo, y os lo dice un fan de la filmografía de Cantinflas. La actuación de Jaenada es brillante, resucitando a Cantinflas (comedia) y a Mario Moreno (drama) como se puede observar en el primer encuentro que tiene con Michael Todd (Michael Imperioli). Oscar Jaenada es el salvavidas de esta película sin ninguna duda y la razón de darle un 7/10 a la película. Como español se podría decir que barro para cada pero sinceramente, sabéis que no, solo hay que verlo actuar en un par de escenas para darse cuenta que no se podría haber encontrado ningún actor mejor que el para este papel. Poco mas, me gustaría que hubieran desarrollado mas la parte dramática y que se mostrara la infancia de Mario pues creo que en ella esta la esencia del mito de Cantinflas, en sus raíces y en su humildad. Entre la actuación de Jaenada, la multitud de cameos la película y los 3 o 4 detalles simpáticos que tiene el guión sobre curiosidades de la vida de Cantinflas, el film se soporta mejor y se hace pasable. De momento habrá que conformarse con este 'biopic' hasta que el ciclo de la vida nos permita ver de nuevo otro distinto con otra visión o enfoque donde se nos cuente TODA la vida de Mario Moreno.
Dos cosas son las que alejan a la gente del cine de Bollywood; una, la excesiva duración de todas las producciones donde pocas o ninguna bajan de los 120 minutos y dos, la introducción de números musicales tengan o no que ver en la trama principal. Sin estos dos 'inconvenientes' el cine producido en la India seria practicamente igual al del resto del mundo con pequeñas diferencias. Salvando estos escollos que son los que, personalmente, considero hacen a este cine único y diferente, uno se encuentra con un cine repleto de producciones fastuosas, diseños de producción enormemente detallados, números musicales de 20 minutos o mas coreografiados brillantemente, actores increíblemente carismáticos capaces de actuar, cantar y bailar perfectamente al lado de actrices absolutamente bellas e impresionantes y que, al igual que sus compañeros, actúan, cantan y bailan dejando claro que su inimitable belleza y sensualidad no son los motivos principales de su protagonismo en la película. La gran mayoría del cine bollywodiense es sencillo, busca sobre todo, entretener al espectador que paga su entrada. El amor y la comedia son los temas principales en casi todas las producciones, no es un cine rebuscado, es un cine simple y directo en su gran mayoría que basa todo su potencial en el carisma de su protagonista/s y en los números musicales que ejecutan con precisión milimetrica. En ellos se puede observar claramente lo que es y como entienden el cine en ese exótico país llamado India. La película que os recomiendo hoy, 'Om Shanti Om' de 2007, es una de las mejores comedias románticas de la década, usa la parte del argumento del cine dentro del cine para justificar casi todos los números musicales que en ella se ven, no solamente están perfectamente integrados sino que algunos contienen grandes canciones llenas de ritmo y originalidad. El único problema que pueden encontrar aquellos que duden si verla o no por esos dos 'incovenientes' antes citados, es su duración, 167 minutos.Años 70. Un joven aspirante a actor llamado Om Prakash (Shahrukh Khan)
trabaja en unos estudios de cine mientras sueña con ser una estrella de
cine como su adorado Rajesh Kapoor, el actor del momento. Om esta
enamorado de la actriz principal del rodaje en el que trabaja, la
bellisima Shanti (Deepika Padukone). Tras una misteriosa
tragedia, el estudio donde se iba a rodar la escena final queda
totalmente destruido arrasado por un incendio en el que mueren ambos, Om
y Shanti. 30 años mas tarde, el actor Om Kapoor, hijo de la famosa
estrella de los años 70, Rajesh Kapoor, es la viva imagen del fallecido
Om Prakash que, tras una serie de flashes al visitar el derruido estudio
empieza a darse cuenta de quien es en realidad. Nada mas y nada menos
que Om Prakash reencarnado. Tras aceptar su destino, el nuevo Om
Prakash/Kapoor removerá cielo y tierra para encontrar a la también
reencarnada Shanti.
