El presente largometraje del estudio japonés Production I.G. se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto. A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña.
Después de varios cortos y el documental musical y comedia 'Zivan Makes a Punk Festival', el serbio Ognjen Glavonić vuelve a apostar por este formato para relatarnos mediante confesiones de víctimas y verdugos un incidente horrendo sucedido en la guerra de los Balcanes a finales de la década de los 90, concretamente en 1999. La denuncia de la represión social y las violentas muertes son plasmadas por una narrativa bastante mas comercial de lo que a priori pueda parecer, el arranque es muy potente y la voz en off juega un papel brutal mientras la cámara se desliza por la superficie del Danubio. No hay banda sonora, no hay música, solo silencios y las voces de los testimonios acompañando los mismos, zonas desoladas, casas destruidas, pueblos practicamente vacíos, por no haber, no hay ni una sola persona en los 80 minutos que dura el documental y sin embargo, 'Depth Two' solidifica su interés a piñón fijo desde el inicio y en ir directo al grano con una baza muy simple, el poder de la imagen y de la voz para narrar una realidad. Se asemeja bastante al excelente documental francés 'Shoah', es un cine austero pero lleno de potencia sugerente y visual sin artificios como 'Stalker' o de intenciones como 'Incendies', un viaje de sensaciones que transporta al lugar de los hechos como bien hacia 'Shoah', su aspecto inicial de pseudothriller gana enteros que luego quizás no sepa aprovechar bien del todo por el tono documental pero lo breve del metraje no da tiempo a caer en la tediosidad de convertirlo en un documental mas. Un camión perdido entre Serbia y Rumania que termina semi hundido en el Danubio, una fosa común en los alrededores de Belgrado con una historia cruenta tras ella, un intento de encubrir la muerte de civiles de Yugoslavia y Kosovo, enterrar al mismo tiempo que sus cadaveres, sus verdades y sus libertades. Tatjana Krstevski es la directora de fotografía y junto a Jakov Munižaba que se encarga del sonido, logran un compendio fabuloso, una linea constante de ritmo, imagenes y calma que no se ve alterada por ningún elemento mas en la hora y veinte de duración; la voz en off de los testimonios hace el resto, y sin ninguna persona física es posible recrear en la mente lo sucedido, uno puede imaginarse perfectamente al buzo, la ocultación del logotipo del camión, las amenazas de la policía, la manera en que describen los testigos a otras personas, etc. 'Depth Two' es un buen documental, un gran ejercicio y manera de contarnos algo que sucedió realmente sin caer en convencionalismos y tópicos estilos ya mandos apostando por lo visual y por la determinación, por la narración de las imagenes por si solas dejando claro y patente un mensaje al final: ciertas heridas, jamas se curan.
The Conjuring: The Warren Files - James Wan - Estados Unidos
8/10
Han pasado tres años desde el estreno de 'The Conjuring' y hace unos días tuve la oportunidad de verla de nuevo. En su momento no la aprecie tanto como después de este segundo visionado y la verdad es que ahora mismo la considero desde ya un clásico del terror moderno, un film compacto que combina todo lo bueno que se puede esperar de una película de este género. Después de ir acompañado en los inicios de su carrera con los guiones firmados por su gran amigo Leigh Whannell, el australiano James Wan afrontaba en 'The Conjuring' un nuevo camino. En aquella ocasión se unieron al proyecto los hermanos Chad y Carey Hayes, conocidos guionistas que saltaron al cine en 2005 tras mas de 20 años en la industria televisiva realizando el guión del film de terror de Jaume Collet-Serra,'The House of Wax'. Esta doble incorporación crea un guión que funciona como una maquina perfecta autogestionando su ritmo y creando tension mediante silencios aleatorios o escenas que no dejan de aportar informacion y todo ello sin forzar al espectador a nada mas que un único propósito, provocarlo y sumergirlo en la pelicula, hacer que acumule tensión y sienta verdadero miedo a mirar la pantalla. Hay malos y buenos directores, lo mismo que guionistas, pero el trio formado por Wan-Chad-Carey no solo saben dirigir o escribir bien sus historias sino que disfrutan haciéndolo, disfrutan montando escenas al detalle para sorprender al espectador aun a sabiendas de lo que va a ocurrir. Este juego del gato y del ratón que Wan y su equipo de guionistas proponen constantemente en 'The Conjuring' goza de cierta gracia y otorga desasosiego momentáneo hasta que llegan escenas como la oscuridad tras la puerta de las hermanas o el desenlace final en el sótano, ahí las medio sonrisas desaparecen de las caras de los espectadores timidamente, no se parpadea y tampoco se traga ya saliba, no hay tensión pero si unas imagenes realmente perturbadoras y dignas de quedar grabadas en la retina de todos. Para los que hablan de tópicos, les diré que no es delito tirar de tópicos siempre y cuando se rueden bien o innoven en algo, Wan hace con ellos lo que Messi con un balón, llevarlos hasta sus objetivos, esto es como ejemplo el matrimonio interpretado por Patrick Wilson y Vera Farmiga, investigadores paranormales visto cientos de veces en cientos de películas que aquí pasan de ser vistos como gente extraña, personajes pintorescos con aparatejos extraños, poco serios o demasiado avispados a ser un matrimonio ideal, los héroes, se llega a empatizar mas con ellos que con la propia familia Perron. Un notable guión para un montaje diferente donde el caso principal no es ni el que cierra ni el que abre la propia película, tópicos? Hola? Aires clásicos e innovación, todo junto y en completa armonía. Eso hacen Wan y los hermanos Hayes con los tópicos, mas claro, agua. El ritmo es constante pero repleto de pausas y momentos de silencio en los que agudizar el oído, hay una retahíla de objetos curiosos y casi fetiches de Wan como el juguete de Rory, la propia muñeca Annabelle, la sala de 'trofeos' de los Warren, el armario de casa de los Perron, la rama del árbol, las paredes ocultas tapiadas, los recovecos oscuros, el suelo de madera o el perenne mal olor proviniente del sótano. En 'The Conjuring' la estética años 70 mediante la recreación brillante de la época y la musicalidad de la película completan ese buen guión con la fotografía de Joseph R. Leonetti y la banda sonora del compositor especialista en el genero de terror, Joseph Bisara. Este conjunto es tan importante en el resultado final como la propia historia o el montaje de Kirk Morri ('Fast 7'), dotando a la película de un estilo único; una adaptación moderna y a su vez honorífica de clásicos como 'The Changeling' o 'Poltergeist' en combinación los avances cinematográficos de hoy día y que a diferencia de la mayoría de producciones, no están usados gratuitamente sino puntualmente y con un propósito claro. No hay excesos y eso agradece, hay un gran esfuerzo conjunto por marcar un enfoque serio, conciso, planos generales que devienen en zooms mientras la cámara se mueve de lado a lado, la película esta basada parcialmente en hechos reales y los elementos puramente de ficción no desentonan en ningún momento. 'The Conjuring' fue, y es ,la película de terror mas seria de James Wan hasta la fecha, su film mas redondo y un punto de inflexión definitivo en su carrera tras el pelotazo de 'Saw' en 2004. Otros los intentaron y no supieron, 'The Messengers', otros se acercaron 'The Strangers' y otros probaron incluso con un spin-off, 'Annabelle', no es fácil salvar tópicos como lo hace Wan pero cuando uno disfruta haciendo lo que hace como el, pocos errores se pueden llegar a producir. La forma de rodar de este director se basa en parte en cuidar mucho al publico al que van dirigidas sus películas y una grandiosa atención al género de terror, Wan es consciente de que el fenómeno fan es tan importante como la taquilla y no solo ofrece sobresaltos sin sentido sino que aplica una robustez propia de directores mas experimentados y reconocidos de este maravilloso genero. Observando la filmografía de Wan, y como suelen ser sus películas, encuentro que hay varios elementos en común en todas ellas,perfiles de personajes, montaje, medición del tempo, de la tensión, etc pero uno es el que define perfectamente a este realizador, la diversión que transmite su énfasis al dirigir mediante el juego de sorprender al espectador a toda costa, así fue desde 'Saw' con los acertijos, en 'Dead Silence' con los muñecos y en las dos primeras partes de 'Insidious' que parecen, vista de nuevo 'The Conjuring', un test de pruebas del australiano para conocer los verdaderos miedos de sus seguidores.
