BLACK

Black - Adil El Arbi y Bilall Fallah - Belgica

Flojo drama suburbano esta 'Black' de Adil El Arbi y Bilall Fallah, segundo largometraje juntos antes de ponerse a las manos de la vuelta de Axel Foley en la cuarta entrega de 'Beverly Hills Cop'. Tras coincidir en una comisaria arrestados por diferentes motivos, Marwan (Aboubakr Bensaihi), un joven marroquí de la banda de los 1080 y Marvela (Martha Canga Antonio), miembro de los africanos Black Bronx empiezan una relación a escondidas de sus compañeros a sabiendas de lo que puede llegarles a ocurrir si cualquier se entera de ello. Una pseudo 'Romeo y Julieta' modernos situados en dos barrios de Bruselas, Molenbek para los marroquíes y Matonge para los africanos. 'Black' es una película convencional y sin apenas fuerza o interés, su mensaje denuncia a la actual sociedad adolescente carece de garra y determinación, ni los episodios violentos resultan efectivos porque no hay ninguna empatía con sus protagonistas, ni tan siquiera entre ellos, no hay química entre los actores principales y sobre ellos gira toda la historia. Los secundarios están de paso, ni la madre de Marvela tiene suficiente protagonismo ni el hermano de Marwan y mucho menos esa ristra pintoresca de matones y pintamonas que pueblan todo el metraje, ninguno tiene el suficiente peso como para importarnos lo que les ocurre. Este tipo de cine critica social de los bajos fondos de una ciudad ya lo hacia en la década de los 70 excelentemente José Antonio de La Loma y sus perros callejeros, aquí esta vez con el aderezo de esa comparación con 'Romeo y Julieta' (hasta se menciona a Shakespeare en la película), 'West Side Story', 'The Outsiders' de Coppola, la basada en hechos reales 'Alpha Dog', la española '7 Virgenes' o mas recientes como 'Dope'. A mi personalmente me recordó mucho a una miniserie británica que se realizo no hace mucho, 'Top Boy', de Channel 4, si os gusta este film belga no os perdáis dicha serie. Es entonces 'Black' un intento muy light si por ejemplo la comparamos con la italiana de Sollima 'Suburra', no la comparare con 'Gomorra' la serie porque esa ya raya a un nivel excelso y el formato televisivo permite un mejor desarrollo de secundarios pero es que en 'Suburra', en menos tiempo ocurre casi mecánicamente este desarrollo y en 'Black', por mucho que sus directores intentan e intentan que empatizemos con unos u otros, resulta imposible, tienen muy claro como son los personajes pero no les dan ni los minutos ni los diálogos necesarios para terminar de explotar su personalidad, todo ocurre deprisa y a veces sin lógica alguna. O bueno, quizás haya una lógica racista en según que y que no mostrar. Porque mostrar practicamente completa la violacion de una chica y no de la otra? Es por ser una marroquí y otra africana? Imagino que debe haber algún motivo para que esto no sea como yo estoy pensando aunque...si recuerdo...en la película los marroquíes son mostrados como ladrones de turistas y maleantes capaces de lanzar cócteles molotov a la policía mientras que los africanos son unos vendedores de droga pertenecientes a una organización mafiosa además de unos violadores sin escrúpulos...no quiero pensar mal pero las imagenes y el montaje que también es de los propios directores, esta ahí, no juzgo, solo os cuento lo que vi. Estrenada el pasado 12 de agosto en plataformas online y en España a través de Karma Films, la pelicula dirigida, montada por Adil El Arbi y Bilall Fallah y co escrita por ellos mismos junto a Hans Herbots y Nele Meirhaeghe es una adaptación de los libros 'Back & Black' del escritor belga Dirk Bracke y tiene una duración aproximada de 90 minutos; la banda sonora es practicamente no original y esta repleta de temas de hip hop con bases africanas y árabes. La fotografía si es uno de los puntos destacables de 'Black', compuesta por Robecht Heyvaert ('Baghdad Messi') y ofrece una visión magnifica de Bruselas y de los barrios conflictivos, de sus recovecos y de sus bellas puestas de sol reflejadas en sus empedradas calles. 'Black' es una película carente de interés y su mensaje se queda a medio camino como el propósito de la historia, ni drama romántico ni critica social alcanzan el nivel exigido. 

TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

Trois souvenirs de ma jeunesse - Arnaud Desplechin - Francia

5/10

Mi primer acercamiento al cine de Arnaud Desplechin llega tarde. Quizás por ello no haya logrado con 'Trois souvenirs de ma jeunesse' conectar en su totalidad con esta nueva propuesta del cineasta francés resultándome intrascendente e indiferente en lineas generales. Extrañamente la historia empieza muy interesante y distinta a lo que cualquiera pudiera esperar presentándonos a Paul Dedalus (Mathieu Amalric), un antropólogo que de regreso a París tras años de trabajo en Tajikistan es detenido e interrogado en la aduana debido a la aparición de otra persona con sus mismos datos en Australia. Este es el punto de partido del drama romántico europeo dirigido por Arnaud Desplechin y la justificación para que su protagonista, un adulto Paul, nos narre tres recuerdos de su juventud que al mismo tiempo que estos dividen la película en tres secciones tituladas: Infancia, Rusia y Esther. En la primera de ellas se relata muy brevemente, casi como una pincelada, la dura infancia de Paul, los malos tratos que sufrió por parte de su padre, la muerte de su madre y la relación con sus hermanos, en la segunda, Rusia, se nos muestra con un tramo mas extenso la razón de la aparición del 'doble' de Paul, la perdida de la virginidad y su carácter en la adolescencia mientras que el tercero y mas extenso e importante, Esther, narra su complicada historia de amor junto a la joven de dicho nombre que interpreta Lou Roy-Lecollinet. 

