DONT BREATHE

Don´t Breathe - Fede Alvarez - Estados Unidos

Se podría decir que esta es la primera película de Fede Alvarez teniendo en cuenta que su verdadero primer enfrentamiento con el largometraje partía de una idea original no propia. Aquella nueva visión del clásico de culto de 1981 que se rodó bajo el título de 'Evil Dead' en 2013 puso al novel cineasta uruguayo en boca de todos provocando los consecuentes debates entre los fans de la saga, por un lado los que no aceptaban la perdida de un personaje como Ash (Bruce Campbell) ni la comicidad oscura del enfoque de Raimi y por otro, los que veían de buen agrado los cambios y el resultado final ofrecido por la versión de Alvarez. Pese a estar la cinta apadrinada y supervisada en todo momento por Sam Raimi, tanto a nivel de producción con su compañía Ghost House Pictures como de montaje como bien confirmaba el propio Fede en el BR, la nueva versión de 'Evil Dead' jugaba muy bien sus cartas y la creatividad que le brindaba ese escenario para ganarse una personalidad única, huyendo del original pero sin olvidarlo, sin caer en lo vulgar. Algo realmente difícil tratándose de un film como 'The Evil Dead'. Tras el desastre de crítica que supuso el remake de 'Poltergeist', que no de taquilla porque llego a recaudar casi 100$ por los 40$ que costó, Ghost House Pictures volvió a apostar por el anterior director de una de sus producciones, Fede Alvarez. 'Don´t Breathe' es un thriller de pequeño presupuesto en comparación con las grandes superproducciones hollywodienses, sin estrellas pero que demuestra la virtuosidad y creatividad de su director para engrandecer todo aquel guión al que se enfrenta, su confirmación como cineasta, la prueba de que aquellas buenas maneras que apuntaba en 'Evil Dead' no eran solo producto de quien estaba detrás de la idea original. En esta ocasión, dirige y escribe el guión el propio Fede Alvarez junto a Rodo Sayagues, su colaborador habitual desde los cortos que los llevaron a ambos a ser conocidos dentro de este mundo, 'El Cojonudo' y 'Ataque de Pánico'. La idea de 'Don´t Breathe', tal y como esta planteada, es simple y terrorífica al mismo tiempo, tres ladrones, Rocky, Money y Alex (Jane Levy, Daniel Zovatto y Dylan Minnette) atrapados en casa de una víctima ciega (Stephen Lang) que termina rebelándose como su verdugo realmente, recordáis 'The People Under The Stairs' ('El sótano del miedo') de Wes Craven? Cierto que 'Don´t Breathe' pertenece mas al thriller psicológico que a este tipo de terror, ni tan siquiera al slasher que es al subgénero que mas se asemeja después del home invasion pero se define así misma como terrorífica gracias a un simple planteamiento que revela posteriormente una puesta en escena tremendamente creativa e imaginativa y que junto a un inteligente desarrollo del guión producen un thriller de terror total, un terror terrenal, del que deja secuelas en sus protagonistas. Notable pseudo opera prima que olvida totalmente el drama de unos personajes (brillantes Lang y Levy) a los que define practicamente con dos escenas ya que su meta es otra, llevar al publico al limite de la tension en tiempo real. Excelente. De lo mejor de este año.

*****SPOILERS*****SPOILERS***** 

  

 Vayamos al principio. El film abre tranquilo, muy tranquilo, con un plano aéreo que nos acerca a un hombre que, de espaldas a cámara, arrastra el cuerpo de una joven de cabellos rubios por mitad de la carretera. Fede no nos muestra la ceguera real del hombre en cuestión todavía pero si la de un vecindario totalmente desértico, aislado por casas abandonadas devoradas por la vegetación o semiderruidas, un vecindario sin ojos donde un hombre puede caminar arrastrando a una mujer por mitad de la carretera a plena luz del día sin ser visto. Gran detalle el de las sirenas que se oyen a lo lejos y que hasta el final es imposible situar su porqué. El ambiente y escenario donde se sucede la mayor parte de la acción es tan importante como cualquiera de los personajes en el cine que propone el director uruguayo y al igual que ya vimos en 'Evil Dead' con ese bosque y el río que aislaban a sus protagonistas del resto del mundo, en 'Don´t Breathe' tenemos un vecindario inerte, jamas se llega a ver a nadie en el, un lugar donde poder dejar una cámara digital grabando en una valla para recogerla horas mas tarde y que siga allí, tampoco se ven coches, ni aparcados ni en marcha, un lugar tan tranquilo y solitario que ni el sonido de disparos alarma a nadie. Fuera de los protagonistas contados con los dedos de una mano, los únicos personajes que aparecen y solo durante un breve momento es la familia de Rocky, ni tan siquiera conocemos las vidas de Money o Alex, del que su padre tiene mucho que ver en los robos, inconscientemente claro, pero hasta ese punto se siente a ellos tres, como aislados del mundo, como las unicas personas en todo Detroit, la escena en la cafetería cuando comentan el plan por primera vez, cuanta gente hay aparte de ellos tres? Nada de esto es casual obviamente y la sensación que transmite de terror cuando llega la acción se agranda hasta niveles increíbles porque, de que sirve gritar si no hay nadie que pueda oírte? Algo similar se vive al final del film, cuando todo acaba y Rocky le grita al hombre ciego: 'Aquí fuera no eres nadie!'. Acto seguido ya sabemos que ocurre y a eso me refiero, Rocky se equivoca, fuera es igual que dentro, porque como se demostró al principio, es un vecindario ciego, como el, y no hay nadie que pueda oír tus gritos. Al contrario que ocurría en 'Evil Dead', donde la tecnología estaba totalmente desaparecida para favorecer ese aspecto austero y retro de la acción, en 'Don´t Breathe' además de la cámara digital que es la que muestra la hora ideal para entrar a robar, vemos tres escenas con smartphones, la primera cuando Alex busca información del hombre ciego, otra para regalarnos uno de los muchos jump scares que contiene la cinta cuando suena en el momento menos apropiado y la ultima cuando Rocky se pone en contacto con Alex para indicarle que está en el armario. En ambos cosas la tecnología se usa como recurso para hacer avanzar la trama y dotar de información a sus personajes, no como artificio visual y vacío. Hay muchas cosas en común con 'Evil Dead', tantas, que demuestran que practicamente todo lo que ocurría en aquella salio de las mentes y los puños de Fede Alvarez y Rodo Sayagues. Al escenario y la tecnología, como similitudes, se le unen ese virtuosismo con la cámara, con los medios planos secuencia que abundan en la película o con la creatividad de algunos de los giros de guión, sorprendentes en su gran mayoría. Fede Alvarez también cumple alguna de las reglas de Raimi, la de que el inocente debe sufrir. En este caso, Alex, al único que no le hace falta robar para vivir, su razón para hacerlo es lo que siente por Rocky y como inocente que es, solo hay que ver su cara de niño bueno, es golpeado a puñetazos, empujado contra un radiador, contra un grifo, recibe un palazo y un balazo en la oreja antes de que el cruel destino haga su trabajo. Y otra similitud con 'Evil Dead' que me apasiona es que ambas, a partir de que las primeras cartas están sobre la mesa, pasa a relatarse la acción totalmente en tiempo real, sin lapsus de tiempo hasta los diez o veinte minutos finales. Esto incrementa el ritmo, la inquietud y el suspense de manera brillante, no se deja respirar al espectador y si además, respirar significa la muerte como en 'Don´t Breathe', la experiencia resulta aterradora, deseas salir del cine para coger aire. El humor no existe en 'Don´t Breathe' y como dije, respirar significa morir. Esta leyenda se puede apreciar varias veces con Lang como protagonista cuando Money sube a poner la botella de gas y este se despierta como un resorte, cuando los pilla después de disparar al cerrojo, cuando mata a Money y Rocky se coloca las manos en la boca, cuando se cruza con Alex en el pasillo, cuando salen del armario y Lang aparece de repente para recoger a Money, cuando esta tapando la ventana del baño a martillazos con Alex debajo. La tensión de estos momentos pocas veces se ha visto rodada de esta manera, con el plano congelado y la cámara volteando alrededor, con una banda sonora de Roque Baños, que esta vez brilla de una manera impresionante, esta tan acoplada su partitura a lo que ocurre dentro de la casa que a veces es imposible distinguir que forma parte del audio de ambiente y que de la banda sonora, una melodía tan sutil y crispante que merece ser citada. La escena en que Lang arrastra a Rocky y suena una especie de marcha fúnebre detrás me encantó. 