Difícil sacar alguna lectura mas de las que el director de 'Eddie The Eagle' quiere que saquemos de su film. El británico Dexter Fletcher en su tercer largometraje después del drama mafioso 'Wild Bill' en 2011 y el musical 'Sunshine on Leith' de 2013 vuelve a probar con un nuevo subgénero como es el basado en hechos reales para relatarnos a modo de fabula edulcorada la historia de Eddie Edwards, el saltador de esquí británico mas famoso de todos los tiempos, su gran fuerza de voluntad y el espíritu perseverante que lo llevo a conseguir su sueño desde pequeño, participar en uno Juegos Olímpicos Invernales. Eliminemos una etiqueta. 'Eddie The Eagle' no es un biopic al uso ya que no relata toda la vida del personaje sino tan solo la etapa que concierne a su salto, y nunca mejor dicho, a la fama. Fletcher usa unos créditos iniciales extensos para entrelazar varias escenas sobre la infancia de un torpe Eddie (Taron Egerton) a base de gags splastick hasta su llegada a Alemania donde conoce a Roberto Sedinho...perdón, a Bronson Peary (Hugh Jackman), un ex esquiador aficionado a la bebida que se encarga del quitanieves en las pistas de entrenamiento. Aquí comienza una buddy movie convencional llena de optimismo y buen rollo a partes iguales donde el drama solo hace acto de presencia a modo de frases cortantes y crueles. Ni siquiera los típicos 'matones', en este caso compañeros de equipo o el propio finlandés volador, Matti Nykänen (Edvin Endre), llegan a ser todo lo crueles que se podría esperar. A su lado Cartman es el anticristo. Lo mejor de 'Eddie The Eagle' es la falta de complejos que tiene, una pareja de protagonistas mas que acertada mostrando una complicidad que va mas alla de la pantalla aunque a veces el personaje de Eddie resulte un tanto caricaturizado, la simplicidad evocadora de aquellas comedias de los 80 o su clara determinacion en hacer gala de un humor básico, en ese sentido es muy honesta y agradecida con el publico pero la sensación constante de estar viendo algo que ya has visto le resta mucho interés a una historia que analizada desde otro punto quizás hubiera disfrutado de un mejor resultado final. Estamos pues ante una extraña versión simpatica y cargante de buen rollismo de 'Rocky', 'Karate Kid' o la mítica serie de anime 'Campeones', 'Ganes o pierdas siempre apunta alto', asi reza una de las
leyendas en los carteles promocionales que junto a la lucha diaria como
esencia del deporte olímpico acrecentan esta sensación de mareante felicidad con escenas que rozan un surrealismo de lo mas curioso sirviendo como ejemplo la comprobación del estado de la nieve de Peary cual indio salvaje con tan solo el tacto de sus dedos o el salto desde el trampolín de 70 metros que Hugh Jackman realiza, en tejanos, fumando y de noche, solo le faltó como broche final sacar sus garras de Wolverine al aterrizar. La película esta apadrinada por Matthew Vaugh, director de 'Kick Ass', 'X-Men: First Class' o el actioner bondiano británico 'Kingsman' que arrasó en taquillas de todo el mundo el año anterior, de hecho en alguno de los carteles promocionales reza la frase: 'De los productores de Kingsman'. Esto creo que ha repercutido a la hora por ejemplo de elegir a los protagonistas ya que en las dos primeras películas dirigidas por Dexter Fletcher sus protagonistas eran mayormente actores jóvenes y algún veterano provinientes sobre todo de la televisión o con muchas tablas en la pequeña pantalla mientras que en 'Eddie The Eagle' los dos protagonistas principales son estrellas de cine, Hugh Jackman y Taron Egerton, a uno lo tenemos hasta en la sopa y el otro recién esta viendo despegar su carrera tras protagonizar la citada antes 'Kingsman'. Al margen de que esta sea una imposición o no de la productora, el resto del casting que aparece en 'Eddie The Eagle' se ha formado en series de televisión británicas de mas o menos prestigio como por ejemplo Jo Hartley, la actriz que interpreta a la madre de Eddie que, curiosamente, ya hizo lo pripio siendo la madre de otro niño inglés en la película y saga de miniseries posteriores dirigida por Shane Meadows, 'This is England'. La utilización de profesionales 'criados' en la televisión es una constante en la filmografía de este director incluso en muchos de los aspectos técnicos de sus producciones. El realizador del país del té cuenta esta vez con un compositor mas experimentado que otras veces para la banda sonora, Matthew Margeson, entre cuyos trabajos encontramos como no, 'Kingsman', o 'Kick Ass 2'. Dentro de dicha banda sonora encontramos temas originales clasicos de aquella epoca como 'Two Tribes' (Annihilation Mix)' de Frankie Goes To Hollywod, 'Hero in Your Eyes', 'Eagle Will Fly Again' de Howard Jones, 'The Sky´s the Limit' de Nik Kershaw, 'The Cowboy Song' de Thin Lizzy, 'Bolero' de Maurice Ravel, 'Real Gone Kid' de Deacon Blue, 'You Make my Dreams' de Daryl Hall y John Oates, 'Moment' de Tony Hayley, 'Jump' de Van Halen, 'Out of the Sky' de Marc Almond, 'Ascension' de Holly Johnson y 'Thrill Me' interpretada por Jackman y Egerton junto a la orquesta Manoeuvres in the Dark que podeis escuchar aquí: https://www.youtube.com/watch?v=XyOrhDiMSPs. Fletcher también cambia de guionistas como ya hiciera en sus anteriores dos trabajos y para la ocasión se vale de Simon Kelton, creador de la historia, y Sean Macaulay. El único que repite en toda la filmografia de Fletcher es el director de fotografía George Richmond que mira tu como son las cosas en la vida, también realizó la fotografía en 'Kingsman'. 'Eddie the Eagle' es la pelicula que el Cholo Simeone proyectará en breve a sus jugadores, donde su director nos muestra que no hay que dejar de luchar por nuestros sueños sea cuales fueren, en ningún momento, y que por mas difícil que se presenten las situaciones hay que perseverar y dedicar todos nuestros esfuerzos en aquello que nos hace sentirnos completos y realizados aunque el resto del mundo no entienda el porqué nos produce tanta felicidad.
Thriller insoportablemente malrollero de principio a fin con un perfil indie que puede llegar a despertar ese demonio oculto, morboso y lascivo que reside en el fondo de algunos seres humanos. 'Compliance' está, por muy difícil que pueda parecer tras verla, inspirada en hechos auténticamente reales. Becky (Dreama Walker), una joven dependienta de un restaurante de comida rápida es acusada de robar a una clienta. Su encargada Sandra (Ann Dowd), siguiendo las ordenes del agente Daniels que se encuentra al teléfono, sera la responsable de llevar a Becky al almacén y ejercer de vigilante hasta que Daniels pueda acercarse al restaurante y aclarar todo el asunto. Tras escribir, producir y dirigir en 2012 esta, su opera prima, Craig Zobel estreno el año pasado al frente de la dirección únicamente un drama de ciencia ficción postapocaliptico con Margot Robbie, Chiwetel Ejiofor y Chris Pine basado en la novela de Robert C. O’Brien titulado, 'Z for Zachariah' asi como dos episodios en la serie de éxito internacional, 'The Leftovers'. El gran potencial de 'Compliance' reside en el buen uso del tiempo en que transcurre la historia. Los hechos reales sucedieron durante unas tres horas aproximádamente y en la película quedas reducidos a unos aprovechadisimos noventa minutos que condensan notablemente la tensión vivida aquella tarde noche de viernes. La primera mitad es muy claustrofóbica, la acción no solo no sale del restaurante sino que prácticamente todo se reduce a una habitación, el almacén. Tanto los créditos iniciales como el 'respiro' a modo de break que su director/guionista introduce a mitad del film mezclando imágenes del solitario parking del restaurante con la banda sonora realizada por Heather Mcintosh a base de violones (muy parecida a la compuesta por Alberto Iglesias para 'La piel que habito') delimitan a la perfección lo aislado del almacén respecto al restaurante y de este con el resto del mundo. Esa 'soledad' del lugar se hace extrema y trasciende hasta el punto de lograr que Becky pierda todas las fuerzas y la cordura dando paso a la indiferencia. Después del break, empieza una segunda mitad igual de tensa y, aunque la acción esta vez si sale del almacén por momentos, es en este tramo en concreto cuando la incomodidad de lo que ocurre se hace mas insoportable, donde la imaginación de cada espectador empieza a maquinar sobre hasta que punto son algunos seres humanos manipulables y que serian estos capaces de hacer por no rebelarse ante la autoridad aun sabiendo que lo que hacen, no es lo correcto.