Desplechin maneja mal el ritmo del fim pero bien algunas formas de narración para hacer la historia mas dinámica como por ejemplo el uso del ojo de iris propio del cine mudo para enfatizar la nostalgia y el pasado, un ritmo ágil durante la primera media hora, una banda sonora potente y realmente buena, la voz en off de Paul en todo el film salvo en en ultimo tramo donde Esther también narra algunas escenas o aquellas en las que ambos recitan a cámara las cartas recibidas. Todo ello, por desgracia, termina siendo un mero adorno para ocultar una enorme carencia de emotividad que se hace mas que patente si cabe en el ultimo acto. Realmente 'Trois souvenirs de ma jeunesse' no necesita de estos artificios, su puesta en escena remite a clásicos de la Nouvelle Vague y gana muchos enteros con ello pero la historia adolece de una falta de emotividad progresiva mas que evidente conforme pasan los minutos y la trama avanza separando a sus protagonistas en la distancia y al espectador de ellos provocando el descenso irremediable de un  interés que se diluye totalmente, el film se torna aburrido y repetitivo en un romance de idas y venidas entre dos personajes que realmente ni se aman ni se necesitan como el tiempo acaba demostrando. El guión del propio Desplechin y Julie Peyr me parece bueno en tanto en cuanto parte de una buena idea pero el tratamiento de la historia de amor entre ambos me parece insulso, no creíble y la película cerrada de manera simple. Eso sin contar que la película se podría haber titulado tranquilamente 'Esther' y en ella mediante un par de diálogos sustituir esos dos primeros recuerdos que solo hacen que engrosar el metraje hasta llegar a lo verdaderamente importante para su director, la historia de amor entre Paul y Esther desde su génesis. No obstante, extraigo cosas buenas como un interés extraño en ver mas cine de Desplechin o la interpretación y el desparpajo de Quentin Dolmaire como el adolescente Paul, lo mejor de toda la película sin duda junto a algunos de los diálogos; ella no, Lou Roy-Lecollinet, ni su interpretación ni su personaje aséptico y extraño han conseguido que sienta un mínimo de empatía por Esther.

RIGHT NOW, WRONG THEN

Right Now, Wrong Then

Hong Sang-soo - Corea del Sur

7/10

Sencilla, urbana, intima y plena de naturalidad, así es la nueva película escrita y dirigida por Hong Sang-soo, una propuesta que ensalza el poder positivo de la sinceridad en las relaciones humanas además de proponer un viaje intimo al subconsciente individual de cada espectador. El film narra un día en la vida de Ham Cheon-soo(Jae-yeong Jeong), un conocido director de cine que se encuentra haciendo tiempo antes de su ponencia y su casual encuentro con Yoon Hee-jeong(Min-hee Kim), una pianista amateur. Con apenas cuatro o cinco planos fijos, planos secuencias y algunos zooms mas  propios del giallo setentero que de una 'dramedia' coreana, Hong Sang-soo encierra a sus dos protagonistas, casi literalmente, en el plano y los fuerza a hablar entre ellos, a descubrirse en un marco de incomparable naturalidad inicial sin desviar la mirada a ningún otro lado, en este relato no importan las puestas de sol, en esta historia hace frió y los personajes se emborrachan, lo que importa son ellos y lo que nos transmiten sus palabras termina definiendo nuestra idea de sus personalidades. Ella empezando el camino y el disfrutando de una noche en el. Así de sencillo o...así de sencillo lo hacen parecer Min-hee Kim y sobre todo Jae-yeong Jeong, dos protagonistas en un estado de gracia que provoca la duda de si existe un guión previo o todo es fruto de una improvisación basada en dos o tres simples pautas nada mas, sus personajes se hacen creíbles, humanos y por consiguiente es muy facil quererlos a ambos. 'Right Now, Wrong Then' es la película por la que te pueden colgar la etiqueta de gafapasta pasta o critico de naftalina porque realmente no ocurre nada mas que un día en la vida de dos personas desconocidas que se cruzan y deciden entablar una simple conversación que les lleva a tomar algo juntos, quiero decir que no es la película que uno sueña ver un domingo después de comer si no es con un café cargado al lado pero, ahí precisamente es donde esta todo su encanto, en la forma que su director nos cuenta este momento puntual en las vidas de un director y una pianista. No para un domingo después de comer pero si para una mañana lluviosa entre semana. La producción esta divida en dos partes de exacta duración y casi idénticos planos que son a las que hace referencia el titulo, un juego de palabras y montaje que el realizador coreano propone a sus espectadores para mostrar como pueden cambiar las situaciones dependiendo de nuestro grado de sinceridad ante las personas con quienes conversamos, amamos o simplemente coincidimos un día, que el dolor causado por la verdad es temporal (opinión sobre el cuadro) y mas positivo que la mentira adornada. En su vigésimo film Hong Sang-soo se une a sus habituales de nuevo, Jeong Yong-jin en la partitura y Park Hong-yeol en la fotografía, para narrarnos una historia moderna, urbana, cómica por momentos y muy intima, complice, capaz de hacernos sentir identificados en algún momento u otro, los diálogos contienen toda la miga narrativa para ayudarnos a entender lo que se nos quiere contar y junto a contados detalles visuales para diferenciar ambas partes y personalidades como bien puede ser el rojo de la pintura para la pasión de un director cegado por la belleza de una musa y el verde para la esperanza de la sinceridad. Veo 'Right Now, Wrong Then' como una versión urbana y actual de la británica 'Brief Encounter', de la primera parte de la trilogía de Linklater e incluso de 'Lost in Translation' pero sin un final tan apoteósico. A los que termine gustando 'Right Now, Wrong Then' les recomiendo la única que he podido ver de este director hasta la fecha, 'Book chon bang hyang (The Day He Arrives)' de 2011, un film por el que muchos le apodaron, el 'Woody Allen coreano'.