Tal parece que este hablando de la mejor película de terror del año y no, 'Don´t Breath' es un thriller psicológico, el terror llega al final, un terror muy jodido, jodido de la manera que proponía Jaume Balagueró en 'Mientras Duermes', un terror a traición por denominarlo de alguna manera. El terror en 'Don´t Breathe' llega cuando vemos esa lavativa chorreante de semen y a Rocky colgada por los arneses cual vaca a punto de ser inseminada, buenisima la escena, el plano y las palabras de Lang advirtiendo que rogarle a Dios no sirve de nada, tan retorcido como real. No es Lang un ser sobrenatural, no es un pervertido, es alguien que podría existir, un ex veterano de la guerra de Irak al que la perdida de su hija y la puesta en libertad de la culpable trastornó de manera incurable. Las motivaciones del verdugo en esta ocasión no son las de matar por placer, sino las de evitar que sus viíctimas puedan escapar y contar lo que han visto. En cuanto al resto de personajes me resulta curioso lo manipuladora que es Rocky, esta claro que está con Money por algo que pocos logramos entender, y tiene a Alex, que esta pajilleramente enamorado de ella, y lo sabe, lo sabe tan bien Rocky que no le importa lo mas mínimo. El objetivo de Rocky en esta película/atraco es su hermana pequeña y largarse de ese Detroit donde vive con su madre borracha, el novio de esta y donde sus amigos ya no están. Rocky le comenta a Alex en el coche que cuando consiga el dinero suficiente se va a ir a California y este le dice que el no se ira a lo que ella responde: 'Te echaré de menos'. Le importa tres pimientos el pagafantas. Es Rocky precisamente quien lo convence para unirse y pese a que durante el inicio y la primera media hora ella va recibiendo pistas de su propio novio, curioso esto, de que a Alex le gusta ella, parece que le hace hasta gracia el chico pero...nada mas lejos de la realidad y para muestra un botón, cuando pueden escapar por el sótano y ven a quien ven allí atada con los arneses, Alex insiste en irse, el esta enamorado, ella es que ni lo mira, solo piensa en rescatar a la 'colgada' y salir todos de allí. Tampoco se puede decir que a ella solo le importe el dinero, pero creo que ve en la chica a su hermana pequeña o a ella misma y la impotencia de no poder escapar de Detroit y eso la hace pararse, si sintiera algo por Alex hubiera escapado con el y el dinero sin mirar atrás. Esto hace que Lang gane tiempo y los pille, un guión cuidado al detalle. Detalles como que hablen a susurros antes de entrar en la casa y continuen haciendolo hasta saber realmente que el ciego esta dormido, el dejar los zapatos en la entrada, que Lang no oiga cuando rompen el cristal del baño porque esta arriba con la televisión encendida, el zoom al martillo en el plano secuencia cuando irrumpen en la casa, tambien otro tipo de detalles como los que Fede Alvarez muestra antes para crear tensión en el espectador como ese pedazo de cristal que Rocky se lleva enganchado en la zapatilla y deja en el pasillo, el plano de la palanca cuando Lang tiene a Money con la pistola contra la pared, una indecisión tan genialmente mostrada y que segundos después se ve truncada por el sonido de la pistola o ese momento que cite antes cuando Alex avanza por el pasillo sin saber que ocurre y por detrás vemos girar a Lang que viene a toda velocidad. Detalles, creatividad y realidad para la confirmación de un cineasta. Tengo que decir que me encantó la escena de la cámara nocturna en el sótano y el momento en que Rocky va palpando en la oscuridad hasta dar con Lang, brillante como desaparece el sonido y la reverberación, un silencio absoluto e inquietante porque nosotros, el publico, si vemos que ocurre pero ninguno de los protagonistas puede, una calma rota por un disparo tras Alex aparecer en escena. Tensión y nervios a flor de piel provocados por un verdugo que en esa escena en concreto se mueve como pez en el agua, para el no hay cambios de luz, conoce la estancia y mas aun ese sótano, me recordó al tiburón de 'Jaws', al camión en 'Duel', a ese perseguidor incansable que acecha a sus victimas en su hábitat, donde es el rey. Ya para terminar me gustaría compartir con vosotros una visión de 'Don´t Breathe' un tanto extraña que se me ha ocurrido. Bien es cierto como comentaba el propio Fede Alvarez en el audiocomentario del BR de 'Evil Dead' que su protagonista masculino David (Shiloh Fernandez), en realidad atravesaba un camino, una redención mediante una prueba de fuego que le hacia afrontar su cobardía y sus excusas ante los problemas. En 'Don´t Breathe' encontré tambien un enfoque fantastico o mistico en el que Lang, como villano que es, no puede ser destruido si no se encuentra su punto debil, su kryptonita, es decir, nublar su sentido del oido que es lo que hace Rocky cuando pulsa el botono del panico de la alarma. Vemos a Lang dando vueltas sobre si mismo, desconcertado, chillando y con las manos en los oidos, vuelve a ser ciego, no ve, y se convierte en vulnerable; por otro lado tenemos al heroe, o heroina en este caso, la cual minutos antes demostro haber superado el trauma del maletero en el que la encerraba su padre en un no muy claro homenaje a 'Cujo' durante una de las mejores escenas de toda la pelicula. Tenemos villano y heroina. Curioso y extraño, ahi lo dejo.

UNDER THE SHADOW

Under the Shadow - Babak Anvari - Reino Unido

Teheran. Años 80. En medio de la guerra entre Irán e Irak una familia sufre la visita de un ente paranormal tras un ataque de misiles. 'Under the Shadow' tiene algo que la hace distinta, la fusión del cine de autor mas austero y dramático al estilo del iraní Asghar Farhadi ('A Separation') (o de algunos films de Faith Akin) con la sobriedad comercial que James Wan aplicó en la primera entrega de 'The Conjuring'. Babak Anvari, debutante en largometraje, escribe, dirige y nos plantea una cinta de terror tanto real como paranormal, bastante sencilla y bien dirigida, intentando alejarse de los manidos y odiados clichés en este tipo de subgénero. A 'Under the Shadow' le falta terror, o mas metraje quizás. Kubrick necesito de 146 minutos para reflejar su visión del terror en 'The Shining', de ella a dia de hoy rescatamos muchas escenas en nuestra mente cinéfaga para la posteridad, no solo una o dos, sino varias, Anvari usa 83 minutos con dos o tres escenas para recordar y, de las tres solo una funciona realmente como sobresalto al uso, la de la ventana. Sin embargo, no es esta la tópica película de terror psicológico que muchos creen, la historia esta inteligentemente construida, Shideh (Narges Rashidi) es una madre vetada de continuar sus estudios de medicina por su participación en regímenes opositores años antes a la que además del drama que supone este rechazo intelectual a su independencia se le une la constante ausencia de Iraj (Bobby Naderi), su marido y también medico, enviado a la zona del conflicto bélico actual.  En esta situación se suceden las constantes carreras al sótano del edificio por todos los vecinos tras oír las alarmas antiaéreas, vemos las ventanas de algunos pisos con cinta aislante y cristales repuestos día si y día también o la presión de la policía que patrulla cada esquina, es decir,  la sensación de amenaza es constante y esta ejerce un poderoso efecto en unos personajes, incluidos los vecinos, a los que solo les queda una opción, marcharse. Vecinos y edificio con aires a 'Le Locataire' de Polansky que acrecentan la opresión ya de por si reinante en el ambiente. Shideh y su hija Dorsa (Avin Manshadi) se quedan solas en dicho edificio progresivamente debido a la marcha del resto del resto de vecinos tras uno de los ataques con misiles que no solo deja secuelas físicas irreversibles en la fachada y en algunos pisos sino también paranormales.  Y entonces el guión de Anvari recuerda que se trata de un film de terror y todo empieza a cambiar, el terror tangible da paso al fantasmal, donde antes se insinuaba ahora se deja ver, algo menos sutil pero efectivo, las sombras empiezan a tomar forma y 'Under the Shadow' se convierte, tarde, en una buena cinta de terror psicológico. Además del tono ocre y austero de la fotografía de Kit Fraser, de esta opera prima de Babak Anvari rescataría entre otras cosas, el personaje de Shideh, de la rebelde Shideh, una mujer de ideas y comportamientos totalmente occidentales reflejados en su forma de vestir y de hablar con sus vecinos, Jane Fonda en Beta, su impotencia y resignación cuando le dicen que no puede continuar estudiando, la pasividad de su marido ante ello y su reacción ante el, la rabia con la que lanza el burka tras regresar de la comisaria...son detalles que pulen un personaje a la perfección, como cuando se pone a apilar los vasos en la cocina y Dorsa no para de preguntarle por la muñeca, la ansiedad y los nervios de Shideh en aumento y hasta eso se ve reflejado. La sensación final con 'Under the Shadow' es que se trata de un film de terror bien construido al que cuando le llega el turno de retorcer la madeja o dejar en segundo plano el drama y dar paso al festival oscuro de lo etéreo, es cuando el final hace acto de presencia. Lo mas parecido a 'Under the Shadow' bien podria ser 'El espinazo del diablo' o la reciente 'The Babadook'.

