SAINT YOUNG MEN

Saint Young Men- Noriko Takao - Japón

En esta original película nos situamos en Tachikawa, los arrabales de la ciudad de Tokio, Japón, lugar que Jesús y Buda escogen como para descansar y disfrutar como unos singulares turistas, abandonando su habitual paraíso celestial. Los protagonistas buscan un año sabático, por lo que ponen todo su empeño en pasar desapercibidos, sin embargo su naturaleza divina les traiciona y no pueden evitar ponen el práctica sus dones. En estas nada anodinas vacaciones explorarán todos los rincones visitados por los mortales, desde los típicos baños japoneses hasta los mercados. Del mismo modo que disfrutarán a lo grande del mismo modo que nos gusta hacer a los mortales, atracones de pasteles, hacernos selfies para capturar hasta el más mínimo momento, visitar parques de atracciones o rendirnos al magnetismo de las series. Aunque del mismo modo deberán la otra cara de la vida humana, hallar un modo de afrontar la vida. También conocerán a los diferentes arquetipos que conforman la sociedad nipona, desde los más entrañables e inofensivos, como niños y gente amable y hospitalaria, hasta pequeños gamberros y miembros de la Yakuza. A pesar de que los últimos tiempos reina un ambiente de moralina en el que parece que no se puede hacer humor con según qué cosas, sobre todo con la religión, este largometraje japonés se atreve a hacer reír al público utilizando un humor sano, ligero y, evidentemente, sin ningún ánimo de herir sensibilidades ni verter sangre. 'Saint Young Men', conocida en España como 'Las vacaciones de Jesús y Buda', es una producción japonesa a cargo de la dirección de Noriko Takao. Es un film que rompe con la animación japonesa tradicional, lo cual supone un soplo de aire fresco, aunque la animación más tradicional se mantiene en el diseño de los fondos y personajes. La atmósfera de ligero humor va guiada por una melodía suave en la que podemos reconocer ritmos típicos japoneses, más modernos o antiguos, con tintes cristianos o budistas, dependiendo del momento. Una comedia muy recomendable que consigue hacer humor con un tema tan delicado como la religión sin caer en la burla ni hacer demasiado hincapié en los aspectos que podrían suscitar una mayor controversia.

MISS HOKUSAI

Miss Hokusai - Keiichi Hara - Japón 

El presente largometraje del estudio japonés Production I.G.  se ubica en el final del período Edo de Japón para relatarnos la historia de O-Ei, una mujer fuerte y talentosa que permaneció siempre bajo la sombra de su padre, el famoso pintor japonés Tetsuzo Hokusai. A pesar de su talento y de confeccionar con su padre gran parte de sus encargos y diversas obras que, todavía hoy, disfrutan de una notable notoriedad, O-Ei no recibe ningún tipo de mérito por ello. Mientras que Tetsuzo llegaría a ser reconocido décadas después en todo el mundo, la figura de la mujer que contribuyó en gran modo a su obra permanece todavía en un anonimato del que no consigue desprenderse. Esta producción, dirigida por Keiichi Hara ('El verano de Coo', 'Colorful') está desarrollada mediante animación 2D, aunque se permiten la utilización de elementos de 3D a la hora de confeccionar los fondos. La película exhibe un tramo de la vida de O-Ei Hokusai, mostrándonos tanto la personalidad como el talento de la joven protagonista, así como el papel que ejerce en la vida y obra del reconocido pintor nipón. El film supone una oportunidad de conocer los diversos matices que componen la sociedad nipona en esa era, pero queda ensombrecido por una narración que nos conduce por el quehacer diario de O-Ei de manera lineal, dotando a la película de un ritmo lento que podría resultar incluso pesado. Tanto el diseño de los personajes, la animación delicada, como el juego de luces y el ritmo de la narración le confieren a la película una atmósfera poética, ideal para relatarnos la vida de esta artista. Quizá lo más criticable del film sea la incapacidad de que una de las tramas abiertas lleve el peso protagonista, haciéndonos vagar por diversas subtramas que adquieren importancia y la pierden sin orden ni concierto.  A pesar de que el largometraje tiene entre sus manos la historia no contada de una mujer real, hija de un famoso artista, lo cual en sí mismo ya consigue captar la atención, y a pesar de lo estéticamente bella que llega a ser la película, sólo consigue transmitirnos una sensación de monotonía y anodinia que hace que el espectador se pregunte cual es la finalidad del film. Esta adaptación del manga 'Sarusuberi' ha podido disfrutarse en España en el Festival de Sitges del pasado año, y, recientemente, en el Festival de Cinema Fantástico de A Coruña. 