OXV: THE MANUAL

OXV: The Manual (Frequencies) - Darren Paul Fisher - Australia

5.5/10

Interesante propuesta la dirigida, escrita, montada y producida por el australiano profesor de cine y director, Darren Paul Fisher ('Inbetweeners', 'Popcorn'), donde el drama romántico se da la mano con la ciencia ficción mas filosófica y poética. En 'OXV: The Manual' la acción nos traslada a una realidad alternativa donde es posible medir las frecuencias individuales que emite cada ser humano y que determinaran su éxito o fracaso en la vida dependiendo de como sean estas. Mientras que los portadores de frecuencias altas están destinados a triunfar en la vida en todo lo que se propongan convirtiéndose en una especie de apáticos humanoides incapaces de sentir, los de frecuencia baja sufrirán todo lo contrario, la mala suerte y las malas elecciones formaran parte de su destino sin perder apenas un mínimo de humanidad. Esta seria la parte científica de la película a la que se le une como medio de transporte/explicación la historia de amor entre dos personas de frecuencias opuestas, Marie (interpretada por Lily Laight, Georgina Minter-Brown y Eleanor Wyld) de frecuencia alta y Zak (interpretado por Charlie Rixon, Dylan Llewellyn y Daniel Fraser) de frecuencia baja. La idea no es mala pero el ritmo lento y eso, junto a un desarrollo poco atractivo y un desenlace básico que vuelve inútil todo lo visto anteriormente terminan lastrándola mas de lo que se merece. 'OXV: The Manual' entraría dentro de esa nueva ciencia ficción de perfil indie con otras como 'I Origins', 'Under the Skin', 'Primer', 'Ex Machina', 'The Signal' o la británica 'Never Let Me Go'. Esta contemplativamente inteligente ciencia ficción austera o de 'bajo' presupuesto en comparación con la gran mayoría de producciones de este género, permite a sus directores y guionistas abordar cualquier tema por extraño que pueda parecer y relatar historias donde precisamente lo que importa y prevalece es la historia o el planteamiento por encima de cualquier artificio visual. También tenemos películas como la recientes 'Clovefield Lane 10' o 'Midnight Special' que vendrían a ser el nexo de unión entre ambas propuestas, la de la ciencia ficción mas comercial con la austera o indie. Aunque todo este tipo de ciencia ficción tenga como principal fuerte la potencia de su historia o ideas, siempre tienen un elemento o varios que las hacen especiales como por ejemplo los viajes en el tiempo en 'Primer', la atmósfera grisácea,  enrarecida y la banda sonora hipnótica de 'Under the Skin' o el final explosivo de 'The Signal'; todos estos elementos enganchan a una historia que aunque priori pudiera parecer amateur, aburrida o insípida culmina dignamente cerrando la película, es decir, mantienen al espectador interesado en lo que ocurre, en lo que ve y en lo que le cuentan, que como digo, es la potencia de estas historias. En 'OXV: The Manual' el interés viene únicamente de la historia en si, no hay ningún otro elemento al que agarrarse mas que lo que su director nos va relatando en un montaje atemporal en pequeñas dosis para poder encajar las piezas al mismo tiempo que Zak, el protagonista de la película, y entender el significado de la propuesta. Una propuesta que empieza interesante pero se diluye por la falta de emotividad en su tramo medio y la extraña madriguera de conejo que su guión teje para, por si fuera poco, rematar con un final tópico que no hace otra que restarle cualquier importancia a todo lo que antes se ha planteado. Lo mejor es la idea de las frecuencias, el esperanzador inicio y la breve actuación de Georgina Minter-Brown en la etapa adolescente de Marie.

PRIDE AND PREJUDICE AND ZOMBIES

Pride and Prejudice and Zombies - Burr Steers - Estados Unidos

2/10

Si algo no funciona porque cambiar? Seamos masoquistas. Enseñemos a esos perdedores que nos sobra el dinero para producir lo que queramos. Algo así debió pensar Burr Steers ('17 Again') cuando decidió dirigir este mashup entre la famosa novela de Jane Austen y el gastado genero de zombies proviniente de la novela de Seth Grahame-Smith (autor también de 'Abraham Lincoln Vampire Hunter'), futuro director y guionista de la pelicula sobre 'The Flash' que formara parte del universo DC en el cine y de la secuela de 'Beetlejuice'. Drama y amor mezclado con zombies, o es una comedia romántica? O es de terror? La variedad y mezcla de géneros que se unen en 'PPZ' ea tan clara y marcada que termina por no abrazar ninguno con la suficiente fuerza como para ser catalogada dentro de cualquiera de ellos. Posee un guión simple y aburrido escrito por el propio Burr Steers y laa dirección progresiva en cuanto a los zombies que aplica el que fuera la voz en la radio de 'Reservoir Dogs' desluce totalmente lo que su titulo pueda inducirnos a pensar a priori, que estamos ante una nueva bizarrada divertida llena de sangre y cabezas explotando. Y muy lejos de eso 'PPZ' se revela casi como una historia de amor, mas fiel a la novela de Austen que al estilo de comedia de terror tan de moda en los últimos años. Los que lleguen a 'PPZ' esperando sangre van a sentirse defraudados ya que el añadido final de su titulo, ZOMBIES, solo sirve de vehículo para contarnos la visión en la que su director ha conseguido adaptar la novela. Y solo es eso. Realmente no hay nada mas. Técnicamente la fotografía de Remi Adefarasin luce y presenta muy bien el siglo XIX, la experiencia se nota y Remi tiene trabajos como la miniseries bélicas 'Band Of Brothers' y 'The Pacific' o 'Match Point' que certifican su buen hacer. La banda sonora es de las pocas cosas que me han gustado, obra del español Fernando Velazquez ('Crimson Peak', 'A Monster Calls'). Viendo el resultado final, la iconografía de incrustar a los zombies en aquella época queda mejor imaginada en la mente de cada uno que plasmada en la pantalla de la forma que entiendo su director ha querido plasmar.

