MACBETH

Macbeth - Justin Kurzel - Reino Unido

Después de recibir un ascenso por el rey Duncan (David Thewlis) tras salir victorioso de una importante batalla, lord Macbeth (Michael Fassbender) duque de Escocia, recibe el vaticinio por parte de tres brujas de que será rey, mas sin dejar descendencia. Instigado por su esposa (Marion Cotillard), con la finalidad de ver cumplida la predicción lo antes posible, el matrimonio invita a Duncan a celebrar la victoria en su casa. El plan está en marcha, le darán muerte a Duncan y harán recaer la culpa sobre los guardias, de tal modo que la corona recaerá sobre la cabeza de lord Macbeth. Será entonces cuando el remordimiento, la culpa, la sed de poder y la ambición entrarán en escena haciendo ver cada rostro amigo como posible culpable de conspiración. William Shakespeare es uno de los autores que más cuenta con adaptaciones de sus obras, tanto cinematográficas como teatrales. Llevar Macbeth a las salas de cine ya de por sí es arriesgado, si se cuentan todas las veces que ha sido adaptada y más si se trata de impactar al espectador con algo original y novedoso. Justin Kurzel ('Snowtown') hace una apuesta fuerte al pretender unir las dos grandes artes escénicas en un único largometraje. El restultado no puede decir que sea un éxito, pero tampoco resultó un fracaso total. El filme nos sorprende con una estética muy cuidada, una atmósfera agobianta y propicia para los acontecimientos, que provoca que 'Macbeth' sea un gran espectáculo visual. El inteligente uso de la cámara lenta en secuencias determinadas le imprime a esos planos una belleza casi pictórica, para lo que resulta de suma importancia el gran trabajo de fotografía de Adam Arpakaw así como la exquisita labor de vestuario de Jacqueline Durran. Quizá lo que nos impide entrar del todo en la película sea que el filme depende demasiado de la obra shakesperiana, tanto es así que los protagonistas respetan el diálogo original, hablando en verso y prosa. El hecho que el diálogo se ciña tanto a la obra original resultan una suerte de grilletes para los actores, que aunque realizan un trabajo intachable (sobre todo en el caso de Michael Fassbender, me permito añadir) provoca que el vigor y la naturalidad de su interpretación de vea mermada. Evidentemente esto se debe a la herencia directa de la obra teatral que adapta el presente largometraje, pero sería bueno saber dónde habría que poner los límites para que una obra diseñada originalmente para ser representada encima de las tablas pueda ser llevada a la gran pantalla e impresionar al espectador sin causar confusión. Quizá aún tendremos que hacer algunos experimentos más de ensayo-error que nos puedan conducir en un futuro a la fórmula que nos permita fusionar con éxito el teatro y las artes cinematográficas.

GREEN ROOM

Green Room - Jeremy Saulnier - Estados Unidos

8/10

Thriller violentamente real, intenso, sencillo y directo, de corte moderno y rodado con la eficacia y oficio necesarios como para convertirse en una película completa y satisfactoria a todas luces. Cuando 'Green Room' se proyectó por primera vez el año pasado durante el festival de Sitges, tanto publico como critica general casi la convierten en el 'underdog' del evento, al contrario que pasara con 'High-Rise' y en la misma linea que la si ganadora de ese 'undercover' award como fue ese western canibal llamado 'Bone Tomahawk'. No estaban lejos de tal afirmacion. Producida por Broad Green Pictures junto a Film Science y distribuida en España por La Aventura, la cinta de hora y media escrita y dirigida por Jeremy Saulnier es mas que un correcto o un simplemente pasable thriller de genero. Situada en la linea de films como 'Eden Lake' o 'Assault on Precint 13' (y hasta 'Frontieres') donde el ser humano es la presencia mas terrorífica de todas, se puede decir que 'Green Room' al igual que las anteriormente citadas, es superior a la mayoría de producciones ancladas tanto en el genero de terror como en el del thriller psicológico que se producen actualmente solo por la forma en que esta enfocada y escrita por su director. La premisa, tan básica como atrayente e inteligente a la vez, es la siguiente: Un banda amateur de punk rock alternativo llamada The Ain´t Rights se encuentra de gira. Tras conceder una entrevista para una emisora de radio, el locutor los envía a un bolo en un pueblo donde su primo, que convive en una residencia/local para un asociación pro supremacía blanca, decide contratarlos debido a la baja de una de las bandas. Allí, después de tocar sus canciones y cuando deciden marcharse se topan de lleno con un hecho impensable por el que serán retenidos contra su voluntad hasta que todo se aclare. Saulnier hace una presentación de personajes escueta y directa mediante un breve trayecto en furgoneta y una entrevista de radio en la que cada integrante de la banda revela su forma de ser individual y a su vez todos como un colectivo gracias a su rechazo sobre promocionarse digitalmente o rrss ya que lo que les apasiona de verdad es tocar en directo, sentir la energía que les produce la música y el calor del publico. En esta misma escena surge una pregunta que mas adelante en el film vuelve a repetirse con diferentes respuestas (Simon & Garfunkel, Madonna o Prince) la elección de que banda se llevarian a una isla desierta. En dicha escena surgen nombres como Minor Threat o Bad Brains, grupos muy conocidos por los seguidores de una música, el punk rock, que de alguna forma u otra podemos relacionar con temas violentos o como poco, asuntos de naturaleza violenta y/o rebelde. Esta introducción de personajes Saulnier nos deja claro el espíritu contra sistema (caracteristico del punk) de la banda siendo fieles a los orígenes o su fuerza y a lo que los mantiene unidos, la música. La violencia no hace presencia todavía pero mirando el cuadro desde fuera uno puede percibir esa atmósfera enrarecida previa a la tormenta. Otro de los grandes aciertos de 'Green Room' es la potencia que tiene una historia de la cual, aun sabiendo su supuesta previsible premisa inicial, la película conforma en lineas finales algo que va mucho mas allá de dos simples lineas de argumento, se siente completa, su visionado satisface y compensa cada minuto de metraje hasta cuando su director quita el pie del freno y deja que el film descienda hasta esos destellos de repentina y explicita violencia.

Erróneamente etiquetada en el gore, el tratamiento que aplica 'Green Room' a la violencia. y por ende a lo violento del envoltorio, no entra dentro lo que considerariamos 'violencia estética', en términos definitorios seria lo contrario al giallo mas visual para hacernos una idea, su violencia es mas bien es espontánea o inesperada, sucia, anarquica, sin florituras y precisa, donde toda ella tiene una razón de ser: el poder de su influencia en todos los personajes, tanto héroes como villanos. La muerte de un compañero o amigo afecta a los personajes de ambos bandos tanto o mas que el daño físico recibido, los hace mas creíbles ante los ojos del espectador y por consecuencia su dolor se siente mas autentico. Como ejemplo sirva la fragilidad emocional del personaje al que cortan la mano mostrando así la dureza de una violencia tangible y no festiva. El director norteamericano no se recrea en lo explicito pero tampoco aparta la cámara ante la sangre, vemos un charco de sangre espesa que empapa una moqueta amarillenta, una mano cortada hasta los tendones por la muñeca, un estomago abierto de par en par mediante un cutter y hasta una garganta desgarrada por las fauces de un perro; ningún fotograma esta libre de ser salpicado por un destello violento o sucio como esta el 90% del ambiente creado entre el bosque, la residencia y la habitación, los colores verdes oscuros que pueblan el antro contrastan con la expresividad tanto de unos como de otros ante las muertes de sus propios compañeros. Todo en 'Green Room' esta a un gran nivel y esta atmósfera oscurecida y raruna tan bien lograda por la fotografía de Sean Porter logra encapsular al espectador en ese recoveco perdido de la mano de Dios situado en la parte montañosa de Portland. En los papeles principales encontramos a una Imogen Poots como Amber caracterizada al estilo 'TIE' de Meadows que consigue robarle el protagonismo tanto al joven Pat (Anton Yelchin) como al profesor Xarles Xavier (Patrick Stewart), el líder de la comunidad que recuerda al que interpretó Stacy Keach en 'American History X', el hombre tras la sombra, la voz que les dice a los perros de presa que, como y cuando hacerlo. Ya comenté las buenas maneras de Poots en 'Need for Speed' hace un tiempo. Para terminar, el guión tiene momentos de agilidad brillantes donde los detalles que evitan las lagunas son cerrados con elegancia y pese a que aun así hay ciertas escenas que aceptan mas de una interpretación, este survival del gato y del ratón que propone Saulnier a modo de thriller violento es notable y gana enteros el debate que deja sobre la violencia y los grupos radicales neo nazis, un mal por desgracia aun muy presente en la sociedad norteamericana, donde te venden un arma antes que un pestillo para asegurar la puerta de tu casa. Altamente recomendable, no os la perdáis.