FINDING DORY

Finding Dory - Andrew Stanton, Angus MacLane - Estados Unidos

7.5/10

En Pixar no todo han sido obras maestras como bien se pudo comprobar con películas como 'Brave' o la reciente 'The Good Dinosaur' y en cuanto a secuelas, con la excepción indiscutible del universo 'Toy Story', tampoco han obtenido los resultados finales deseados como bien ejemplifican 'Cars 2' o 'Monsters University'. 'Finding Dory' viene a romper ese esquema de Pixar basado en secuelas algo insípidas y sin la misma fuerza que sus predecesoras mediante un guión claro y directo el cual, aun conociéndose la trama de antemano, depara una larga concatenación de buenas escenas y momentos. Aunque han pasado trece años desde que el pequeño Nemo surcara los mares cual Marco en busca de su madre, las historias y personajes del mundo 'Nemo/Dory' parecen haber nacido tan solo hace unos meses de las mentes creativas de los genios de Pixar, esto es algo que suele afectar bastante en los resultados finales de la critica cuando la secuela de un éxito tarda mucho tiempo en ver la luz pero, no es el caso de 'Finding Dory' que termina siendo una mas que decente secuela y un producto independiente disfrutable al mismo tempo. Personalmente creo que el buen recibimiento de esta nueva aventura de Pixar radica en la unión de Andrew Stanton, uno de los pilares de los estudios, junto a un novel en la dirección de largos pero habitual en todas las películas de Stanton como Angus MacLane. La progresión imaginativa de Stanton no tiene fin. 'Finding Dory' es un grandisimo entretenimiento para todas las edades capaz de explotar con maestría y poner en marcha todos los sentidos humanos y lo mejor, conseguido por unos simples peces. Ha llovido, y mucho, desde que John Lasseter dirigiera esa obra maestra de la animación que fue 'Toy Story' en 1997. Antes de participar en el guión de dicha película junto al propio Lasseter y el resto de guionistas, Stanton solo había dirigido un par de cortos y escrito algunos episodios de la serie 'Mighty Mouse'...diez años antes del estreno de 'Toy Story'. Diez años. Tras el enorme éxito de esta, la carrera del director norteamericano no ha hecho mas que progresar y es en su currículum donde se encuentran algunas de las joyas mas valoradas de toda la historia de Pixar. Atentos, Stanton ha colaborado activamente en el guión y en la dirección de la infravalorada 'A Bug´s Life', las dos consecuentes secuelas de 'Toy Story', en 'Monsters INC', 'Finding Nemo' o 'Wall-E'. El éxito que le produjo la individualidad en la dirección del simpático robot de limpieza llevo a Stanton a probar de nuevo en solitario con un largometraje de ciencia ficción interpretado por actores reales que no funciono muy bien en taquilla, 'John Carter'. Esta es la única 'mancha' que se puede ver en la carrera de Stanton, probó estando solo en la dirección con 'Wall-E' y el resultado fue excelente, quiso salir de la animación y le llovieron piedras hasta de su propio tejado. Ahora en 'Finding Dory', Stanton deja de rodar solo y se une en la dirección a Angus MacLane. El que empezara en el departamento de animación adicional en la primera película que codirigida el propio Stanton, 'A Bug´s Life', ahora comparte la dirección y parte del guión en la secuela de 'Finding Nemo'. Es curioso cuanto menos imaginar como quizas o posiblemente a finales de los 90 en aquel departamento de animación en los inicios de Pixar, Stanton y MacLane coincidieron, colaboraron o se encontraron alguna que otra vez y aunque ambos tomaran caminos diferentes dentro de Pixar, el destino ahora los une en roles idénticos. MacLean además de trabajar en todos los anteriores films con presencia de Stanton también lo ha hecho para el departamento de animación de otros éxitos Pixar como 'Ratatouille', 'The Incredibles', 'Cars' o 'Up'. Un tándem fantástico que como he podido comprobar en pantalla grande gracias a Blogos de Oro y Sensacine, realizan un trabajo magníficamente entretenido que no hace olvidar a su predecesora en cuanto al tono general, robustez y seriedad pero que supera bastante a otras secuelas de Pixar que se lanzaron con muchas mas pretensiones y en un menor espacio de tiempo entre ellas. Nemo se queda en un simple nombre cuando el universo marítimo que Pixar nos ofrece este 2016 se amplia con esta nueva aventura de Dory. Se ensalza el peso de los valores a transmitir sin darles tanta importancia y se potencia la diversión, aunque a veces el film peque buscando la lágrima fácil, los personajes que son muchos y en continua expansión resultan nada mas que un mero escenario por donde se mueven las ideas, sentimientos y valores que sus directores quieren transmitir y dejar en la memoria de mayores y pequeños. Nemo y Dory ya tienen la misma cuota de pantalla y casi los mismos minutos, resulta fácil identificarse en algún u otro momento con ambos en las decisiones impulsivas que toman por lo ampliamente desarrollados que están sus personalidades. Es cierto que no disfruta de la misma frescura que 'Finding Nemo' pero el variopinto universo que se nos regala nuevamente es digno de alabar y aplaudir, técnicamente es un festival para los ojos, la recreación del mapa marino en los primeros compases mientras se engarzan la historia de Nemo y Dory o el Instituto de Vida Marítima son oro puro; consigue maravillar y asombrar la cantidad de detalles que son capaces de insertar en pantalla tanto de la flora como la fauna marina. La película tiene un ritmo incesante, siempre ocurre algo  y siempre hay algo interesante donde mirar aunque no haya diálogos, la acción deja el fondo del mar donde transcurría en su plenitud la historia de Nemo en poco menos de media hora y da paso al mundo humano, concretamente al Instituto de Vida Marina donde la historia aumenta aun mas si cabe en interés, en colores, en universo y en humor. Definitivamente estamos ante un punto de inflexión en la carrera de los estudios Pixar ya que 'Finding Dory' es la primera secuela que el publico acepta y eso, sabiendo las futuras producciones que llegan como 'Toy Story 4', 'The Incredibles 2' o 'Cars 3' es mas que una buena señal, es la prueba de que aun hay pasión por lo que se hace y por dar al publico diversión y entretenimiento de calidad. El multinominado al Oscar, Thomas Newman, compone la banda sonora, Jeremy Lasky en la fotografía y Axel Geddes en el montaje completan los roles principales de dirección en sus respectivos departamentos como ya hicieran también anteriormente para 'Wall-E' o 'Finding Nemo' con unos resultados mas que adecuados contando el exilio de la acción al mundo humano en practicamente toda la película. La versión doblada al español que es la que pude ver cuenta con las voces de la anterior, Anabel Alonso como Dory y José Luis Gil como Marlin entre las mas destacadas mientras que en su versión original el listado de actores conocidos es mucho mas largo: Ellen DeGeneres, Albert Brooks, Ed O´Neill, Kaitlin Olson, Hayden Rolence, Ty Burrell, Diane Keaton, Idris Elba, Dominic West, Sigourney Weawer, Willem Dafoe e incluso hasta los propios directores Stanton y MacLane ponen su voz a la tortuga Crush y a Sunfish respectivamente. Notable secuela que mantiene el motor de esta nueva franquicia en marcha gracias a su buen humor, grandes dosis de acción y una historia conmovedora.