La adaptación que Zobel hace de los hechos es fascinante, y lo digo después de haber visto la película y buscado en la red sobre estos hechos. La tortura psicológica a la que es sometida la frágil Becky y la impotencia de no poder hacer nada os pueden llevar a pensar que su guión es incoherente o que sus personajes no actúan racionalmente pero...todo tiene una explicación, todo...y os aconsejo que para 'disfrutar', por llamarlo de alguna manera, enteramente de ese sufrimiento y angustia no busquéis ningún dato sobre estos hechos, os impactara mucho mas. Para mi seria muy fácil contarlo pero os aseguro que el disfrute que conlleva terminar la película y buscar información sobre este caso no es comparable a muchos otros placeres cinéfilos. Es un placer extraño, como de masoquismo, es decir, una vez terminas la película y piensas...pero como va a pasar esto de verdad? Pues si, no solo ocurrió una vez, sino mas de 70 veces en Estados Unidos. Y ahora viene la segunda pregunta que uno se hace mas veces viendo esta película: Pero como es posible que ninguno de los trabajadores haga algo para impedir eso? Tranquilidad, cuando busquéis la información sobre el caso al terminar de verla, os quedara todo muy claro, es más, no es la primera vez que este 'tema' se lleva al cine, no estos hechos digo, sino...bueno, ya lo veréis. 'Compliance' es un thriller dramático, muy dramático, muy de sentir la humillación a la que es sometida Becky, de empatizar con ella en todo momento y de meterse en su piel. Al igual que me encanta la francesa 'A l´interieur' y jamas la recomiendo a según que mujeres y menos si están embarazadas, con 'Compliance' me ocurre algo similar, es una película muy jodida de ver si eres una chica, mucho, no es tan explicita porque su director conoce algo llamado sutilidad y es utilizada justo cuando llega el momento, en ese sentido, si buscáis carnaza de cualquier tipo, olvidaros de esta película, es una película jodida de ver, incomoda y a su vez...morbosa. Obvio que habrá muchas chicas que ni les afecte ni les diga nada pero la gran mayoría, lo van a pasar muy mal viendo la opera prima de Zobel si empatizan con su desgraciada protagonista. El que avisa no es traidor, son noventa minutos de tensión creciente en los que por momentos pensaras que se trata de una broma o que se trata todo de un sueño pero...para nada, la realidad supera a la ficción con creces y 'Compliance' es una grandiosa muestra de ello. Por ultimo destacar a todo el reparto porque esta magnifico, sin esas grandes actuaciones la tensión no se sostendría de ninguna manera, en especial sobre todo las de la veterana Ann Dowd en su papel de encargada esta fantástica, una mujer de carácter fuerte y celosa de la juventud de sus empleadas que ansia sentirse querida, la de Dreama Walker...que ojos!...la frágil protagonista de la película que parece la hermana pequeña de Rose McGowan transmite muy bien su impotencia y desconcierto en todo momento y la de el bobalicón? Van, interpretado enormemente por un Bill Camp al que mas tarde se le vio en 'Lincoln', '12 años de esclavitud' y hace poco en 'Midnight Special' como uno de los dos matones de la secta; próximamente estará en 'Jason Bourne', toda una interpretación que ha relanzado su carrera, ellos tres, son los pilares interpretativos sobre los que se monta 'Compliance', el resto como digo, Pat Healy, Phillip Ettinger, Ashlie Atkinson o Nikiya Mathis, magníficos, todos, otorgando un plus de naturalidad ideal para la historia. Nada mas, recordad, buscad info al terminar de ver la película y asombraros con la adaptación de Craig Zobel, incluso hay hasta vídeos en Youtube sobre lo que pasó y un mini documental del canal ABC, pero mejor, hacerlo después de verla y sobre todo, paciencia, aunque todo os parezca extraño y que nadie en su sano juicio haría nada de esto, tened paciencia porque la recompensa final saldará todas vuestras dudas. Quizás mi nota final sea algo alta considerando que no es un guión puramente original pero 'Compliance' tiene muchos de los elementos que me gustan, pocos personajes, una sola localización, historia absorbente e hipnótica, diálogos ágiles y una dirección que va directa al grano. Director a seguir, desde ya.
The Finest Hours - Craig Gillespie - Estados Unidos
6/10
'The Finest Hours' es una película dedicada a un hecho real que ocurrió en 1952, la historia del mayor salvamento realizado nunca por la más pequeña embarcación. Así pues estamos hablando de lo que debería ser una película épica donde los sacrificios y sufrimientos están presentes en cada minuto de la cinta. Disney nos presenta una película de época, ambientada en los glamurosos años cincuenta donde el capitán de la guardia costera Benard Webber, interpretado por un sosísimo Chris Pine da vida a su protagonista. Este debe enfrentarse a una decisión que le puede costar su vida y la de los hombres a su mando. Lo que nos vamos a encontrar una vez sentados cómodamente en nuestra butaca será la presentación a modo de historia de amor del capitán Webber, un personaje tímido y bastante estricto con las reglas a las que ciñe su vida como guarda costero pero el amor que todo lo puede entra en su vida cuando conoce a Mirian la que será su futura esposa interpretada por Holliday Grainger (posiblemente la recordéis haciendo de Lucrecia Borgia en la serie de televisión). Tras este comienzo donde se pretende simpatizar y comprender la
mentalidad del capitán Webber aunque en mi opinión no hace más que
plantearte si el protagonista no sufrirá de un posible síndrome de
asperger, damos paso a la acción que es lo que más esperamos de esta
película. El SS Pendleton un petrolero que se dirigía a Boston es
literalmente partido en dos por una de las mayores tormentas invernales
que se dieron en las costas de Nueva Inglaterra. Treinta marinos han
quedado en una de las partes del buque y pronto van a acompañar en el
viaje final a sus otros compañeros que yacen en el fondo del mar junto
con la otra mitad hundida. Ante tan desesperada situación el oficial
ingeniero del petrolero, interpretado por el hermano pequeño de Batman (Cassey Affleck),
intentará coordinar a los hombres que quedan de la tripulación para que
trabajen unidos, pese a que en un principio no es nada apreciado poco a
poco conseguirá ser obedecido, se ve que esta familia no cae bien allá
donde vaya. Las noticias del desastre llegan hasta la estación costera
de Chatam en Massachusetts, el oficial al mando Daniel Cluff, (interpretado por un Eric Banaque de tan soso que es llegas a tomarle cariño)
debe decidir mandar una operación de rescate para salvar a los
supervivientes del petrolero. El capitán Webber será el que junto con
cuatro hombres más deberá encabezar esta operación de salvamento en el
barco más ridículamente pequeño que puedas imaginar para esta tarea.
Olas gigantescas, vientos y temperaturas extremas son algunas de las
cosas a las que deberá enfrentarse para poder llevar a cabo su decisión
de salvar a las víctimas de este naufragio. Esta es la parte que mas
merito y en la que mas destaca la película, tanto la fotografía como su
manera de filmar nos ofrecen por fin algo espectacular en lo que podamos
prestar verdadero interés porque hasta ese momento el drama humano del
que hemos sido testigos nos ha dejado como en el mes de febrero el
tiempo en las costas de Massachusetts. La acción a partir de este
momento se divide en dos, por un lado veremos como el capitán Webber y
su minúsculo bote intentan encontrar la parte que aun no se ha hundido
del petrolero y por otro como el oficial ingeniero busca soluciones para
demorar el hundimiento de lo que queda de su buque. La desesperación de
la gente que ha quedado en la estación de guardacostas esperando
noticias no ayuda en nada a que la trama se desarrolle más bien hace
todo lo contrario y parece metidas con el único pretexto de alargar la
película sin ton ni son. Si algo te puede hacer disfrutar de la película
es su espectacularidad en las escenas donde vemos el mini bote del
capitán Webber rompiendo las olas para llegar a encontrar el petrolero,
escenas muy bien filmadas y movimientos de cámara que no te marean como
viene siendo lo normal en el cine actual. En contra su poco interés en
el drama que se desarrolla ya sea por los actores y sus espesas
interpretaciones o por que la película no consigue llegar al nivel épico
que cuenta la historia real. En definitiva una película para pasar un
rato y para olvidar que me recordó a la 'The Perfect Storm' de Petersen sin un George Clooney que la salvara del naufragio.