HALLOWEEN

 Halloween - John Carpenter - Estados Unidos

1. El horror en plano secuencia

Uno de los aforismos más célebres de Jean Luc Godard fue aquel en el que dictaminó que 'un travelling es una cuestión moral'. Lo que venía a decir el director de 'Bande à part', muy dado a la creación de ingeniosas boutades, sin duda consecuencia de su pasado como crítico de cine, es que el estilo, la forma, no consistía en un mero empaque narrativo para el contenido, una manera con la cual transmitir la historia que se está contando. Las imágenes inciden en esa misma historia, la modelan y la puntualiza. En suma, la puesta en escena no como un medio, sino como un fin. Con el prólogo con el que comienza 'Halloween', John Carpenter parece querer parafrasear la sentencia de Godard matizándola al filtrarla por la oscuridad que predomina en el cine de terror. A través de la primera persona del singular y utilizando la estilizada fluidez de una cámara en perpétuo movimiento, Carpenter nos introduce en la mente de su asesino para encontrarnos con que no hay nada: el pequeño Michael Myers no dice ni una sola palabra, sus movimientos son rápidos y directos: no hay reflexión ni reacción. Sólo acción. De ahí que el director de 'The Fog' decida utilizar el recurso del plano secuencia: un plano sin cortes, directo: igual que su asesino. Pero en realidad sí que hay un corte. Cuando Michael sube las escaleras de su casa, encuentra una máscara de payaso tirada en el suelo, enfrente de la puerta que da a la habitación donde su adolescente hermana se peina. Cuando Michael coge la máscara y se la pone, un corte de montaje modifica el punto de vista: ahora, la mayor parte de la pantalla está en negro, excepto dos pequeños agujeros, imitando la forma de la careta, pero también introduciendo un cortocircuito en la perspectiva: el espectador es alejado de la realidad en la que vive Myers. El momento en el que apuñala repetidamente a su hermana hasta matarla es vislumbrado parcialmente: el horror irrumpe en un entorno controlado, del cual el espectador es alejado para su seguridad. Tras el asesinato, Myers sale de la casa mientras sus padres llegan, se acercan y le quitan la máscara. En ese momento, Carpenter cambia el punto de vista. La cámara pasa a un primer plano, mostrando el rostro de un niño de seis años de mirada perdida. Una grúa nos aleja de la escena, abandonando a unas figuras estáticas en medio de la oscuridad. Tras acompañar al Mal en su ejercicio del terror y descubrir cómo éste puede refugiarse en las formas más anodinas e inocentes, huímos de la escena, conscientes de que jamás podremos comprender el insondable abismo al que nos hemos asomado. Los primeros minutos de 'Halloween' no sólo sirven para introducir un trauma del pasado que afectará al presente de los protagonistas, sino que puede verse como un cortometraje en el que Carpenter nos presenta su visión de la esencia del Mal.



2. La noche de la silueta errante

Tras dicho prólogo, 'Halloween' da un salto de quince años. El doctor Sam Loomis, quien se ha encargado de estudiar a Myers, encerrado en una clínica mental durante todo ese tiempo, viaja junto a una enferma durante una desagradable noche, lluviosa y tormentosa, con destino a recoger a Myers y trasladarlo a otro centro. Durante el recorrido , Loomis ne niega a referirse a su paciente como un ser humano, dirigiéndose a él como una cosa, algo indefinible. Al mantener esos años en elipsis, Carpenter despliega una mirada abstracta sobre su criatura, dándole un enfoque casi mitológico: el indescifrable vacío emocional en el que está sumergido ('mirando la pared, sin verla' en palabras de Loomis) resulta tan hondo que se resiste a ser mostrado: al ocultar las imágenes, Carpenter no esconde, sino que descubre. Ese acercamiento mitológico se expande y contagia la atmósfera de toda la película, cargándola de un elemento metafísico, de una presencia que se despliega por todos los escenarios, ensombreciéndolos sin necesidad de estar ahí. Un recurso tan devaluado con el tiempo, y el uso, como es la máscara que oculta el rostro del psychokiller, en 'Halloween' adquiere un sentido a la hora de definir a quien la porta: una careta blanca, sin expresividad, que representa la falta total de emociones de Myers quien, sin renunciar a su forma antropomorfa, la rechaza, se aleja de ella: oculta sus facciones humanas porque éstas no tienen nada que ver con él, no son parte de lo que es.

 
Michael Myers no habla y sólo produce una densa, pesada respiración, como si no acabara de acostumbrarse a ese cuerpo; se mueve de manera rígida y automática, más parecido a un robot que a un humano; por muchos golpes que reciba y sea derribado, siempre vuelve a levantarse, como si fuera inmortal. Cuando, tras ver su silueta recortada en la oscuridad, Tommy, el niño del que está cuidando Laurie Strode, le identifica como el Hombre del Saco, se nos está informando de la auténtica naturaleza de tan misterioso ser: en 'Halloween' no asistimos al avance depredador de un vulgar asesino, sino al Mal Absoluto, en estado puro, que se ha encarnado en una forma humana para poder moverse entre las personas comunes. Durante más de la mitad del film, Myers se dedica a observar y perseguir a sus futuras víctimas, como si su objetivo fuese estudiarlas con un ánimo casi antropológico, subrayando la distancia de Myers con ellas. A pesar de que la imagen que ha trascendido del icónico psicópata es la que le muestra utilizando un enorme cuchillo, en todos los asesinatos que nos muestra 'Halloween', Myers utiliza sus manos, entrando en contacto directo con la carne de los desdichados adolescentes (aunque les acabe rematando mediante arma blanca), buscando sentir esa calidez propia de los seres vivos que le es ajena. Tras ensartar a uno de ellos, dejándolo colgado, Myers se queda mirando el cadáver, estudiándolo, como hipnotizado por una forma de vida que le fascina por desconocida.