BONE TOMAHAWK

Bone Tomahawk - S. Craig Zahler - Estados Unidos

8/10

Brillante fusión del western clásico con el horror mas salvaje en la opera prima de Steven Craig Zahler, una de las imprescindibles de 2015 ganadora del premio a mejor director en la última edición del festival de cine fantástico y de terror de Sitges. Durante la noche, al pequeño pueblo de Bright Hope llega Purvis (David Arquette), un peculiar forastero al que el sheriff Hunt (Kurt Russell) pone cerco de inmediato. Samantha (Lili Simmons), la doctora del pueblo, debe cuidar y curar al preso de un disparo en la pierna. A la mañana siguiente, doctora y recluso han desaparecido siendo una flecha la única pista disponible a seguir. Decidido a ir tras los captores, el sheriff Hunt y su anciano ayudante Chicory (Richard Jenkins) se embarcaran junto al convaleciente marido de la doctora, Arthur (Patrick Wilson), y un snob pistolero llamado Brooder (Matthew Fox), en un viaje a contrarreloj a través del desierto para salvar las vidas de los dos secuestrados. Como se explican tan buenos resultados y una tan buena critica del publico y profesionales del medio en una opera prima de 132 minutos? Y teniendo como género base el western! Que no es que sea un tipo de género menos valorado que otros sino que llevaba mucho olvidado en el ostracismo sin nadie que supiera sacarle provecho de nuevo o reinventarlo de alguna manera, a excepción de Tarantino claro, como lo ha hecho su director, Steven Craig Zahler.

Todo tiene una explicación. La experiencia de su director. Nacido en 1973, Zahler firma con 'Bone Tomahawk' su opera prima pero, durante los últimos cinco años se ha ganado a pulso una buena fama como novelista, guionista, director de fotografía y músico que avalan todo lo bueno de esta su primera película. Entre 1995 y 1997 participó como director de fotografía en 'August Roads', 'Warsaw Story' y 'Lucia's Dream', mas tarde, en 2011 y tras publicar la aclamada novela noir western 'A Congregation of Jackals' escribió junto a Jerôme Fansten el guión de la cinta francesa de terror, 'Asylum Blackout (The Incident)', dirigida por Alexandre Courtés. Esto explica la riqueza narrativa y detallista que uno puede encontrar en el guión de 'Bone Tomahawk' y sobre todo en unos personajes ingeniosamente perfilados de los cuales apenas se nos dice nada pero podemos conocer todos sobre ellos y sus motivaciones al termino de la película. Su director tiene paciencia en mostrarnos todo, la banda sonora casi minimalista juega un papel revelador aumentando el volumen cuando la acción se aleja de los diálogos, los cuales, siempre son sin música de fondo. Es mas, algunas de las motivaciones de cierto personaje no son reveladas hasta practicamente el final y pese a que se pueden intuir y ser rechazadas por principios al final del filme y siempre dentro de la época en que se sitúa la acción son perfectamente entendibles y lo mejor, estas motivaciones resultan tangibles y muy reales en aquellos tiempos. La banda sonora es obra de Jeff Herriott, amigo de la infancia del director y con el que trabaja como músico habitualmente con su grupo. Amigos desde los 13 años como he leído en una entrevista, ahí es nada, algo que se puede apreciar en el filme, pues al igual que la fotografía, aunque este firmada por Benji Bakshi ('Big Ass Spider', 'Some kind of Hate'), se puede apreciar claramente la influencia de Zahler o su participación en ambos aspectos técnicos de 'Bone Tomahawk', tanto en la música como en la fotografía. Sin restarles méritos de ninguna manera ni a Herriot ni a Bakshi, por supuesto. 'Bone Tomahawk' va de menos a mas en cuanto a intensidad o tensión si son emociones fuertes lo que se busca pero su guión es tan bueno que sus mas de dos horas pasan volando, todas las escenas tienen algo a destacar, una frase o acción que perfila cada vez mas la personalidad de sus personajes. Unos personajes que a priori pueden parecer estereotipados pero que se rebelan muy pronto con la fuerza suficiente que le aportan sus diálogos, como ejemplo mas claro, el del ayudante Chicory, que con esa conversación con Mathhew 'We have to go back' Fox cuando acampan la primera noche, lo aleja definitívamente del típico burdo ayudante de sheriff. El manejo y nivel en la dirección tanto del filme como de los actores que demuestra Zahler se escapa de toda convencionalidad, la marcada fe de Arthur enfatizada en la parte final pero tambien al inicio, la determinación del sheriff en todas y cada una de las elecciones que toma y que cualquier ser humano dudaría, el misterio oculto de Brooder, la lealtad y rectitud de Chicory o hasta la posición de fuerza que tiene Samantha en el matrimonio con Arthur e incluso hasta el tipo que toca el piano en el bar del pueblo. En este sentido 'Bone Tomahawk' tambien aprueba con nota alta, en el de los actores elegidos. A Patrick Wilson se le pudo ver hace poco en la 2a temporada de 'Fargo' a un gran nivel y realmente es un actor que cada vez me gusta mas como trabaja, Russell casi tiene un personaje casi idéntico al que hace en 'The Hateful Eight' y demuestra el porque de la confianza de sus directores en el, Richard Jenkins hace un gran trabajo y tiene una gran escena sobre un circo de pulgas capaz de hacer olvidar en que situación se encuentran cuando esta sale por su boca y Matthew Fox, el único 'perdido' que parece haber encontrado un hueco en las grandes pantallas tras su historia televisiva sorprende para bien con un papel misterioso y lleno de odio. Sobre el comentado final de la película o tramo final, la última media hora es tremendamente impactante visualmente, toda la contención sangrienta y salvaje acumulada se desata en esos últimos 30 minutos donde Zahler disfruta como un enano sorprendiendo a propios y extraños ante tan original cambio de rumbo. El contraste del western desértico, pálido, árido, polvoriento que hasta entonces impregnaba las ropas de sus protagonistas empieza a verse salpicado por la tan llamativa sangre, la atmósfera se vuelve turbia y es imposible adivinar que va a ocurrir a continuación, porque si hasta ese momento 'Bone Tomahawk' seguía por su camino la base de un western casi clásico de búsqueda y captura se torna una película de terror cercana al gore mas explicito. Esto no es raro ya que Zahler es un confeso fan tanto de la filmografía de Argento, los inicios de Raimi o películas como 'Gremlins', 'The Texas Chainsaw Massacre' y 'Night of the Living Dead'. Su nombre ha sonado para el guión de la adaptación cinematográfica del anime 'Robotech' y también para la adaptación de una de sus novelas con Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx titulada 'Mean Business on North Ganson Street'.