Dos años. Dos años ha tardado en llegar a los cines españoles este falso biopic del mítico artista mexicano interpretado por Óscar Jaenada, 'Cantinflas'. Hago un inciso: Gracias A CONTRACORRIENTE FILMS por seguir haciendo tan buenísimo trabajo. Prosigo. Falso biopic o biopic no convencional porque no cuenta nada de la infancia de Mario Moreno y su montaje a caballo entre la pre-producción de su gran éxito en tierras americanas 'Around the World in 80 days' y los inicios del propio personaje a partir de 1933 restan mucho interés y ritmo a una historia que pudo haber dado mas de si. Cierto es que se llama 'Cantinflas' y no 'Mario Moreno'. Tratándose mas de un biopic del personaje que del artista que lo creo, la omisión de la infancia del actor mexicano esta 'justificada'. La introducción de esa parte 'americana' me parece mas que una buena idea para la cronología tanto del guión como del montaje pero hay que ver el cuadro desde fuera y darse cuenta que no es mas que una campaña de marketing para vender el producto en todo el mundo, para que 'Cantinflas' sea un pseudo biopic global y no un producto puramente para el publico latino. Tampoco engaña ya que uno se puede dar cuenta del tono y por donde se van a mover los hilos en los primeros 10 minutos de película. Otra de las cosas que entrarían dentro de ese truco de marketing que es la parte 'americana' es la banda sonora totalmente azucarada, empalagosa e infantil del murciano Roque Baños que conforma un ambiente a moralina naftalinera nada acorde con ese 1955 tan luminoso que se nos muestra.
Volviendo a lo de biopic de Cantinflas/Mario Moreno hay algo que no llegué a entender, si la explicación a que su infancia no sea relatada es que se trata de un biopic del personaje y no del artista, porque no se nos cuenta el origen de los famosos harapos que Mario usa para convertirse en Cantinflas? En comparación con por ejemplo Chaplin, el gorro y el bastón son algo significativo en su carrera, como Batman y su traje, si se trata del biopic de Cantinflas me parece un gran error no explicar el origen de ese atuendo tan característico. También se aprecia en el guión algo de confusión en el intento de mostrar poco o mucho los momentos claves en la vida de Mario Moreno (pero no era un biopic sobre el personaje?), su lucha por la igualdad y el reparto equitativo de las subvenciones del sindicato de actores, el drama personal con su mujer por no poder tener hijo así como el trauma de verse superado por su propia creación como así demuestra la única escena en que vemos a un Mario Moreno lanzando un vaso contra un cuadro de Cantinflas. Mas que confusión en el guión suena a metraje recortado, a sensación de querer contentar a todos y contar mucho en poco tiempo como por ejemplo intentando hacer que el espectador entienda de donde saco la inspiración Mario par algunas de sus futuras películas haciendo de político (escena en el teatro) o barrendero (escena con un amigo del barrio). La película dirigida y co-escrita por Sebastian del Amo junto a Edui Tijerina tiene algo especial, algo que la salva y la hace única. Óscar Jaenada. El español no solo ofrece un registro pasmosamente idéntico al del actor mexicano sino que físicamente es la viva imagen de Cantinflas. Por mucho que se empeñe la gran mayoría de publico mexicano en echar pestes sobre la elección de Oscar para el papel, es algo que salta a la vista, era la mejor elección posible, facciones, gestos, miradas, tono de voz, todo, y os lo dice un fan de la filmografía de Cantinflas. La actuación de Jaenada es brillante, resucitando a Cantinflas (comedia) y a Mario Moreno (drama) como se puede observar en el primer encuentro que tiene con Michael Todd (Michael Imperioli). Oscar Jaenada es el salvavidas de esta película sin ninguna duda y la razón de darle un 7/10 a la película. Como español se podría decir que barro para cada pero sinceramente, sabéis que no, solo hay que verlo actuar en un par de escenas para darse cuenta que no se podría haber encontrado ningún actor mejor que el para este papel. Poco mas, me gustaría que hubieran desarrollado mas la parte dramática y que se mostrara la infancia de Mario pues creo que en ella esta la esencia del mito de Cantinflas, en sus raíces y en su humildad. Entre la actuación de Jaenada, la multitud de cameos la película y los 3 o 4 detalles simpáticos que tiene el guión sobre curiosidades de la vida de Cantinflas, el film se soporta mejor y se hace pasable. De momento habrá que conformarse con este 'biopic' hasta que el ciclo de la vida nos permita ver de nuevo otro distinto con otra visión o enfoque donde se nos cuente TODA la vida de Mario Moreno.
Sinceramente, es brillante. No esta tercera parte en si sino todo el fenómeno logrado por aquella 'Yip Man' de 2008 que encumbraba tanto a su personaje principal Yip Man, como al actor que le insuflo vida, Donnie Yen, a estar en la cresta de la ola del nuevo cine de artes marciales. Un tipo de cine caduco y repetitivo que había decaído mucho tras la baja producción de títulos por algunos de los que en su momento lo vieron crecer y reproducirse. Hablo de los Jackie Chan, Jet Li, Sammo Hung, Yuen Biao, etc...Pese a que las artes marciales no abandonaron del todo el séptimo arte, el cine de acción oriental estaba totalmente olvidado salvo contadas excepciones como por ejemplo 'Matrix', 'Crouching Tigger, Hidden Dragon' o 'Fearless'. Tampoco afirmo que 'Yip Man' sea una película revoucionaria y que cambiara la historia del cine de artes marciales como se conocía pero si que tuvo la certeza de indicar el camino a seguir. La introducción de las artes marciales justificadas en la historia que se nos quiere contar, la naturalización de este tipo de escenas usando la mínima cantidad de cableado y fantasía posible o un aumento tangible en la dramatización de los hechos que se nos relatan son algunos de los matices que tiene la película que Wilson Yip estreno en 2008. En este sentido, 'Yip Man' fue mas que una simple película de artes marciales, fue la que arrojo luz a una nueva forma de afrontar este gran genero tan olvidado y defenestrado injustamente por tantos. 'Yip Man 3' es la tercera entrega de la trilogía sobre el maestro Yip Man dirigida por Wilson Yip e interpretada por Donnie Yen repitiendo así juntos por tercera vez. Hay que olvidarse de las 2 realizadas por Herman Yau y de la serie de 2013 porque no tienen absolutamente nada que ver con la trilogía Yip-Yen. Partiendo de aquí, esta 'Yip Man 3' se situaría en el tiempo 10 años después de la primera parte, en 1959. Mucho mas profunda y dramaticamente desarrollada en cuanto a la vida del maestro y su mujer, la acción y las grandes coreografías de artes marciales van llegando muy poco a poco pero con un nivel de intensidad progresiva fascinante que hará las delicias de todos los fans. Si, Mike Tyson. Pero ojo. El trailer engaña bastante en este sentido pues Tyson no ...bueno, esto considero que serían spoilers así que...no diré nada del papel que tiene en la película pero si que apuntaré a que la idea que os hacéis por el trailer no es la que luego vais a ver, os lo aseguro. Cuando aparece al inicio y deja caer sus primeras frases...realmente da miedo, el primer pensamiento que tuve fue...madre mía que cagada han hecho metiendo a este tío pero...luego me calló totalmente la boca. Eso si, gana muchos enteros cuando no habla, ahí lo dejo. La estrella del show es Donnie Yen pero no le quitéis ojo a este tipo, Jin Zhang. De momento ya cuenta con 3 participaciones de lujo en 3 de las películas de artes marciales mas punteras de los últimos años como son 'Wushu', rodada el mismo año que la primera de 'Yip Man' y también con Donnie Yen, 'The Grandmaster' dirigida por Kar Wai y la reciente 'SPL2' junto a Tony Jaa. Su papel en el filme no puede ser revelado por spoilers pero os aseguro que su capacidad para las artes marciales esta mas que a la altura de las circunstancias.