3. Una cartografía del Mal

Cuando John Carpenter reconoció que 'Halloween' era su respuesta a 'Suspiria', no sólo estaba rindiendo un tributo a la obra maestra de Dario Argento, sino que, quizás de manera inconsciente, revelaba tanto el motor de su propia película como el de todo el género de la década. El principal rasgo distintivo del cine americano de los 70 fue su fuerte conexión con la realidad de la que surgía. Una realidad sacada directamente de las calles, de la gente, de un espíritu de desencanto de una sociedad que despertaba del sueño de los 60 para encontrarse en medio de una pesadilla. Y el cine de terror no fue ajeno a ese sentimiento. Un ejemplo sería la excelente 'Dead of Night', del desaparecido Bob Clark, que adaptaba el esquema clásico del popular relato de W.W. Jacobs, 'The Monkey´s Paw', a la coyunturalidad del ex-veterano de la guerra de Vietnam que volvía desconocido al hogar. Otras dos imprescindibles muestras del género de la década son 'The Exorcist' y 'The Texas Chainsaw Massacre', las cuales se desarrollan en entornos tan reconocibles como de marcada fisicidad. Pero hay otro detalle que une a los títulos comentados: la importancia de las figuras arquitectónicas tanto como núcleo de lo maligno como foco de infección: la habitación en la que se encerraba a una poseída Regan, por cuya ventana surgía un haz de luz que daba la bienvenida al padre Merrin; el siniestro hogar de la familia Sawyer, amueblada a base de huesos y piel humanos.

 
Tras la masacre producida en el pasado, la casa de los Myers ha sido abandonada, quedando en ruinas, y convirtiéndose en residuo del horror como advertencia de su poder en un tranquilo barrio residencial: una mancha de sangre en medio de una impoluta sábana blanca. El sheriff de la localidad de Haddonfield le cuenta a Loomis que los niños creen que está encantada. La casa de los Myers se suma, de esta manera, a esa colección de receptáculos del Mal, con aportaciones foráneas como las mansiones de 'Profondo Rosso' y 'Suspiria', que nos permite unir a los principales títulos del cine de terror en un objetivo común: cartografiar un mapa del horror que recoge el avance del Mal, partiendo de las casas situadas en diferentes puntos, y cuya influencia se extiende y une, como carreteras interconectadas que recorren un paisaje. Los realizadores William Friedkin, Tobe Hooper y Dario Argento coincidían también en la conclusión de sus respectivos films: tras mostrar el poder del Mal en todo su apogeo, demostraban que, tras una victoria pírrica de los protagonistas, éste seguía manteniendo su presencia e, incluso, parecía salir fortalecido del envite. En este sentido, el final de 'Halloween' llega más lejos con el cuerpo desaparecido de Michael Myers, seguido de una serie de planos que nos muestran diferentes localizaciones de la película (y que, no por casualidad, finaliza con una imagen de la casa de los Myers) con la entrecortada respiración del asesino como banda sonora. El mensaje no puede ser más claro: una vez cumplido su objetivo, el Mal puede abandonar su disfraz de carne. El daño ya está hecho y todo Haddonfield ha sido contagiado de la esencia del Horror. Sus habitantes son conscientes para el resto de su vida que, efectivamente, el Hombre del Saco existe.

PET

Pet - Carles Torrens - Estados Unidos

Cuando una película de género llega al circuito festivalero sin trailer ni teaser...ahí es donde su director se la juega. Por lo menos en cuanto a asistencia/respuesta se refiere. La búsqueda de información cobra una prioridad de la que no gozan el resto de films participantes. Un titulo explicito apoyado por un cartel llamativo, unos protagonistas conocidos y un extracto del propio film fueron las únicas pistas previas que se pudieron encontrar del largometraje que el barcelonés Carles Torrens dirigió y presento este 2016 durante la 49 edición del Festival de Sitges. El boca oreja funciono a la perfección y de un pase al siguiente el publico aumento de manera considerable. Escrita por Jeremy Salter ('The Lazarus Effect', 'The Exorcist (TV)'), 'Pet' es la segunda película en la dirección de Carles Torrens despues de 'Emergo' en 2011 y varios cortos anteriores. El mundialmente conocido por sus papeles como Merry Brandybuck  en la saga 'LOTR' o Charlie en 'Lost', Dominic Monaghan, interpreta a Seth, un trabajador de una tienda para perros que un día se topa en el autobús con una antigua compañera de clase, Holly (Ksenia Solo). A partir de ese momento la vida de Seth dará un vuelco y su obsesión con la joven lo llevara a secuestrarla y tenerla cautiva en el sótano donde trabaja pero...quien es realmente cautivo de quien...y porqué?. Thriller psicológico de manual, honesto con el espectador, con un giro de guión sorpesivo y un montaje parecido al de 'Saw' sin ser esta nada mas que una simple referencia en ese sentido ya que 'Pet' compite en otros temas bien distintos. Estamos ante una historia de amor bastante extraña, sangrienta y dolorosa tanto física como mentalmente, compuesta por dos almas totalmente solitarias -y desquiciadas?- que a su vez  están rodeadas de otras, ya sean animales o humanas. Mas que una doble lectura, Torrens apuesta por el thriller clásico donde nada es lo que parece hasta el último fotograma. Su buen ritmo o su corte oscuro, morboso y nada pretencioso elevan la producción por encima de otras que si pecaban de algo de pretenciosidad como la francesa dirigida por Yann Gozlan en 2015, 'Un homme idéal'. En aquella, las intenciones de su protagonista resultaban lejanas,vanidosas, se lograba empatizar con el personaje por momentos pero en el fondo su poso, era oscuro y arrogante. En 'Pet', el Seth creado por Salter se nos presenta como un cuidador de perros, servicial, atento, sabemos o creemos saber que algo en su mente no funciona correctamente, es un acosador nato pero nos da igual, no podemos dejar de sentir cierta complicidad con el personaje de Dominic Monaghan. Es un buen tipo hasta cuando ocurre el hecho que lo cambia todo. Seth nos cae bien incluso cuando sus acciones no son las mas acertadas y, la duda que Holly siembra en él, la sentimos como propia, Torrens y Salter en ese instante ya nos ha convertido en complices mientras nosotros debatíamos sobre los clichés que podamos haber visto o no. Seth no es un psicópata, no es un serial killer, es un alma solitaria, manipulable, frágil, Seth esta bien lejos de ser un psicópata, es un acosador que jamás cruzó la linea y que cuando decide hacerlo es cuando su verdadera naturaleza sale a la luz y comete los errores propios de alguien que se enfrenta a algo por primera vez. Hay que alabar también sin duda el buen hacer de la canadiense Ksenia Solo dando la replica a Monaghan ya que, sin la buena interpretación que ofrece no seria posible este quid pro quo o este versus que ambos actores mantienen durante toda la película .'Pet' dibuja su linea con 4 actores y 2 escenarios, engancha por su guión y el buen giro que posee y que la convierten en algo mas que un producto convencional, un thriller de manual clásico, negro y verdaderamente sorpresivo; deja rastros para segundas lecturas pero, como dije al inicio, Torrens lo que busca es un resultado final honesto, sin ir mas allá, una historia sencilla y bien dirigida. Buena.

