KARATE KILL

Karate Kill - Kurando Mitsutake - Japón

Carente de prejuicios y de presupuesto, este homenaje retro al cine de acción de artes marciales es uno de los films de acción a tener en cuenta en este año 2016 que ya casi termina. Kenji (Hayate) vive en Tokio mientras trabaja en diferentes empleos temporales para poder enviarle dinero a Mayumi (Mana Sakura), su hermana pequeña, que se marchó a Estados Unidos con la intención de convertirse en estrella de Hollywood. Tras semanas sin saber de ella, Kenji decide viajar a territorio americano con la intención de averiguar que le ha ocurrido con Mayumi. La película tiene un argumento en su arranque muy similar al de reconocidas peliculas del cine de artes marciales como 'Return of the Dragon' de 1972 con Bruce Lee viajando a Roma para ayudar en el restaurante de su hermana o 'Rumble in the Bronx' de 1995 con Jackie Chan haciendo lo propio para la boda de su tío. Unas simples lineas para definir una sinopsis que puestas en escena y pasadas por el filtro Mitsukake nos llevan a un explotation total de este tipo de cine, acción, violencia, sangre y tetas por igual, no importa el porque sino el entretenimiento. 'Karate Kill' hace gala en varias ocasiones de la autoparodia como  bien puede ser la escena de la contraseña del ordenador sobre el pelo o la de Kenji llorando? en el coche además de un humor muy asiático, muy mangaka. En este sentido la película bebe directamente de las viñetas sobre todo en las escenas donde hay desnudos, al inicio con la cara de ese 'señor' metida dentro del culo de su robusta novia y posterior reacción o esa cámara lenta sin justificación ninguna mas que la de ver dos tetas balanceándose bajo una sucia camiseta. Ojo, sin caer en lo grotesco. Sin embargo, Mitsutake no se olvida del drama y pese a qué, dentro de lo que es la acción no resulta del todo creíble, si ayuda a asentar una historia que por momentos parece tornarse totalmente bizarra e irsele de las manos. Pero vamos a lo que importa realmente en este film, a las ostias. Aquí es donde 'Karate Kill' y su director demuestran que pese a su tono y enfoque, la película sigue siendo un claro homenaje al cine de artes marciales. Las escenas de acción pueden envidiar a las de por ejemplo 'The Raid', si, desde luego, pero en cuanto al cine americano o del resto del mundo...ahí no estaría tan seguro. Como digo, las escenas de acción son de lejos lo mejor de toda la película, por su coreografía, seriedad y naturalidad, Hayate es como Jet Li, actuar no actuará muy bien pero repartir reparte a base de bien y por lo que se ve, sin dobles. Mas seria que 'Kung Fury' ya que no es totalmente autoparódica, hay una historia y un drama real, 'Karate Kill' podría pasar por haber estado rodada en los 80 o 90, en aquella época donde las artes marciales copaban la mayoría de estantes en los vídeoclubs, la época de oro de Jackie Chan, JCVD, Jet Li, Steven Segal antes de comerse a Steven Segal o el inigualable Michael Dudikoff con su saga 'American Ninja'. Solo hay que ver la frase en el poster oficial (y que pedazo de poster!) y su clara referencia al personaje que interpretaba Pat Morita en 'Karate Kid': 'He is no Mr. Miyagi'. Si obviamos su bajo presupuesto vemos que cuando mejor funciona la película es cuando su director se centra en la acción y el drama ya que su personaje principal no acompaña otro tipo de géneros, el primer interrogatorio que ejecuta Hayate, el plano secuencia fijo de 360º que repite dos veces o cualquier escena que no incluye al desquiciado némesis de la película. 'Karate Kill' es un film mas que aceptable técnicamente, bastante disfrutable y cuyo ritmo y bizarradas te llevan en bandadas hasta un final digno de todo lo visto anteriormente, un final muy a lo manga y totalmente salvaje.

SAINT YOUNG MEN

Saint Young Men- Noriko Takao - Japón

En esta original película nos situamos en Tachikawa, los arrabales de la ciudad de Tokio, Japón, lugar que Jesús y Buda escogen como para descansar y disfrutar como unos singulares turistas, abandonando su habitual paraíso celestial. Los protagonistas buscan un año sabático, por lo que ponen todo su empeño en pasar desapercibidos, sin embargo su naturaleza divina les traiciona y no pueden evitar ponen el práctica sus dones. En estas nada anodinas vacaciones explorarán todos los rincones visitados por los mortales, desde los típicos baños japoneses hasta los mercados. Del mismo modo que disfrutarán a lo grande del mismo modo que nos gusta hacer a los mortales, atracones de pasteles, hacernos selfies para capturar hasta el más mínimo momento, visitar parques de atracciones o rendirnos al magnetismo de las series. Aunque del mismo modo deberán la otra cara de la vida humana, hallar un modo de afrontar la vida. También conocerán a los diferentes arquetipos que conforman la sociedad nipona, desde los más entrañables e inofensivos, como niños y gente amable y hospitalaria, hasta pequeños gamberros y miembros de la Yakuza. A pesar de que los últimos tiempos reina un ambiente de moralina en el que parece que no se puede hacer humor con según qué cosas, sobre todo con la religión, este largometraje japonés se atreve a hacer reír al público utilizando un humor sano, ligero y, evidentemente, sin ningún ánimo de herir sensibilidades ni verter sangre. 'Saint Young Men', conocida en España como 'Las vacaciones de Jesús y Buda', es una producción japonesa a cargo de la dirección de Noriko Takao. Es un film que rompe con la animación japonesa tradicional, lo cual supone un soplo de aire fresco, aunque la animación más tradicional se mantiene en el diseño de los fondos y personajes. La atmósfera de ligero humor va guiada por una melodía suave en la que podemos reconocer ritmos típicos japoneses, más modernos o antiguos, con tintes cristianos o budistas, dependiendo del momento. Una comedia muy recomendable que consigue hacer humor con un tema tan delicado como la religión sin caer en la burla ni hacer demasiado hincapié en los aspectos que podrían suscitar una mayor controversia.

ASSASSINATION CLASSROOM 2

Assassination Classroom: Graduation - Eiichirô Hasumi - Japon

Para los que no sepáis de que narices trata esta película, se trata de un live-action, una adaptación cinematográfica con actores reales de un manga titulado 'Assassination Classroom' en el que un alien con tentáculos destruye parcialmente la Luna. Su siguiente objetivo sera hacer lo mismo con el planeta Tierra en menos de un año a menos que, le dejen convertirse en el profesor de la clase 3-E del instituto Kunugigaoka. Durante todo un año, sus alumnos, deberán tratar de asesinar al nuevo profesor para salvar al planeta y de paso ganar 10 mil millones de yenes. Café para muy cafeteros señores. Frikismo al mas alto nivel. Secuela de la también dirigida por Eiichirô Hasumi en 2015, 'Assassination Classroom', en la que el director nipón adaptaba el manga creado por Yūsei Matsui en 2012. La acción continua donde lo dejó la primera parte, tras la derrota del profesor Takaoka (Masanobu Takashima) a manos de Nagisa (Ryôsuke Yamada) y ese cliffhanger con los tentáculos apareciendo tras la nuca de la joven Kayano (Maika Yamamoto). En esta segunda entrega el modus operandi es exactamente el mismo pero lleno de algunas explicaciones que se mostraron en flashbacks en la primera como el pasado de Korosensei o Kayano.  Las dos películas de Hasumi sobre 'Assassination Classroom' gozan de un nivel de bizarrismo made in nipon similar al que pudimos ver en otro live-action como fue aquel 'As the Gods will' de Takeshi Miike en 2014. Empezaré hablando de lo poco bueno que tiene además de ser algo entretenida, por ejemplo, una de las cosas que me sorprendieron gratamente fue la integración de los efectos especiales dentro del escenario, con todo lo impactante que puede ser un alien amarillo con tentaculos moviéndose a la velocidad del rayo por pantalla no resultaba ni extraño ni fuera de lugar en un escario natural a plena luz del día a excepción de la espectacular batalla final que sucede de noche. Siendo algo mas espectacular en su tramo final como digo que su predecesora, si aceptaste en aquella la moralina educativa y esa relación empalagosa entre alumnos y profesor (para mi Nagisa está enamorado de Korosensei) ya estas curtido para afrontar esta secuela porque es exactamente igual pero mas extensa en metraje e igual de noña, cambiando el amor por la educación-respeto por los tutores por drama familiar, amor y pasado; el hecho de tener que explicar algunos aspectos del pasado de Korosensei alargan innecesariamente este segundo capitulo, el ritmo sufre altibajos y lo único interesante reside en lo bizarro de la acción, el drama en este live-action le resta muchisimos puntos. Sin embargo el final, es decir, el final del final deja abierta una veta muy a lo 'Dangerous Minds' que hasta podría ser interesante. Solo para fans del manga o el anime original y me da que ni ellos estarán contentos.
 