BLOODSUCKING BASTARDS

Bloodsucking Bastards - Brian James O'Conell - Estados Unidos

4/10

Hoy es un gran día para Evan (Fran Kranz), ni siquiera los cafres y vagos de sus compañeros de oficina se lo van a estropear, ni tampoco el que su novia hubiera roto hace poco con él le puede amargar este día. Va ascender a jefe de ventas, después de tanto trabajo y esfuerzo. Lo malo es que cuando llega la reunión para comunicarlo, su jefe no solo no le concede el tan ansiado ascenso, si no que además ese puesto se lo da a Max (Pedro Pascal), un antiguo rival de la universidad. No solo eso, también empiezan a ocurrir cosas extrañas en la oficina y a desaparecer gente en extrañas circunstancias. En verdad no hay casi por dónde cogerla. Una producción de serie B rozando la Z. El humor es lo único que funciona algunas veces y la verdad es que no muchas, es un no parar de chistes zafios y manidos que hemos escuchado o visto más de mil veces. En el tema romántico el film parece que intenta imitar la fórmula de Kevin Smith ('Clerks', 'Chasing Amy'), intentando un equilibrio entre comedia y problemas de pareja que la verdad no queda nada bien, no solo porque no se sostiene si no porque no pega ni con cola. Los personajes no es que solo sean planos, es que son los topicazos más grandes que he visto desde hacía tiempo. En un grupo de amigos que trabajan en la misma oficina tenemos a tres tipos que no dan palo al agua y encima se jactan sobradamente de ello (El salido, el bromista y el pasao) y en el otro a uno que trabaja, le hace la pelota al jefe y quiere ascender en la empresa (El bueno, el protagonista). Por lo menos como antagonista tenemos a un Pedro Pascal, que intenta darle altura al personaje, lo malo es que el personaje funciona tan mal que no lo puede salvar ni él. Bueno, sí salvaría a un personaje, 'el pasao' Tim (Joey Kern), que es el que más peso humorístico lleva y el que mejor sabe llevarlo, teniendo verdaderos puntos que no te esperas. Los amantes del gore tampoco van a ser a los que más guste el film, teniendo prácticamente solo una escena para que disfruten y que tampoco es ninguna maravilla, mucha sangre y poco más. En fin, filme de bajo presupuesto que mezcla terror y humor de forma bastante irregular y que termina siendo bastante olvidable.

THE SALVATION

The Salvation - Kristian Levring - Dinamarca 

7/10 

Es grato comprobar lo vivo que sigue el western hoy en día, ya que aunque son pocos los títulos que se producen, suelen contar con una calidad por encima de la media. Propuestas como la película que nos ocupa, 'The Homesman', o la interesante 'Slow West', dan fé de la buena salud de la que goza el género en estos últimos años. 'The Salvation', se sumerge dentro de los elementos más clásicos del género, o mejor dicho, de su hermano europeo, el eurowestern (no nos olvidemos que su director, Kristian Levring, es danés). Así, como ya pasara anteriormente en filmes como 'Los compañeros' o 'Salario para matar' (ambas protagonizadas por Franco Nero, dando vida a sendos personajes de origen europeo), su protagonista no es un oriundo del lejano oeste, sino un buscavidas llegado desde el viejo mundo. Y cuando hablo de un buscavidas no me refiero a un intrépido cowboy, sino a un superviviente, a un emigrante que ha tenido a bien abandonar el viejo mundo en busca de mejor fortuna. Así conoceremos a Jon (Mads Mikkelsen), antiguo soldado danés, veterano de la Guerra de los Ducados que, junto a su hermano Peter (Mikael Persbrandt), han dedicido probar suerte en la tierra prometida. Una vez establecido en su nuevo hogar, correrá al encuentro de su esposa e hijo. Reunida ya la familia, mujer y vástago perderán la vida bajo la mano de Paul (Michael Raymond-James), hermano del terrateniente del lugar. Hecho que hará que Jon acabe matándo al asesino de su familia, despertando así la ira del cazique del pueblo (Jeffrey Dean Morgan, Watchmen). Ambientada tras las guerras indias, estamos ante un western duro, sin concesiones, donde la venganza será el hilo conductor de todo el film. Historia sencilla con reminiscencias de western clásico (esos planos 'fordianos' bajo el quicio de una puerta...) con cierto aire a la ya clásica 'Sin Perdón' (1992, Clint Eastwood), pero que recuerda sobre todo a 'The Proposition' (2005, John Hillcoat), joya del género guionizada por Nick Cave y que pasó por la pantallas con mas pena que gloria. Destacar, junto al taciturno personaje interpretado por Mikkelsen, a Eva Green, que dará vida a la enigmática viuda de Paul (asesino de la familia de Jon y desencadenante de la historia). Curiosa es también la dualidad de roles que desempeñan Douglas Henshall, sheriff-párroco, y Jonathan Pryce (Brazil), que compatibiliza, ¡ahí es nada!, la alcaldía con sus labores de enterrador. En definitiva, habrá que seguir de cerca la trayectoria de este director así como de Kasper Winding, compositor de la sobresaliente banda sonora que acompaña la película.

SITGES 2015 - GANADORES

Este año el festival ha dejado muy buenas películas a pesar de la gran cantidad que se siguen emitiendo año tras año y que no hace otra cosa que disminuir la calidad de la mismas. Justa vencedora 'The Invitation' aunque también lo hubiera sido 'The Witch', no es que me parezca mejor es que la producción de Kusama tampoco me lo parece, así que para mi las dos están igual de bien. Claro que...ahí esta 'Bone Tomahawk', que si no ha ganado el premio a la mejor película si se ha llevado el de mejor director, así que...todos a estar atentos a lo próximo que pueda estrenar S. Craig Zahler de aquí en adelante. Estas opciones serían las clásicas, serias, con una direccion firme y claras candidatas a todo pero Sitges no seria Sitges sin películas como 'Turbo Kid', 'The Final Girls' o 'I am a hero', que han dado en el clavo en cuanto a publico demandante y sus sesiones eran todas una fiesta de aplausos, vítores y alabanzas durante todo su metraje. En este sentido Sitges, siempre cumple, las cintas 'festivaleras' son bien acogidas y si los encargados de dirigirlas muestran la mitad solamente del amor por el cine de terror que muestran la mayoría del publico asistente al festival, el éxito esta asegurado. En cuanto al resto de premios destaca mucho la victoria del documental sobre la película 'La isla del Dr. Moreau' por encima de otros como el de Marc Cabota, 'I am your father' sobre David Prowse, el padre de Darth Vader o el que nos mostraba al padre de Alien, 'Dark Star: H.R. Giger´s Welt'. En la sección Midnight Xtreme encontramos ganadora a 'Bound to Vengeance', sorprendente su victoria no por la calidad del resto de competidoras en dicha sección o la suya propia sino porque partía a priori como una de las descartadas de todas las quinielas. La sección de animación no contaba con grandes títulos y el unió de renombre fue el galardonado, 'Miss Hokusai', que no pudimos ver pero a la que muchos espectadores catalogaron de aburrida y tediosa. Otra sorpresa se dio en la sección Blood Window, donde se premia la mejor película latinoamericana del festival. El galardón fue para 'Los parecidos', una producción mexicana que no apuntaba nada bueno en su trailer y que contra todo pronostico derrotó a otras muy buenas propuestas como ese giallo tan bien recreado llamado 'Francesca', 'Sendero' o la brasileña 'Zoom'. Cambiando de tema, el año pasado durante algunas proyecciones, los dobles subtítulos en ingles y catalan simultaneamente bajo la pantalla fueron un horror al que costo muchisimo acostumbrarse, este año este tema ha mejorado bastante. La gran mayoría de películas contaban con subtítulos en castellano incrustados directamente en la pantalla y bajo ella en ingles o catalán. No todas pero la gran mayoría si. De esta manera la gente no tiende a colocarse recta como un palo en la butaca y permite a los espectadores que están atrás no parecer un péndulo cada vez que alguien ladea su cabeza. Problemas hay siempre, cuando no es una cosa es otra, y este año no iba a ser menos. En muchos de los pases en el Auditori, la prensa nos encontrábamos ante una zona reservada por entradas numeradas con el consiguiente redireccionamiento de los que entrabamos hacia los lados o bastante cerca de la pantalla. Esto me parece totalmente injusto. Nosotros, la prensa, somos los que vamos a escribir y promocionar tanto el festival como sus películas, para ello necesitamos no los mejores asientos pero si unos decentes. Mandarnos a los lados porque haya butacas numeradas me parece una idea horrible y muy injusta. Tampoco pido que nos reserven los mejores asientos a nosotros pero tampoco al resto. Existe una fila VIP bastante hermosa para quienes puedan pagársela o disfrutarla o tengan permiso del festival, si son pocas butacas estas o se terminan rápido no es problema ni de la prensa ni de los espectadores. Con poner butacas VIP limitadas se arregla el asunto. Poco mas que criticar de este año salvo los temas de siempre, la excesiva cantidad de películas que se proyectan no debería ser tal, la calidad se diluye como un azucarillo en agua proyectando 3 y 4 veces 'Cop Car' y solo 2 'High Rise', por por un solo ejemplo vaya. Respecto a las entradas que hay que reservar A LAS 7 DE LA MAÑANA...no se quien realmente invento esto, pero es una tocada de narices bastante importante, sobre todo cuando no las consigues ni haciendo el esfuerzo de madrugar. Solo me paso 1 vez pero fue algo muy extraño. A las 6:50 estaba sentado con mi café esperando la hora para reservar mis entradas, y juro por lo mas sagrado que a las 07:00 y 0.5 segundos, las entradas de 'High Rise', volaron, literal. No me lo creo. Incrédulo? Desconfiado? Seguramente, pero no tiene explicación alguna salvo que ya estuvieran todas resevadas. Ya este año se retiró lo de tener que además de madrugar, recoger los tickets. Vale, bien, pero lo de madrugar hay que cambiarlo o hacerlo de otra manera porque ese maldito madrugón a muchos de los que somos prensa nos impide luego estar presentes en mas películas y poder así escribir sobre ellas. Hay que cuidar mas a la prensa, sean bloggers en pijama o criticos profesionales a sueldo en revistas o webs de cine. Nada mas que añadir. Este segundo año consecutivo acudiendo al festival ha sido algo increíble. Mucha gente me decía que cuando vas una vez al festival de Sitges ya no puedes dejar de ir porque es como una droga. Tal cual, no le quito nada a esa frase. Una vez empieza la jornada de cada día, solamente estar en la ciudad y respirar ese ambiente tan cinéfilo por todas y cada una de las esquinas es algo mágico, fantástico e inolvidable. Además este año pude acudir a una de las famosas maratones nocturnas y pienso repetir el año que viene en todas las que pueda porque si durante las jornadas matinales la ciudad se llena de vida y cine, durante la noche, la magia y el encanto de Sitges es mucho mayor.