Dirigida por la coreógrafa anteriormente y ahora también directora Farah Khan ('Main Hoon Na', 'Tees Maar Khan') esta interpretada por Shahrukh Khan (saga 'Don', 'My name is Khan') y Deepika Padukone ('Cocktail', 'Chennai Express') en los papeles principales. Farah Khan estuvo nominada en 2004 a mejor coreografía en los Tony Awards, reconocida internacionalmente por sus trabajos en 'Monsoon Wedding', 'Bombay Dreams' o 'Vanity Fair', entrenó a Shakira para la versión bollywodiense de 'Hips don´t lie' que presentó en los MTV Awards de 2006 y fue la primera mujer india en ser nominada a mejor director en los Filmfare Awards (los Oscar de la India) por su opera prima 'Main Hoon Na' con Shahrukh Khan también como protagonista y con el que guarda una gran amistad. De hecho, 'Om Shanti Om', esta producida por la empresa Red Chillies Entertainment, propiedad de Shahrukh Khan. La banda sonora fuera de los numeros musicales es una maravilla, con una melodia y tema principal reconocible interpretado bajo diferentes instrumentos a lo largo de todo el film. A muchos no os dirán nada estos nombres y es normal pero Shahrukh Khan es el actor indio mas querido de Bollywood actualmente, junto a Amir Khan o Abhishek Bachchan entre otros. Todo un carisma en pantalla, su registro habitual queda perfecto en esta 'Om Shanti Om', un papel que se ajusta a su forma de actuar como anillo al dedo. Shahrukh como Om es un tipo capaz de hacerte reír con sus payasadas y de emocionarte cuando el amor le toca el corazón, de cantar y de bailar a un nivel increíble, un todo terreno, un actor superlativo. A su lado, Deepika Padukone, una belleza insuperable. Deepika deja boquiabierto al personal con su forma de moverse cuando canta o baila, hasta ese momento su potente mirada y sus grandes ojos dejan tambaleando a cualquiera. Al igual que Shahrukh con el que se complementa a las mil maravillas, Deepika transmite bien y casi sin esfuerzo su personaje, pocas veces se han visto en una película unos ojos de tal calibre, muy pocas. Este era su debut cinematográfico y desde 2007 hasta la fecha cuenta ya con 15 películas en su currículum. 167 minutos con un reparto que no pasa de 5 actores y donde el ritmo y la acción apenas decae es algo a remarcar porque, al margen de la pareja protagonista solo 4 o 5 actores aparecen con frases o escenas importantes dentro de la película, obviando los extras claro y mantener el interes con un reparto tan escaso es digno de admiración. Algun fallo tiene como es ese inexplicable cambio explosivo de actitud en un personaje crucial en la trama durante la escena del incendio y también como es provocado este que, a no ser que el marmol prenda solo, no logro entenderlo. 'Om Shanti Om' es famosa por sus grandes números musicales llenos de detalles para aburrir, mezclados con imagenes de archivo en ocasiones, funcionando todo en una harmonía perfecta con la estética del cine dentro del cine. La película mas taquillera de 2007 en la India también es conocida por reunir en un numero musical a mas del 90% del panorama cinéfilo indio del momento en una impresionante coreografía, un hito asombroso. Si sois asiduos seguidores de este cine, podréis reconocer a varios actores, directores, etc en cameos ocasionales asi como infinidad de guiños al cine clásico hindu sobre todo en el numero musical pasada la mitad del film. Divida en dos partes bastante reconocibles, esta comedia romántica de ritmo imparable es la película perfecta para dejarse embriagar por los aromas y el colorido cine que proponen desde la India, un cine que cada vez esta mas cerca y que cada vez tiene mas adeptos. Si os termina gustando sabed que, en este ya pasado 2014 se estrenó 'Happy New Year', dirigida por Farah Khan e interpretada por Shahrukh Khan y Deepika Padukone.
Hoy es mi quinto día consecutivo acudiendo fielmente al Festival de Sitges. Para este martes tocan 3 películas solamente ya que la primera, 'L'altra frontera' no ha conseguido llamar mi atención. Son poco mas de las 8 de la mañana, hemos ganado un par de horitas de sueño, que siempre es de agradecer. Tras los deberes habituales del hogar, me dirijo al tren. Vuelvo a coger un café en el bar de la estación (precios decentes y opción de poderte llevar lo que pidas) y me paseo por la ruta hacia el Auditori salteada de otros asistentes al Festival que van camino de Retiro o Prado. Hace un sol espléndido, y hoy toca empezar con el señor David Cronenberg, veremos que nos trae...