'PPZ' esta destinada a un publico joven del estilo de 'Hunger Games' y 'Divergente', dispuesto a disfrutar de una historia de amor y a la vez una parodia del genero zombie. Eso si, el peligro de quedarse dormido es latente del minuto 1. Cuanto se echa de menos aquellas producciones de la Hammer...en fin...algo que puede hacer que os llegue a gustar mas o menos es el haber leído previamente la novela de Austen y conocer a los personajes pues son los mismos que en el libro. Quizás de ahí mi baja nota pero os aseguro que he visto bastantes películas basadas en alguna novela sin haber leído antes esta y he podido disfrutar mucho, seguramente no tanto como los que si la hayan leído, obviamente, pero si hasta el punto de salir satisfecho del cine. A 'PPZ' me costó mucho entrar, creo que ni lo hice finalmente, me mantuvo alerta la interpretación tan contenida de Sam Riley, pensaba que en cualquier momento podía llegar a explotarle la camisa con ese porte de constricción que muestra durante todo el filme, la aparición del 11o Doctor aka Matt Smith y la esperanza de un final que compensara tanto sopor y estupidez en los diálogos (-Corre, los zombies salen con la lluvia) que llevaba viendo mas de una hora. En 'PPZ' hay orgullo, hay prejuicio y hay zombies pero...ojo, unos zombies muy random, tan pronto hablan, como reptan, como les da por formar un sindicato, también hay humor, artes marciales, samurais, escotes marcados, en definitiva estamos ante un pastiche aburrido donde lo único llamativo es su titulo. 

ESPECIAL SAN VALENTIN

El 14 de febrero es una de esas fechas como el 31 de octubre (Halloween) que relacionamos con la cultura norteamericana. Pero con el paso de los años hemos ido integrándolas en la nuestra y, aunque reneguemos de San Valentín, al final, acabamos 'celebrándolo' de una manera u otra. Nos entra la tontería y nos da, por ejemplo, por ver películas de temática romántica. No olvidemos que San Valentín es el patrón de los enamorados, pero como no tienen por qué ser todo títulos melodramáticamente cursis, en BloodStab han hecho una selección de pelis más que recomendables . Nunca pensaríamos en el director de 'Clerks', Kevin Smith, como un tío romántico ¿no? Pues que sepáis que 'Chasing Amy' (1997) es una de las películas más románticas de su época y que marcó a mi generación. Si encima os gusta la música y los Sex Pistols, 'Sid & Nancy' (1986) tiene todos los ingredientes, reflejando la historia de amor entre el líder de la banda y su mayor groupie. No hace falta que nos remontemos tan atrás en el tiempo, en 2013 Spike Jonze nos sorprendió y emocionó con una de las películas que más reflejan las curiosas relaciones amorosas que establecemos hoy en día: 'Her'. Ese mismo año, una producción japonesa, 'The Garden of Words', demostraba como ya había hecho Hayao Miyazaki con 'El Castillo Ambulante' que, a través de la animación, también se pueden contar grandes historias de amor. Y, sin irnos más allá de nuestras fronteras, en 2014 el vasco Mikel Rueda nos regaló 'A escondidas'. Echad un vistazo porque tenéis donde elegir y seguro que encontrareis vuestra película para este día. ¿Lo mejor de todo? Que os daréis cuenta que, en realidad,  podéis verlas cualquier día del año.

Sid & Nancy - Alex Cox - Reino Unido

8/10

‘Sid & Nancy’, también conocida como ‘Sid & Nancy: Love Kills’, es una película que retrata la vida de Sid Vicious (Gary Oldman), bajista de la banda de punk rock Sex Pistols. En este biopic del año 1986 dirigido por Alex Cox, se destaca la relación del músico con su novia Nancy Spungen (Chloe Webb). Esta película puede resultar interesante para quienes ya conocen los hechos verídicos sobre Sid Vicious, como también para quienes quieran enfrentarse a una historia de amor trágico. Ese amor parece surgir y afirmarse en la mutua destrucción de Sid y Nancy. Amor, drogas, punk, locura… y algo más. Voy a intentar no revelar mucho para los que se encuentran en el grupo de personas que desconocen la historia real. El director repasa los últimos años de Sid Vicious y su banda Sex Pistols. A través de una estética invadida de punk en escenarios y atmósfera, refleja el punto de encuentro entre Sid y Nancy. El músico, en un principio rechaza a la groupie, todo cambia cuando ella le vende heroína. Las drogas son el elemento que aparece como un ritual de iniciación del amor, pero también marca el comienzo de la destrucción. Sid y Nancy están profundamente enamorados y la agresión recíproca, tanto como las drogas, son el combustible de esta relación. El desenlace está marcado por los hechos reales que acontecieron en octubre de 1978. En el vertiginoso transcurrir de ese amor aparece la fatalidad, la destrucción en su forma más explícita. Sid y Nancy son protagonistas de un amor trágico…hasta el final. Mención especial para una escena que se ha convertido en icono. Un callejón es el lugar donde se mezclan la estética punk con el romanticismo: bajo una lluvia de basura, Sid y Nancy se besan…mientras escuchamos la canción ‘Taxi to Heaven’ los vemos en cámara lenta, como si estuvieran suspendidos en el tiempo... Duración: 111 minutos.