Premio Mejor Película: THE INVITATION, de Karyn Kusama.

Premio Especial del Jurado: THE FINAL GIRLS, de Todd Strauss-Schulson.

Premio Mejor Dirección: S. Craig Zahler, por BONE TOMAHAWK.

Premio Mejor Interpretación Femenina: Pili Grogne, por LE TOUT NOUVEAU TESTAMENT.

Premio Mejor Interpretación Masculina: Joel Edgerton, por THE GIFT.

Premio Mejor Guión: M. A. Fortin, Joshua John Miller por THE FINAL GIRLS, de Todd Strauss-Schulson.

Premio Mejores Efectos Especiales: Makoto Kamiya por I AM A HERO, de Shinsuke Sato.

Premio Mejor Fotografía: Pawel Flis por DEMON, de Marcin Wrona.

Premio Mejor Música: Jean-Philippe Bernier, Jean-Nicolas Leupi, Le Matos por TURBO KID.

Premio Mejor Cortometraje: THEY WILL ALL DIE IN THE SPACE, de Javier Chillon.

Gran Premio del Público: I AM A HERO, de Shinsuke Sato.

Premio José Luis Guarner: BONE TOMAHAWK, de S. Craig Zahler.

Premio Citizen Kane al Mejor Director Novel: Stephen Fingleton, por THE SURVIVALIST.

Premio Jurat Carnet Jove Mejor Pel·lícula: TURBO KID, de Anouk Whissell, François Simard, Yoann-Karl Whissell.

Premio Mejor Película: SPL2: A TIME FOR CONSEQUENCES, de Soi Cheang.

Premio Mejor Dirección: John Maclean, por SLOW WEST.

Premio Especial del Jurado: THE TAKING OF TIGER MOUNTAIN, de Tsui Hark.
 

Premio Mejor Película Panorama: LOST SOUL - THE DOOMED JOURNEY OF RICHARD STANLEY’S ISLAND OF DR.MOREU, de David Gregory.

Premio Mejor Película Noves Visions One: ANOMALISA, de Charlie Kaufman, Duke Johnson.

Mención especial Noves Visions One: MEN & CHICKEN, de Anders Thomas Jensen.

Premio Mejor Cortometraje Noves Visions: DISCO INFERNO, de Alice Waddington.

exaequo con FORMAS DE JUGAR, de Gemma Blasco.

Premio Mejor Película Noves Visions Plus: ANABEL, de Antonio Trashorras.

Mención especial: LOVEMILLA, de Teemu Nikki.

Premio Mejor Película: VETERAN, de Ryoo Seung-wan.

Premio Mejor Película: MISS HOKUSAI, de Keiichi Hara.

Premio Mejor Cortometraje: VOLTAIRE, de Jan Snoekx.

Mención especial Cortometraje: THE ORCHESTRA, de Mikey Hill.

Premio Mejor Película: BOUND TO VENGEANCE, de José Manuel Cravioto.

Premio Mejor Película Europea: LE TOUT NOUVEAU TESTAMENT, de Jaco Van Dormael.

Premio Mejor Cortometraje Europeo S.O.F. Sitges 48: GRAFFITI, de Lluís Quílez.

Premio Mejor Película Blood Window: LOS PARECIDOS, de Isaac Ezban.

Premio Mejor Cortometraje - Paul Naschy: CARADECABALLO, de Marc Martínez Jordan.

Premio Mejor Cortometraje: BLACKOUT, de Sylvain Certain. 

Premio Sitges Cine365 Film: CARADECABALLO, de Marc Martínez Jordan.

exaequo con ZERO, de David Victori

BAAHUBALI: THE BEGINNING

Baahubali: The Beginning - S.S. Rajamouli - India 

7/10

Si uno ha visto algunas producciones de Bollywood, sabe a lo que se expone desde un inicio. Me atrevería a decir que alguien que vea asiduamente el cine llegado desde la India no puede calificar de mala película esta, 'Baahubali: The Beginning'. La película mas cara de la historia del cine de Bollywood (y esto es MUCHO teniendo cuenta que llegan a mas de 500 películas por año), tiene una duración es de 160 minutos y la podríamos catalogar dentro del cine de acción y aventuras épicas pero también llega hasta el drama, el amor, la fantasía y como no, el musical. Por si no fueran suficientes géneros, hay que añadirle uno que es el que hace que todos los demás funcionen y la cinta sea una de las mejores que ha parido Bollywood en los últimos tiempos, el humor. Un humor casi auto-paródico en muchas escenas, sobre todo al inicio. Dirigida y escrita por S.S. Rajamouli, esta basada en una historia de Vijayendra Prasad, colaborador habitual de Rajamouli desde que rodaran en 2004, 'Sye'. Los artífices de la esplendida y efectiva banda sonora así como la fotografía o el montaje también son habituales de Rajamouli desde 'Sye', M.M. Keeravani, Senthil Kumar y Venkateswara Rao Kotagiri respectivamente. En cuanto al diseño de producción, porque hay que destacarlo de lo impresionante que llega a ser, es obra del veterano director de arte Sabu Cyril ('Om Shanti Om'). La película arranca con la huida de una malherida Sivagami (Ramya Krishnan), a través de una cueva oculta junto una inmensa cascada mientras porta en brazos un bebe y es perseguida por unos soldados. Tras librarse de ellos es alcanzada por la corriente del rió consiguiendo dejar un brazo fuera del agua para sostener en alto al bebe y que este pueda sobrevivir. Rescatado por los habitantes de una tribu de la provincia de Mahismathi, Shivudu (Prabhas), crecerá hasta convertirse en un hombre que no dejara de intentar escalar la enorme catarata para encontrarse con su dios, Shiva. Un día, y tras ayudar a su madre en la veneración de una fuente sagrada que ha de ser regada 100 veces para que Shivudu deje de intentar subir hasta lo mas alto, este, encontrará una mascara extraña llegada desde la cima. Esto provocará que el joven Shivudu se llene del coraje y valentía suficientes capaces de permitirle llegar hasta lo mas alto por primera vez y descubrir así, un secreto que cambiara su vida para siempre.