MISS HOKUSAI

Miss Hokusai - Keiichi Hara - Japón 

El presente largometraje del estudio japonés Production I.G.  se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto.  A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña. 

MUSEUM (MYÛJIAMU)

Museum (Myûjiamu)- Keishi Ohtomo - Japón 

Después de adaptar el conocido manga escrito por Nobuhiro Watsuki, 'Rurouni Kenshin', en tres films, Keishi Ohtomo vuelve a repetir en la dirección de una nueva adaptación. Esta vez se trata del manga creado por Ryôsuke Tomoe en 2013, 'Museum: The serial killer is laughing in the rain'. Una serie de crueles y milimétricos asesinatos tienen al inspector Hisashi Sawamura (Shun Oguri), y a la policía de Tokio, tras la pista de un asesino en serie algo peculiar pues, oculta su rostro tras una mascara de rana. Esta es una película trampa. A priori parece muy interesante pero lo que realmente presenta y su resultado final no va mas allá de lo convencional o lineal. Y si has visto 'Seven' ya...Tiene bastantes aspectos negativos pero uno clama al cielo, su duración. 137 minutos que se hacen interminables y donde por ejemplo, sus mas claros referentes como son el antes mencionado film dirigido por Fincher, 'Seven' o 'Saw', ofrecían un mayor empaque en menos extensión. Tampoco este sería un problema grave si lo que se nos cuenta nos mantiene pendientes pero no solo falla en un metraje excesivo sino en un serial killer que va de mas a menos, que aún y con la máscara puesta aguanta el carisma del personaje como puede hasta que se desprende de ella en el tramo final y su esencia, así como lo potencialmente llamativo, se desvanece por completo. Atención al final donde parece que la película no termina nunca de cerrarse con escenas post final climax totalmente omitibles. La atmósfera de la película y en si lo que es la adaptación dudo que se pueda hacer mejor, hay un buen trabajo de Ohtomo, no es un mal director sino que, según mi opinión, no todos los mangas van a funcionar en pantalla grande y este es una prueba de ello. La fotografía de Hideo Yamamoto ('Audition', 'Ichi, The Killer', 'The Grudge'), es ideal, oscura, lluviosa como las noches de caza del asesino, este Tokio sin luces de neón y azoteas mojadas esta muy bien representado por Yamamoto. Dirigida por Keishi Ohtomo y escrita por el mismo en colaboración con Izumi Takahashi y Kiyomi Fujii, 'Museum' es un thriller aceptable sin giros sorpresa, lineal y básico, su interesante inicio fija un punto de partida excitante y diferente al que ya no vuelve mas, un film donde lo que mas destaca es la fotografía de Hideo Yamamoto y la interpretación por momentos de Shun Oguri.

SIDONIA NO KISHI

Shidonia no Kishi - Kibun Shizuno - Japón

7.5/10

Serie de animación para televisión que adapta el manga homónimo de Tsutomu Nihei. Por ahora lleva dos temporadas. La Tierra ha sido destruida tras el ataque de una raza alienígena Los Gauna, Lo poco que queda de la raza humana viaja ahora por el espacio en unas naves espaciales gigantes, una de estas naves es la Sidonia. Para protegerse de dichos Gaunas en Sidonia se utilizan los Gardes, unos Mechas (Robots gigantes) pilotados por pilotos expertos. El protagonista Nagate Tanikaze, es un chaval que ha vivido toda la vida en los subterráneos de la nave, sin contacto con el exterior, solo en compañía de su abuelo (¿a alguien más le suena esto?) que le obliga a entrenar diariamente en unos simuladores de garde. Cuando este muere, a Nagate no le queda más remedio que salir a la superficie, allí los responsables de la sidonia se darán cuenta del valor que tiene el muchacho para la defensa de la nave y le alistan como cadete. Antes de meterme a hablar plenamente del anime me gustaría dar unos pequeños apuntes sobre el autor. Nihei estudió arquitectura, pero ya desde muy pequeño le llamaba el mundo del cómic y demostró grandes dotes para el dibujo, digo esto porque en todas sus obras gozan de gran importancia estructuras arquitectónicas. La que quizás su obra más conocida ‘Blame’ (Cuyo protagonista tiene un cameo en esta serie) está enteramente ubicada en un mega edificio o más bien un conjunto de estos de corte industrial, lleno de recovecos, pasillos y escaleras imposibles y que crean un ambiente angustiante. la importancia que tienen aquí este tipo de estructuras es clave, en Sidonia también hay construcciones inverosímiles, pero todo es más amable y más humano. La verdad es que el diseño de cada uno de los rincones de Sidonia es una auténtica pasada, desde la fábrica de arroz al cementerio pasando por la academia. Eso sí, las medidas de seguridad brillan por su ausencia, podremos ver puentes sin barandillas, lagos sobre edificios y cosas totalmente estrambóticas, pero que estéticamente quedan genial.

Técnicamente la serie es una pasada. A ver, la serie está hecha enteramente por ordenador, es CGI. Yo prefiero el dibujo a mano de toda la vida aunque no me molestan para nada los efectos que puedan meterle por ordenador, pero ya ver una serie entera hecha así me echaba un poco para atrás, incluso el framerate (los cuadros por segundo) parece un poco bajo. De todo esto te olvidas cuando has visto cinco minutos de la serie, a veces se te puede llegar a olvidar que está hecho en 3D, está perfectamente bien integrado y deben de usar alguna técnica de Cel Shading (Renderización tipo dibujo animado) que le sienta de muerte, disimula el efecto 3D y hace que no sea tan frio como la imagen puramente generada por ordenador. En cuanto al argumento ya os habréis dado cuenta que es lo típico. Raza de monstruos ataca a los humanos y estos contraatacan con robots, una constante del manga que viene desde tiempos inmemoriales, desde Mazinger Z a evangelion tenían esta estructura argumental. Lo que hace especial a Knights of Sidonia argumentalmente hablando es el desarrollo de sus personajes, las peculiaridades de los habitantes de Sidonia (ahora los humanos pueden hacer la fotosíntesis, pueden haber lotes de once o doce hermanos gemelos o incluso hay quien nace hermafrodita) o incluso las peculiaridades de la propia nave. Podremos ver la evolución del protagonista, como va pasando de ser un tipo raro y sin mucha personalidad a un auténtico héroe, algo que echaba de menos en los mangas más actuales (Sobre todo en Singeki no Kiojin). También tendremos auténticos líos de faldas entre Nagate y sus compañeras de la academia, con los típicos triángulos… o cuartetos amorosos. El ritmo de la serie es muy bueno, sobretodo en la primera temporada, hay acción en casi todos los episodios, nuestros héroes se enfrentarán a amenazas cada vez más grandes y cada vez será más difícil derrotar a los Gauna, lo que nos hará no perdernos un segundo ni para parpadear. Todo esto estará intercalado con escenas de la vida cotidiana, momentos emotivos, románticos e incluso humorísticos. También resaltar el toque picantón que tiene a veces (lo de que tengan que hacer la fotosíntesis desnudos da mucho juego en este aspecto), algo que aunque no aporta mucho tampoco molesta. Quizás la segunda temporada, hacía su mitad sea un poquito más lenta en cuanto acción, pero es igualmente entretenida y se resarce al final de la temporada con unas escenas de lucha de mechas apasionantes.