HELL OR HIGH WATER

Hell or High Water - David Mackenzie - Estados Unidos

Thriller impecable de principio a fin. Y que fin! Clásico y enormemente satisfactorio. Mackenzie dirige un film repleto de potentes diálogos y grandes escenas bajo el abrasador sol de la arida Texas. Los hermanos Howard, Tanner (Ben Foster), el hermano mayor, impulsivo, violento, recién salido de la cárcel y Tobby (Chris Pine), el mas pequeño, comienzan una serie de robos a bancos pertenecientes a la cadena Texas Midland Bank en varios pueblos pequeños del estado. Por otro lado y debido a que la cantidad robada no supera el limite, el FBI deja paso en la investigación a dos Rangers de Texas, el veterano y a punto de retirarse Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y su compañero mestizo Alberto Parker (Gil Birmingham). 'Hell or High Water' bien podrían haberla firmado los hermanos Coen por la potencia de sus diálogos, la forma de describir unos personajes tan peculiares o hasta por ese humor tan negro del que hace gala. El guión de Taylor Sheridan ('Sicario') es bueno, mucho, pero no lo sería tanto quizás si no tuvieran la voz de un Jeff Bridges que brilla a un nivel excepcional, entregándonos a un Ranger sarcástico, irónico e hirientemente racista en sus chistes y bromas, un tipo que nos recuerda vagamente al Dude de 'The Big Lewoski' con su pasotismo y su vuelta de todo. Un perro viejo al que su compañero Alberto soporta como puede porque como bien le recuerda este: '...cuando no este aquí, echarás de menos mis bromas racistas...'. Es ese tipo de personaje el interpretado por Bridges, un Ranger que oculta su mirada bajo unas gafas de sol negras, surtiendo puyas a diestro y siniestro hasta de madrugada con un ingenio propio de pocos, alguien difícil de soportar pero fácil de querer, ese es Marcus Hamilton. Algo que me gusta de la dirección de Mackenzie es como maneja el ritmo y va deshuesando la motivación de los dos hermanos por cometer dichos robos, es algo que podemos intuir desde el inicio por la forma en que cometen el primero de los atracos. También esa relación de, por un lado, dos hermanos de sangre y por el otro, dos hermanos no de sangre pero si de vida, de día a día, algo que cobra mas sentido una vez terminado el film y visto lo sucedido entre una parte y otra. Pocos personajes, desierto, polvo, sol, robos, bancos, venganzas y...música! Ese es otro de los alicientes que tiene 'Hell or High Water', su música. Tanto la no original que incluye temas de Attila , Jamey Johnson, Townes Van Zandt, Scott H. Biram o Gillian Welch entre otros, como la original compuesta por el mítico Nick Cave junto a uno de los miembros de su banda, Warren Ellis. Curiosamente ambos colaboraron anteriormente en la creacion de otras bandas sonoras como la del potente western 'The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford' o 'The Road' en 2009. En su conjunto 'Hell or High Water' auna drama y thriller en un escenario como es el desierto texano y sus solitarios pueblos, capaz de sostener casi el mismo protagonismo que los cuatro personajes que por el se pasean, hay una calma pasmosa en ese ritmo tan acelerado, es inherente a ellos, como el polvo desértico que nunca termina de desprenderse. Realmente la película de David Mackenzie se asemeja a un western, pero solo es un parecido, un halo que sobrevuela toda la historia, casi un western crepuscular gracias al contrapunto musical que otorgan Cave y Ellis a la banda sonora no original, temas muy suaves, evocando sobre todo en el tramo final a dos pistoleros frente a frente, el bien contra el mal, la ley contra el crimen, la oblación frente a la necesidad. De lo mejor de #Sitges2016.

MIDNIGHT SPECIAL

Midnight Special - Jeff Nichols - Estados Unidos

Peculiar y curioso thriller de ciencia ficción el dirigido por Jeff Nichols con el que casi vende su alma a la industria hollywoodiense. 'Midnight Special' es la cuarta película de uno de los mas protemedores realizadores norteamericanos de los últimos años; se estreno con 'Shotgun Stories' en 2007 y cuatro años mas tarde y casi al unisono dirigió 'Take Shelter' y 'MUD' en 2011 y 2012 respectivamente. 'Midnight Special' llega en 2016 cumpliendo ese ciclo de madurez entre historias/películas que mantiene Nichols y repitiendo con la participación de su actor fetiche, Michael Shannon. Luego hablare un poco sobre esta curiosa 'trilogía' formada por la dupla Nichols/Shannon pero ahora os cuento mas sobre 'Midnight Special' y porque considero que es la película mas floja de las tres que ha realizado con Shannon al frente sin contar 'MUD', la cual todavía no he podido ver. 'Midnight Special' consigue sin casi buscarla, toda la magia que 'Super 8' rezuma, es un hit and run, una road movie que centra todos sus esfuerzos en la linea central de su argumento y deja de lados otras que podrían haber dado mucho mas crédito a su director y a la película en si. La historia es muy muy conocida por todos, o al menos por la masa cinéfaga: 'ser' especial a la carrera acompañado por familiares o amigos con el ejercito, el FBI y  la NASA tras ellos. Si me pongo a sacar títulos parecidos o similares la lista puede ser curiosa, el que mas clama la atención es 'Close Encounters of the Third Kind' de Spielberg pero el trama base es idéntica o casi a 'Short Circuit' e incluso 'Free Willy', si si, una vez la veáis, pensadlo que tiene su lógica, y si me apuráis hasta tiene algo de 'Starman', 'D.A.R.Y.L.', 'Flight of the Navigator' o 'Mercury Rising' con la ventaja que el 'ser' especial, Alton (Jaeden Lieberher), no se la pasa toda la película chillando por su autismo.
 