Si el humor es la grasa que hace funcionar el motor de esta producción india, la gasolina la pone Shivudu y mas concretamente el actor que le da vida, Prabhas. Definir a Shivudu no es difícil, imaginad a un hombre con la fuerza de Hércules, la cara de Jason Lee en 'My name is Earl' y el carisma de Bruce Campbell en 'Evil Dead', ese es Shivudu. Prabhas ofrece un registro carismático a la altura de otros grandes actores indios como Sharukh Khan o Amir Khan. Y como bien indica su titulo, 'Baahubali: The Beginning', es solo el principio, en 2016 llegará su segunda parte, 'Baahubali: The Conclusion'. El mundo donde se mueve esta épica aventura puede traernos a la memoria imágenes de 'El príncipe de Egipto', 'La Momia', 'El rey Escorpión' o hasta de 'Indiana Jones y el templo maldito' si cabe. Obviando el enorme trabajo de Prabhas, en la piel de Shivudu, hay varios factores que destacan mucho en 'Baahubali: The Beginning' y la convierten en un gran disfrute para todos los fans del cine de aventuras y en especial para los amantes de Bollywood. La principal es el fastuoso diseño de producción así como la puesta en escena, algo brutal lo que consigue hacer Sabu Cyril con todos los escenarios que aparecen en la película, la fanfarria a golpe de talonario esta presenta en todas y cada una de las localizaciones que se nos muestran en la película. En ese sentido el filme se merece un notable a pesar de que algunos efectos especiales claman al cielo de mal y se les ven las costuras, de estar mas cuidados se llevaba un 10 en este aspecto, seguro, aun y con esos fallos en los fx nada se le puede achacar al gran trabajo de Sabu Cyril.

Las bandas sonoras de las películas en la India son mas importantes y tienen mas peso en ellas que la mayor parte de producciones occidentales, no todas son excelentes pero cuando alguna destaca como es en el caso de 'Baahubali: The Beginning', hay que decirlo. La banda sonora compuesta por M.M. Keeravani encaja perfectamente con el estilo de la película; la tendencia de incrustar los números musicales en el argumento, unas veces justificados y otras no tanto, aquí lo están mediante la continuidad de la historia en ellos. Esto no suele pasar siempre en Bollywood, lo normal es que los números musicales sean breves parones en la historia. Otro factor impepinable en la mayoría de películas indias es que, toda producción debe contar por lo menos, con EL CHICO y LA CHICA. Al chico ya lo tenemos, la chica en este caso es Avanthika (Tamannaah Bhatia), una morenita guapisima de 25 años que lleva desde los 15 actuando y acumula mas de 30 trabajos a sus espaldas siendo este su mayor éxito. Tamannaah se desenvuelve a la perfección en su rol de heroína rebelde sesgando cuellos sin compasión pero no tanto cuando la sensiblería y lo romántico se apodera de la escena. La violencia es un tema que no suele ser habitual tampoco en el cine indio, y si lo es, la película lo justifica con su argumento pero, normalmente, no hay violencia en sus producciones. En  'Baahubali: The Beginning' si la hay, no tan explicita como en el cine occidental pero si se pueden ver algunos degollamientos al principio y bastantes muertes sangrientas en la batalla final. Resumiendo diré que 'Baahubali: The Beginning' es una de las mejores películas de los últimos tiempos en Bollywood, es un puro entretenimiento desternillante. Lo que empieza como una pseudo variante de la historia de Moisés, se convierte en la búsqueda de un linaje perdido lleno de acción, humor y diversión que termina con una batalla final de mas de 30 minutos coreografiada de una manera brillante, efectos especiales al margen. Lo mejor de todo es que, el año que viene, volveremos a ver el bigote de Prabhas en la secuela, 'Baahubali: The Conclusion'.

I AM A HERO

I am a hero - Shinsuke Sato - Japón

7.5/10

La 48 edición del festival de Sitges fue el lugar elegido para la premier mundial de la adaptación del manga de Kengo Hanazawa, 'I am a hero', por parte de Shinsuke Sato ('Gantz'). Se estreno incluso antes que en Japón. Hideo Suzuki (Yô Ôizumi), es un dibujante de manga de unos 30 y pocos años que lleva mas de 10 intentando triunfar con alguna de sus creaciones sin tener ningún éxito, razón por la cual Tekko (Miho Suzuki), su novia, lo echa de casa. Tras pasar la noche, Hideo decide pedir perdón a Tekko cuando de repente ella se abalanza sobre el con la intención de morderle. Ante tal desconcierto el joven dibujante se dirige a su editorial para darse cuenta por el camino que un extraño virus se ha apoderado de todos los habitantes de la ciudad y los infectados no solo son rápidos sino que también muy fuertes y contagian la enfermedad mordiendo a sus víctimas. La única manera de sobrevivir pasa por llegar al monte Fuji, donde el virus no ha conseguido extenderse y donde terminara la gran aventura con la que Hideo soñó alguna vez. No estará solo, una joven estudiante que se encuentra su camino, Hiromi Hayakari (Kasumi Arimura), le acompañara en la ardua tarea de abrirse paso antes las hordas de salvajes y agresivos infectados que pondrán sus vidas en peligro constantemente. Escrita por Akiko Nogi y producida por Toho Productions, 'I am a hero' se confirma como la mejor película de zombies de la historia del cine de Japón, lo cual, es muy curioso tratándose de un live-action y la mala calidad que han demostrado a lo largo de los años. Tan curioso como que uno de los pocos live-action que fueron adaptados con acierto fue, 'Gantz', también dirigido por Shinsuke Sato.