THE ANGRY BIRDS MOVIE

The Angry Birds Movie- Clay Kaytis, Fergal Reilly - Estados Unidos

3/10

Mas interesada en divertir que en aplicar algún tipo de coherencia al argumento salvo la mas simple, 'The Angry Birds Movie' explota su ilógico argumento con resultados aceptables y mucho humor. Ya se sabe lo difícil que es adaptar un vídeojuego de forma decente al formato cinematográfico así que imaginaos una simple aplicación de smartphone, difícil porque normalmente la mayoría de directores que aceptan estos encargos o jamas han jugado a dichos vídeojuegos o lo hacen después de firmar el contrato para dirigir la adaptación. Tanto es así que a día de hoy y sabiendo de sobras que la gran mayoría de los considerados grandes videojuegos de la historia bebieron del cine en el momento de ser creados nadie ha conseguido adaptar de formar decente un videojuego, ahí están casos como el 'Street Fighter' de Van Damme, 'Super Mario Bros' o las no tan antiguas como la saga 'Resident Evil', tristemente reinventada y muerta de pena o las secuelas de 'Silent Hill', una, sino la mejor saga de terror de la historia gamer destrozada con argumentos sin sentido. En este sentido 'The Angry Birds Movie' partía con ventaja al ser animación en 3D y disponer de un videojuego original del que poco argumento desarrollado había. Hasta ahora. 'The Angry Birds Movie' es una historia lineal y posee un argumento bastante plano y simple, no explica lo que no tiene porque explicar y se apoya constantemente en gags cómicos de todo tipo para entretener al publico hasta poder mostrar por fin la razón de ser de sus personajes principales en la destrucción del poblado cerdo durante el tercer acto. El protagonista es Red, Jason Sudeikis versión original y Santiago Segura en la española, un pájaro malhumorado y cabreado con el mundo que deberá acudir a terapia para calmar su ira hacia los demás. Allí conocerá a otros con problemas como el hiperactivo Chuck, Josh Gad voz original y José Mota la doblada para España, al callado y misterioso grandullón llamado Terence (Sean Penn) y a Bomb (Danny McBride), un pájaro que...bueno, que explota porque si, porque el es así, cuando se asusta, explota. Como guia en la terapia esta Matilda, doblada originalmente por Maya Rudolph y Cristina Castaño ('LQSA') en la española. Mientras Red acude a terapia, unos nuevos visitantes llegan a la isla, los cerdos verdes. Liderados por Leonard (Bill Hader - Alex de La Iglesia), los cerdos asombran a los pájaros con sus extraños inventos y rápidamente son aceptados e integrados en la isla pero...Red no las tiene todas consigo y junto a Chuck y Bomb, intentara descubrir las verdaderas intenciones de estos extraños cerdos verdes.

 
Dos grandes problemas al margen de todo. Uno, llega casi siete años después del apogeo del videojuego original y dos, si no jugaste bastante o estuviste enganchado a el puede que todo te parezca una grandiosa estupidez. Dentro de la estupidez que es el argumento del propio juego como es la de lanzar pajaros con distintas habilidades mediante un tirachinas para destrozar la fortaleza de unos cerdos verdes, sus responsables han sabido trazar decentemente un argumento y una idea clara: explicaciones 0% (pajaros que no vuelan porque...????), acción 40%, humor 60%. Tres actos. Presentación de personajes, explicación como podamos del porqué los pajaros atacan a los cerdos y puesta en escena del leitmotiv del juego: usar un tirachinas para destruir la fortaleza. No hay mas, tan simple como eso. El humor es bastante curioso y contrario al estilo Disney, es socarrón y por momentos hasta escatológico e incluso los gags o chistes parecen seguir un patrón invisible en el que niños y adultos se reparten las gracias. En dicho aspecto, 'The Angry Birds Movie' es sincera y honesta, no da espacio ni a la explicacion ni la necesita, va directa al chiste y a estirar el tiempo necesario todas las escenas para poder llegar a otro gag y así sucesivamente hasta dejar el barco en buen puerto, y nunca mejor dicho, en un tercer acto donde justificar y mostrar el único propósito del videojuego original, destruir la fortaleza de los cerdos verdes. Y es en esta parte donde hay un trabajo de animación excelente, muy minucioso y que seguro dejaré en pause para apreciar mejor los detalles en próximos visionados. En general la animación de la película es muy profesional, colorida, con profundidad, los movimientos entre los personajes y el fondo son constantes, se nota la grandiosa experiencia de sus directores, junto a un guión sin complejos y la animada banda sonora, son lo mejor de todo el film con diferencia. En esta parte técnica tenemos la dirección conjunta de dos noveles como Clay Kaytis y Fergal Reilly. Clay lleva trabajando en animación desde 'Pocahontas' y participó en otras grandes producciones como 'Breaking Ralph', 'Bolt', 'Tangled' o 'Frozen' y por su parte Fergal colaboró en los storyboards de clásicos como 'The Iron Giant', 'Osmosis Jones', 'Cloudy Meat Balls' u 'Hotel Transylvania'. El guión de Jon Vitti, productor de 'The Office' y series de animación como 'The Simpsons' o 'King of the Hill' es, dentro de lo posible, aceptable. Contando la poca lógica y lo que debió costar crear un mundo absurdo e ilógico como el del videojuego de Rovio, el guionista de algunos episodios de 'The Simpsons', 'Saturday Night Live' o las dos partes de 'Alvin and the Chipmunks' salva los muebles con bastante soltura tirando sin miramientos de gags intermitentes. Cambiando de tema. No voy a decir que la película hace apología de la venganza o la violencia como remedio máximo a un problema que nos supera, el film no va de eso, ni tampoco de que con ayuda de tus amigos cualquier problema es menos grave, ya dije que es honesta consigo misma y no da explicaciones, se ríe de ella en alguna que otra secuencia o dialogo y es consciente que no tiene mucho por dar, que es un producto claramente enfocado al entretenimiento y no tiene porque ser consecuente con lo que dice o transmite. Es por ello que pienso puede ser una simpática opción en la cartelera porque seguro sacara risas a algunos (no todos) niños durante un buen rato pero en cuanto a cine de animación no aporta absolutamente nada, es un argumento ya visto antes con personajes ya vistos antes y con personalidades ya descritas antes, un ejemplo curioso, la versión doblada al castellano cuenta con las voces de Santiago Segura en un personaje malhumorado, etc, etc...'Monsters S.A.'? Hola? Mismo doblador, mismo personaje gruñón...y para mas inri, tenemos a un pájaro hiperactivo doblado por José Mota...hola 'Monsters S.A.'? Os aseguro que si dejáis de mirar la pantalla en algún instante creeréis que estáis oyendo las versiones dobladas de Sulley y Mike Wazowski. Mi valoración personal es un 3/10, floja, me he reído con el gag del águila, obviamente, al que para sorpresa posterior mía pone la voz original nuestro querido Peter Dinklage pero de ahí, a considerar esta una gran película dentro de su género...eso ya es pedir demasiado. Sus 80 millones de presupuesto mas 100 que puso Sony para la promoción seguramente termine recaudándolos sin problemas, de eso no os quepa duda, y de que caerá alguna secuela casi que también. Por si interesa, en la banda sonora podréis encontrar temas de Demi Lovato, Imagine Dragons, Rick Astley, Scorpions, Steve Aoki, KRS-One, Limp Bizkit y hasta Peter Dinklage cantando 'The Mighty Eagle Song'.