Maps to the Stars - David Cronenberg - Estados Unidos 7/10
El último trabajo del director canadiense David Cronenberg ha sido recibido por una gran cantidad de público en Auditori. Agatha (Mia Wassikowska) es una joven que cubre totalmente sus dos brazos debido a unas quemaduras que también tiene en parte de la cara. Su llegada a Hollywood revolucionará a tres personajes en cuyas vidas se cruzará: un niño prodigio llamado Benjie (Evan Bird), Havana Segrand (Julianne Moore) una veterana actriz a punto de perder su último tren hacia el estrellato y un gurú/entrenador personal de celebrities, el doctor Stafford (John Cusack). ¿Una comedia de Cronenberg? Una comedia negra, muy negra, negrísima. En ciertos momentos incluso donde su realizador dispara sin miramiento a esa constelación de estrellas que pululan por la meca del cine. Es un trabajo más flojo a lo que nos tiene habituado el canadiense (aunque hay mucho del cine al que nos tiene acostumbrados), aunque, eso sí, bastante superior a 'Cosmopolis'. Esta 'Maps to the Stars' tiene momentos en los que uno puede llegar a pensar que Woody Allen ha tenido algo que ver en ella con esos diálogos tan llenos de sátira o cinismo. Una sucesión de escenas con diálogos, sin música, llenos de retorcido humor y multitud de referencias cinéfilas altamente disfrutables. Intercala con estas escenas otras para que el espectador respire, momentos donde la música esta vez sí aparece y se muestra como un elemento más, Benjie vomitando y esa melodía estilo Badalamenti de fondo, el momento yoga de Havana y las campanas movidas por el viento o la escena que sale de la casa emocionada, burlándose, cantando y haciendo cantar a Agatha con ella tras enterarse de cierta noticia. La banda sonora es de Howard Shore (conocido por ser el perpetrador de la inolvidable música de The Lord of the Rings), habitual en la mayoría de films de Cronenberg así como de Scorsese. La película no se hace pesada en ningún momento, mantiene el ritmo gracias a unas grandísimas interpretaciones, de entre las que (además de la muy destacada por todos los medios deJulianne Moore-estupenda, muy natural y creíble-) quién se lleva la palma es el canadiense Evan Bird, que interpreta al niño prodigio Benjie. Me he quedado fascinado con su actuación, tiene una soltura y unas maneras que realmente merecen ser destacadas, brillante y con un grandioso futuro por delante con tan solo 14 años. También me gustaría destacar a Bruce Wagner (desconozco si Cronenberg intervino en el guión o no), guionista del filme con un currículum extraño - no hay registro de sus trabajos en un tramo de 13 años-. Aunque el recibimiento en Auditori ha sido excelente y no se han parado
de oír risas continuas y aplausos, el final no ha dejado un buen sabor
entre cierto sector del público: termina de una forma poco Cronenberg.
No es que toda la película fuera 100% su estilo, pero si se deja
entrever en varias escenas del filme. Al margen de esto, a escasos 25
minutos del final de la película hubo un fallo y la proyección se paró
durante al menos 10 minutos. Al retomarse, las luces estuvieron
encendidas durante poco rato más, y el respetable se lo tomo con buena
filosofía. Algo que también debe haber influido en las críticas
negativas, es que el tema de las excentricidades del mundo
hollywoodiense no es la primera vez que se llevan a la gran pantalla y
que puede llegar a no interesar en absoluto dado que por todos son las
rarezas de esta 'especie' en particular. Si os gustaron 'The Player' y 'Celebrity', y el humor negro bañado en decenas de referencias a la cultura cinéfila hollywoodiense, no os la podéis perder.
Jamie Mark is Dead: Harry Potter y la hija de Brody 2/10
Tercera película con presentación, esta vez su director, Carter Smith, saltaba al escenario entre aplausos y remarcaba la importancia de ver una película como la íbamos a ver en pantalla grande y no en dispositivos móviles. Smith fue el director de la curiosa 'The Ruins', un slasher que parece normal y corriente hasta que descubres los matices que la hacen diferente, algo pasable para ver. 'Jamie Marks is Dead' (la película en cuestión) fue alabada en Sundance, lo cual ya nos indica que vamos a ver algo muy, muy indie. Apesta a 'Donnie Darko' por sus cuatro costados sin tocar ni de lejos el mismo argumento, no esperéis un thriller drama ni nada similar, ni en broma, esto es un drama. Un chico es encontrado muerto en el margen de un río, se trata de Jamie
Marks. Adam, un joven del instituto donde iba Jamie se empieza a
interesar por lo sucedido ya que era compañero de su clase, se sentaba
delante de él. A los pocos días Adam observa atónito como Jamie no solo
se le aparece sino que también habla con él. Esto será el principio de
una gran amistad entre ambos. Así, tal cual es su argumento es lo que se
puede ver en ella. No hay más. Con muchísimas preguntas sin respuesta (¿de
donde aparece la chica de la cabaña? ¿quién es? ¿donde están los padres
de Jamie? ¿porqué a nadie del pueblo le importa un pimiento su muerte?