A escondidas - Mikel Rueda - España

7/10

Ibrahim (Adil Koukouh) acaba de cruzar la frontera desde Marruecos y vive en un centro de menores donde sabe que le echaran en un par de días. Se siente perdido dentro de un mundo, dónde se ve rechazado y culpable por ser inmigrante. Rafa (Germán Alcarazu) un joven vasco, superado por el despertar sexual, en mitad de unos amigos que no comparten su realidad. Las vidas de estos dos chicos tan diferentes pero tan iguales, están a punto de cruzarse. La unión de ambos se hará tan fuerte, que empezaran a vivir y sentir cosas que no podrán controlar. Mientras, Alicia (Ana Wagener) miembro de la ONG que lucha porque Ibrahim pueda quedarse en el país y Jose (Alex Ángulo, en una de sus ultimas apariciones en la gran pantalla antes de fallecer) director del centro de menores donde vive el joven marroquí, intentan guiarles y ayudarles a entenderlo, a entenderse. Un filme sin igual, donde detallan este drama romántico con toques homofóbicos, amores adolescentes, racismo, desigualdad, educación, delincuencia.. Después de casi 8 años de trabas y dificultades, por fin Mikel Rueda, pudo llevar este proyecto a la gran pantalla en octubre del 2014 y como bien reza en la película.. Da igual de dónde seas, no importa que seas heterosexual u homosexual, el primer amor es una experiencia única e irrepetible. Duración 92 minutos.

If Only - Gil Junger - Estados Unidos
6/10

'Un día inesperado' ('If Only') nos cuenta la historia de Sam, una extrovertida americana que se traslada a Londres para estudiar violín en una escuela de música, ya que su sueño es convertirse en una cantante de éxito. Por otra parte su novio inglés Ian, es un ejecutivo serio y discreto, demasiado frío e incapaz de expresar sus emociones. Su relación con altos y bajos cambia repentinamente tras un truculento accidente, que hace que él tenga una segunda oportunidad para poder comunicarle a su novia lo que realmente siente por ella. Aunque a priori pueda parecer la típica comedia romántica, su director Gil Junger nos sorprende en este sentido, ya que pasados unos minutos nos damos cuenta que en realidad nos encontramos ante un dramón en toda regla (aunque sin perder ese tono cómico), y es ahí donde radica uno de sus puntos fuertes, ya que si por momentos puede resultar algo empalagosa (quizá demasiado), se llega a compensar por el tono más amargo de ciertos pasajes de la cinta, haciéndola difícil de catalogar en un solo género. Pero es que además coquetea con la ciencia ficción, más light eso sí, al encontrarnos elementos de 'Atrapado en el tiempo' y de otras comedias en las que los protagonistas tienen la oportunidad de remendar errores del pasado, a través de las llamadas paradojas temporales. Los protagonistas Jennifer Love Hewitt y Paul Nicholls hacen unas interpretaciones bastante solventes, aunque quizá la química entre ellos no esté del todo conseguida, sobre todo por Nicholls y su fría interpretación al comienzo de la película. Love Hewitt es productora de la película y eso se nota, ya que nos permite ver la faceta menos conocida de la actriz, en este caso la música, interpretando varias canciones en la propia película (entre ellas la preciosa Take My Heart Back), todo un vehículo de lucimiento por y para la actriz. El guión es original dentro de lo que cabe, por que empieza pareciendo una comedia romántica, donde destacan las escenas donde trabaja el personaje de Nicholls, pasando a ser un drama con tintes fantásticos, con escenas como las del taxista interpretado por Tom Wilkinson, y terminando a ser una tristísima historia de amor y redención. Técnicamente la película está bastante cuidada en todos los aspectos, destacando la fotografía y los increíbles paisajes en la Inglaterra más rural. Una película bastante desconocida y con un nivel por encima de la media, que suma puntos si además eres seguidor de la encantadora Jennifer Love Hewitt. Ideal para ver en pareja. Duración: 92 minutos.



Chasing Amy - Kevin Smith - Estados Unidos
7.5/10

Holden (Ben Affleck) y Banky (Jason Lee), dibujante y entintador (¡calcador!) respectivamente, pasan los días en su estudio de Jersey trabajando en su cómic de éxito 'Bluntman y Chronic'. En una convención de cómics en Nueva York conocerán a Alyssa (Joey Lauren Adams), también colega de profesión. Holden conectará con Alyssa inmediatamente hasta el punto de que acabará enamorándose de ella. Pronto descubrirá que ella es gay. A partir de aquí seremos testigos de una serie de conflictos emocionales que afectarán tanto a la pareja protagonista como al propio Banky, el cual no entenderá que su amigo se haya enamorado de una lesbiana. Esta tercera parte de la trilogía de Jersey ('Clerks', 'Mallrats' y 'Persiguiendo a Amy') de Kevin Smith es, para mi, su película más redonda. El humor y las referencias pop del director siguen vigentes en todo momento pero sin llegar a entorpecer la trama. Sentimientos a flor de piel, evitando la cursilería, celos, envidias y un cuestionarse la sexualidad propia se dan la mano en mi recomendación de San Valentín. Solos o en pareja, disfruten del día. Duración: 113 minutos.

Her - Spike Jonze - Estados Unidos

8/10

En un futuro cercano, Theodore (Joaquin Phoenix), un hombre triste, solitario y a punto de divorciarse, trabaja en una empresa online que se dedica a escribir cartas de amor para otra gente. Un día compra un nuevo sistema operativo basado en un modelo de A.I para su ordenador, con el que sorprendentemente empezara una relación sentimental. Este es el extraño y descabellado argumento de 'Her', pero es una película tan bien escrita y filmada por Spike Jonze que la convierte en una de mis largometrajes románticos de referencia. Y es que para que el espectador consiga creerse la historia, el guión tiene que ser muy bueno, y lo es, no en vano gano el Oscar en 2013. Jonze también logra filmarla con una sensibilidad muy especial, que le da una identidad única a la película. Si a todo esto le sumamos un diseño de producción magnifico, una fotografía preciosa y una buena banda sonora utilizada con muy buen gusto, nos queda una película casi redonda. Mención especial para Joaquin Phoenix, protagonista casi absoluto de la cinta, que nos regala una de las mejores y mas difíciles interpretaciones de su carrera, construyendo un personaje tierno y conmovedor. Pero, personalmente lo que mas me cautivo, fue Scarlett Johansson, que le da voz al sistema operativo (Samantha) y que no sale ni un solo segundo en pantalla, y que cautiva al espectador con una voz sensual y inigualable y evidentemente indoblable. Una película que solo se puede disfrutar al 100% en versión original. Duración: 126 minutos.