CREEPSHOW 2

Creepshow 2 - Michael Gornick - Estados Unidos

9/10

En 1982 se estrenó el clásico 'Creepshow', nada menos que con el padre de los zombies George A. Romero bajo la dirección. La película se realizó como un homenaje a la revista 'Creepy' y a los cómics de terror de la época, resultando ser del género llamado 'películas de episodios', en este caso la formaban cinco historias de terror creadas por Stephen King, que casi al momento del estreno se proclamó como obra de culto. Cinco años más tarde llegaría su secuela 'Creepshow 2', esta vez con Michael Gornick en la dirección y Romero encargándose del guión. Mis primeros recuerdos con esta secuela (que vi antes que la original) se retornan a principios de los 90, con ese entrañable y mítico programa de A3 titulado 'Noche de lobos', en el que periódicamente emitían películas de terror, centrándose sobre todo en la década de los 80. Y es ahí cuando descubrí esta maravilla por primera vez y me cautivó hasta el día de hoy. A diferencia de la original, esta entrega consta de tres historias, todas ellas enlazadas por una carismática y divertida historia que combina animación e imagen real, destacando en esta la intervención de Tom Savini con una caracterización que realmente llega a dar bastante repelús.

La primera historia que nos encontramos (y que más me alucinó la primera vez que la vi) es 'El viejo jefe Cabeza de Madera', en la que se nos presenta a una pareja de ancianos intentando mantener económicamente su tienda en mitad de la nada, con la única compañía de una estatua de un indio de madera en la entrada. Este primer acto de la historia es realmente entrañable, ya que la película nos describe a la pareja tomándose su tiempo y haciendo que te encariñes con ellos poco a poco, ayudando mucho en este aspecto la química lograda por George Kennedy y Dorothy Lamour. En su segundo acto la historia se torna mucho más oscura, ya que al anochecer irrumpen en la tienda tres delincuentes con intenciones nada amigables, todo ello bajo la atenta mirada del indio de madera. Y es en el tercer acto cuando la historia coge su razón de ser y tras un episodio dramático vivido en el interior de la tienda, el indio de madera (en una escena muy potente acompañada de la sublime banda sonora de Les Reed) cobra vida para buscar venganza. Si ya de por si el planteamiento suena genial, visto en pantalla no decepciona para nada, ya que podemos ver al indio de madera físicamente ir tras los delincuentes, rememorando incluso al cine slasher. Entrañable, mágica, trágica, tensa, terrorífica... sin duda una grandiosa historia para abrir este show de los horrores. Y ahora lanzo una pregunta, ¿por qué diablos aún no se ha hecho una única película con la trama de esta historia?, ¡ES BESTIAL!. La segunda historia es quizá la favorita para la mayoría de aficionados y sin embargo la más simple en cuanto a narración, se titula 'La balsa' y en ella nos encontramos con un grupo de cuatro adolescentes que deciden pasar el día en un lago abandonado. Aquí nos encontramos con una presentación de personajes algo estereotipada: el guaperas, el sensible, la observadora, la inconsciente..., pero de una forma bastante divertida que hace que conectes con el tono de la historia, solo hay que recordar una de las frases que suelta una de los chicos cuando entra en el lago por primera vez: 'Ay la puta... esto esta helado, somos unos imbéciles y solo por presumir delante de Raquel, y encima no me la voy a poder tirar porque se me van a quedar los huevos congelados', inevitable no reír con tales diálogos. La historia una vez presentados los personajes nos introduce el peligro en cuestión, en este caso una extraña mancha que avanza por el agua (una mancha de petróleo a primera vista), con no muy buenas intenciones ya que tiene hambre y los querrá devorar uno a uno. Divertida, original en parte, entretenida y tensa en su parte final, una historia que mantiene en cierta medida el nivel de la primera historia.