¿porque solo en una escena alguien se da cuenta que Adam habla solo?
¿una chica que colecciona piedras? ¿porqué aparece un ciervo colgado de
la canasta de baloncesto?). El hecho de la amistad entre muerto y
vivo coincide con el nacimiento del amor entre Adam y Gracie, a quien da
vida la hija de Brody en 'Homeland', Morgan Saylor. La
película es extremadamente lenta, aburre y la espantada de público
conforme iban dándose cuenta que no había ningún giro final interesante (ni nada más que drama y más drama) ha sido la más frecuente que he vivido en Auditori, incluso más que con 'The Midnight After'.
Amor, amistad y fantasmas se mezclan en un ladrillo de film muy difícil
de aguantar hasta el final, cosa que hice entre bostezos. Para colmo,
Jamie Marks tiene un parecido físico impresionante con Harry Potter,
cosa que ha dado y dará para muchos tweets (como se ha visto reflejado en la red social), donde las críticas negativas tras su visionado han superado a las positivas.
Ich Se, Ich Se (Goodnight Mommy) Severin Fiala y Veronika Franz - Austria 7/10
Última del día para mí, y cuarta con presentación del equipo, esta vez los directores Severin Fiala y Veronika Franz tras la ovación de los asistentes han confesado que se conocieron a los 14 años y que uno hacia de canguro del otro donde aprovechaban para ver todas las películas que podían juntos. Film de terror austríaco, o thriller visto lo visto. Una mujer regresa a casa tras haber pasado por una operación de cirugía estética, donde sus dos hijos no entienden los comportamientos de su madre (que sigue con los vendajes en la cara) y empiezan a sospechar que realmente no se trata de su madre. Película para el disfrute y para dejarse sorprender con su giro final, que no es extremadamente original pero al menos denota inventiva o ganas de hacer las cosas decentes. Todo empieza muy tranquilo, como el lugar donde viven, una casa de ultimo diseño en plena naturaleza, no hay más escenario que este: la casa donde los niños campan a sus anchas sin nadie que interrumpa sus vidas en kilómetros a la redonda. El suspense y la tensión van en aumento hasta llegar al momento de la verdad, donde la sorpresa es desvelada. 'Goodnight Mommy'
se gana al espectador que acepta lo que le proponen, ese espectador que
tiene un momento de duda ante lo que puede suceder. Las escenas de mas
tensión y violencia irán subiendo de tono en cuanto pasen los minutos.
No es un mal thriller ni una mala película de terror, es un interesante
thriller de terror psicológico que contiene varias escenas bastante bien
rodadas con momentos de gran tensión como esa actitud agresiva de la
madre al inicio, cuando abre la puerta y uno de los hijos está en la
sombra muerto de miedo, cuando la sorprende otro de ellos en el baño sin
los vendajes, el momento Cruz Roja, el gato acuático, o los bichos. Si
decidís verla, os aseguro que no olvidaréis varias de las escenas (en concreto una que incluye SuperGlue). Lo mejor son es el in crescendo que posee el filme: el minimalismo con el que empieza (pocos muebles, pocas personas, mínimos diálogos marcando al espectador donde centrarse)
que se convierte en un frenesí imparable de escenas bestias y
desagradables. El sector interpretativo es brillante: los tres actores
están perfectos, desde Susanne Wuest como la madre, hasta Elias y Lukas
Schwarz, que dan vida a los niños (que curiosamente se llaman igual en la película). Es entendible (que no justificable)
que se la critique porque esa violencia que va de menos a más, ese
subidón de escenas a cada cual más fuerte y desagradable, que puede ser
tachada de excusa barata para mantener al espectador contento y
satisfecho, como si a partir de cierto punto ya todo valiera. El público
ha empezado igual que el film, tranquilo y con pocos aplausos, hasta
que esa vorágine de momentos pasados de sangre han llegado.