Otro de los alicientes que tiene 'Yip Man 3' es la aparición de un joven llamado Bruce Lee al que reconoceréis seguro por sus gestos y su verborrea. Es un mero adorno con dos o tres escenas pero quizás sea el enganche que fuerce a esta saga a seguir adelante. El actor que da vida a Lee, Kwok-Kwan Chan, tiene un asombroso parecido con el mítico actor que le ha valido para colarse en muchas producciones conocidas donde se requería un perfil similar como en 'Shaolin Soccer', donde era el portero de mono amarillo o en la película de 2010, 'The Legend of Bruce Lee' así como en la serie sobre Bruce dos años antes. Las escenas de acción, como dije al inicio, van de menos a mas. En la primera escena vemos la introducción del mencionado Bruce Lee y como Yip Man se la juega con unos simples cigarros. Alerta! Empieza la pelicula tirando de fx? Uy uy...pero nada, es lo mismo que pasa con la intervención de Mike Tyson. No es lo que parece. Me quedaría con todas las escenas de acción porque realmente están bien rodadas, coreografiadas y montadas pero sobre todo con la de la fabrica con Yen y Zhang mano a mano, la que empieza en el ascensor Donnie y termina por las escaleras y obviamente la final. Y que final! Esa técnica tan usada por un tal Bruce Lee años mas tarde! 'Yip Man 3' no tira de nostalgia pero si funciona como una de aquellas cintas clásicas de artes marciales, con injusticias, con dos maestros, con un 'extranjero' extorsionador y un final/conflicto generado desde el inicio hasta el final resuelto por una lucha cara a cara entre ambos. Hace poco tuve la fortuna de visionar la segunda entrega de 'Crouching Tigger, Hidden Dragon' y me resulto decepcionante porque veía claramente que las coreografías de Woo-Ping Yuen en personajes de Ang Lee no funcionaban y eso le restaba mucho interés en una historia simple como la que tiene. Woo-Ping Yuen, genio y figura de este genero en cuanto a secuencias de acción marcial coreografiada, muestra todo su potencial en 'Yip Man 3' como era de esperar. Las coreografías son excelentes, a buen ritmo, llenas de detalles y potenciadas por el montaje de Ka-Fai Cheung, un tipo que empezó en esto con 'Supercop' de Jackie Chan. Junto al veterano Kenji Kawai que se encarga de la música forman el mismo equipo que realizo las dos primeras entregas, algo que se nota y mucho. El tono verde sepia y la fotografía de 'Yip Man 3' es de lo poco que han cambiado respecto a las dos primeras partes que fueron obra de Sing-Pui O, en esta ocasión se contó con Kenny Tse ('Motorway', 'SPL2'). Resumiendo, mas seria que la segunda pero no mejor que la primera. Básicamente por respeto. Un gran cierre para una trilogía brillante que debería ser este su final pero que, sinceramente, espero no sea así y esa veta en forma de adorno llamada Bruce Lee que se pasea por la película nos de para al menos, otra trilogía mas.
Crónica diaria con mini reseñas de Josep Cabanas sobre las películas vistas en la tercera edición del American Film Festival. Realizó su primera edición el mes de febrero del año 2014 en los Cines Girona.
El festival nació de la firme motivación de un grupo de amigos para
exhibir una selección de las mejores películas independientes
estadounidenses de la temporada al público de Barcelona. La excelente
respuesta del público llevó a más de 2.400 espectadores a los Cines Girona,
donde se colgó el cartel de entradas agotadas en ocho de las doce
sesiones programadas con un resultado de ocupación del 82%. La película
ganadora del premio del público artsy fue la aclamada 'Short Term 12' ('Las Vidas de Grace'), segundo largometraje del hawaiano Destin Cretton, que también ganó premios en otros prestigiosos festivales como la Seminci o South by Southwest (SXSW).
En 2015 la segunda edición de Americana se cerró con un total de 5.000
espectadores, una cifra que un año más demostró el interés del público
barcelonés por un cine estadounidense diverso y creativo que queda fuera
de los canales habituales. La película ganadora del premio del público
fue 'Selma' de la realizadora Ava Duvernay. El premio del Jurado Joven de 'La Casa del Cine' fue para la película 'Buzzard' de Joel Potrykus. Entre las actividades paralelas del Americana Film Fest encontramos una retrospectiva en la Filmoteca de Cataluña, el ciclo ‘On the road’ organizado por el Consulado General de los Estados Unidos en Barcelona en el Centro Cívico Fort Pienc, el taller de crítica y el seminario sobre cine independiente realizados en 'La Casa del Cine' por Manuel Yáñez y Sergio Morera respectivamente, un vermut colectivo en el Convento de San Agustín en colaboración con Ven tú!, colaboraciones con Sala Montjuïc y Cinema Liure a la Platja y los talleres infantiles de Americana Kids realizados en el marco del festival.
Wildlike - Frank Hall Green - Estados Unidos
6/10
Mackenzie es una problemática adolescente que después de la muerte de su padre es enviada por su madre a un pueblecito de Alaska a vivir con su tío con el que no acabará de encajar y escapará hacia Seattle. Durante este viaje conocerá a un adulto con el que vivirá una relación de amistad en su trayecto común. 'Wildlike' es una historia de dos personas rotas por la perdida de un ser querido, y también sobre la extraña amistad que surge entre ellos, y que a pesar de no contarse mucho el uno al otro, inician un viaje por la bellas tierras de Alaska. El ritmo lento que nos impone el director Frank Hall Green, no juega demasiado a su favor, pero esto lo compensa un poco la pareja protagonista, en especial la joven protagonista, Ella Purnell, de la que creo que en futuro oiremos a hablar. El resultado de la película no es del todo satisfactorio, pero me quedo con sus buenas actuaciones y algún buen momento sobre todo en su tramo final.
The Overnight - Patrick Brice - Estados Unidos
6.5/10
Una pareja recién llegada a Los Ángeles con su hijo, intentará integrarse lo más rápido posible a la ciudad. Para ello aceptaran la invitación de sus vecinos de pasar una agradable velada con ellos que se convertirá en su noche más loca y extraña de sus vidas. 'The Overnight' es una comedia que juega muy bien creando situaciones realmente incomodas, transformándolas en divertidas para el espectador. Para que ello funcione, Patrick Brice, utiliza muy bien a los cuatro actores de la película, los televisivos Adam Scott ('Parks & Recreation') y Taylor Schilling ('Orange is the New Black') por un lado y a Jason Schwartzman y la francesa Judith Godrèche por el otro. Ambos están convincentes en sus papeles y exhiben una buena sintonía en pantalla. No soy muy amante de las comedias y me cuesta mucho reírme y divertirme con ellas, pero esta película ha conseguido ambas cosas.
Trumbo - Jay Roach - Estados Unidos
8/10
Biopic sobre el guionista norteamericano Dalton Trumbo, repudiado y perseguido a partir de 1940 por la industria cinematográfica de su país por su militancia en el partido comunista. El biopic es un genero complicado y en muchas ocasiones las películas de este tipo son fallidas. No es el caso de 'Trumbo' que se apoya en un reparto fantástico (Diane Lane, John Goodman, etc...) comandado por el gran Bryan Cranston, que aquí hace gala de todas sus habilidades y muestra el gran talento con el que nos deleito en 'Breaking Bad'. El recital de Cranston viene acompañado de un buen guión que nos cuenta de manera solvente una historia muy atrayente. De la dirección de Jay Roach no hay nada malo que decir, solo que deja que la película vaya fluyendo y no pone ningún impedimento. El retrato del inicio de la Guerra Fría y del conservadurismo de algunas de las estrellas más rutilantes de Hollywood, cómo por ejemplo John Wayne, esta bien logrado y consigue interesarte. Una película necesaria, con la que Hollywood intenta redimirse del maltrato que infringió a uno de sus mejores escritores de la época más gloriosa del cine.
Aviso, cuando terminas solo tienes ganas de revisar 'Espartaco' y 'Vacaciones en Roma', escritas por Trumbo, alguna con nombre falso, y que seguro que las veremos desde una óptica totalmente diferente. Una cinta que creo que encantará a los amantes del cine clásico en particular y a los amantes del cine en general y una buena manera de clausurar el Americana Film Festival 2016.
'Concussion' o 'La Verdad Duele', el horrible y deleznable titulo que le han puesto en España, nos cuenta una historia basada en hechos reales. El doctor Bennett Omalu (Will Smith), un forense de origen africano y con unos métodos muy particulares, descubre durante una autopsia a un ex-jugador de fútbol americano, una extraña lesión en el cerebro de este. Una serie de suicidios y extrañas muertes de ex-profesionales de este deporte, le llevan a observar que todos sufren la misma lesión. Esto le conducirá a enfrentarse a la que quizás es la Liga mas poderosa del mundo del deporte, la NFL.Cuando acabas el visionado de 'Concussion', lo terminas con la sensación de que podía haber sido una película mucho mejor. Tiene todos los medios a su alcance, una historia muy potente y interesante, un buen reparto y un protagonista, Will Smith, con un gran carisma y que ofrece lo mejor de si mismo, pero el director, Peter Landesman (Parkland), no consigue encontrarle el pulso correcto a una película que sobre todo en el tramo central transcurre con cierto tedio. No es una mala película, es un largometraje muy correcto, quizás demasiado y contando lo que cuenta, tendría que emocionar y llegar mucho mas al espectador. El tramo mas interesante transcurre en su hora inicial que es donde se desarrolla la investigación y la explicación mas científica de la trama, ahí el director si que consigue captar nuestra atención, pero después, con la inclusión de la trama romántica ese interés se va diluyendo hasta la parte final en la que la película recupera un poco el nivel perdido. Aunque tiene un buen ritmo, el metraje excesivo, un problema de muchísimas películas hoy en día, tampoco le ayuda. Con veinte minutos menos y puliendo un poco mas el guión en su parte central, la cosa hubiera mejorado.