La tercera y última historia es para un servidor la más gratificante en todos los sentidos, y eso que no llega al nivel argumental de la primera historia. En 'El autoestopista' nos cuentan la historia de Annie Lansing (Lois Chiles, de lejos la mejor interpretación de las tres historias), una mujer de clase alta que regresa a casa en coche después de un encuentro con su amante, y durante una distracción atropella a un autoestopista, pero pese a ello decide no parar y seguir adelante en su trayecto. Es en este instante cuando la película en sí alcanza el climax esperado y nos encontramos ante una combinación de entretenimiento y terror disfrutable al 100%, por un lado con la protagonista desorientada y hablando sola consigo misma, y por otro con las continuas visitas del cadáver del autoestopista dándole las gracias por el atropello una y otra vez: 'Gracias por el paseo, señora...', en un juego del gato y el ratón tan perverso como entretenido. Y es que en esta historia no falta la tensión, la diversión, los sustos...¡incluso hay algo de gore!, sin duda la más completa de las tres historias y la más disfrutable en todos los sentidos (¡ojo a su delirante final!). Hay que destacar que la película en general usa unas tonalidades de colores bastante oscuros, siendo en esta historia la más acentuada con tonos más apagados y lúgubres, dando a 'El autoestopista' una personalidad propia más marcada que en las anteriores, todo obra de Richard Hart y Tom Hurwitz, los directores de fotografía. En definitiva 'Creepshow 2' es todo un clásico de los años 80, que aunque para la mayoría de los aficionados esté a la sombra de la original, siempre habremos quienes la recomendemos por encima de la de obra de Romero, con unas historias que bien valdrían para hacer películas por separado y un encanto del que carecen muchas producciones. Cine de terror del que ya no se hace con el aroma de los mágicos 80's, para reivindicar siempre que se pueda.

ZOOTOPIA

Zootopia - Byron Howard - Estados Unidos

8/10

Notable película de los estudios Disney que combina a la perfección el cine de aventuras y acción clásico con grandes dosis de humor en un alejamiento total de los manidos cuentos de princesas a los que factoría suele recurrir cuando la falta de ideas predomina.  Película número 55 de Disney, 'Zootopia', o 'Zootrópolis' como se ha traducido para su estreno en España el 12 de febrero, puede parecer en primera instancia la típica película temática que cualquier estudio de animación realiza, juguetes y su mundo, bichos y su mundo, robots y su mundo etc pero que, gracias a un inteligente guión y a sus grandes dosis de humor se desmarca de esta tendencia volcando todo el centro de atención en la historia que involucra a los personajes y no en el mundo en el que se desarrolla la acción. El argumento es el siguiente: La moderna metrópoli mamífera de Zootrópolis es una ciudad absolutamente única compuesta de barrios con diferentes hábitats como la lujosa Sahara Square y la gélida Tundratown. Un crisol donde los animales de cada entorno conviven, un lugar donde no importa lo que seas y donde poder ser cualquier cosa, desde un elefante enorme hasta la musaraña más diminuta. Cuando la optimista agente Judy Hopps (Ginnifer Goodwin), descubre que ser la primera conejita de un cuerpo policial compuesto de animales duros y enormes no es nada fácil. Decidida a demostrar su valía se mete de cabeza en un caso, a pesar de que eso signifique trabajar con Nick Wilde (Jason Bateman), un zorro parlanchín y estafador. 'Zootopia (Zootrópolis)' pese a ser una película destinada al público infantil es también un perfecto entretenimiento para adultos donde se nos habla de la perseverancia en nuestras metas, de conseguir ser quien queremos ser por muy duro que sea pero refleja en segundo plano sin tapujos una critica bastante clara sobre el racismo que posiblemente los mas pequeños no capten pero que refuerza sin duda, la sobriedad del filme a pesar de ser un divertimento olvidando las ñoñerías del aclamado estudio de cine americano de animación por antonomasia. De hecho, solo hay una escena sensible en la película y si no fuera porque es una producción 'Disney' y todo lo que ello conlleva, podríamos decir que 'Zootopia (Zootrópolis)' es un buen thriller/buddy movie de animación de cualquier otro estudio de animación menos de Disney.

Dirigida y escrita por Byron Howard ('Tangled', 'Bolt') junto a Rich Moore ('Breaking Ralph', 'The Simpsons', 'Spy vs. Spy') y Jared Bush, llegará a los cines repetimos, el 12 de febrero acompañada del tema principal de la película interpretado por la cantante internacional Shakira, 'Try Everyting'. En el reparto de voces y junto a las de los dos protagonistas Ginniger Goodwin y Jason Bateman o la propia Shakira como Gazelle (la estrella pop de Zootopia) podemos encontrar algunas muy reconocibles como la de Idris Elba en el papel del comisario jefe Bogo pero también otras como la de J.K. Simmons siendo el león alcalde Lionheart, Octavia Spencer como la esposa nutria del desaparecido que inicia el caso e incluso hasta la de Tommy Chong en un personaje que le va como anillo al dedo y que recuerda mucho al que hacia en 'Up in Smoke' por su aparencia. Producida por Clark Spencer ('Lilo & Stich', 'Bolt', 'Breaking Ralph') en asociación con Nicole P. Hearon y John Lasseter, director de la famosa saga 'Toy Story' o 'Cars' que había colaborado en la producción anteriormente tanto como Byron Howard como con Rich Moore en sus primeros trabajos. La banda sonora es de Michael Giacchino, lo que añade un punto mas de perfección al gran trabajo de animación realizado. 'Zootopia (Zootrópolis)' es una mas que buena opción para disfrutar con los mas pequeños y pasar un rato divertido frente a la pantalla también los mas grandes, todos sus personajes están bien perfilados y el humor mediante situaciones o guiños a series como 'Breaking Bad', o la escena de los 'perezosos' (sloths) que pasara a la historia de la animación mas que seguro harán que sus casi dos horas de duración, se os pasen volando.