Llegados a este punto imagino que ya os podréis hacer una idea del argumento de 'Midnight Special', trama sencilla bajo el filtro de Nichols, es decir, tono austero, banda sonora melancólica y seriedad en el guión sin dejar espacio a la fantasía spielbergiana o similares, que la hay ojo, o al menos yo veo esos toques en el comic que lee Alton, el momento radio latina o en la escena final con esos extractores de petróleo mirando al cielo. Ya quisieran muchas películas de ciencia ficción actual tener el enfoque que tiene 'Midnight Special', estamos ante una buena película que marca un inicio fulgurante de 35 minutos donde se nos mete en la historia directamente y sin previo aviso. Nichols suelta al espectador en ese momento en que el 'ser' ya ha sido cazado por el estado y empieza la gran huida. El mayor problema es que pasada esta intensa e interesante media hora larga con alguna que otra escena llamativa el conjunto de lo que se nos cuenta empieza a hacerse extremadamente previsible, se pierden tramas como la de la secta y esos dos secuaces para potenciar a un personaje impuesto a la fuerza y que no aporta nada, es mas, la película podría haber funcionado sin el, o en este caso, ella, Kirsten Dunst. Su personaje, el de Sarah Tomlin, la madre (?) del 'ser', dudo mucho que tenga mas de 25 lineas en todo el film, la mayoría del tiempo callada, absorta, como drogada o sin saber que importancia tiene su papel, sus apariciones podrían haber sido suplantadas por el personaje de Joel Edgerton ('Warrior', 'The Gift') tranquilamente y nadie hubiera notado la diferencia. Buen personaje por cierto, con dos simples lineas en una conversación pasada la mitad del film Nichols lo define muy bien, hasta llegar a ese punto uno puede hasta llegar a pensar que es un amigo con algún tipo de deficiencia mental al que Shannon ha embaucado debido a sus pocas palabras. También aparece Adam Driver ('Star Wars VII'), para que entiendan algunos el porque en parte de su elección como Kylo Ren, su altura y su voz también fueron motivos para elegir en su momento a David Prowse como Vader, no?. Pues eso. Volviendo al tema de la madre de Alton, es importante que aparezca pero no que tenga mas protagonismo que por ejemplo el líder de la secta o los secuaces. Aun así esta diferencia se puede aceptar pero lo que no se puede pasar por alto es el gran desliz que tiene Nichols en una de las escenas, si me dices que se trata de una opera prima pues se lo puedo perdonar pero para un tipo con la trayectoria que tiene ya a sus espaldas este director, es un fallo tonto e imperdonable. Hablo de la escena del control en la carretera. Como es posible que Shannon no solo se recupere tan pronto de lo que le ha pasado en el hombro sino que lleva una gran mancha de sangre en la camiseta, visible a todas luces menos para las decenas de militares que pululan por el control. Si, es injusto menospreciar una película buena por un simple fallo o un detalle pero es que clama al cielo semejante incoherencia cuando nos estas vendiendo un thriller de ciencia ficción bajo el filtro de la realidad mas austera. No es creíble!. Comparándola con las dos anteriores películas que rodó con Shannon, esta es la mas comercial, por decirlo de alguna manera, las relaciones personales entre los protagonistas no importan tanto o no son tan 'reales' como resultan en 'TS' que es de todas la que tiene ese elemento 'fantastico' del apocalipsis pero a su vez funciona como el drama de un hombre al que su propia familia toma por loco. O también podemos verla como un homenaje a esa nostálgica ciencia ficción ochentera donde todo ser extraño y no humano era protegido contra el sistema a toda cosa, llamase E.T., llamase Willy o Nº5 o como se quiera. 'Midnight Special' es una buena película que sienta todas sus bases en esa primera media hora larga  inicial para luego poner el piloto automático y dejarse llevar hasta un climax final que tampoco termina de convencer lo suficiente como para haber aguantado todo el viaje. Se esta corrumpiendo el toque de Jeff Nichols conforme crece su fama y aumentan los presupuestos de sus producciones? Ahí lo dejo. 'Shotgun Stories' representaba un thriller rustico rodado en Arkansas (lugar donde nació Nichols), serio, de problemas comunes y auténticamente reales, una película con los pies en la tierra y una perfecta y bien encarada tensión, después llego 'Take Shelter' que seguía manteniendo este ambiente rural a lo 'Interstellar' y poco poblado usando el apocalipsis casi como protagonista principal pero siempre con problemas arraigados a la tierra aun como teniendo ese toque místico pero, en 'Midnight Special', la ficción toma completamente el control del guión de Nichols y la acción se mueve de lugar, los personajes rotan y los que se han de quedar salen y los que han de salir se quedan, la historia se corrompe y lo previsible no deja lugar a segundas interpretaciones ni tan siquiera a interesantes segundos visionados. Es como si el director hubiera decidido dar un homenaje a ese cine con el que se crió ya que nació en 1978. La banda sonora de 'Midnight Special' es del habitual de Nichols, David Wingo, y como en 'Take Shelter' marca todas y cada una de las escenas importantes de la película con una extraña melodía muy definida. No son creaciones que uno recuerde con el tiempo pero en ambas películas y sobre todo en esta que nos atañe, ese tono melancólico que emiten te mete de lleno en la historia. Otras cosas que he podido apreciar es que en la trilogía Nichols/Shannon todos los personajes clave son presentados al inicio salvo en 'Midnight Special', donde Sarah (Dunst) aparece pasada esa intensa primera media hora para detener todo el ritmo y la acción acumuladas. El conflicto en 'SS' y 'TS' es presentado al poco de arrancar, en una durante un entierro familiar y la otra mediante una visión de Shannon, pero en 'MS' Nichols empieza directamente con el conflicto, abre la puerta del coche para que nos subamos en marcha y vayamos encajando las piezas de un puzzle cuyas pistas clave van siendo reveladas poco a poco. Y para rematar, las 3 peliculas terminan con un plano similar, sobre todo 'SS' y 'TS', sino parecidos en el mensaje o interpretación si en la forma. En definitiva, como experimento homenaje aprobada con creces y como historia independiente funciona genial ese enfoque mas serio y menos fantasioso de una historia ya contada pero se le debe exigir mas a Jeff Nichols, mucho mas si su rango de producciones cada 4 años. De momento sigue siendo un director a seguir precisamente por estos tonteos de su cine con todo tipo de genero, desde el thriller a la ciencia ficción, siempre con su sello personal. Y como se que os gustan las comparaciones os dejo esta, 'Midnight Special' no es superior a 'Cloverfield Lane 10' pero si igual o algo mejor que 'Super 8'.

MUSEUM (MYÛJIAMU)

Museum (Myûjiamu)- Keishi Ohtomo - Japón 

Después de adaptar el conocido manga escrito por Nobuhiro Watsuki, 'Rurouni Kenshin', en tres films, Keishi Ohtomo vuelve a repetir en la dirección de una nueva adaptación. Esta vez se trata del manga creado por Ryôsuke Tomoe en 2013, 'Museum: The serial killer is laughing in the rain'. Una serie de crueles y milimétricos asesinatos tienen al inspector Hisashi Sawamura (Shun Oguri), y a la policía de Tokio, tras la pista de un asesino en serie algo peculiar pues, oculta su rostro tras una mascara de rana. Esta es una película trampa. A priori parece muy interesante pero lo que realmente presenta y su resultado final no va mas allá de lo convencional o lineal. Y si has visto 'Seven' ya...Tiene bastantes aspectos negativos pero uno clama al cielo, su duración. 137 minutos que se hacen interminables y donde por ejemplo, sus mas claros referentes como son el antes mencionado film dirigido por Fincher, 'Seven' o 'Saw', ofrecían un mayor empaque en menos extensión. Tampoco este sería un problema grave si lo que se nos cuenta nos mantiene pendientes pero no solo falla en un metraje excesivo sino en un serial killer que va de mas a menos, que aún y con la máscara puesta aguanta el carisma del personaje como puede hasta que se desprende de ella en el tramo final y su esencia, así como lo potencialmente llamativo, se desvanece por completo. Atención al final donde parece que la película no termina nunca de cerrarse con escenas post final climax totalmente omitibles. La atmósfera de la película y en si lo que es la adaptación dudo que se pueda hacer mejor, hay un buen trabajo de Ohtomo, no es un mal director sino que, según mi opinión, no todos los mangas van a funcionar en pantalla grande y este es una prueba de ello. La fotografía de Hideo Yamamoto ('Audition', 'Ichi, The Killer', 'The Grudge'), es ideal, oscura, lluviosa como las noches de caza del asesino, este Tokio sin luces de neón y azoteas mojadas esta muy bien representado por Yamamoto. Dirigida por Keishi Ohtomo y escrita por el mismo en colaboración con Izumi Takahashi y Kiyomi Fujii, 'Museum' es un thriller aceptable sin giros sorpresa, lineal y básico, su interesante inicio fija un punto de partida excitante y diferente al que ya no vuelve mas, un film donde lo que mas destaca es la fotografía de Hideo Yamamoto y la interpretación por momentos de Shun Oguri.

INFERNO

Inferno - Ron Howard - Estados Unidos

Esta es la tercera vez que Tom Hanks se pone en el papel de Robert Landon el profesor de simbología de la universidad de Harvard que ya ha tenido que salvar al mundo un par de veces, el destino quiere que vuelva a ser él la pieza clave de un maquiavélico plan para reducir drásticamente la población mundial. Esta vez descubrimos al bueno de Robert en la cama de un hospital, con un fuerte golpe en la cabeza, con una importante amnesia y con unas alucinaciones que no le dejan pensar con claridad. La pega es que cuando comienza el film nos encontramos ya en medio de toda la trama y el pobre no sabe porque le persiguen o que es ese extraño objeto que tiene en el bolsillo. Ya el inicio es bastante distinto a lo que vimos en las anteriores entregas, eso de que el protagonista empiece con amnesia aunque treméndamente manido en el tema de los thrillers (sobretodo de suspense) le da un aire fresco a una franquicia que puede caer rápido en el aburrimiento, a no ser que se le inserten artificios como este y en esto el director Ron Howard es bueno, muy bueno. Los primeros veinte minutos de Inferno son una locura de alucinaciones, flashbacks, ensoñaciones y efectos psicodélicos que si bien se vuelve bastante incomodo para el espectador hace que empaticemos bastante con el profesor Landon aunque solo sea por lo mal que lo pasa, el resto del film es bastante continuista con lo que nos ofrecieron los dos anteriores: acertijos y más acertijos escondidos en obras de arte y repartidos por los rincones más bellos de las ciudades en las que transcurre la acción (en este caso Florencia, Venecia y Estambul), alguna persecución, algún giro de guión y mucha transcendencia ficticia. El principal problema que le veo a estas adaptaciones de las novelas de Dan Brown es que no son tan cinematográficas como la gente pudiera pensar en primera instancia, de ahí que el director se tenga que servir de los artificios de los que antes hablaba. por ejemplo, el profesor Landon está escudriñando un fresco en el que hay una batalla, pues de repente vemos imágenes de esa batalla, aunque realmente no venga a cuento ni aporte nada al film (excepto algo de vacía espectacularidad) o escenas que a lo mejor no son tan 'espectaculares' pero a las que le añaden más espectacularidad alargando en exceso la acción y ayudándose de la potente banda sonora de Hans Zimmer que a veces queda demasiado superpuesta. Pero bueno, si nos dejamos caer en estos juegos seguro que pasamos un buen rato en el cine ya que el tema de los acertijos que están muy bien traídos, los paseos que se dan por estos espectaculares sitios, que toda la trama gire al rededor de un personaje tan interesante como Dante Alighieri y su divina comedia, esos giros más o menos inesperados son factores que hacen que las dos horas que dura la película se pasen rápidamente. Exceptuando un par de escenas en las que nos hablan de la vida personal de Landon y de su pasado amoroso, la verdad es que no llegan a molestar pero son un bajón respecto al resto del film , no aportan nada y la verdad es que no se si solo me pasa a mí pero tampoco me interesa saber nada de la vida de este hombre, con saber a que se dedica y lo bueno que es en lo que hace me vale.