La principal virtud de la cinta reside en su protagonista, Will Smith, que después de los últimos batacazos, 'Focus' y sobretodo la infame 'After Earth', aquí nos ofrece una gran interpretación y que bien le podía haber valido una nominación a los Oscars. Para disfrutar de su magnifica actuación es imprescindible verla en versión original, para poder apreciar bien el acento africano con el que dota a su personaje. Smith esta rodeado por un puñado de buenos secundarios encabezados por un buen Alec Baldwin, el siempre eficiente Albert Brooks y David Morse que aunque tiene una corta aparición es de lo mejor del inicio del film. Resumiendo, otra película basada en hechos reales que no acaba de funcionar todo lo bien que debería, aunque nos plantea una historia desconocida por muchos, entre los que me incluyo, y que pone encima de la mesa el grave problema de el fútbol americano y las secuelas físicas y mentales que sufren muchos de sus profesionales una vez abandonan la practica de este duro y violento deporte, aunque en algún momento esa crítica se convierte en alabanza a la belleza, que la tiene, aunque en dosis mas pequeñas, de este deporte, no vaya a ser que el publico americano se enfade y no vaya al cine.
Making a Murderer - Moira Demos, Laura Ricciardi - Estados Unidos
9/10
Que la realidad supera en muchas ocasiones a la ficción es algo que habréis leído u oído alguna vez en vuestra vida pero lo que se puede ver en 'Making a Murderer' va mas allá de toda lógica posible. Es tan realisticamente surrealista todo lo que ocurre que jamas creeréis estar viendo un caso basado en hechos reales. Vuestra mente se negara a aceptarlo y no daréis crédito a lo que vuestros ojos verán durante diez episodios. Me resulta algo difícil escribir sobre el nuevo pelotazo de Netflix sin caer en algún spoiler así que dividiré esta reseña en dos partes. En esta, la primera, tratare de contaros lo mínimo posible sobre la serie SIN SPOILERS e intentare que terminéis viéndola porque merece muchisimo la pena. Todo lo escrito ANTES DEL TRAILER NO TIENE SPOILERS. BAJO EL TRAILER,TODO SPOILERS y lo que es una opinión mas formada sobre lo que le ocurrió, ocurre y ocurrirá a Steven Avery, el protagonista de 'Making a Murderer'. Sobre que trata este nuevo éxito de Netflix? Trata sobre Steven Avery, un hombre acusado de violación y asesinato que fue liberado tras 18 años en prisión gracias a la reapertura del caso y la posibilidad de unas pruebas de ADN que demostraron que Steven, no tuvo nada que ver con dicha muerte. Tras salir de la cárcel, y a los pocos días de que se aprobara una ley de indemnización para victimas de juicios injustos, un nuevo cadáver aparece en la propiedad de Steven y, como no podía ser de otra manera, vuelve a prisión. La serie se centra en esta segunda investigación donde las innumerables y contradictorias pruebas empiezan a involucrar a miembros de la policía y al estado de Manitowoc en Winconsin. Conspiración? Conflicto de intereses? Durante diez capítulos de 65 minutos aproximadamente, las directoras Moira Demos y Laura Ricciardi, muestran un montaje de lo grabado en los últimos 10 años sobre este caso con entrevistas, imagenes de archivo, vídeos de interrogatorios, llamadas pinchadas, etc para ofrecer al mundo una visión sobre el caso de Steven Avery, uno, sino el que mas, de los casos mas importantes de la historia de Wisconsin y por ende, de Estados Unidos. Tras el sorprendente y shockeante exito de 'The Jinx' en HBO, Netflix no pierde el tiempo y se saca de la manga una serie que pasaria tranquilamente por un capitulo alargado de 'Crimenes Imperfectos' de esos que emiten por las mañanas pero con la capacidad de atraer a millones de personas que como un servidor, no son capaces de creer y dejar de ver todo lo que se ve en esos diez episodios. Una serie que este generando una corriente de noticias diaria a cual mas impactante y que ha conseguido poner al sistema judicial de Estados Unidos en una posición peor que el documental sobre Snowden. Moira Demos y Laura Ricciardi leyeron un articulo en 2005 en el New York Times sobre el caso de Steven Avery titulado 'Freed by DNA, Now Charged in New Crime' que les parecio tan fascinante que ni se lo pensaron dos veces, alquilaron un coche y con una sola camara se dirigieron a Manitowoc para empezar a rodar lo que hoy se puede ver en la serie. Un impecable trabajo de documentación que desgraciadamente funciona a la perfección como thriller, como la tercera temporada de 'True Detective' si me apurais, pero donde todo, absolutamente todo es real. Una gran serie documental para empezar el año que no os podeis perder bajo ningún concepto. Altamente recomendable.
Y AHORA CON SPOILERS
Cito textualmente una frase que aparece en la pagina de Wikipedia de la serie: 'A petition to the White House to pardon Avery garnered more than 128,000
signatures. In response, President Obama stated he had no authority to
act in a state case.'. Indignante. Impotencia. Como puede ser que pase esto realmente? Porqué parece que nadie dice la verdad? Porqué nadie mas puede ver lo que yo veo en este caso y al parecer tambien el propio Avery? Porqué a veces tengo pensamientos sobre su inocencia? Contando que son 10 años resumidos en 10 capitulos y que la muestra de información apenas es completa, uno puede hacerse una idea de lo que le ocurrió a Steven Avery, bueno, de lo que le esta ocurriendo porque sigue preso y sin posibilidad de un nuevo juicio. Cadena perpetua lo llaman. Porqué se lo toma tan tranquilamente? Porqué nunca se altera con toda la mierda que le estan echando encima? Cierto si, en alguna ocasión asegura que se va a suicidar. En fin, primero me quitare mi teoria de encima porque no poder soltar spoilers en las redes sociales sobre este caso me tiene negro. Es la siguiente. Steven Avery es inocente, de todo, tanto el como su sobrino. En el primer asesinato queda claro que no fue el por las pruebas de ADN, hasta ahi bien. Despues viene la ley para que lo indemnizen y ahi el condado de Manitowoc no tiene un puñetero dolar para hacer frente a tan grande suma. A los pocos dias aparece el coche de Teresa en el desguace de Steven. 'Aparece' .... lo encuentra su hermana, que al parecer sabia por donde mirar nada mas entrar al desguace. Y ojo, que la mujer llega alli como por arte de magia, no se donde buscar asi que...bueno, voy a mirar en el desguace porque nadie me lo ha dicho antes. Jajaja es que me rio por no llorar, y asi con todas las pruebas. Es mas, dos dias antes, Colborn pregunta sobre ese mismo coche por radio a la comisaria!!! Madre mia, el tal Colborn tiene una cara de culpable que no puede con ella. Al igual que Lenk, que para mi junto a Colborn son los dos principales culpables de la muerte de Teresa Halbach. Mi teoria es que no podian pagar la indemnizacion a Avery porque ni tenian dinero ni estaban dispuestos a quedar mal con lo que, Colborn y Lenk mataron a Teresa Halbach para incriminar a Steven y asi no tener que pagar nada y dejar al sistema judicial como el bueno de la historia corroborando con ello tambien que tenian razon y que Steven Avery jamas debio salir de prision.