RISE OF THE GUARDIANS

Rise of the Guardians - Peter Ramsey - Estados Unidos

7/10

Esta película, es de los creadores de 'Shrek' y 'Cómo entrenar a tu Dragón'. Se estreno en el Festival Mill Valley de California el 10 de Octubre de 2012, seguida un mes después del Festival de Roma. Rise of the Guardians fue la última película de DreamWorks Animation distribuida por Paramount, ya que DreamWorks firmó un acuerdo de distribución por años con la 20th Century Fox desde el 2013. Fue dirigida por Peter Ramsey y producida por William Joyce y Guillermo del Toro, este último, ayudó a dar forma a la historia, diseño de personajes y estructura de la película. En 2009 se reveló que DreamWorks había contratado a Ramsey para hacer su debut como director con lo que al principio llamarían ‘Los Guardianes’ convirtiéndose en el primer afroamericano en dirigir una película de gran presupuesto animada. 'Rise of the Guardians', es una aventura mágica en la que Santa Claus (Alec Baldwin), jefe de los Guardianes y el Guardián de las Maravillas, el Hada de los Dientes (Isla Fisher) coleccionista de dientes y Guardiana de los Recuerdos, El Conejo de Pascua (Hugh Jackman) presumido, malhumorado, portador de los huevos de pascua y Guardián de la Esperanza y Sandman, Guardián de los sueños, que no habla pero se comunica a través de imágenes de arena en tu cabeza. Todos juntos, unen sus poderes para encontrar al nuevo guardián elegido por la Luna, Jack Escarcha (Chris Pine) el espíritu del invierno que no sigue normas ni obligaciones y solo piensa en divertirse. Juntos llevarán a cabo varias misiones para derrotar al Rey Pesadilla (Jude Law)que ha vuelto para crear un mundo lleno de pesadillas, miedo y oscuridad y hacer que los niños dejen de ser felices y pierdan la fe en todos sus mágicos héroes. La fecha del estrenó se modificó para que no tuviera la competencia de grandes producciones como 'Monsters University' de Pixar. Esta basada en los libros de Joyce ‘The Guardian of Childhood’ y el corto 'Man in the Moon' que creó el autor. El planteamiento de la historia, no tiene mucho mérito, pues esta basada en creencias populares. Pero aun así, es una película divertida, amena y muy entretenida. Muy recomendable por los valores que aporta y manera en la que te empuja a no dejar nunca de creer en la ilusión o la fantasía y te anima a seguir siendo un niño. Tiene su propia app que puedes descargar desde la web oficial, con la que puedes explorar la leyenda y los diferentes mundos de los personajes y es totalmente gratuita.

THE GOOD DINOSAUR

The Good Dinosaur - Peter Sohn - Estados Unidos 

5/10

Niño con problemas para encajar en su sociedad acaba embarcado en una aventura en la que acabará descubriendo su coraje para salir airoso. Añadamos un secundario adorable con toques gamberros o viceversa, que propicie una serie de momentos cómicos y arranque los 'qué mono' de parte del público más naif. Pongamos las dos o tres escenas sentimentaloides de turno para arrancar esa lagrimilla fácil y predispuesta que la audiencia ha traído ya preparada de casa. Cambiemos al niño por lo que toque en ese momento (perro, personaje de videojuego, coche que habla,...), mezclar bien, añadir la magia de la marca, fecha clave para el estreno y... ¡voilá! ¡Taquillazo fácil y sin sudar! Esta parece ser la receta de Disney/Pixar para cuando llega el momento de sacar un producto para hacer caja pero no hay ninguna idea original para exprimir, y la que ha aplicado en 'The Good Dinosaur (El viaje de Arlo)'. La película transcurre sin pena ni gloria, tocando todos los clichés tan manidos por Pixar y tan esperados por sus seguidores, pero sin nada que la haga especial. Es un producto de fast food, diseñado para llenar el estómago sin calentarse mucho la cabeza y pasar a otra cosa. Arlo, el menor de tres hermanos, es un joven diplodocus sin ningún talento en especial y un miedo patológico a todo lo que se mueve. Vive con su familia en una pequeña granja junto al río, al pie de las Montañas del Colmillo, donde intenta ayudar a sus padres en las tareas diarias, siempre a la sombra de sus dos hermanos. Para aumentar la autoestima del chico, el padre de Arlo le encarga la tarea de capturar al 'bicho' que les roba el maíz. Su decisión de perdonar la vida del bicho, que resulta ser un cachorro humano (más cachorro que humano) llamado Spot, traerá trágicas consecuencias y acabará con ambos perdidos y lejos de casa. Arlo deberá aceptar la ayuda de Spot y aprender a superar sus muchos miedos para poder regresar a su hogar y volver a ver a su familia.  El planteamiento de la película es más bien soso y lleno de tópicos, con unos personajes iniciales tan estereotipados como faltos de carisma: el niño esforzado pero incapaz, el hermano fuerte, la hermana inteligente, el padre comprensivo y una madre completamente testimonial. La escena donde la trama se tuerce parece un intento tan descarado como fútil de replicar una de las tragedias más icónicas de la imaginería Disney, que se ve venir a la legua y en ningún momento consigue acercársele en intensidad. El ritmo de la cinta mejora a partir de la primera aparición de los antagonistas, hacia la mitad de la historia, abandonada ya toda pretensión pseudodramática, centrándose en la creciente amistad entre Arlo y Spot y sustentándose en todo momento en las situaciones cómicas provocadas por las travesuras de este último. Se trata, en resumen, de un film que funcionará en taquilla por llevar el sello Disney/Pixar y estrenarse en unas fechas clave y sin una clara competidora a la vista. Una película que al final consigue ser entretenida, pero que no quedará para el recuerdo, carne de futura serie de Disney Channel. Aprobado muy raspado y yendo a revisión.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 2