31

31 - Rob Zombie - Estados Unidos

Vista  en  retrospectiva,  'La  casa  de  los  1,000  cadáveres'  se  nos  aparece  hoy  como  la  película más  conservadora  de  Rob  Zombie.  Sus  imágenes,  cargadas  de  saturados  colores  brillantes,  de explosiones  cromáticas,  hacen  gala  de  un  grado  de  distorsión  y  de  histeria  fragmentada  que  nos remite  de  manera  automática  a  un  universo  iconográfico  perfectamente  reconocible  para  los  fans  de su  creador.  Aquel  que  desarrolló  él  mismo  a  través  de  los  recargados  diseños  creativos  del  grupo White  Zombie,  entre  el  pop psicodélico  y  el  barroquismo  naïf.  Que  el  debut  de  Zombie  en  el  terreno del  largometraje  se  acogiera  a  las  formas  instauradas  en  los  vídeoclips  que  él  mismo  se  encargó  de realizar para  ilustrar  su música  refrendaba  la  postura  vacilante  de  un director  que  aún no confiaba  en sus  posibilidades  como  creador  de  ficción  autónoma.  No  por  casualidad,  'La  casa  de  los  1,000 cadáveres'  es  la  única  cinta  en  la  que  Zombie  incluye  una  canción  propia.  Como  manera  de  cubrirse las  espaldas,  estaba  apelando  directamente  a  su  nutrido  grupo  de  seguidores,  dándoles  lo  que, supuestamente, esperan  de  él. '31' comienza  en  terreno  conocido:  un  grupo  de  amigos,  miembros  de  una  feria  itinerante, viajan  con  su  destartalada  furgoneta  a  través  del  árido  desierto.  Tras  las  presentaciones,  les  vemos detenerse  en  una  solitaria  gasolinera.  Desde  'La  matanza  de  Texas',  la  figura  de  la  gasolinera  se  ha convertido  en  un  icono  indispensable  del  American  Gothic.  Suele  cumplir  la  función  de  primera toma  de  contacto de  los  protagonistas  con  un mundo desconocido al  que  están a  punto de  entrar.  Una puerta,  generalmente  vigilada  por  sujetos  excéntricos,  que,  una  vez  traspasada,  se  cierra  para siempre.  También  puede  verse  como  representación  de  una  civilización  que  se  va  a  dejar  atrás:  la gasolina  como elemento  indispensable  para  la  huida.

Este  inicio  nos  remite  directamente  a  la  mencionada  'La  casa  de  los  1,000  cadáveres',  la  cual funcionaba  como  una  revisión  lunática  y  alucinada  de  la  película  de  Tobe  Hooper.  Pero  las imágenes  son  muy  diferentes:  la  tierra  seca,  los  rastrojos,  la  polvareda  de  la  carretera  empapa  la fotografía,  remitiéndonos  al  estilo  seco,  granuloso  de   'Los  renegados  del  diablo',  aquella  falsa secuela  que  se  asemejaba  a  un  western  infernal.  Por  tanto,  31  supone  una  mirada  al  pasado  de  Rob Zombie,  una  valoración  de  su  obra  hasta  ese  momento,  casi  un  recopilatorio  de  sus  avances  como realizador.  Es  lógica  esta  decisión  tras  una  obra  casi  terminal  como  'The  lords  of  Salem',  en  la  cual Zombie  lograba  de  manera  rotunda  filtrar  la  referencialidad  siempre  clave  en  su  carrera  a  través  de un  mundo  personal  que,  aquí  sí,  adquiría  autonomía  propia.  Era  comprensible  que  tras  un  trabajo tan  rotundo  como  este,  pero  que  adquiría  el  peligroso  signo  de  callejón  sin salida,  Zombie  se  tomara un  descanso  para  echar  la  vista  atrás  y  analizar  lo  que  le  ha  llevado  hasta  ahí.  Para  coger  aire  antes de  volver  a  dar un paso hacia  delante.

Así,  más  que  un  relato,  una  historia,  '31'  supone  un  viaje  por  el  Universo  Cinematográfico de Rob  Zombie.  No  es  extraño  que  los  personajes  se  vean  empujados  a  una  especie  de  yincana mortal que  a  ojos  del  espectador  adquiere  la  forma  de  un  parque  temático  en  el  que  cada fase,  cada  zona, resulta  una  atracción  que  los  protagonistas  tienen  que  experimentar.  Poco,  o nada,  sabremos  de  los demiurgos  que  siguen  la  acción,  los  responsables  del  calvario  que  sufre el  grupo,  más  allá  de  su extravagante  aspecto. A  partir  de  aquí,  Zombie  pone  en  marcha  su mirada  cruel  del  género,  su habilidad para  el  tortuoso subrayado  físico, una  visión atrozmente materialista  del  horror, reducido a cuerpos  sufrientes,  carne  desgarrada,  huesos  quebrantados  en un  festival  de  la  barbarie  que  resulta más  hipnótica  por  su  falta  de  asideros  argumentales. Recreando  el  miedo  espontáneo  y  el  susto  libre de  un  viaje  por  una  Casa  de  la  Bruja,  no  es  casualidad  que,  al  comienzo  de  la  película,  uno  de  sus personajes   más  carismáticos,  Doom Head,  se  dirija  directamente  al  espectador  en  un  largo monólogo  mirando  a  cámara,  como  si fuera  el  guardián  de  la  atracción  en  la  que  vamos  a  montar, que  nos  la  presenta  a  la  vez que vende  sus  virtudes  de  manera  tan  rimbonbante  como hiperbólica.

A raíz  de  lo  expuesto,  el  final  de  '31'  es  toda  una  declaración  de  principios:  hasta  dos  veces Rob   Zombie   nos   escamotea   el   clímax   liberador,   el   enfrentamiento   final   que   ha ido minuciosamente  preparando.  La  última  secuencia  evidencia  la  ausencia  de  interés  del  director de Halloween.  El  origen  por  lo  que  está  contando.  Una  reescritura  del  final  de  Los  renegados del diablo  en  el  que  la  hiriente  pulsión  romántica  de  aquel  ha  sido  sustituida  por  una recreación estrictamente esteticista  del  instinto  de  supervivencia.  No  nos  importa  el  desenlace  final,  que  se  nos escamotea,  sólo  la  ilustración  de  este,  la  fuerza  de  unas  imágenes  que sirven de  acompañamiento,  y no al  revés,  de  una  canción utilizada  como  emblema  de  valor épico del anticlímax. Los  protagonistas  bailando  en  una  grabación  en  Super  8  y  el  seguimiento  de  su furgoneta  a través  del  desierto  como  cierre  sobre  el  que  desfilan  los  créditos  finales.  '31'  ha sido  un  ejercicio  de pulso  visual  que,  pese  a  su  generosa  ración  de  sangre  y  tripas,  respira un aire  liviano,  casi  festivo. Un  alto  en  el  camino  para  moverse  a  los  ritmo  de  una  danza macabra  que  empieza  y  acaba  en  sí misma.  Y, a  continuación,  vuelta  a  la  carretera, recuperadas  las  fuerza,  hacia  el  siguiente  destino  que seguimos  esperando con interés.