True Romance - Tony Scott - Estados Unidos

8/10

Empezaré diciendo que a mí las películas románticas en general nunca me han gustado, no veo porque ha de interesarme como dos personas se enamoran así sin ton ni son, muy bien llevada la historia y muy bien hecha tiene que estar una cinta de este tipo para que me interese y ese es el caso de la que he elegido para ver en San Valentín: ‘True Romance’ o como se tradujo aquí tan fielmente ‘Amor a Quemarropa’. Lo primero que destaca del filme es el brillante guión de un casi desconocido por entonces Quentin Tarantino que nos deslumbra con esta historia de amor salpicada de peleas, tiros, sexo, drogas, mafia y todas esas cosas que le gustan tanto a él y a nosotros. La dirección de Tony Scott cumple, como siempre, sin ser brillante adapta el guión de Tarantino de manera satisfactoria y es que no es fácil dirigir una película con alma de road movie y tan coral. En ella aparecen grandes actores ya consagrados por entonces y algún que otro desconocido que terminaría siendo una gran estrella de Hollywood. Ejemplo de lo primero es el intenso duelo interpretativo protagonizado por Dennis Hopper y Christopher Walken, maravilloso. Y como ejemplo de lo segundo tenemos a Brad Pitt haciendo un pequeño papel encarnando a un fumeta colgado que pasa de todo. Destacar también a sus dos protagonistas Christian Slater (Clarence) y Patricia Arquette (Alabama) en los que para mí son los papeles de su vida. Muy apropiada, aunque no lo parezca,  la intimista banda sonora de Hans Zimmer, saliéndose un poco de lo típico en este tipo de metrajes. En fin, que no se me ocurre mejor plan en San Valentín que ver una auténtica historia de amor como la de Clarence y Alabama. Duración: 120 minutos

The Garden of Words - Makoto Shinkai - Japón
9/10

Esta joyita de medio metraje en formato anime del año 2013 es obra del japonés Makoto Shinkai. En ella, el experimentado director nipón nos cuenta con absoluta delicadeza y un tacto increíblemente sutil una pequeña historia de amor difícil de olvidar en la que un joven de 15 años y aspirante a diseñador de zapatos conoce a una mujer algo mayor que el durante un día de lluvia. Técnicamente el trabajo de animación es impecable, sobre todo en los escenarios que plantea Shinkai, que aún siendo pocos esta construidos con todo lujo de detalles y la historia que nos cuenta es emocionante, llena de sensibilidad y con un final potentísimo en cuanto a emoción y fuerza. Este formato reducido de 45 minutos condensa todo lo importante que los personajes tienen para contar sobre ellos y sus vidas, las cuales, tampoco quedan abandonadas en el guión escrito por el propio Shinkai, al contrario, son las que provocan que ambos protagonistas acaben conociéndose: Takao gusta de la tranquilidad que no tiene en casa y aprovecha para ir andando al colegio en vez de en tren y Yukari se evade con sus cervezas y sus chocolates alejada del ajetreo del trabajo. La banda sonora es otra maravilla, prácticamente compuesta por un piano y realizada por el novel Daisuke Kashiwa añade ese toque entre melancólicamente calmado y místico que le va a la perfección a este tipo de relato. Creo que es una historia también enfocada a mostrar con sutileza una de las mayores fantasías sexuales de los hombres, tener una relación con una mujer mayor que ellos y, en ese sentido, Makoto transforma el morbo y la curiosidad en algo tan bonito que como dije al principio, es difícil de olvidar. Sea el formato, por su indiscutible calidad técnica, sea la lluvia que permite los encuentros o ese final tan explosivamente romántico, la verdad es que 'The Garden of Words' es una de esas perlas de la animación que todo el mundo debería ver. Altamente recomendable, sobre todo para ellos. Duración: 46 minutos

UNE PROMESSE (A PROMISE)

Une Promesse – Patrice Leconte – Francia

6/10 

Aunque esta película se estrene en nuestro país en unos días, ya vio la luz en su ciudad natal, Francia, en 2013. Es una adaptación de la novela de Stefan Zweig, ‘Un viaje al pasado’ y la acción se lleva a cabo en la Alemania de 1912, dónde un jóven, Friedrich Zeitz (Richard Madden) encuentra un nuevo trabajo en el que coge una gran confianza con su jefe, Karl Hoffmeister (Alan Rickman) (Severus Snape en la saga de Harry Potter) llegando incluso a sustituirle dado el avance de su enfermedad y a adentrarse en la vida privada del mismo, viviendo entre su familia e incluso enamorándose de su esposa, Lotte Hoffmeister (Rebecca Hall), con la que comenzará una historia de amor complicada ya que se verán obigados a separase por trabajo y a reunirse años después. Este drama romántico en cuanto a la trama no tiene mucho peso. En primer lugar, si tan claro vamos a tener desde el primer momento que se ven, que entre este joven y la esposa del jefe, va a ocurrir algo, no creo que fuera necesario alargar tanto el supuesto enamoramiento. Aparte que deja bastante que desear porque ni si quiera hay mucha pasión entre ellos, falta química por su parte cómo para que el espectador pudiera creer que fueran a esperarse durante tanto tiempo, aunque vaya a suceder porque es lo que sucede en las películas con este tipo de romances. Por otra parte, haciendo hincapié al título de la película, desde el principio esperas que ocurra cierta promesa por parte de algún personaje que sea la que denote la trama, que obviamente está (sino qué sentido tendría) pero te hace pensar que no existiera, ya que a mi parecer tarda demasiado en llegar. Es más, si se va a tardar tanto en denotar algo tan importante al menos debería crearse expectación y sin embargo la promesa que se hacen y su cumplimiento (volver a encontrarse) se desarrolla tan rápido que apenas se acepta que realmente haya pasado tanto tiempo desde que los enamorados se hicieron la promesa y él vuelva.. Por tanto, apenas sientes empatía hacia estos dos personajes cuando sufren por no poder verse, ni cuando él vuelve que ocurre sin emoción alguna. En cuanto a la manera de narrar me parece acertada, con la que gana mucho más. El director nos dice muchas cosas con la cámara. Utiliza muchos planos detalle de manos, platos de comida que nos dicen lo que están sintiendo los personajes sin necesidad de mostrar sus expresiones faciales. Y los movimientos de cámara repentinos que hace en algunas ocasiones se integran bastante bien, se nota que se dan por la mirada del personaje. En otras ocasiones nos marea más. Como conclusión, es aceptable. Mejoraría los aspectos del principio para darle mayor emoción y que no fuera todo tan predecible.