Es sábado y son las 6:30 de la mañana. No hace ni 5 horas me encontraba sacando al perro. Hay sueño, mucho. Los primeros 5 minutos tras despertar mi mente solo piensa en volver a cerrar los ojos. Para sorpresa el día abre esperanzador y se presenta intenso tras una pasada tarde-noche movida. Desayunar y vuelta a sacar al perro. Son las 7:30 y no he quedado con Vigalondo, salgo caminando hacia la estación de tren, vuelvo a Sitges. Hoy es el primer día que acudo al festival a visionar 4 peliculas seguidas; 'Young Ones', 'Musarañas', 'Kiki´s Delivery Service' y un producto nacional de animación llamado 'Pos Eso'.

Young Ones - Jake Paltrow - Estados Unidos
7/10

Un híbrido de thriller y western apocalíptico indie a las 8:30h de la mañana: la sola idea de que fuera una película lenta me daba pánico, pero resulta que 'Young Ones' no sólo ha conseguido mantenerme despierto, sino que me interese todo lo que en ella ocurre. Mantiene pegado a la butaca y pendiente de su trama en todo momento. En un futuro inconcreto, el agua se convertirá en el bien más preciado y difícil de encontrar. La acción se centra en la historia de una familia que vive en el desierto, los Holm. Mientras padre e hijo se dedican a dar suministros de todo tipo a los habitantes de la zona para ganar algo de dinero, su hija se encarga de la casa. El mal rollo que sienten los dos hijos respecto a su padre al inicio del film se palpa en todas las miradas y palabras que estos le dedican, sobre todo en las de su hija, harta de vivir bajo su techo y empieza a sentir deseos de volar. Todo empieza a torcerse cuando la hija decide fugarse de casa con su novio, ese es el punto de partida de todo lo que ocurre. El hecho de no saber en qué edad, tiempo o lugar transcurre la acción no le quita ni un ápice de interés al largometraje de Jake Paltrow. Al contrario: ayuda a centrarse únicamente en la trama principal y contemplar más tranquilamente los matices de cada interpretación. La elección de los actores para la película es acertadísima: Michael Shannon da vida a Ernest Holm (el padre); Nicholas Hoult es Fleming Lever (el novio del que se enamora la hija de Holm), Katherine Holm (la hija rebelde), es Elle Fanning, y el papel de hijo de los Holm, Jerome, recae en el joven pero curtido actor aussie, Kodi Smit-McPhee. Con un arranque prometedor mostrando una escopeta custom y el rostro impenetrable junto a esos ojazos azules de Shannon, uno puede frotarse las manos tranquilamente: la cinta no baja de nivel hasta pasada la mitad, donde la acción decae un poco para matizar más el drama y así poder volver con un final trepidante a la par que previsible pero bastante digno. Real, sin florituras. Como en el viejo oeste. Mención especial merecen la fotografía descolorida, con tonos marrones y amarillos pálidos en casi todo, edificios, construcciones e incluso la ropa de los Holm (todo es rústico y arcaico, pero a la vez novedoso en cuanto a sus formas), y los punteos de guitarra de la banda sonora de Nathan Johnson (primo y habitual en las producciones de Rian Johnson) en un registro nuevo pero muy adecuado para crear la atmosfera western. Todo en este futuro es usado, desgastado, como sus efectos especiales, sutiles, al más puro estilo 'Distritct 9', máquinas mecánicas con una única función, usadas como animales de carga debido obviamente a que no hay agua y si no hay agua, no hay animales. Hay infinidad de detalles que nos enseñan como sobreviven en un futuro sin agua, la manera en que lavan los platos, las ropas de 'domingo' que usan. Gran sorpresa y gran trabajo de su director dividiendo el film en 3 capítulos: PADRE, NOVIO e HIJO, cada cual no cuenta su versión de la historia sino que la trama es lineal, con un principio y un final. Y para los que no le encuentren nada de western, atentos a la escena de travesía por el desierto entre Shannon y Hoult: puro western, sin discusión. No existe duelo interpretativo en ningún momento, el director no juega a eso ni ellos tampoco, para eso cada cual tiene su capítulo y ambos saben aprovecharlo muy bien.