Pues en conclusión podemos decir que es una serie totalmente recomendable para todo fan del anime o de la ciencia ficción, no creo que defraude a nadie con sus escenas de acción mecha contra monstruo en el espacio. Por último me gustaría despedir la reseña con unas palabras que dijo Hideo Kojima (creador de la saga Metal gear) sobre la serie: 'es un tipo de anime que no hemos visto en mucho tiempo y que posee el espíritu sci-fi. Usando tecnología digital concebida para los juegos, crean animaciones que encapsula haberes de la cultura japonesa como el manga, animación cel, kanji, robots gigantes, etc. Lo que nace es un único 'hecho en Japón' que Hollywood nunca hubiera logrado producir. La cultura japonesa ha perdido su 'genialidad', y Knights of Sidonia será el caballero blanco que la salve'.

I AM A HERO

I am a hero - Shinsuke Sato - Japón

7.5/10

La 48 edición del festival de Sitges fue el lugar elegido para la premier mundial de la adaptación del manga de Kengo Hanazawa, 'I am a hero', por parte de Shinsuke Sato ('Gantz'). Se estreno incluso antes que en Japón. Hideo Suzuki (Yô Ôizumi), es un dibujante de manga de unos 30 y pocos años que lleva mas de 10 intentando triunfar con alguna de sus creaciones sin tener ningún éxito, razón por la cual Tekko (Miho Suzuki), su novia, lo echa de casa. Tras pasar la noche, Hideo decide pedir perdón a Tekko cuando de repente ella se abalanza sobre el con la intención de morderle. Ante tal desconcierto el joven dibujante se dirige a su editorial para darse cuenta por el camino que un extraño virus se ha apoderado de todos los habitantes de la ciudad y los infectados no solo son rápidos sino que también muy fuertes y contagian la enfermedad mordiendo a sus víctimas. La única manera de sobrevivir pasa por llegar al monte Fuji, donde el virus no ha conseguido extenderse y donde terminara la gran aventura con la que Hideo soñó alguna vez. No estará solo, una joven estudiante que se encuentra su camino, Hiromi Hayakari (Kasumi Arimura), le acompañara en la ardua tarea de abrirse paso antes las hordas de salvajes y agresivos infectados que pondrán sus vidas en peligro constantemente. Escrita por Akiko Nogi y producida por Toho Productions, 'I am a hero' se confirma como la mejor película de zombies de la historia del cine de Japón, lo cual, es muy curioso tratándose de un live-action y la mala calidad que han demostrado a lo largo de los años. Tan curioso como que uno de los pocos live-action que fueron adaptados con acierto fue, 'Gantz', también dirigido por Shinsuke Sato.

 En los últimos años en el cine de terror, los zombies han sabido adaptarse mucho mejor, cinematográficamente hablando, que sus mas directos competidores, los vampiros. Salvo alguna contada excepción como 'Let the right one in' o 'What we do in the shadows', los chupasangre no han dado el campanazo en la critica internacional como si lo hicieron 'Zombies Party', la saga 'REC', la serie 'Les Revenants' o 'World War Z' entre otras. Quizás sea un subgénero que abarca un abanico mas grande de posibilidades o que los vampiros llevan desde 1922 en nuestras pantallas con la llegada del 'Nosferatu' de Murnau y por eso ya las ideas sobre los descendientes de Vlad el empalador no tengan el mismo éxito que antaño. La cuestión es que, siendo este subgénero de zombies tan utilizado en el séptimo arte en los últimos tiempos, es curioso comprobar como pese a ello, siguen apareciendo grandes y buenas películas como esta que aportan un punto de vista distinto y original, o por lo menos, lo intentan. Digno de mención. Para mi este es el caso de 'I am a hero'. Un disfrute para los amantes de este apartado del cine de terror unido a un gran dosis de humor y a una manera excepcional de salvar los clichés que suelen hundir muchas de estas producciones. Japón no es un país en el que se prodigue este tipo de cine a nivel comercial o consiguiendo grandes gestas en festivales, muchas de sus cintas sombre zombies son amateurs y aunque muchas de ellas cuentan con sangre a borbotones, no dejan de ser productos mediocres donde nada resalta mas allá de lo típico. 'I am a hero' abraza todos los estereotipos del cine de zombies y los resuelve de una manera bastante digna, con mucha acción, comedia y un final salvaje y sangriento que hará las delicias de todos los fans de este subgénero. No he tenido la oportunidad de leer el manga pero durante el visionado de la película pude notar una manera bastante diferente de actuar en las personas infectadas, no solo por su velocidad y fuerza, sino también por sus comportamientos a la hora de actuar como simples zombies, quizás la diferencia apenas se note pero yo no sentí igual a estos zombies nipones que a los americanos de 'The Walking Dead', por poner un ejemplo. Aparte de su final apoteósicamente sangriento tiene un arranque inolvidable, con varias secuencias de humor seguidas de un plano secuencia durante la aparición del virus que están realmente bien rodadas y con un sentido del ritmo que ya quisieran muchas películas americanas. Otra de las cosas buena que tiene 'I am a hero', es su protagonista, Hideo, mas que el actor que le insufla vida.  Es imposible no sentirse como Hideo en muchas de las escenas, un soñador al que la realidad le hace convertirse en un héroe, en el héroe que siempre soñó. Poco mas que añadir, en cuanto a los efectos especiales, es una película que se ha gastado un presupuesto importante en comparación con lo austero que resultan los escenarios donde se mueve. Recomendada para todos los fans del manga, pues los lectores del mismo que han podido ver la nueva película de Shinsuke Sato, aseguran que es fiel a la publicación; igualmente es altamente recomendable para los amantes del cine de terror/comedia como 'Zombies Party' y a su mismo tiempo es el mejor live-action que se ha hecho nunca.

YAKUZA APOCALYPSE

Gokudô Daisensô (Yakuza Apocalypse: The Great War Of The Underworld) - Takashi Mikke - Japón

6/10

Kamiura (Rirî Furankî) es un jefe yakuza muy admirado, querido y altamente respetado por toda la ciudad al que uno de los miembros de su clan, el joven Kagayama (Hayato Ichihara), venera y muestra devoción en todo momento. Tras una reyerta con otro clan, Kamiura muere (ojo a esta muerte porque jamas veréis o habréis visto algo parecido)  no sin antes 'regalar' a Kagayama, su secreto mas oculto y la razón del rumor que circulaba por la ciudad sobre su invencibilidad. Kamiura es en realidad, un vampiro. Segunda película de Miike este 2015 junto a 'Lion Standing In The Wind', siguiendo así, su casi habitual compromiso de 2 producciones por año. Escrita y fotografiada por los noveles Yoshitaka Yamaguchi y Hajime Kanda cuenta como no podía ser de otra manera con la banda sonora del experto y asiduo de Miike, Kôji Endô. 'Yakuza Apocalypse' mezcla dos géneros tan dispares como los yakuza y los vampiros sin ningún tipo de prejuicio narrativo, además, añade unos toques al mas puro estilo de los spaghetti western y la espectacularidad de los enormes monstruos Kaiju. La imaginación del director nipón es tan grande y extraña que es capaz de mezclar todo esto en un filme y que resulte no solo entretenido sino también fascinante e interesante de ver. Al menos, para la gran mayoría y los fans de Takashi. Recopilemos: yakuzas + vampiros + western + kaiju. . Personalmente las películas de este director padecen una especie de rara relación conmigo donde no existen las medias tintas, o me encantan, o no. No hay mas. Como ejemplo, 'Over your dead body', el año pasado se presentó en Sitges y no conecté en ningún momento con ella. El Miike fantasioso e innovadoramente loco me resulta muy cargante, me satura. Me quedo con 'Visitor Q', la saga 'Crows', 'Sukiyaki Western Django' o '13 assassins' antes que por ejemplo las 2 de este 2015. Esto no lo digo en sentido peyorativo, al contrario, me parece un director valiente y que no se corta un pelo a la hora de hacer las películas que le da la real gana y eso es admirable, mas o menos interesantes, mas o menos bien realizadas, mas o menos buenas pero siempre, siempre, siempre, hay algo que rescatar en todas sus producciones, no solo la firma que tienen algunas de sus escenas sino algunas de ellas en concreto que jamas puedes olvidar que las viste en una película de Miike porque bajo otro director, es imposible verlas. Con el permiso de Sion Sono, claro. Un ejemplo: la escena de la escuela de rehabilitación yakuza, la explicación a Kagayama sobre los efectos de la sangre civil y la sangre yakuza o el impacto visual que supone la aparición de LA RANA VERDE.