BLUE VALENTINE

Blue Valentine - Derek Cianfrance - Estados Unidos

9/10

‘Blue Valentine’ es una película dramática estrenada en diciembre de 2010 en Estados Unidos y dirigida por Derek Cianfrance que también está a cargo del guión en colaboración con Joey Curtis y Cami Delavigne. El reparto destaca por la pareja protagonista Ryan Gosling y Michelle Williams. Dos años más tarde se estrenaba ‘The place beyond the pines’, película que reúne nuevamente a Cianfance y Ryan Gosling. En 'Blue Valentine' ambos actores son artífices de una química que logra atraparnos, factor que resulta esencial al momento de adentrarnos en el mundo de la pareja de Dean (Ryan Gosling) y Cindy (Michelle Williams), ya desde los primeros minutos estamos ahí con ellos.  Si logramos traspasar la pantalla, compartiendo -y sintiendo- con Dean y Cindy, nos sumergimos en un remolino de emociones de 112 minutos llamado 'Blue Valentine'. Con una fotografía a cargo de Andrij Parekh, que parece acompañar las situaciones de amor y desamor en las que priman las tonalidades cálidas/brillantes y frías/oscuras, respectivamente. La banda sonora resulta adecuada en el mismo sentido, ya que también juega en ese contraste. Cabe destacar que Ryan Gosling escribió algunas de las canciones que componen la BSO e interpreta 'You always hurt the one you love' compuesta por Doris Fisher y Allan Roberts, dando resultado a una de las escenas más emblemáticas y representativas de 'Blue Valentine': mientras Cindy baila llena de felicidad, la letra entonada por Dean al compás del ukelele parece encerrar un presagio. Pero volveremos a ello luego. Uno de los puntos más fuertes de 'Blue Valentine' es que en base a un argumento simple, los protagonistas logran generar nuestra empatía, ya que refleja situaciones realistas y cotidianas que podría experimentar cualquiera de nosotros en algún momento de la vida. Vida que no es perfecta, amor que no es perfecto: con Dean y Cindy vemos cómo  se transita ese camino. Al ser testigos del deterioro progresivo de un matrimonio, no podemos evitar reflexionar sobre los temas mencionados: ¿qué es el amor? ¿lo que une a las personas es aquello que luego los separa? ¿amar es sufrir y sufrir es amar?. En la historia de Dean y Cindy –como en la vida misma- no todo fue tan malo, ellos se conocen y se enamoran, se casan y tienen una hija. Pero el tiempo pasa, todo se desgasta y eso lo vemos en las actitudes, el rechazo, las discusiones y en el aspecto físico de Dean y Cindy, que se han convertido en personas sin color, vencidos por el cansancio y la rutina. Luego de estar juntos durante siete años, Cindy ya no siente la pasión que la unía a su marido. Dean se desespera por recuperar a su mujer, pero irremediablemente la relación se ha malogrado. Allí aparece lo que yo llamo el lado b, el reverso, el negativo de la tan conocida 'The Notebook' (protagonizada también por Ryan Gosling), no me detendré en el análisis de esta, pero quienes la hayan visto podrán hacerse una idea de qué quiero expresar con respecto al contenido que diferencia a las dos historias.

Volviendo a 'Blue Valentine', resulta importante destacar la frescura que invade los días de amor entre Dean y Cindy, todo parece tan natural y fluye como un lindo sueño. El abismo en el que caen esos días, también son reflejados de manera natural, en este caso de una manera profunda, pero cruda, angustiante y nostálgica a la vez. Un sueño convertido en pesadilla. El amor convertido en ruinas de lo que fue. 'Blue Valentine' nos remite  a los amores románticos y trágicos de la literatura, como ejemplos mencionaré 'La muerte en Venecia' de Thomas Mann, 'Lolita' de Vladimir Nabokov y 'El gran Gatsby' de Scott Fitzgerald. En las mencionadas novelas, Aschenbach-Tadzio, Humbert-Lolita y Gatsby-Daisy, respectivamente, no pueden perpetuar su amor, ya que siempre se impone el abismo que los separa del ser amado. En el cine, son Dean-Cindy quienes transitan ese descenso. Con sus actuaciones, Gosling y Williams consiguen llevarnos por una montaña rusa de emociones: de la ternura a la obsesión, de la calidez a la desesperación, de la calma a los sacudones de esas escenas tan reales donde surgen la tensión y las lágrimas de Dean y Cindy  y, ¿por qué no? las nuestras. Recordemos ahora una de las primeras escenas, cuando Dean y Cindy se conocen, mientras bailan y cantan, una sonrisa se dibuja en sus rostros y en los nuestros. Es el momento en el que escuchamos una canción escrita por Doris Fisher y Allan Roberts, el propio Gosling es quien nos sorprende con sus destrezas musicales como intérprete, mientras hace sonar los acordes en el ukelele, entona la agridulce ‘You always hurt the one you love’… tal vez allí, en esa melodía, estaba el indicio de toda esta historia. Como lo expresó el escritor, antropólogo y pensador francés Georges Bataille: somos seres discontinuos, individuos que mueren aisladamente en una aventura ininteligible; pero nos queda la nostalgia de la continuidad perdida.  Les aconsejo que no se pierdan la oportunidad de ver 'Blue Valentine'. Aunque duela, se debe correr el riesgo. Un riesgo: eso es la vida, eso es el amor, la historia de Dean y Cindy. Porque no es un cuento de hadas, porque se parece más a una tragedia. No todas las historias tienen finales felices. 'Blue Valentine' nos muestra una realidad, sin maquillajes, sin máscaras y nos hace estremecer. Al fin y al cabo, es una historia de (des)amor. El amor, sin dudas, de alguna manera está ahí. Tal vez aprendamos que el resultado puede ser un corazón roto, pero vale la pena porque significa que estás vivo. Tal vez aprendamos que debemos enfrentar los impactos más duros, los que más nos marcan. Como a mí me ha marcado esta película...