 En los últimos años en el cine de terror, los zombies han sabido adaptarse mucho mejor, cinematográficamente hablando, que sus mas directos competidores, los vampiros. Salvo alguna contada excepción como 'Let the right one in' o 'What we do in the shadows', los chupasangre no han dado el campanazo en la critica internacional como si lo hicieron 'Zombies Party', la saga 'REC', la serie 'Les Revenants' o 'World War Z' entre otras. Quizás sea un subgénero que abarca un abanico mas grande de posibilidades o que los vampiros llevan desde 1922 en nuestras pantallas con la llegada del 'Nosferatu' de Murnau y por eso ya las ideas sobre los descendientes de Vlad el empalador no tengan el mismo éxito que antaño. La cuestión es que, siendo este subgénero de zombies tan utilizado en el séptimo arte en los últimos tiempos, es curioso comprobar como pese a ello, siguen apareciendo grandes y buenas películas como esta que aportan un punto de vista distinto y original, o por lo menos, lo intentan. Digno de mención. Para mi este es el caso de 'I am a hero'. Un disfrute para los amantes de este apartado del cine de terror unido a un gran dosis de humor y a una manera excepcional de salvar los clichés que suelen hundir muchas de estas producciones. Japón no es un país en el que se prodigue este tipo de cine a nivel comercial o consiguiendo grandes gestas en festivales, muchas de sus cintas sombre zombies son amateurs y aunque muchas de ellas cuentan con sangre a borbotones, no dejan de ser productos mediocres donde nada resalta mas allá de lo típico. 'I am a hero' abraza todos los estereotipos del cine de zombies y los resuelve de una manera bastante digna, con mucha acción, comedia y un final salvaje y sangriento que hará las delicias de todos los fans de este subgénero. No he tenido la oportunidad de leer el manga pero durante el visionado de la película pude notar una manera bastante diferente de actuar en las personas infectadas, no solo por su velocidad y fuerza, sino también por sus comportamientos a la hora de actuar como simples zombies, quizás la diferencia apenas se note pero yo no sentí igual a estos zombies nipones que a los americanos de 'The Walking Dead', por poner un ejemplo. Aparte de su final apoteósicamente sangriento tiene un arranque inolvidable, con varias secuencias de humor seguidas de un plano secuencia durante la aparición del virus que están realmente bien rodadas y con un sentido del ritmo que ya quisieran muchas películas americanas. Otra de las cosas buena que tiene 'I am a hero', es su protagonista, Hideo, mas que el actor que le insufla vida.  Es imposible no sentirse como Hideo en muchas de las escenas, un soñador al que la realidad le hace convertirse en un héroe, en el héroe que siempre soñó. Poco mas que añadir, en cuanto a los efectos especiales, es una película que se ha gastado un presupuesto importante en comparación con lo austero que resultan los escenarios donde se mueve. Recomendada para todos los fans del manga, pues los lectores del mismo que han podido ver la nueva película de Shinsuke Sato, aseguran que es fiel a la publicación; igualmente es altamente recomendable para los amantes del cine de terror/comedia como 'Zombies Party' y a su mismo tiempo es el mejor live-action que se ha hecho nunca.

ASSASSINATION

Assassination - Choi Dong-hoon - Corea del Sur

7/10

1933. Corea se encuentra bajo dominio japonés mientras que al mismo tiempo, estos, mantienen frentes abiertos en la guerra del pacifico contra China y Rusia, debilitando así sus fuerzas. Allí, en China, donde se encuentran exiliados=prisioneros muchos de los ciudadanos y militares coreanos, se planea en secreto un golpe definitivo que termine de una vez por todas con la ocupación nipona: el asesinato del comandante japonés Mamoru Kawaguchi (Shim Cheol-jong) y de Kang in-Gook (Lee Geung-young), su mas fiel seguidor coreano, en su próxima visita a Corea. Para esta misión suicida es necesaria la participación del mejor francotirador, en este caso, francotiradora, An Ok-yun (Jun Ji-Hyun), una independentista revolucionaria que se encuentra en la prisión de Shangai en China. Junto a otros dos militares ex-convictos, Chu Sang-ok aka 'Big Gun' (Cho Jin-woong) y Hwang Deok-sam (Choi Deok-moon), elegidos por el agente de la resistencia Yeom Seok-jin (Jung-jae Lee), trataran de acabar con la vida del oficial nipón y el traidor coreano para cambiar el rumbo de la historia de Corea pero...cuando la huida de prisión está en marcha, un nuevo traidor informa a los japoneses del futuro plan y estos encargan a un asesino a sueldo llamado Hawaii Pistol (Jung-woo Ha) y su acompañante Old Man (Oh Dal-su), terminar con la vida de An Ok-yun y el resto del equipo. Thriller de espionaje y de ficción dirigido por Choi Dong-hoon ('Woochi', 'The Thieves'), ambientado en los años 30 durante la ocupación japonesa de Corea y cercano a una versión palomitera de 'Los 12 del patíbulo', 'Los cañones de Navarone' o la propia 'Malditos Bastardos' de Quentin Tarantino; una película perteneciente al modus operandi de: se buscan presos para misión suicida a cambio de su libertad. 'Assassination' dura 140 minutos, esta escrita por por Choi Dong-hoon y Lee Ki-cheol, banda sonora de Jang Young-gyu ('Jo-Eun-Chin-Goo-Deul') junto a Dalparan ('The good, the bad and the ugly', 'A bittersweet life' o 'The Thieves') y fotografía de Kim Woo-hyung ('The Front Line', 'The Warrior's Way').

Porqué no alcanza 'Assassination' una nota mas alta? Básicamente por su extensa duración, 140 minutos, y un montaje inicial bastante atropellado. Hasta que el equipo de ex convictos no se reune, mas o menos los 45 primeros minutos, Choi Dong-hoon se dedica a informarnos de la situación de Corea en aquellos tiempos, y que papel jugaron Japón y China. Tejemanejes políticos en los que, para mas inri, añaden un corte indicando que en realidad toda la película es un flashback. Un flashback insertado bajo el método corta y pega mas radical que os podáis imaginar. En este sentido, su arranque es bastante mejorable. Quiero aclarar, no es una flashback narrado durante 140 minutos, la película transcurre en tiempo real. Otro fallo que tiene 'Assassination' es que no desarrolla bien ninguno de los caracteres de sus personajes principales lo suficiente para generar la empatia necesaria hacia ellos de una manera mas profunda. Es mas, en este tipo de películas siempre alguno del grupo acepta a regañadientes, aquí no, aquí los 3 están encantados con la misión y siguen todas las instrucciones a pies juntillas. Algo que no cuadra con su pesado y político inicio. Como suele ser habitual también este tipo de cintas, de alguna manera u otra se nos muestra el pasado de los integrantes del escuadrón suicida, ya sea a modo de flashback o con diálogos entre ellos, en 'Assassination' también pero siendo solo 3 personajes los principales, las lineas argumentales que se abren en la película son demasiadas, hay demasiado relleno inútil que no aporta absolutamente nada.

Para compensar, 'Assassination' funciona bastante bien como película de acción y espionaje, además posee varios giros en su guión que la hacen mas amena; si sumando algunas escenas pudiéramos restarle 45 minutos, nos quedaría un producto mucho mas comercial y entretenido. De hecho, ese es el enfoque que creo que da su director añadiendo esos 4 o 5 momentos de humor que se viven en la película, restarle importancia al asunto político y enfatizar lo comercial de su propuesta. Las escenas de acción están bien filmadas y coreografiadas, sin alardes ni fantasmadas, sobre todo hay dos grandes escenas de acción que son las mas enérgícas en los 140 minutos, la fotografía no es del todo mala tampoco y cuenta con algunos planos de una Yoseon nocturna realmente espectaculares. A su favor también tiene que cuenta con caras muy conocidas del cine coreano como son Lee Jung-Jae ('Il mare', 'New World'), Jung-woo Ha ('Chaser', 'The Yellow Sea'), Jin-woong Jo ('The Front Line') o la bellisima Ji-hyun Jun ('My Sassy Girl', 'Daisy'). Hasta donde sus personajes les permiten llegar, todos brindan un buen registro coral siendo Jung-woo Ha quien consigue ganarse mas al espectador con su interpretación de Hawai Pistol. Sin olvidar a Ji-hyun Jun ,obviamente, a la que siempre es un placer ver en pantalla grande. Nada mas, 'Assassination' es una película de espías y acción perfecta para cualquier tarde de fin de semana acompañada de un café cargado para aguantar los 140 minutos. Lo que importa es la acción y no los diálogos o el trasfondo político.