Musarañas - Juanfer Andrés y Esteban Roel - España
8/10

Sala abarrotada, público expectante para el film 'producido por' Álex de la Iglesia: empieza 'Musarañas'. Los directores del corto '036', Juanfer Andrés y Esteban Roel son los perpetradores de haber estrenado en la 47 Edición del Festival de Sitges la que hasta ahora es la mejor película española del certamen. El filme se sitúa en los años 50, donde dos hermanas huérfanas viven juntas. Una es Montse (Macarena Gómez), que padece agorafobia y mantiene una vida muy religiosa, y la otra es Nia (Nadia de Santiago), la hermana pequeña que Montse tiene a cargo. El padre de las chicas (Luis Tosar) no volvió de la guerra, y la madre de ambas murió al dar a luz a Nia, quedándose Montse al cargo y alimentando cada día mas y mas sus ataques de ira y su comportamiento obsesivo y desequilibrado. La desmesurada protección que ejerce sobre Montse se va tensando y tensando hasta que todo explota justo en el momento que un vecino del edificio (Hugo Silva) tropieza por las escaleras cayendo en el rellano de las hermanas para ser recogido por Montse: a partir de aquí, no sólo ella se desestabilizará por completo, sino que se convertirá en un tornado difícil de contener. El filme empieza muy cauto, mostrando a sus personajes perfectamente, allanando el terreno para la vorágine final donde el solo hecho de la entrada de Carlos en la casa para ser atendido enciende todas las alarmas. No es 'Misery', tranquilos, ahí es donde más se disfruta del film, donde vemos a una Macarena Gómez como jamás la habrán visto, para nada sobreactuada. Un papelón sin peros, sus gestos, timbre de voz, miradas, reacciones en las muertes. Impresionante: sin duda una actuación que bien merece una nominación al Goya. Hugo Silva vuelve tras su gran papel en 'Dioses y perros', y de nuevo esta genial: el actor madrileño pasa por un gran momento de gracia. En cuanto a Natalia de Santiago no puedo decir nada malo y menos aún cuando su papel, de los 4 protagonistas principales, no sólo es el menos llamativo o más 'normal', sino que al lado tiene a una Macarena Gómez de 10, a un Tosar que es capaz de asustar al público solo con su presencia y sin abrir la boca, y con un Hugo Silva que, como digo, pasa por un buenísimo estado de gracia. Difícil pero solventado con naturalidad. Este thriller ambientado en la España de los años 50 deja muy buen sabor de boca debido a como se van enfocando las escenas para crear ese gran tramo final donde no se obvia nada, también gracias al humor negrísimo que tiene, un humor de calidad, y a un importante giro final, un muy buen giro final diría yo. Algo que parece que les importe pocos a los directores últimamente: cerrar bien sus películas. Gran opera prima de Juanfer Andrés y Esteban Roel, que podría estar firmada por el mejor de la Iglesia. De momento, LA PELICULA del festival, de las que yo he visto, claro.

Majo no takkyûbin (Kiki's Delivery Service) Takashi Shimizu - Japon
2/10

El director de este experimento es nada más y nada menos que Takashi Shimizu. El amigo Takashi seguramente no os sonará y para ahorraros buscar en Google os diré que fue el encargado de dirigir las 2 partes de 'Ju-On', las 2 de 'La Maldición (The Grudge)', y también las 2 versiones USA. No es Scorsese ni Allen, ni está reconocido como un gran director, pero tiene experiencia, y es asiático, que siempre se valora más últimamente. Como digo, el amigo Takashi, que llevaba 3 años sin hacer ninguna película, reaparece en la escena con esta adaptación de la novela de Kadono Eiko, que antes se había encargado de dirigir espléndidamente el maestro Hayao Miyazaki en 1989. Todo el que haya visto el film de Miyazaki y decidiera entrar a ver esta película, sabía a lo que se atenía, y que no se lo pueden pedir peras al olmo porque a pesar de ser una adaptación de la novela, si has visto la del maestro, las referencias visuales van a ser comparadas con el film de animación. Frente a esto, nada tienen que hacer los efectos especiales por muy logrados o caros que sean, pueden defender dignamente alguna escena pero en su gran mayoría quedaran en ridículo frente al potencial de la animación de Miyazaki. El público que acudió a verla lo entendió desde el inicio y se pudo ver una producción decente, sin abusar de los efectos especiales, y con cierto humor en algunas escenas. Y cuando más se reforzaba la idea en el espectador de que la película al menos, no aburría ni caía en el ridículo, el amigo Takashi se marca una escena de la que desconozco si aparece en la novela de Eiko, o si se vio en la versión de Hayao, pero que ha servido para tirar todo el trabajo realizado hasta ese momento. Una caída al vacío donde las risas por escenas graciosas han pasado a ser risas por el ridículo que se estaba viendo en pantalla. Ese final le va a pasar factura al director nipón: 20 últimos minutos del film non stop de risas cómplices entre el público, algunos incluso aplaudiendo al compás de la canción final que se oía cantada por el o la doble de Falete versión japonesa, mientras diluvia, y ella o él, toda entregada con la cara llena de agua y la túnica pegada al cuerpo. Increíble. Casi lloro, de la risa. Rescato una de las frases del filme que no tiene desperdicio: cuando un doctor curando a un animal ante la atenta mirada de Nicky y Tombo les dice ...no infravalores las colas!

Pos Eso - Samuel Orti - España
  3/10

Primera de todas las películas vistas en la franja matinal en Auditori (y primera de animación) que es presentada por parte del equipo realizador de la misma. En este caso fueron el director Samuel Orti, el director de la productora Basque Films & Conflictivos Productions y dos actores, Carlos Areces y Esperanza Lipe que ponen su voz al psicólogo Jorge y la criada Gracita respectivamente. Juntos, hicieron una breve presentación del film y se recordó al mismo tiempo a dos grandes actores españoles fallecidos y que también pusieron su voz a algunos de los personajes como Álex Angulo (representante Manolo) y Mariví Bilvao (madre de Lenin). Con 5 cortos de animación en su currículum desde el año 2003 hasta 2010, Samuel Orti y su equipo empezaron a trabajar en el que sería su primer largometraje de animación, 'Pos Eso'. Que por fin ve la luz ante el público del Auditori poco antes de las 3 del mediodía ante una gran cantidad de público. Su argumento es básicamente la enésima revisión del film 'El exorcista' de William Friedkin en 1979. 80 minutos de gags continuos, sin criterio, y con una falta de ideas alarmante. Tras unos 5 o 10 primeros minutos llenos de humor slapstick y bastante aceptable la película cae en un continuo de bucle de escenas míticas de otras películas, 'The Omen' e 'Indiana Jones' entre otras. Resulta que 'Pos Eso' se trataba de un homenaje a esos clásicos. ¡Acabáramos! Pues el homenaje es más repetitivo que morder un cabeza de ajos, hastiando al espectador con tanta gracieta cayendo en la repetición cansina tras ese inicio esperanzador.