No soy un experto en cine asiático ni tampoco he visionado toda la filmografía de Miike pero podéis estar seguros que 'Yakuza Apocalypse' no esta entre sus cinco mejores películas. Eliminando esos toques de fantasía y violencia yakuza que pueden gustarte mas o menos, el filme padece un bajón importante al poco que Kagayama se convierte en vampiro tras la muerte de Kamiura, los primeros 20 minutos. Hasta que no aparece la famosa rana verde cuando falta como una hora de película, el interés se pierde entre unos diálogos insustanciales y bastante opacos. Cuando 'Yakuza Apocalypse' entra en las fases de acción, violencia y fantasía es cuando verdaderamente funciona y se puede palpar esa forma tan loca de expresarse de Miike, esa imaginación excesiva y salvaje que tan bien sabe aprovechar. Un punto fuerte de la película al margen de su espectacular tramo final son sus personajes, a cual mas icónico o estereotipado pero con un estilo paródico y una gracia singular (ojo al pseudo Van Hellsing con el ataúd a la espalda, el niño vengador con el hacha o la rana verde versión 2.0, si, esta no sale en el trailer) que los hace únicos. Como decía al principio, uno puede ver el tono de comedia y parodia en algunos momentos de  'Yakuza Apocalypse' pero también observar esa pequeña comparación palpable que se hace entre vampiros y yakuzas en segundo plano. Cambiad sangre por dinero y el resultado, es el mismo.

Durante el inicio la película se mueve entre la presentación de los personajes y una serie de gags humorísticos así como alguna que otra escena violenta pero...no nos engañemos, esa parte es una simple introducción mas o menos decente que no deja debate mas allá de las escenas nombradas pero cuando la rana verde aparece en pantalla y empieza a soltar mamporros a diestro y siniestro restando todavía casi una hora de metraje es cuando de verdad uno abre los ojos y empieza a disfrutar de la locura vampírica que Miike ha montado. Uno de los elementos claves en el díptico 'The Raid' fue la participación de Yayan Ruhian, su buen hacer para las artes marciales debido a su experiencia en el servicio secreto indonesio y su seriedad en los momentos de interpretación le valieron la llamada del director nipón para su próxima película. en 'Yakuza Apocalypse' no es que no se aproveche al máximo todo su potencial físico o su versatilidad para las artes marciales, al contrario, se las tiene muy en cuenta pero estas grandes escenas no terminan como lo hicieran en la película indonesia de Gareth Evans sino que Miike va generando un clima de tensión acerca de la posible batalla final durante toda la película, hay pequeños encontronazos y un intento de batalla al final pero la sensación que deja es que no se ha aprovechado todo lo que podía dar de si la incursión de Yayan, y no por el, sino por las habilidades de sus compañeros de actuación que no están a la altura en ese sentido. Si no estáis habituados al cine de Takashi Miike o de Sion Sono, mejor olvidaos de 'Yakuza Apocalypse', pero si lo sois, ni lo dudeis porque vereis el retorno a los yakuzas que tan bien sabe representar y tantos exitos le han brindado, eso si, tened paciencia, le cuesta coger el ritmo pero cuando lo hace, el impacto visual no decepciona en absoluto.

AN (SWEET RED BEAN PASTE)

An (Sweet Red Bean Paste) - Naomi Kawase - Japón

7/10

Dentro de la sencillez de su propuesta argumental, lo nuevo de Kawase retrata de manera elegante y emotiva el encuentro en Tokio entre dos personas solitarias y el corazón cerrado debido a viejas heridas de un pasado que no se atreven a revelar. Sentarou (Masatoshi Nagase) trabaja en una pequeña y artesanal panadería especializada en dorayaki o 'an', un producto dulce típico japones formado por un puré de alubias dulces entre dos obleas de harina y huevo. Seguramente muchos las habréis probado en la variante que Panrico introdujo hace unos años, 'Bollycao Dokio', o en las clásicas 'Conchas' de Codan. Sentarou no es feliz. En la panadería habla Wakana (Kyara Uchida) una joven estudiante con problemas que acude a menudo allí en su paso con las amigas hacia la escuela. Un día como otro cualquiera a la panadería llega una mujer anciana llamada Tokue (Kirin Kiki) en busca de un puesto de trabajo. Ante la negativa inicial de Sentarou, Tokue regresa al día siguiente con un preparado de judías para el dorayaki hecho especialmente por ella misma que convencerá del todo a Sentarou empezando así una relación de amistad y respeto capaz de ablandar los corazones de los dos y también el de la joven Wakana. 'An (Sweet Red Bean Paste)' está basada en la novela de mismo titulo y escrita en 2013 por Durian Sekugawa (intimo amigo de la directora que incluso aparece en un filme suyo de 2012, 'Hanezu') que eligió personalmente a Kirin Kiki para el papel de Tokue y cuya nieta, Kyara Uchida, interpreta a la joven Wakana.

Historia sencilla, emotiva, sin florituras y cuyo potencial pasa principalmente por las buenas interpretaciones de sus dos protagonistas, Masatoshi Nagase y Kirin Kiki. asi como el marco en el que se desarrolla la película de Kawase, Tokio. Un Tokio calmado, madrugador, mañanero, repleto de cerezos y almendros en flor y un dulce olor a dorayaki que invade toda la cinta desde el minuto hasta casi su final. 'An (Sweet Red Bean Paste)' nos habla de como los cambios mas sencillos pueden hacernos mejorar como personas, como la sociedad aparta a unos cuantos que a su larga pueden parecer enfadados con el mundo, incapaces de soportar a una sociedad que no comprenden pero a los que si acercamos la lupa comprobaremos que hay mas tristeza que ira en su interior y que esta solo es fruto de una monotonía de la cual ni saben ni quieren salir. Naomi Kawase: 'Me da la impresión de que en las sociedades actuales la gente crea sus propias barreras. En un ámbito más amplio, esas barreras podrían hacernos replantear la idea de deshacernos de 'los demás'. A veces, una persona parece muy furiosa de lejos. Pero si nos acercamos lo suficiente, vemos que está llorando. Es posible que esa persona sólo busque la atención y el afecto de los demás.'. Es lo que le ocurre a Sentarou al inicio cuando rechaza en su primer intento a Tokue para trabajar pues no quiere complicaciones en su triste y mecánica vida, cree que nadie puede llegar a comprender su drama personal y por lo tanto, rechaza toda incursión de una extraña en su vida. Pero que pasa cuando esa extraña no deja de insistir? Y si esa extraña tiene mas experiencia en la vida que tu y aun habiendo sufrido mas sigue insistiendo? Son estas personas 'mágicas', las que provocan el cambio en aquellas que no quieren o temen afrontarlo. Porqué, que diferencia hay entre los dorayaki de el y de ella? La pasión, el amor y el cuidado por hacer correctamente las cosas, con esfuerzo y dedicación. Sentarou y Wakana aprenden de Tokue una lección de vida que no solo no olvidaran jamas sino que les ayudara a superar sus traumas y dramas personales para tomarse la vida de otra manera, para levantar la mirada hacia los cerezos cada mañana y sonreír. La vida es demasiado corta para pasarla enfadado o apartado y, como confesaba su directora en una entrevista: '...nadie puede vivir completamente solo. Es lo que pienso de los seres humanos.'.