ENRAGES (RABID DOGS)

Enrages (Rabid Dogs) - Eric Hannezo - Francia

5/10

Thriller noir de acción francés basado en el clásico de culto de 1974 dirigido por Mario Bava, 'Rabid Dogs'. Tras asaltar un banco, Sabri (Guillaume Gouix), Manu (Franck Gastambide) y Vincent (François Arnaud), secuestran en plena huida a una mujer (Virginie Ledoyen) y a un padre soltero (Lambert Wilson, Merovingio en la saga 'Matrix') que viaja acompañado por su hija enferma, convirtiendolos en rehenes con el objetivo de llegar a la frontera y escapar con el dinero. Opera prima de Eric Hannezo que también participa en el guión junto a uno de los directores/escritores de 'The Horde’s', Yannick Dahan, y Benjamin Rataud. Antes de dejaros mis impresiones sobre este remake me gustaría contaros la historia que rodea a la original de Bava. Tres años después de estrenar 'Reazione a catena' en 1971, una de sus películas mas famosas y a la postre precursora de un subgénero como el slasher, Bava filmaba en 1974, 'Rabid Dogs' (Cani arrabbiati). Cuando el principal productor de la película falleció, se dejo de rodar y la idea de Bava para el filme, se perdió. El proyecto no se retomo y tristemente el director italiano falleció sin finalizarlo pero, su hijo Lamberto, lo re-edito y distribuyo nuevamente a mediados de los 90 convirtiéndolo en un thriller minimalista de culto altamente valorado por la critica internacional. Ambas cintas contienen pequeñas diferencias como el numero de atracadores o que en la versión de Bava se trataba de un niño y no de una niña, pero para esta ocasión Hannezo decidió aportar su firma personal a modo de giro final. Curiosamente, lo único que salva a la película de ser tachada de vacía por la mayor parte de la critica. Y es que ese es uno de los grandes problemas que estamos viendo en el cine actual, la proliferación de remakes, versiones u homenajes que se quedan en un simple regalo bonito lleno de colores y música que puede transportarnos a la época del original pero vacíos totalmente en su contenido. En 'Enrages', ocurre exactamente esto. El robo, huida y secuestro de los protagonistas (ladrones y víctimas) esta bastante mal enfocado; durante el viaje en cochedonde transcurre la granparte del filme apenas hay tensión o suspense mas allá del que que vemos sufrir a Ledoyen sentada en la parte de atrás del coche mientras Vincent la viola con la mirada. Y eso que hay una niña enferma con ellos. Si a esto le sumamos un desarrollo aburrido donde lo mejor son la fotografía puntual de Kamal Derkaoui y la banda sonora noir de Laurent Eyquem muy conseguida, tenemos lo que dije al principio, un bonito regalo pero vació de historia y segundas lecturas. No es una mala película ni mucho menos pero lo único que la hace diferente al resto y por lo que puede o podrá seguramente, ser recordada, es por su giro final. A unos gustara y a otros les parecerá algo tramposa.

YAKUZA APOCALYPSE

Gokudô Daisensô (Yakuza Apocalypse: The Great War Of The Underworld) - Takashi Mikke - Japón

6/10

Kamiura (Rirî Furankî) es un jefe yakuza muy admirado, querido y altamente respetado por toda la ciudad al que uno de los miembros de su clan, el joven Kagayama (Hayato Ichihara), venera y muestra devoción en todo momento. Tras una reyerta con otro clan, Kamiura muere (ojo a esta muerte porque jamas veréis o habréis visto algo parecido)  no sin antes 'regalar' a Kagayama, su secreto mas oculto y la razón del rumor que circulaba por la ciudad sobre su invencibilidad. Kamiura es en realidad, un vampiro. Segunda película de Miike este 2015 junto a 'Lion Standing In The Wind', siguiendo así, su casi habitual compromiso de 2 producciones por año. Escrita y fotografiada por los noveles Yoshitaka Yamaguchi y Hajime Kanda cuenta como no podía ser de otra manera con la banda sonora del experto y asiduo de Miike, Kôji Endô. 'Yakuza Apocalypse' mezcla dos géneros tan dispares como los yakuza y los vampiros sin ningún tipo de prejuicio narrativo, además, añade unos toques al mas puro estilo de los spaghetti western y la espectacularidad de los enormes monstruos Kaiju. La imaginación del director nipón es tan grande y extraña que es capaz de mezclar todo esto en un filme y que resulte no solo entretenido sino también fascinante e interesante de ver. Al menos, para la gran mayoría y los fans de Takashi. Recopilemos: yakuzas + vampiros + western + kaiju. . Personalmente las películas de este director padecen una especie de rara relación conmigo donde no existen las medias tintas, o me encantan, o no. No hay mas. Como ejemplo, 'Over your dead body', el año pasado se presentó en Sitges y no conecté en ningún momento con ella. El Miike fantasioso e innovadoramente loco me resulta muy cargante, me satura. Me quedo con 'Visitor Q', la saga 'Crows', 'Sukiyaki Western Django' o '13 assassins' antes que por ejemplo las 2 de este 2015. Esto no lo digo en sentido peyorativo, al contrario, me parece un director valiente y que no se corta un pelo a la hora de hacer las películas que le da la real gana y eso es admirable, mas o menos interesantes, mas o menos bien realizadas, mas o menos buenas pero siempre, siempre, siempre, hay algo que rescatar en todas sus producciones, no solo la firma que tienen algunas de sus escenas sino algunas de ellas en concreto que jamas puedes olvidar que las viste en una película de Miike porque bajo otro director, es imposible verlas. Con el permiso de Sion Sono, claro. Un ejemplo: la escena de la escuela de rehabilitación yakuza, la explicación a Kagayama sobre los efectos de la sangre civil y la sangre yakuza o el impacto visual que supone la aparición de LA RANA VERDE.



No soy un experto en cine asiático ni tampoco he visionado toda la filmografía de Miike pero podéis estar seguros que 'Yakuza Apocalypse' no esta entre sus cinco mejores películas. Eliminando esos toques de fantasía y violencia yakuza que pueden gustarte mas o menos, el filme padece un bajón importante al poco que Kagayama se convierte en vampiro tras la muerte de Kamiura, los primeros 20 minutos. Hasta que no aparece la famosa rana verde cuando falta como una hora de película, el interés se pierde entre unos diálogos insustanciales y bastante opacos. Cuando 'Yakuza Apocalypse' entra en las fases de acción, violencia y fantasía es cuando verdaderamente funciona y se puede palpar esa forma tan loca de expresarse de Miike, esa imaginación excesiva y salvaje que tan bien sabe aprovechar. Un punto fuerte de la película al margen de su espectacular tramo final son sus personajes, a cual mas icónico o estereotipado pero con un estilo paródico y una gracia singular (ojo al pseudo Van Hellsing con el ataúd a la espalda, el niño vengador con el hacha o la rana verde versión 2.0, si, esta no sale en el trailer) que los hace únicos. Como decía al principio, uno puede ver el tono de comedia y parodia en algunos momentos de  'Yakuza Apocalypse' pero también observar esa pequeña comparación palpable que se hace entre vampiros y yakuzas en segundo plano. Cambiad sangre por dinero y el resultado, es el mismo.

Durante el inicio la película se mueve entre la presentación de los personajes y una serie de gags humorísticos así como alguna que otra escena violenta pero...no nos engañemos, esa parte es una simple introducción mas o menos decente que no deja debate mas allá de las escenas nombradas pero cuando la rana verde aparece en pantalla y empieza a soltar mamporros a diestro y siniestro restando todavía casi una hora de metraje es cuando de verdad uno abre los ojos y empieza a disfrutar de la locura vampírica que Miike ha montado. Uno de los elementos claves en el díptico 'The Raid' fue la participación de Yayan Ruhian, su buen hacer para las artes marciales debido a su experiencia en el servicio secreto indonesio y su seriedad en los momentos de interpretación le valieron la llamada del director nipón para su próxima película. en 'Yakuza Apocalypse' no es que no se aproveche al máximo todo su potencial físico o su versatilidad para las artes marciales, al contrario, se las tiene muy en cuenta pero estas grandes escenas no terminan como lo hicieran en la película indonesia de Gareth Evans sino que Miike va generando un clima de tensión acerca de la posible batalla final durante toda la película, hay pequeños encontronazos y un intento de batalla al final pero la sensación que deja es que no se ha aprovechado todo lo que podía dar de si la incursión de Yayan, y no por el, sino por las habilidades de sus compañeros de actuación que no están a la altura en ese sentido. Si no estáis habituados al cine de Takashi Miike o de Sion Sono, mejor olvidaos de 'Yakuza Apocalypse', pero si lo sois, ni lo dudeis porque vereis el retorno a los yakuzas que tan bien sabe representar y tantos exitos le han brindado, eso si, tened paciencia, le cuesta coger el ritmo pero cuando lo hace, el impacto visual no decepciona en absoluto.