OASIS

Oasis - Lee Chang-dong - Corea Del Sur
8/10

'Oasis' es, a día de hoy, la mejor película realizada por el director coreano Lee Chang-dong en toda su breve pero interesante filmografía. En ella encontramos grandes títulos como 'Peppermint Candy', cinta anterior a 'Oasis' e interpretada entre otros por Moon So-ri y Sol Kyung-gu, que son los mismos protagonistas de este drama romántico con toques surrealistas. De las 5 películas rodadas por Chang-dong, recomiendo, al margen de esta joya llamada 'Oasis' y la citada 'Peppermint Candy', el que de momento es su último trabajo, 'Poetry', una verdadera delicia de principio a fin. 'Oasis' fue el film que dio fama a este gran contador de historias coreano y por el que recibió innumerables premios, más de 20, siendo 6 de ellos para su actriz principal Moon So-ri. Dolorosa como la vida en ocasiones, 'Oasis' de Lee Chang-dong es un drama romántico repleto de surrealismo, ilusión e insensibilidad humana. La belleza está en el corazón del que ama. La trama nos lleva a conocer a Jong-du (Sol Kyung-gu), joven afectado de una leve discapacidad psíquica justo el día que sale de la cárcel tras haber sido encerrado por un atropello y fuga. Sus pensamientos, extrañas miradas, comportamientos y motivaciones le llevan a casa del señor que atropelló con la intención de pedir disculpas a los familiares. Una vez allí, el hijo mayor, alarmado y exaltado por la situación echa a Jong-du de la casa. En dicha casa también habita la hija pequeña, Gong-ju (Moon So-ri). Gong-ju también padece una enfermedad como el chico, salvo que la de ella es mucho más grave, sufre parálisis cerebral. Jong-du queda prendado de Gong-ju en cuanto la ve. Ella vive en un desordenado y sucio apartamento cuidada por una vecina a la que su hermano paga regularmente y, al margen de lo que sucede fuera de su bizarra historia de amor y de sus peculiares visiones del mundo, ambos son usados, literalmente, por sus familias para su propio beneficio. Aun así, esa inocencia que les otorga su enfermedad y ese amor que ambos viven, les servirá de barrera para afrontar cualquier contratiempo. Nada podrá conseguir que las ganas de vivir que los dos se han despertado mutuamente cesen jamás. En mayor o menor medida, todas, y cuando digo todas, es todas, todas las películas tienen ese algo que las hace especiales o únicas, o distintas, sea para bien o para mal. Por suerte en este caso, es para bien. Si hay algo que uno no olvida al ver 'Oasis' es sin duda la tremebunda interpretación de Moon So-ri, digna de Oscar y de cualquier premio o estatuilla que se le quiera entregar, se las merece todas y cada una de ellas. Da igual que uno no esté predispuesto, que haya visto miles de historias de amor dramáticas, o miles de dramas románticos, cualquier actuación parecida a la de Moon So-ri simplemente, no existe. Es capaz, no solo de hacerte dudar si de verdad padece esa parálisis sino que usando nada más que sus ojos conoceréis todos y cada uno de los sentimientos y pensamientos que corren por el cuerpo maltrecho de Gonj-ju. Impresionante. El espectador queda encogido en su asiento, perplejo, con el pensamiento de ¿estará realmente actuando? Solo por su actuación ya vale la pena ver la película. Brutal. El trabajo de Sol Kyung-gu como Jong-du es realmente admirable, pensamientos infantiles, inconscientes, gestos nerviosos o tics continuos que ponen al espectador nervioso al no saber cuál será su próxima reacción respecto a Gong-ju cuando ambos están juntos y a ella su parálisis cerebral la impide moverse como una persona normal. La actuación de Moon So-ri lo eclipsa todo pero son, en esas escenas juntos, cuando vemos el mejor perfil interpretativo de Sol Kyung-gu y las verdaderas intenciones de su personaje. Chang-dong nos muestra sin abusar de ello lo miserable que puede llegar a ser el ser humano, incluso entre integrantes de una misma familia. Desprecios, insultos, dejadez, ignorancia, prejuicios, el director coreano no se centra únicamente en la enfermedad y sus desgracias sino que va mas allá, no se excede mostrando a Moon So-ri y su parálisis, el realizador está más empeñado en que el espectador entienda y comprenda la historia de amor que tiene delante, una historia de amor pura, amor en su estado más inocente. Chang-dong sabe aplicar humanidad a sus películas y así lo ha demostrado a lo largo de su carrera, con historias que en un principio pueden parecer extrañas o difíciles de suceder pero que tratadas de una forma clara y sin engaños son capaces de hacerte creer todo lo que pasa en ellas. Incluso el surrealismo se da cita en 'Oasis', con escenas que bien podría haber firmado el propio David Lynch. El final es una delicia, desprende ganas de sentir, de vivir, de amar, ganas de querer con esa intensidad que ilusiona tanto. 130 minutos que pasan sin dejar que el espectador parpadee: encantadora, sobrecogedora, perfecta e ilusionante, 'Oasis' es dolorosa como la vida misma, como es el amor a veces. Imprescindible.