KAZE TACHINU (THE WIND RISES)

Kaze tachinu (The Wind Rises) - Hayao Miyazaki - Japon 

7.5/10

El genio Hayao Miyazaki dice adiós. Con la esplendida  'Kaze tachinu (The Wind Rises)', el artista japonés da por terminada su carrera como director.  Miyazaki abandona la sala por la puerta grande entre vítores y gritos. camina despacio, marcando cada paso, con la cabeza alta, se detiene en la puerta, se gira y nos regala esa sonrisa bajo sus gafas. Nos saluda levantando levemente su sombrero blanco y desaparece fundiéndose con la luz. El anuncio de la retirada en la dirección de Hayao Miyazaki el 1 de septiembre de 2013 llegaba mediante comunicado oficial tras el estreno de esta película en el pasado Festival de Venecia. A sus 72 años el artista japones reconoció que sus energías ya no eran las mismas: 'Pasaron cinco años entre mis dos últimas películas. La siguiente no la podría estrenar hasta dentro de seis o siete años, yo ya tendría casi 79 años y estaría agotado.' Hace cinco años se estrenó 'Ponyo en el acantilado', y ha tardado lo mismo en crear esta nueva gran película. 'The Wind Rises' es un cierre magnifico y esplendido a toda una carrera dentro del cine de animación. Hay secuencias y planos que justifican todo el precio de la entrada, algunos de ellos tan impresionantes que no querrás ni parpadear para no perderte ni un solo fotograma de tan brillante muestra de talento. Se despide el director más grande que este genero ha podido dar. Un artista capaz de contar todas sus obras por buenas o muy buenas, sin excepción. Desde 'Nausicaa del Valle del Viento' hasta 'El castillo ambulante' pasando por 'La Princesa Mononoke' o 'El viaje de Chihiro'. Todas y cada una de ellas son tributos a la belleza dentro del cine, a la animación hecha sentimiento, por ese motivo consideramos que le debemos estar profundamente agradecidos al señor Miyazaki. Este largometraje posee dos claras fuentes de inspiración. La primera es el manga homónimo creado por Miyazaki y la segunda es el relato corto del mismo titulo escrito por Tatsuo Hori en 1937, a quien por cierto se homenajea en el filme. Hori asumió una línea del poema de Paul Valéry: 'Le vent se lève, il faut tantrer de vivre.' que traducida al japonés quiere decir: 'Kaze tachinu, ikimeyamo iza (El viento se levanta, debemos tratar de vivir).' Este pasado 2013 estuvo nominada al Oscar a mejor largometraje de animación donde fue derrotada por la americana 'Frozen' y en los Globos de oro a mejor película extranjera donde corrió la misma suerte frente a 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino. Nominaciones y premios a partes iguales en todo tipo de festivales, Círculo de Críticos de Nueva York, Críticos de Chicago, Asociación de críticos de Los Angeles, Critics Choice, Premios Annie, Japan Academy Prize for Animation of the Year, Satellite Awards o el citado antes, Festival de Venecia. Fue la película más taquillera de Japón en 2013. Se estrenó junto a 'The tale of princess Kaguya' que es otra producción Ghibli dirigida por Isao Takahata; algo extraño ya que el hecho de estrenar dos films a la vez no pasaba desde el año 1988 con 'Mi vecino Totoro' y 'La tumba de las luciérnagas'.

'The Wind Rises' es un biopic clásico y ficticio sobre Jiro Horikoshi, el hombre que diseño los aviones japoneses que terminarian por atacar la base norteamericana de Pearl Harbor durante la segunda Guerra Mundial. Miyazaki se despide con una película algo más adulta y madura-con momentos de humor contados-que de costumbre, más realista y dramática, donde esos grandes toques de fantasía vistos en anteriores trabajos aparecen sólo en los sueños del protagonista y en donde el director japones da rienda suelta a su poderosa imaginación y buen hacer. El mundo de los sueños y obsesiones de Jiro acompañados de la figura de Caproni (diseñador italiano al que idolatra Jiro) son muestras de ese gran mundo de fantasía que aun tiene este autor en su mente. Curiosamente y al igual que el director, Jiro también padece problemas de visión, mas concretamente, miopía. Esto le impedirá cumplir el sueño de ser piloto para terminar convirtiéndose en diseñador aeronáutico. Es realmente increíble y asombroso la capacidad de este genio para construir y sorprendernos una vez tras otra con esas escenas tan sencillamente detalladas y que quedan grabadas en la retina del espectador. Miyazaki recorre la vida de este chico de campo, amable, generoso y soñador llamado Jiro a través de los hitos históricos nipones contemporáneos, concretamente desde la Era Taisho en 1912 hacia adelante como: la epidemia de tuberculosis, el terremoto de Kanto, el desempleo, la gran depresión, la entrada del país en guerra, pobreza, revoluciones, fascismo o la supresión de la libertad de expresión. Una guerra tras otra. Su alejamiento político refuerza las acciones del protagonista y no se posiciona a favor de nadie dejando al espectador libre de pensamiento. Esa misma lejanía fue motivo de críticas tanto positivas como negativas en su país. Esa famosa línea entre el bien y el mal que tantas veces hemos visto en otras producciones del artista de Ghibli aquí se llama política. Miyazaki vuelve a dejar que su protagonista surque los cielos como lo hiciera el maldecido Marco Pagot en 'Porco Rosso', vuelven los aviones y la pasión por la aviación, vuelven esos personajes tan bien matizados que muchos llevamos 5 años esperando.'The Wind Rises' es Miyazaki puro, a pesar de que es algo más realista si cabe, y menos fantasioso también, pero no deja de ser igual de emotivo y sorprendente que en otras ocasiones. Es el perfecto broche para cerrar una carrera repleta de éxitos. 

Podría haber sido una película mucho más cruel de no ser por el estilizado dibujo al que nos tiene acostumbrados el director nipón que siempre intenta mostrarnos el lado bueno de las cosas antes que el visceral y ordinario. Paralelamente al tratamiento historicista nipón desarrolla otra línea dramática centrada en una bellísima historia romántica, como nunca habíamos visto. El amor que nace entre Jiro y Nahoko es de aquellos tan bonitos que puede resultar empalagoso si se trata de explicar, pero es enternecedor si se tiene la oportunidad de visualizar. La escena cuando ella lo arropa es de una tremenda ternura. El amor siempre ha sido uno de los matices que gustan a ese Miyazaki tan humano, y aquí es palpable desde que se inicia el romance entre los protagonistas cuando el viento los une por casualidad en el tren donde se cruzan sus primeras miradas hasta que termina la película. Lo peor o menos agradable es ese toque melancólico que tiene este último trabajo del director japones, ese aire a despedida, a fin de fiesta, ese aire que bien podría ser utilizado como frase secundaria del titulo principal, 'The Wind Rises', el adiós de un genio. La banda sonora es una maravilla dotada de vida propia. Las composiciones creadas por Joe Hisaishi te envuelven totalmente. Este compositor japones es el habitual del maestro nipón, con el que ha trabajado en más de 10 ocasiones, y también de Takeshi Kitano con el que cuenta hasta 7 colaboraciones. El piano es el verdadero protagonista de casi todas las partituras de Hisaishi, aunque para esta ocasión en concreto usa mucho en el arranque las mandolinas y guitarras en las apariciones de Caproni, dejando el piano para los momentos de más emoción o tensión, para finalmente descargarse con una suite de violines maravillosa. También se pueden apreciar toques de distintos instrumentos-mucho acordeón-dependiendo en que país (mundo de los sueños, Japón, Alemania) se encuentre la acción, unas melodías agradables y temáticas nada repetitivas. Un grande en pocas palabras, un compositor capaz de elevar el disfrute del espectador que presencia las imágenes que Miyazaki pone delante de él y envolverlo por completo para terminar emocionándole con cada una de las líneas de sus composiciones musicales, como pasa en la impresionante e inesperada escena del terremoto de Kanto. El tema principal de la película-y que aparece en los créditos finales- está compuesto e interpretado por Yumi Arai y se llama 'Hikoukigumo'. Pianista, letrista, cantante y compositora, Arai lleva en la música desde que era muy joven y prueba de ello es que el tema principal de 'The Wind Rises' fue escrito y compuesto cuando tenía 18 años, en 1972. Tampoco es la primera vez que trabaja para Ghibli dado que ya lo hizo en 1989 con la canción 'Rouge no den’gon' en la película 'Nicky, la aprendiz de bruja'.