THE INVITATION

The Invitation - Karyn Kusama - Estados Unidos

8/10

Anclado en el dolor que supuso la muerte de su hijo y la separación de su mujer Eden (Tammy Blanchard) años atrás cuando esta desapareció sin apenas dejar rastro, Will (Logan Marshall-Green), acude con Kira (Emayatzy Corinealdi), su actual pareja, a una cena que Eden y su nuevo marido, David (Michael Huisman) han organizado junto a viejos y nuevos amigos para limar asperezas y curar heridas del pasado. La ganadora de la edición 48 del Festival de Sitges arranca con esta sencilla premisa, con una cena de amigos y una escena bastante curiosa y perversa (cuando Will y Kira se dirigen a la cena) que coloca al espectador en su asiento a modo de aviso: reincorporate, sientate bien, espalda firme, recto y presta atención a todos y cada uno de los detalles que hay y que puedan parecer nimios porque en ellos, esta el secreto de la película. Un secreto que por otro lado no se desvelará hasta el final, hasta los últimos minutos. Dirigida por Karyn Kusama, escrita por Matt Manfredi en colaboración con Phil Hay y montada por Plummy Tucker. Este grupo de 4 personas para sorpresa de muchos, fueron los encargados de películas como 'Aeon Flux' o 'Jennifer's Body' pero...no os asustéis, en 'The Invitation' todos y cada uno dan lo mejor de si. El guión es sumamente inteligente pese a tener ese aire de producción de bajo presupuesto, todos sus diálogos están medidos a la perfección, todo importa, nada sobra, cada palabra tiene una importancia calculada y Kusama, su directora, aprovecha todos y cada uno de los lugares posibles dentro de ese único escenario que es la casa de manera excelente, nada resulta tedioso o aburrido. Reparto coral donde destaca mucho Michiel Huisman, su media sonrisa no deja jamas que uno averigüe 100% que esta pensando o si lo que piensa o dice es realmente cierto, brillante la composición de su personaje. Y el montaje, un montaje sencillo pero tan efectivo que, como digo, teniendo solo un escenario, Plummy Tucker encaja las piezas perfectamente para que lo que empieza como una simple cena cargada de tensiones devenga en una total pesadilla. Es mas, segundos visionados seguro que ofrecen un monton de detalles sutiles que son imposibles de ver la primera vez, ojala pronto encuentre distribución en España y podamos volver a verla en un cine. Tras su paso por varios festivales internacionales y ganar en Sitges 2015, algo que no se consigue fácilmente y de lo que doy fe, la película sigue a día de hoy sin un trailer oficial, sin un misero teaser que indique a muchos por donde van los tiros. Algo que por el contrario no respetan muchos de los críticos a los que he podido leer y que incluyen en sus textos sobre 'The Invitation' claras referencias a temáticas clave para la resolución final y que por consiguiente, restaran impacto en el veredicto del espectador al terminar su visionado. No son temáticas nuevas, no se trata de algo extraordinario jamas visto antes, no, ya hemos podido ver de una manera u otra, trazos de 'The Invitation' en bastantes películas de terror, incluso hasta puedes intuir por donde van esos tiros pero...me niego a comentar nada de ellos aquí, absolutamente nada porque así es como disfrutareis la película como tiene que ser. Podréis disfrutar de una tensión cocinada durante 85 minutos a base de diálogos, frases, miradas, gestos y movimientos de cámara (atentos a estos) que terminaran por poner en la mesa una película de esas que no se olvidan, un dulce apetecible a cualquier hora. Y ojo, que no se queda ahí, 'The Invitation' sera recordada por su final tremebundo e impactante, de eso no hay duda, pero bajo todo ese hype hay una lectura muy dura sobre un tema bastante preocupante y del que me encantaría debatir con quien tenga un rato libre y haya visto el filme.

DARK STAR: H.R. GIGER´S WELT

Dark Star: HR Gigers Welt - Bellinda Sallin - Suiza

6/10

Jamas asistí a la presentación de un filme que consiguiera emocionarme como lo hizo este, un mas que intimo relato sobre el padre de Alien, Hansruedi Giger. El documental o medio biopic dirigido Belinda Sallin y guionizado por ella misma bajo la supervisión de Giger, es un acercamiento a la figura del excelente creador suizo del que poco o nada se sabia sobre su vida o su día a día. Tristemente inacabado debido a la muerte de Giger el 12 de mayo de 2014, sus 95 minutos siguen al creador del extraterrestre mas famoso del cine de ciencia-ficción en sus mas intimos momentos, en su casa y rodeado de los suyos mientras trabaja o simplemente se pasea por esa extraña casa? diseñada por el y por la cual muchos pagarían millones por pisar. Reconocido y galardonado internacionalmente en 1980 por su creación de la mítica criatura Alien, Giger cuenta con trabajos en otras películas como 'Species' o en el 'Dune' que preparaba Jodorowsky junto a Moebius y que jamas se llego a filmar. 'Dark Star: H.R. Giger’s Welt' nos mete de lleno en la vida del artista mientras su editor, su manager, amigos y familiares van dejando perlas en forma de anécdotas sobre como es Giger en la intimidad. Un aire de melancolía recorre todo su metraje y en las ocasiones en que Giger nos habla sobre su inspiración en la creación de sus obras descubrimos que sus fuentes no están tan lejos de las cualquier ser humano, temas como la vida, la muerte o el sexo son representados a lo largo de la mayoría de sus obras con formas humanas fusionadas a maquinas, las famosas biomecanoides que dieron a Giger el reconocimiento mundial y único que posee.

Como dije al principio, jamas me había emocionado tanto con una presentación, y es que, al inicio del documental, una ex-mujer del propio Giger estaba en la sala para dedicar unas palabras a los que allí nos encontrábamos como preludio de lo que íbamos a ver. No pudo contenerse y acabo emocionándose ante un publico que la protegió con un aplauso sonoro que seguro no olvidara. Sus palabras sobre Giger tras la ronda de preguntas me emocionaron a mi también, quizás entrara en modo melancólico y por eso el documental pese a ser bastante distinto de lo que suele ser un documental biográfico típico no me dio la sensación de que explicaba todo lo que podía explicar y dar a conocer sobre el artista suizo. Sabe a documental pero es un póstumo homenaje, un réquiem por su memoria, con cariño, desde el respeto y la admiración de su directora. La cámara avanza lentamente al inicio para entrar en la casa de Giger, de la que solo sale cuando este se pasea en un tren de juguete que rodea y atraviesa toda su extensión cual tren de la bruja o cuando muestran imágenes de archivo sobre las alegrías, decepciones o momentos pasados que tuvo tanto en su vida profesional, como en la personal con las mujeres. Hay una sensación de agobio importante no se si forzada para que veamos como vivía o inconsciente, pero no ayuda nada a asimilar esa vertiente 'simpática' que tenia Giger. Casi se puede palpar el olor de su casa en alguna ocasión. Hay insistencia en mostrarnos a Gigercomo un simpático y peculiar hombre que creaba arte con su mano, un lápiz y un papel pero hay otro Giger que se deja entrever, mucho mas oscuro, extraño y desconocido, la prueba es su mirada, muchas veces perdida, otras neutra sin mostrar ningún tipo de empatía por nada. También puede ser la edad o su enfermedad, pero la sensación de que su lucidez no esta 24 horas con el, esta ahí. Esa oscuridad de su mirada, de su arte, también se ve reflejada en el documental. Interesante documental que no arroja mucha luz sobre la vida y secretos profesionales de Giger mas allá de los conocidos, mas volcado en lo personal y en mostrarse como una carta de amor de todos los que le rodeaban y querían dar a conocer al genio tras el biomecanoide mas famoso de la historia.