Vamos con algunas de las pruebas. La sangre en la camioneta de Teresa es de Steven Avery en la parte delantera, cerca del contacto, y apenas unas gotas. Supuestamente de una herida que Steven tiene el dedo. En la parte de atras encontramos rastros de sangre de Teresa junto a algunos cabellos. Si uno piensa en poner sangre para que incrimen a alguien esa serie la forma de hacerlo, justo ahi. Si supuestamente la mato en la camioneta de un disparo como indica un casquillo encontrado en el garage, debia haber mas salpicaduras de sangre, y tres cuartas partes de lo mismo si donde la mato fue en el garage o en su caravana. Donde esta la sangre de Teresa Halbach? No hay rastro de ADN o sangre de Teresa en toda la propiedad de Steven, en ningun lado, probado. Pudo quemarla directamente en la hoguera y asi evitaba lo de la sangre pero para ello deberia estar dormida, sino, chillaria y alguien oiria algo, quiero decir que es que no hay sangre por ningun lado y Steven Avery o su sobrino, este menos incluso, no tiene pinta de saber limpiar una escena del crimen a la perfeccion, mas que nada porque uno se ha pasado media vida preso y el otro no es muy listo que digamos, solo hay que verlo en los interrogatorios. Un niño al que la policia engaña y manipula de una manera brutal, capaz de decir lo que los demas quieren con tal de que lo dejen en paz. Su mirada, su porte. Es muy triste. Y triste que alguien acepte una declaración similar en un juicio. Sin un abogado delante ni tutor y en mitad del horario escolar. La aparicion de pruebas cuando los agentes de Manitowoc que tenian prohibido el acceso a la segunda investigacion se acercaban a las inmediaciones del desguace de Steven canta mas que una almeja en primavera. Tremendo esto. Quizas es que he visto demasiadas peliculas como dicen en algun momento en la serie y que algo tan entramado no puede realizarse pero...desde la desaparicion de Teresa hasta que encuentran su coche pasan dias, los suficientes como para que tanto Colborn como Lenk organizaran todo. Si hasta tenian la sangre de Steven del caso anterior!!! Y la contaminación de la muestra? Increible! Si es que ninguna prueba tiene base. Y los huesos? Si quemas un cuerpo no te olvidas trozos tan pequeños, es como si lo hubieran esparcido literalmente en esa zona. Nada encaja. Todo son pruebas contradictorias que dos pedazo de abogados tiran por tierra sea cual sea su procedencia. Y ahi piensa uno que quizas si sea culpable y no es capaz de verlo, quizas Steven paso esos 18 años maquinando una forma de joder al sistema como lo jodieron a el y asesino a Teresa para tener la coartada perfecta, como va a asesinar a alguien cuando recien acaba de salir de la carcel? Como veis, uno no puede quitarse este caso tan facilmente de la cabeza y menos cuando van saliendo informaciones nuevas. Lo ultimo que he podido leer es algo muy impactante y cierto. En la foto que se ve a Teresa Halbach junto a la camioneta roja que fue a fotografiar se la ve en la mano las llaves...llaves, plural! Cuando lo encuentra al lado de la estanteria en la caravana de Steven es una llave y un llavero. Donde estan el resto de llaves? Supongo que con la sangre...para mas inri, la llave solo tiene ADN de Steven, ni rastro de Teresa ni en la llave ni en el llavero. Mas contradicciones. 'Making a Murderer' deja al sistema juridico de Estados Unidos a la altura del betun, lamiendo el suelo, un sistema injusto y cruel que es capaz de todo con tal de no ver perjudicados sus interes. A cualquier precio. A toda costa. Sin miramientos. Si 'The Jinx' te hacia creer en el sistema judicial americano como justo y honesto con los criminales, 'Making a Murderer' destroza de un plumazo todo eso y mas. Una gran serie documental rodada durante 10 años que arroja algo de luz sobre el caso de Steven Avery. Y pensar que todo empezo por la falsa acusación de su prima...manda cojones...
El chileno Miguel Littín escribió y dirigió en 1969 este truculento documento cinematográfico producido por Luis Cornejo Gamboa en el que se relatan los escabrosos hechos sucedidos en la localidad chilena de Nahueltoro el 20 de agosto de 1960 cuando Jorge del Carmen Valenzuela Torres (Nelson Villagra) asesinó a su compañera Rosa Rivas (Shenda Roman) y a sus 5 hijos brutalmente. Este hecho le otorgo el apodo de 'El Chacal'. Segunda película del realizador sudamericano en su carrera tras 'Por la tierra ajena' en 1965 y que le serviría para lanzar su carrera como director consiguiendo la nominación al Oso de Oro y ganando el OCIC Award en el Festival de Berlin de 1970. Littin rodó un total de 17 películas y esta reconocido como uno de los directores sudamericanos mas vanguardistas de su época entre las que destacan tres además de esta 'El chacal de Nahueltoro' que es considerada parte del 'Nuevo Cine Chileno' junto a 'Valparaíso', 'Mi amor' y 'Tres tristes tigres', todas ellas estrenadas en el Festival de Cine Latinoamericano de Viña del Mar en 1969. Son: 'Actas de Marusia' de 1975 por la que recibió la nominación al Oscar y a la Palma de Oro en Cannes, 'Alsino y el cóndor' nominada al Oscar de 1982 y 'El recurso del método' que fue nominada a la Palma de Oro en 1978. Su de momento, ultimo trabajo, fue este recién terminado 2014 con otro drama histórico basado en hechos reales titulado 'Allende en su laberinto'.
Sin dejar de lado en ningún momento sus continuos acercamientos al documental con la narración puntual de los hechos extraídos de las declaraciones reales del propio chacal, Littin presenta de una manera directa y auténticamente real el sangriento y extraño crimen que conmociono a todo un país en 1960. Lo austero del rodaje en todos sus sentidos, la utilización de los mismos lugares donde sucedió todo y sabiendo que se rodó tan solo 6 años mas tarde de lo sucedido le otorgan un plus de autenticidad inconsciente que juega a favor de la puesta en escena creada por Littin. Cabe recordar que el chacal, no era un asesino en serie, ni tampoco un loco o un psicópata, tan solo hay que oírlo relatar los hechos para darse cuenta que era un pobre campesino analfabeto al que la bebida llevo a cometer un crimen espantoso. Recuerda por momentos lejanamente a 'El crimen de Cuenca' de Pilar Miró y como este funciona como documental ficcionado y como thriller a la perfección, sus 88 minutos fluyen a un buen ritmo menos en algunas escenas donde Littin bombardea con imagenes tipo corta y pega sin ton ni son de una manera desconcertante. Tiene grandes escenas como la de confesión de los hechos rodeado de policías, periodistas y publico, algo que hemos visto en cierto thriller coreano muy conocido; también tiene una fotografía portentosa obra de Hector Ríos que saca del blanco y negro en un paraje tan simple como son unas montañas y bosques unos planos y encuadres perfectos. Los magníficos créditos iniciales con esos rostros casi desfigurados en un borroso blanco y negro al son de esa música llena de melancolía oída a veces en los spaguetti-western o en series como 'Anillos de Oro' es obra de Sergio Ortega. 'El chacal de Nahueltoro' posee un arranque misterioso y oscuro, digno de un cuento rodado por Tim Burton con ese plano del bosque a los lejos y la pequeña silueta del niño chacal caminando hacia el mundo exterior abandonando su hogar a los 8 años, solo, andando...como iba siempre a todos lados, andando. Nelson Villagra como el chacal esta perfecto, ni un pero a su actuación. Este oscuro y absorbente casi biopic express en el que Littin deja mas espacio al tiempo preso del chacal que a los que llevaron a este a su fatal destino nos ofrece la posibilidad de entender el porque de su posterior adoración y mitificación por alguna parte del pueblo chileno. Su ambiguedad a la hora de mostrar unos hechos tan escabrosos sin dejar esconderse a su culpable de lo que verdaderamente hizo deja al espectador libre de opinar lo que quiera sobre un asesino al que la religión permitio redimirse y morir en paz. Gran trabajo de Miguel Littin ya que lo difícil no es hacer una película, sino la segunda, y con esta se confirmaba su buen hacer para el cine como se demostró a lo largo de los años en su progresiva carrera. Como apunte os comentare que la legión de seguidores del chacal fue el motivo del rodaje en 2005 del documental 'Bajo el sur: tras la huella de un asesino milagroso' donde el actor que encarna en esta 'El chacal de Nahueltoro' al brutal asesino realiza una revisión del fenómeno alrededor de su figura.