HIGH & LOW (TENGOKU TO JIGOKU)

Tengoku to Jigoku (High & Low) - Akira Kurosawa - Japon

9/10

'Tengoku to Jigoku', más conocida por 'High and Low' o 'El infierno del odio' como se tradujo aquí en España, es una película de 1963 dirigida por el japonés Akira Kurosawa. El brillante director asiático se encontraba casi al final de su carrera con un Óscar ya bajo el brazo por 'Rashomon' y más de 20 títulos a sus espaldas entre los que destacan 'Yojimbo', 'Los siete samurais', 'Trono de sangre' o 'El idiota'. Estas dos ultimas junto a 'Barbarroja', 'Dersu Uzala' y la cinta que nos ocupa hoy, 'El infierno del odio', son las cinco adaptaciones de novelas que Kurosawa dirigió en toda su carrera de un total de 32 películas. Poco más de 50 años tenia el realizador japones cuando adaptó este thriller policial -también participó en el guión- basado en la novela escrita por Ed McBain (seudónimo de Salvatore Lombino) en 1959, 'King´s Ransom' ('El secuestro del rey'). La fotografía en un perfecto blanco y negro corre a cargo de Asakazu Nakai ('Throne of blood', 'Dersu Uzala', 'Ran') junto a Takao Saito y la banda sonora es obra de Masaru Sato ('Yojimbo', 'Sanjuro'). Un importante directivo perteneciente a una empresa de zapatos, Kingo Gondo (Toshiro Mifune) celebra en su casa una reunión con algunos de sus compañeros para debatir el futuro de la empresa ya que dispone de la mayor parte de acciones de la misma. Al término de esta, recibe una llamada donde le dicen que su hijo ha sido secuestrado exigiéndole un rescate millonario. Las dudas llegan a la mente de Gondo, pues necesita ese mismo dinero para poder hacerse con el control de una empresa en la que ha invertido toda su vida.

Ejemplar y cuidado thriller policíaco exhaustivamente detallado sobre el secuestro del hijo de un gran empresario con brillante dirección de Kurosawa. Podemos dividir las más de 2 horas que dura en dos capítulos. Por desgracia el mejor es el mas corto. Por suerte, es el primero. Durante una hora exacta el director japonés pone todos los elementos en escena. Empieza con un prólogo ideal para dejar claro la personalidad de Gondo (Mifune), un hombre maduro, recto, serio, enteramente dedicado a su trabajo sin un resquicio por el que dejar caer una pizca de humanidad. Así nos lo vende Kurosawa al inicio, pero la evolución del personaje de Gondo en la trama es brutal. La escena cuando prepara él mismo el maletín con todos de pie rodeándole es genial. Toshiro Mifune está realmente creíble enfundado en su traje de la vida, en su uniforme oficial bajo el cual nadie es capaz de llevarle la contraria hasta que los acontecimientos se suceden. Este prólogo nos trae también el momento del secuestro, en nuestras propias narices, sin ni siquiera haber digerido toda la información de la reunión. El ritmo en este 'primer acto' es bárbaro, no hay momento de respiro, prólogo, presentación de resto de personajes y nudo argumental. Todo en un escenario, la casa de Gondo. Vemos distintas habitaciones, pero en esa primera hora la cámara no abandona la casa, que además, permanece con todo cerrado por razones que no voy a desvelar. Un escenario, 5 personajes, 6 a lo sumo contando solo los importantes, cortinas echadas y nervios a flor de piel a un ritmo incesante. Por si esto no fuera bastante hay un giro brutal en los primeros 30 minutos que descolocara de una manera tangible las ideas que Gondo tenía para rescatar a su hijo e incluso su propia forma de ver la vida. Tenemos a Gondo, el padre, interpretado por Toshiro Mifune, el niño se llama Jun (Toshio Egi) y la madre Reiko (Kyoko Kagawa). A ellos hay que añadirle los integrantes del grupo policial que aparecen en escena de una manera excelente y sorprendente. Pese a ser más de 10, el guión solo da texto a unos pocos que serán los encargados de llevar ante la justicia al secuestrador. Son, al mando el detective jefe Tokura (Tatsuya Nakadai), Arai (Isao Kimura), Bos´n Taguchi (Kenjiro Ishiyama) y Nakao (Takeshi Kato). Solo el primero, el jefe Tokura, será quien disponga de más frases. En total no más de 6 personajes en escena siempre incluido el secretario del señor Gondo, Kawanishi (Tatsuya Mihashi), que sólo está los primeros 40 minutos. De todos quien más destaca es Toshiro Mifune pero quien gana en protagonismo por goleada es la brillantez del conjunto. No, no he citado a dos personajes que quien haya visto la película habrá notado. Es mejor así.

 Después de producirse el intercambio entre secuestrador y Gondo en la única escena que la acción se traslada fuera de los muros de su hogar a otro lugar cerrado como es un tren, Kurosawa funde a negro. El plano siguiente es la propia casa del empresario vista de fuera. Ya estamos fuera. Es hora de buscar al asesino. Durante este tramo hay escasas escenas dentro de la casa. La acción pasa a las calles, a la búsqueda del secuestrador exprimiendo para ello todas las posibilidades que van ofreciendo las pistas encontradas. Puedo asegurar y aseguro que hay pocas por no decir ninguna película que muestre tan detalladamente la búsqueda de un criminal de esa manera. Más de 20 personas en parejas de a dos cada una de ellas encargada de un detalle, sacándole jugo a todas las pistas. Increíble la escena en que todos entregan el reporte de lo averiguado. No parece que el ritmo vaya a decaer pero lo hace hasta el punto de no haber un clímax suficientemente bien creado en la captura del secuestrador. Kurosawa alarga innecesariamente escenas que de ser más cortas (discoteca o la propia captura final) podrían haber aligerado la carga del film y hacerlo mas dinámico. Aun con todo eso el arranque del segundo acto es fabuloso y hay escenas muy logradas como la del doble seguimiento en coche con el niño, la de la comisaria con la presentación de los reportes, el famoso humo rosa (efecto imitado años mas tarde por Spielberg en 'The Schindler's List') o el propio final con ese impresionante cara a cara entre padre y secuestrador mientras se reflejan sus rostros en el cristal. Excelente thriller policíaco con un alto nivel de detalle en todos sus aspectos, desde personajes hasta planos con segundas lecturas. Una critica lejana a la desestabilización social y de clases provocada por la enorme recuperación económica tras su participación en la 2a Guerra Mundial. Claramente va de menos a más y el clímax de la captura se deja para el final con el cara a cara. Una conversación breve que muestra a un secuestrador poseído por un odio y una envidia capaces de llevar a cualquier ser humano a cometer actos desesperados. Gondo queda estupefacto siendo consciente de los sentimientos del criminal pero sin poder articular palabra ni pensamiento que lo haga comprender totalmente que hizo mal para provocar tanto odio y envidia en él.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 7

Hoy toca sesión ligera con solo tres películas y arrancando a las 9 de la mañana. No es que haya dormido mucho más que otros días, pero se agradece media hora más en la cama. Se viene el 'Argentina day', ya que 2 de las 3 son originarias del país del mate. Hace un día estupendo, y me resulta muy interesante la jornada matinal de Auditori. Tras realizar la rutina diaria, desayuno, perro, y camino a la estación toca disfrutar de un enorme bocadillo en el tren, que luego sabemos lo que pasa. Al llegar, @JohnPrskalo está en el bar de la estación. Genial, el camino a Auditori no se hará tan largo como de costumbre. Vamos con el día 7, esto se acaba señores...