BUSANHAENG (TRAIN TO BUSAN)

Busanhaeng (Train to Busan) - Yeon Sang-ho - Corea del Sur

Hay mucho desaprovechado en 'Train to Busan'. La primera película de Yeong Sang-ho ('King of Pigs', 'Seoul Station')  aprueba por los pelos nuestro estreno en #Sitges2016 mas que nada por algunas de las espectaculares escenas del tramo final y por el buen trato que se da a unos clichées salvados con buen criterio. No es 'Train to Busan' una notable película de zombis (o infectados mejor dicho) sino mas bien un thriller de suspense a contrarreloj donde toda la acción transcurre únicamente en un tren o bueno, en dos para ser mas exactos. En esta primera aventura tras su periplo en la animación, el guión escrito por el propio Yeong Sang-ho arranca frenético desde el inicio y tanto la procedencia del virus así como los personajes son definidos con una o dos frases. A por faena. En un mismo tren tenemos un padre que no se preocupa de su hija, unos jugadores de baseball y animadoras, un matrimonio donde ella esta embarazada, una pareja de ancianas y un cabrón egocéntrico al que desear ver muerto desde que aparece en pantalla. Es en ellos y en sus acciones donde se encuentran la mayoría de cliches a los que hacia alusión antes, todo lo contrario que en la acción o el ritmo, los cuales no paran ni un solo segundo hasta el final o, hasta que unas escenas dramáticas que no aportan nada aparecen. De lejos, lo peor del film, rompen el tono y te hacen dudar sobre que tipo de producción estas viendo, si un melodrama invernal o un blockbuster más. En este sentido me gustó mas 'I am a hero'. 'Train to Busan' intenta ser un film serio de terror sin conseguirlo, apenas hay escenas violentas o sangrientas mas que las justas, decir que es gore es no tener ni puñetera idea de lo que es ese subgénero, no tiene miramientos en alejar cualquier tono cómico tanto de sus personajes como de la historia, insistiendo aleatoriamente en la introducción de momentos de lágrima fácil sin justificación alguna. Desprovechadisimo un secundario como Ma Dong-Seok y un sosísimo Yoo Gong encabezan un casting donde la mas benjamin de todos es la única que parece haber comprendido el tono o intención de la película,  Kim Soo-An. Lo mejor su tramo final incluida la banda sonora precisamente de ese segmento, desde el cambio de tren hasta el momento pasteloso e inevitable. Impresionantes esos dos fotogramas, el del vagón iluminado lleno de infectados y la estampida final. Buen debú de Yeong-Sang-ho.

31

 31 - Rob Zombie - Estados Unidos

¡ROB ZOMBIE HA VUELTO! Lo sé, ha sonado demasiado fanboy, pero es lo que soy, qué le vamos a hacer. Tras su anterior 'batacazo' (?) titulado 'The Lords of Salem' (2012), el director y cantante vuelve a sus orígenes con '31', un film de aire ochentero que narra la historia de un grupo de amigos dedicados a la vida circense que son secuestrados y obligados a jugar a un juego demoníaco en el que tendrán que sobrevivir a una serie de variopintos personajes con problemas mentales severos. Como he dicho anteriormente, Rob Zombie vuelve a sus orígenes tras la anterior mencionada 'The Lords of Salem' y los remakes de 'Halloween' que tan poco han gustado a nuestro queridísimo John Carpenter. En '31' estamos todos invitados (incluso Carpenter) a un violento y dantesco espectáculo en el que la sangre, el humor negro y la casquería al más puro estilo Grindhouse se dan lugar para deleitarnos de manera sublime y orgásmica. Como era de esperar, la película tiene demasiados momentos memorables los cuales no voy a narrar porque sino me podría tirar horas y no es plan, tanto para mi como para vosotros; aunque estoy seguro de que disfrutaríamos un huevo. Como en todas las películas del tito Rob, nos encontramos con una lección de estética magistral de cine de género impresionante, un nivel visual al alcance de muy pocos actualmente. También a nivel brutalístico, podemos decir que es la película más violenta y enfermiza de toda su filmografía. Por último, destacar el personaje de 'Doom-Head' interpretado por un genial Richard Brake que se roba todo el show. En definitiva, estamos ante uno de los mejores productos de género del año, así como también ante uno de los mejores realizadores que tiene el cine de terror actual. Y quien no lo quiera ver tiene un serio problema.

GOKSUNG (THE WAILING)

Goksung (The Wailing) - Na Hong-jin - Corea del Sur

'The Wailing' ('El Extraño') es de esas películas que no te dejan indiferente. De esas películas únicas, de las que no hay dos. Tras ver 'The Chaser' (2008) estaba deseando volver a ver Na Hong-jin en acción, y no me ha decepcionado lo más mínimo. A falta de ver 'The Yellow Sea' (2010), de la cual me han hablado muy pero que muy bien, 'The Wailing' se posiciona como su mejor obra hasta la fecha. La historia narra como la llegada de un extraño individuo a un pequeño pueblo coincide con la aparición de una rara enfermedad que interrumpirá la tranquilidad de sus habitantes. Hasta aquí todo correcto, pero ya sabemos cómo se ponen los coreanos cuando les da por sacársela. El director surcoreano juega con el espectador en las dos horas y media que dura la película, las cuales no se hacen nada pesadas en ningún momento, y más si disfrutas del cine asiático tanto como yo. Hong-jin reformula el cine de terror asiático mezclando el thriller coreano con el cine de fantasmas oriental que tan bien ha funcionado en los últimos años. La ambientación recuerda mucho a la también coreana 'Memories of Murder' (Bong Joon-ho, 2003) aunque menos costumbrista y más fantasmal, como requiere la historia. Tanto su fotografía como su banda sonora son para enmarcarlas y tenerlas ahí toda la eternidad. Además, ver a actores como Hwang Jung-min ('New World', 2013) o Jun Kunimura ('Kill Bill', 2003-2004) dándolo todo es una auténtica delicia para los amantes del celuloide oriental. Persecuciones, exorcismos esotéricos, giros memorables... En fin, ¿necesitáis algo más? Para un servidor la mejor película de lo que llevamos de año.

THE NEIGHBOR

The Neighbor - Marcus Dunstan - Estados Unidos

Marcus Dunstan ya se había ganado mi respeto gracias a la magnífica 'The Collector' (2009). En esta ocasión, el director estadounidense vuelve a la carga con otro thriller de 'locos hacen locuras en casas americanas', aunque aquí la fórmula parece no funcionarle tan bien como en su obra magna. 'The Neighbor' cuenta la historia de una pareja de novios que tienen un vecino un poco mal de la cabeza, americano vamos. Estamos ante un film de lo más normalito. Como thriller puede llegar a funcionar en algún pequeño y mínimo destello, pero como película de género se queda muy muy lejos de lo que podría haber llegado a ser si Dunstan hubiese arriesgado más en el guión y hubiese apostado mucho más por la historia que tenía entre manos. No es un film destacable en ningún sentido y eso es un verdadero problema si de alguna forma quieres que tu película sea recordada o por lo menos la gente tenga interés en un hipotético proyecto futuro. Lo que podríamos llegar a mencionar, y ya me estoy arriesgando mucho, es su fotografía; pero que vamos, nada del otro mundo. Por lo menos es un producto la mar de entretenido que no se te hará pesado en su único visionado, porque esta película es para verla una vez y poco más. Y con 'poco más' me refiero a nada más, pero él que quiera aventurarse a otro visionado y buscarle 'algo más'... pues eso, allá él.