The Revenant - Alejandro Gonzalez Iñarritu - Estados Unidos
8.5/10
'When
there is a storm, And you stand in front of a tree, If you look at it's
branches, you swear it will fall, But if you watch the trunk, you will
see it's stability.' Mitad hechos reales mitad ficción, la nueva película de Iñarritu
apuesta mas por el realismo y la preciosidad de sus escenas clave que
por dotar a estas y a sus personajes de la suficiente carga emocional en
una historia donde la venganza es el motor principal de su
protagonista. Tras terminar la transformación de Keaton en ave Fenix el
año pasado con 'Birdman', el director mexicano abandona la gran ciudad y
sus grises edificios para rodar en las montañas de Montana, Alberta,
British Columbia e incluso la Tierra del Fuego en Chile mostrándonos un
enfoque que impresionantemente real de lo que le sucedió en 1823 a un
trampero y explorador norteamericano hijo de inmigrantes irlandeses
nacido en Pennsylvania llamado Hugh Glass que sobrevivió tras ser
atacado salvajemente por una osa gran grizzly, dado por muerto y
abandonado por el grupo al que guiaba. 'The Revenant' cuenta con el
guión adaptado por Iñarritu y Mark L. Smith de la novela de mismo titulo
escrita en 2002 por Michael Punke, la cual, ya añadía algo de ficción a
la historia de Glass. Interpretada
principalmente por Leonardo DiCaprio como el legendario Hugh Glass, Tom
Hardy como el trampero racista John Fitzgerald y los jóvenes Domhnall
Gleeson ('Ex Machina') y Will Poulte ('The Maze Runner'). Sobre
DiCaprio...quizás sea por su falta de frases en el filme, aunque no
debería, pero su personaje no llega a calar en lo dramático lo
suficiente o al menos tanto como lo hace el de Fitzgerald, del que
conocemos hechos que lo marcaron en su vida contados por el mismo
mientras que de Glass apenas sabemos nada de su pasado salvo lo del hijo
pawnee. Incluso antes del ataque de la osa a Glass, ambos tienen un
enfrentamiento en el que terminaron interviniendo el resto de hombres
del grupo pero en el que se aprecia claramente el carácter introspectivo
del legendario trampero. Pero como digo, aunque DiCaprio no tuviera una
sola linea en todo el filme, debería dejar un poso mas grande del que
finalmente deja. La brillantez y la profesionalidad que Hardy imprime a
su personaje es una brillante replica al trabajo de un DiCaprio que
ofrece todo lo que tiene enfrentándose tanto a la naturaleza, como a los
elementos y al propio hombre. Creo que ambos se merecen ser nominados
al Oscar, que ganen ya...no lo creo tanto.
'The
Revenant' tiene alma de western, tenemos un héroe, tenemos venganza,
tenemos crueldad y tenemos la existencia del duelo, Glass vs. Fitzgerald
en un ambiente nevado ideal. Un western bellamente realista, un
pre-western podríamos decir dada la época en que se sitúa, America en el
siglo 17, con los colonos descubriendo nuevos lugares y caminos por los
que moverse mientras las diferentes tribus indias infundían terror y
eran tratadas de salvajes. En 1971 ya se realizó una pelicula que
contaba, de otra manera, la historia del legendario Hugh Glass titulada 'Man in the Wilderness', dirigida por Richard C. Sarafian, rodada en Avila (España)e interpretada
por Richard Harris y John Huston. Lo que plantea Iñarritu es la
supervivencia del hombre en sus últimos momentos gracias al ansia de
venganza, y esto quizás no solo no queda del todo claro sino que el
duelo final no es del todo satisfactorio y se esfuma por el río que tan
genialmente abre y cierra el filme. Ese...'que sea el destino quien te
juzgue' tiene sentido si nos quedamos con todas las escenas oníricas y
pseudo filosóficas que el realizador mexicano nos impone pero no lo
tiene dado el nivel de realismo que ha mostrado en toda la película.
INICIO SPOILERS: Es decir, Glass, a mi entender se hubiera cobrado su
venganza si o si, sin pensar en nada mas. De hecho, es así como lo
cuentan la historia. Glass tras llegar a Fort Kiowa salio en busca de
Fitzgerald para matarlo pero este se habia enrolado en el ejercito y
asesinarlo conllevaba la pena de muerte, así que, decidió no hacerlo a
cambio de un trato con uno de los oficiales. Repito, a cambio de un trato. A Glass le importaba
un pimiento que fuera del ejercito y lo busco para matarlo solo que, al
final, las circunstáncias se lo impidieron.FIN SPOILERS. La
supervivencia existencial unida a la fuerza de la venganza, una fuerza
que se diluye a favor de la evolución hacia la redención y del perdon.
Queremos que Glass se venge pero hay un parte de nosotros que empatiza
con el sufrimiento de Fitzgerald a lo largo de su vida. Lo que hace
majestuosa a 'The Revenant' es la fotografía de Lubezki, que muy difícil
va a ser para que no termine llevándose otra estatuilla para la
estanteria igual que hiciera el año pasado con 'Birdman'. Es curioso
pero en 'Birdman', la historia y el guión eran mucho mas solidos, con
unos cimientos como los que se citan en 'The Revenant' al inicio
comparando al hombre con un árbol frondoso por ejemplo pero la
fotografia pese a ser excelente no tenia esa majestuosidad que si tiene
en 'The Revenant' donde, y ahí esta lo curioso, la historia no es tan
solida como la de 'Birdman'. Planos de 360 grados impresionantes como el
que abre la película que recuerdan por su crudeza a los de 'Saving
Private Ryan', riachuelos llenos de sangre, violentas muertes, etc
tambien hay varios planos secuencia de duración mas larga de la habitual
que nos enseñan la belleza surrealista por momentos de esa etapa del
ser humano en la tierra como en 'The Mission'. Lubezki es un genio y lo
ha vuelto a demostrar, quizás de la mano de otro director no luciría
tanto pero junto a Iñarritu se forma un tándem de oro. El montaje por
otro lado es una pieza fundamental en el trabajo de este gran director y
se demuestra, una vez mas y como ya hiciera en anteriores producciones,
con nuevas ideas en busca de la originalidad como cuando empalma el
vaho de un moribundo Glass con las nubes y el humo del cigarrillo de
Fitzgerald. Brillante. La banda sonora es de Carsten Nicolai y Ryûichi
Sakamoto, dos veteranos que aportan su granito de arena en forma de
sutiles músicas ambientales apenas perceptibles unidas a ciertos sonidos
tribales individuales que hacen más sensitivos y trágicos los momentos
de tensión. Creo que no me equivoco al afirmar que 'The Revenant' es la
película más realista de Iñarritu hasta la fecha
Tiene
alma de western porque la venganza es la motivación principal de su
protagonista como también pasaba en 'Last Train from Gun Hill', 'Hang
'Em High' o 'Django il bastardo'. No es una venganza al estilo de la
trilogía de Park ni se asemeja a la vista en la saga 'Death Wish', 'The
crow', 'Revenge' o 'Buried Alive'. Es una venganza filmada tan
bellamente que te recordará a trabajos de Malick por la impresionante
fotografía de Lubezki como en 'The New World' o 'Tree of life'. Ese
tipo de fotografía brillante pero deprimente que tiene por ejemplo
'Apocalypse Now'. Quizás incluso te vengan pensamientos también de 'The
Mission' o 'Valhalla Rising'. Pero aunque el tema de la venganza es el
motor es imposible no acordarse de cintas clásicas similares como la que
interpretó Robert Redford, 'Jeremiah Johnson', o 'Bailando con lobos'
con Kevin Costner. INICIO SPOILERS: La verdadera historia de Glass no es tan fantástica como parece ser. Hugh Glass no
tuvo hijos, con lo que la historia de venganza no existió. Parte del
grupo ayudo a derribar a la osa grizzly que lo atacaba e intento
curarlo. Si es cierto que Fitzgerald y Bridger se quedaron atrás para
proporcionarle un entierro digno pero que ante la llegada de un grupo de
Arikaras tuvo que abandonar y dejarlo a medio enterrar sin provisiones
ni armas. También es verdad que ahuyenta a unos lobos que devoraban un
bisonte para alimentarse pero en la película es un indio el que los
ahuyenta. El resto es todo inventado, incluido el final.Glass nunca se
cobro su venganza como le hubiera gustado, matando a Fitzgerald por
haberlo abandonado ya que este se alistó en el ejército y asesinarlo
suponía la pena de muerte. El final de la película encaja más con esa
venganza real, tal y como la cuentan los libros biográficos más que con
la ficcionada donde su hijo inventado muere y Glass no consuma su venganza asesinando a Fitzgerald sino que deja que el 'destino' haga su trabajo. Glass murió 10 años después de los hechos de esta película despellejado por una tribu de arikaras. El destino. FIN SPOILERS.
El presente largometraje del estudio japonés Production I.G. se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto. A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña. 