Relatos Salvajes - Damián Szifrón - Argentina
7.5/10

Una de las grandes esperadas del público en Sitges hacia su estreno a primera hora de la mañana. Mi creencia de que iba a estar la sala a rebosar ha sido desmontada al llegar y ver que ciertamente no era así. Cola medianamente normal y poca afluencia en los alrededores de Auditori. Como @JohnPrskalo me comentó de camino a la proyección: muchos ya tuvieron la suerte de verla en la última edición del festival de San Sebastián sin contar que en la tarde-noche había otro pase y que además en un breve espacio de tiempo seria estrenada oficialmente en todos los cines. Mejor, hemos podido disfrutar de una de las posibles ganadoras en este edición del festival con poco público y sin tener que hacer extraños movimientos de cabeza. Aclamada por público y critica, esta comedia negra de origen argentino es una delicia para los sentidos. Dividida en 6 episodios de duración progresiva, el nuevo film del argentino Damián Szifrón pasa volando ante tus ojos, casi 2 horas de complicidad total con lo que a uno le entra por los ojos, humor negro, a veces retorcido a más no poder, un humor cómplice y en pequeñas dosis, a sorbitos, sin llegar a agobiar, sin caer en el gag fácil, con una impresionante factura técnica que abarca todos los ámbitos, actores, dirección, música, montaje, ritmo, fotografía: todo en ella es digno de alabar o destacar. Las dos primeras historias, 'Pasternak' y 'Las ratas', meten al espectador en faena, preparándole para lo que se le viene encima, para pensar mal y acertar, para sacar ese pensamiento retorcido y maquiavélico que todo ser humano lleva dentro y que Szifrón conoce muy bien. Siendo la primera la mas cómica de todas y la segunda retorcida como ella sola, se llega a la tercera, donde Leonardo Sbaraglia nos muestra con su interpretación el borde del precipicio, la rabia de ese momento de explosión en un hombre llevado a su punto más alto de tolerancia, al punto de no retorno, donde la parte bondadosa del ser humano queda lapidada de por vida. Es aquí donde llega la que para mí es la mejor historia de todas, la protagonizada por Ricardo Darín. En ella se muestra con más calma el despertar violento de alguien que tan solo quiere hacer las cosas bien, correctamente. Brillante momento en el que suelta la siguiente frase: '¿Pero qué violencia? ¿De qué violencia estamos hablando acá?', magnifico episodio. Excelente. El quinto es igual al resto, con un toque muy hitchcockiano y una resolución esplendida e inesperada. El sexto es un buen remate a todo lo visto anteriormente, un broche de lujo e igualmente cómico, retorcido y sorprendente aunque menos violento e impactante que el resto, y funciona perfectamente, relaja al espectador para que abandone la platea con una gran sonrisa en la cara. Los títulos de crédito iniciales, toda una delicia, acompañando junto al nombre de cada actor, un animal que representa su personaje en el film. Banda sonora de lujo, a manos de un grande como Gustavo Santaolalla que adjudica a cada segmento la música adecuada usando diferentes estilos y teniendo como punto máximo la historia de Ricardo Darín donde aparecen esas notas tan características de otras bandas sonoras compuestas por el argentino como las oídas en 'Amores Perros' o 'Babel'. Grandiosa película difícilmente olvidable, una de las imprescindibles este año en Sitges.

Kuime (Over your dead body) - Takashi Miike - Japon
5/10
 
No han sido muchas las películas que han generado colas pero esta sí ha sido una de ellas, algo que a priori no me extrañaba conociendo lo venerado que esta Takashi Miike, su director, entre la mayoría del público asistente cada año al festival de cine en Sitges. El realizador nipón y yo no conectamos bien en algunas ocasiones como en 'Visitor Q' o 'Sukiyaki Western Django', pero sí lo hacemos en otras como con la saga 'Crows Zero' o '13 assassins', es decir, cuando se dedica al cine de acción que le permite tantas de sus excentricidades. Este año el veteranísimo y veneradísimo Miike estaba por partida doble en Sitges con esta 'Over your dead body' y también con 'The Mole Song: Undercover Agent Reiji'. El comienzo es muy denso, oscuro, lleno de sombras, lámparas y pocas palabras con escasos vestigios de lo que la sinopsis reflejaba, una historia de fantasmas en un teatro. Su ritmo pausado despierta interés en el espectador solamente cuando su minimalista banda sonora incrementa la tensión o la emoción de la escena en concreto. Una vez metido dentro de ella y pasado casi más de medio metraje es cuando empieza a tomar color, con la inclusión de momentos paranormales, fantasmales o sangrientos, llegando casi al gore. Desgraciadamente Miike se apoya demasiado en estos elementos para que su película no caiga en el aburrimiento total, lo que es una pena. Enfocada de otra manera hubiera llegado más al público asistente que no dudó en abandonar la sala sin terminar de verla. Yo como otros nos quedamos hasta el final y si bien no disfrutamos de una gran producción si nos entretuvimos con sus escenas sangrientas y con su final. Por suerte o por desgracia, Takashi Miike seguirá siendo un director capaz de convocar masas a sus estrenos y producciones porque si de algo es capaz el japonés es precisamente de eso, de ofrecerte la posibilidad casi anual de salir amándolo u odiándolo.

El Ardor - Pablo Frendik - Argentina
4/10 
 
Última del día. Pablo Frendik, el director era invitado a realizar la presentación de su western selvático, 'El ardor', interpretado principalmente por el mexicano Gael Garcia Bernal. Quinta presentación en la matinal de Auditori, y en la que Frendik confesaba ser muy pronto, las 13:30h, para la proyección de la misma. El ritmo de conversación del realizador porteño es lento, igual que el mismo que habita en el film, donde todo es minimalista o sencillamente, lento. Sin más. Con una fotografía magnifica a cargo de Julian Apezteguia ('Días de pesca en Patagonia', 'Carancho'), la acción nos mete directamente en la selva argentina, de donde no saldremos más. Un padre y un hija viven acompañados de un tercer hombre a los cuales unos mercenarios cazadores y deforestadores tienen amenazados para poder quedarse con sus tierras. Llegado de otra parte de la selva aparece un joven extraño, escaso en palabras, sin camiseta y descalzo llamado Kaí (Gael García Bernal). Kaí se quedará para ayudar a la pequeña familia a defenderse y a enfrentarse al temido grupo de extorsionadores que pretende echarlos por las buenas o por las malas del lugar. Ha sido la peor del día y por suerte la última. Todo transcurre excesivamente lento, o tranquilo, incluso los diálogos y con ellos no vale la excusa de que son minimalistas. Hay pausas de segundos en un mismo discurso, incluso entre palabras. Dan ganas de gritarles que espabilen de una vez. Realmente saca de quicio esta lentitud en los diálogos. Si solo fuera el personaje de Kaí por su aparición de la nada o por su misticismo relacionado con la leyenda aparecida al inicio del film aun se podría entender, pero ¿porque les pasa a todos? Incluido a los extorsionadores. A pesar de todo esto, entra bastante bien, se deja ver y menos por alguna escena cansina el resto es pasable. Claro que... esto funciona hasta que llega la media hora final, dónde el director que hasta ese momento sabía mezclar el misticismo de la leyenda, el lugar y la tensión progresiva decide olvidarse y dedicar el resto a la acción, dónde se ve el verdadero western. Su premisa inicial la hemos visto en muchísimos westerns, cierto, pero se desplaza de este género con ese excesivo minimalismo o lentitud que aplica a todo el metraje, la substancia del western pasa totalmente desapercibida y olvidada para el espectador (por culpa de los actores también) e incluso todo lo que era selva se convierte el polvo. Un final irrisorio con diálogos de antología (atención cuando crean el plan de defensa/ataque y al momento pose del grupo extorsionador como si de un photocall se tratara), situaciones hilarantes (el temporalmente ciego y su show), el ridículo/homenaje duelo en referencia a los spaguetti-western, que no veía a cuento según como venia estando dirigida la película, personajes que dependiendo como les dé el sol, hacen una cosa o no la hacen -incongruentes y contradictorios según lo pida el guión-. Vale, aceptamos barco pero no compramos lancha. Inconexo tramo final para un lento film que oscurece con su inventiva extrema la esencia del género que pretende ser.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 4

Hoy me he levantado con ganas tras haber dormido algo más que el resto de días. Desayuno, perro, tren y ya estoy en Sitges. Hace buen día, no pega el sol y me da tiempo a llevarme un café de la estación para el camino. Al llegar apenas hay cola para la primera película, '71'. Eso es otra, hoy hay variedad, tenemos una británica, una japonesa y una alemana. Veremos. Mi intención era quedarme a las 4 posibles de la sesión matinal pero no creo que me quede a 'Realite' porque ya tuve bastante surrealismo ayer con La distancia. Veo a Carlos Pumares hablando con el hombre de seguridad cuando la cola empieza a avanzar, es la hora, empieza el día 4 en Sitges Festival para mi.

71 - Yann Demange - Reino Unido
7.5/10

Thriller dramatico, que no film bélico, ambientado en los años 70, durante los disturbios entre católicos de Irlanda del Norte en Belfast y los protestantes británicos del resto de la provincia. Un novato paramilitar, Gary Hook, acude a su primera incursión en tierras irlandesas, allí deberá intentar contener frente al resto del pelotón que a nadie se le ocurra interrumpir el registro de sus superiores en las casas de la gente en busca de armas escondidas. La multitud empieza a agolparse y a ejercer la fuerza necesaria para hacer retroceder al pelotón. Viéndose superados por los múltiples lanzamientos de piedras y otro objetos deciden abandonar el lugar, momento en que un pequeño irlandés arrebata el arma a un soldado herido y huye. Hook sale tras él quedándose aislado en las calles de una desolada y casi apocalíptica Belfast. Bien, puestos en situación. La primera impresión ha sido de somnífero total. El tema del terrorismo inglés, las revueltas de los años 70, el IRA, etc, son muy pesadas ya de por sí. Un thriller de este calado tampoco se muy bien que hace en un festival de cine fantástico y de terror, pero bueno, ese es otro asunto, vayamos al análisis. Hook está interpretado por un gran valor británico llamado Jack O´Connell, que si bien muchos ni lo conocerán, se trata de un valoradisimo actor en su país, con éxitos como su protagonismo en la saga 'Skins', films como 'Eden Lake', 'United', '300, Rise of an Empire' o la dirigida por Angelina Jolie, 'Invencible'. Este es uno de los alicientes que me llevó a ver esta película, el otro es su director, Yann Demange, un showrunner británico con trabajos como la original 'Dead Set' o la poco conocida pero altamente recomendable 'Top Boy'. Con una trama en tiempo real casi en su totalidad su arranque es intenso y muy directo, Hook se queda aislado en 'campo enemigo' antes de la media hora de la película, con lo que el regreso ocupa casi todo el metraje restante y uno se puede frotar las manos si espera algo parecido a 'Black Hawk Dawn', 'Behind Enemy Lines' o 'Lone Survivor', pero no es el caso. Aquí el protagonista no es un action man, estamos en un thriller dramático, donde las diferentes situaciones vividas durante su regreso nocturno a la base, cruzando todo Belfast serán quienes nos cuenten la historia y será a través de esas historias donde veremos las diferentes maneras de ver el conflicto más importante de la historia entre protestantes y católicos, un conflicto que duró casi 30 años. Agentes dobles, atentados, buenas secuencias de acción en su justa medida, sin decantarse por un bando u otro, siendo muy ambiguo en ese sentido y mostrándonos su visión de lo ocurrido de una forma directa, sin florituras. La ambientación es perfecta, las calles setenteras de Belfast una gozada visual, Demange sabe relajar al espectador para luego hacer abrir los ojos como platos ante grandes escenas (relajación con el niño deslenguado y posterior consecuencia), el final a priori puede parecer muy típico, pero demuestra que a veces no hay que complicar las cosas porque ya de por sí son complicadas, el agotamiento mental y hastío de Hook respecto a la guerra es palpable desde el inicio, matarse unos a otros por la sencilla razón de hacerlo, porque pueden, el sin sentido de las guerras y sus víctimas, su final tan 'sencillo' deja poso, en las guerras no hay ni vencedores ni vencidos, solo hay víctimas. La película gana enteros tras su visionado y reposo, como dije al inicio, el tema IRA, años 70, manifestaciones, atentados, es muy cansino cinefilamente hablando pero  Yann Demange y su primer largometraje dejan un buen sabor de boca, esto junto a su curriculum indica que es un director a seguir, o al menos, al que no hay que perder de vista.

Kawaki  (The World of Kanako) - Tetsuya Nakashima - Japon
8/10

Una chica, Kanako Fujishima, desaparece durante unos días y su madre llama a su ex-marido policía para que ayudarle a encontrarla, Akikazu Fujishima. La investigacion personal que el esquizofrenico Akikazu llevará a cabo les descubrirá que su hija Kanako, no era la que todos pensaban. Tan sencillo como eso. Parece la historia de Laura Palmer? Para nada. El brillante director de la aclamada 'Confessions' en 2010, Tetsuya Nakashima,  riza el rizo y se supera a sí mismo. Delirante thriller pasado de vueltas en todo, es Nakashima al 200%. Marcando tendencia, el realizador nipon se saca un film que no va a pasar desapercibido en Sitges, un subidón de adrenalina de 120 minutos. 'Confessions' te avisa y 'The World Of Kanako' te abofetea, y repetidas veces. Hace poco alabé a Vigalondo en mi cuenta de Twitter precisamente por algo parecido a lo que admiro y valoro de Tetsuya Nakashima: su valentía. Hay que tener muchas narices para criticar a la sociedad japonesa y desnudarla como lo ha hecho, mostrando los mas oscuros deseos y vergüenzas, todo en un thriller y siendo nipón, con talento, con dos pares Tetsu. El ritmo del film es intenso, frenético, desde el minuto 1 hasta el 115, los 5 minutos finales son más tranquilos, para que uno se regodee saboreando lo que acaba de ver  y pueda respirar, algo que hasta ese momento será muy difícil. La cantidad de información que le llega al espectador en ese comienzo fulgurante no le deja ni parpadear, de verdad, los 10 primeros minutos son como un chorreo de datos visuales y palabras que me ha dejado impactado. No solo repite con giros de guión finales sobresalientes sino que los duplica, si dije de Vigalondo que sacó la chorra ante toda España con 'Los cronocrimenes' de Tetsuya digo que no solo se la saca sino que se la coloca en el hombro en plan bazooka. El terremoto visual y musical que te llega a la cabeza es portentoso, su protagonista debio ser parido por los mismos padres que Choi Min Sik, naturalidad y profesionalidad al 100% en un veterano actor de 58 años, Kôji Yakusho, en el papel de Akikazu Fujishima. Saliendo de esos 10 minutos bombardeado llegan unos créditos iniciales al mas puro estilo pulp años 70, de los spaguetti-western o del propio Tarantino, del que también se podría decir lo mismo en la banda sonora, donde salvo algunos temas made in japan, el resto son muy tarantinescos. El resto de actores está bastante bien pero es que como digo, Kôji Yakusho, está impresionante, se come todos los planos en los que sale. Tetsuya Nakashimasu ya tiene un estilo propio, muy original y aquí lo que hace es dar rienda suelta a todo, y en todos los sentidos, hay mas giros de guión, hay mas música, mas humor negro, mas planazos y mas gamberrismo. Hay que valorar estas cosas. También me pueden decir que no dije lo mismo con mi crítica 'La distancia' de ayer pero me defenderé diciendo que este es un thriller donde la inventiva esta bien incrustada, con un inicio y un final que importa y trasciende, algo que no pasa con la historia de los 3 enanos. Una grata sorpresa en Sitges, muy grata. Otra cosa que me gusta de este director es su insistencia en mostrarnos la maldad en los niños, en la juventud, porque la hay, y mucha, desde luego que la gran mayoría de adolescentes, jóvenes o niños son buenos, o inocentes, no lo dudo, pero los hay muy malos, retorcidos, fruto probablemente de una mala educación, pero la manera en que muestra esa maldad Tetsuya, me encanta.

Stereo - Maximilian Erlenwein - Alemania
4/10

Segunda película presentada por parte del equipo realizador en la sesión matinal de esta edición del festival, el resto de presentaciones suele ser de tarde, a nadie le gusta madrugar claro. Para la ocasión, 'Stereo', un thriller alemán, han venido su productor Alexander Bickenback y Maximilian Erlenwein, su director, que confesó que en Alemania no existe la cultura del thriller tanto como en otros países. Arrancó 'Stereo' con bastante asistencia de público, en parte motivada quiero suponer por el interesante trailer. Duración correcta ya que en ningún momento se hace pesada ni aburre y sus cartas no se muestran hasta el final con el giro pertinente como de costumbre. Se han oído rumores de cierto parecido con 'A History of Violence' o 'Drive'. Eric (Jurgen Vogel) es un mecánico de motos que se desvive por su novia y la hija de esta. Un día un grupo de caravanas pasa por delante de su casa y aparca a escasos metros de su vivienda. Tras el encuentro con uno de sus ocupantes, Eric conocerá a Henry, el cual no se despegará de su lado en ningún momento. ¿Quien es Henry? Y porqué lo persigue? Es un inicio más que prometedor, sobretodo por lo que se refiere al personaje de Henry y sus 'cualidades'. Suspense creciente con climax y giro final, original, sorprendente pero también fallido por la rapidez y las malísimas actuaciones del resto de personajes. Hay buenas maneras y Maximilian Erlenwein destila ganas de hacerlo bien, con una historia básica más giro final original, rocambolesco y algo tramposo pero original, de eso no hay duda, una banda sonora potente con mucho dubstep y techno. Si os suena mucho mucho el actor que interpreta a Henry quizás sea por su papel en la también germana, 'Die Welle'. Resumiendo, thriller flojito pero simpático, no se extiende, no abusa de clichés pero, como dijo su director, en Alemania no hay cultura de thriller, y eso, quieras que no se nota, para muestra un botón.