RUMBOS

Rumbos - Manuela Burló Moreno - España

6.5/10

Drama y comedia coral de pequeñas historias que ocurren en tiempo real bajo la noche barcelonesa. Manuela Burló Moreno le pone cara y corazón a esos fragmentos de vida que recorren la madrugada al son de las ondas radiofónicas para hablarnos sobre la importancia de las decisiones tomadas, de tener a ese alguien cercano capaz de abrirnos los ojos en algún momento de nuestras vidas, de las vueltas de la vida y del amor, que nada es para siempre, un film que evoca irremediablemente a la maravillosa 'Night on Earth' de Jim Jarmusch. Producida y distribuida por Sony Pictures en colaboración con Atresmedia la realizadora murciana estrenara el próximo día 10 de junio, 'Rumbos', su segundo largometraje después de 'Como sobrevivir a una despedida' en 2015. Es curioso como se hilvanan todas las pequeñas historias en 'Rumbos', como su directora sabe aplicar la dosis justa de comedia y drama para que ni su buen guión ni su dirección pasen desapercibidos en ningún momento otorgando así una importancia igualitaria a todos sus personajes. 'El tiempo tiene prisa' responde un taxista a la llamada de un camionero a un programa de radio pidiendo consejo para declararse a la mujer que ama. La noche marca el tempo y conduce a estos personajes durante hora y media como ellos conducen sus vidas y Manuela Burló los muestra, en diferentes vehículos, todos en un mismo circulo y cada uno en un punto distinto del mismo unidos a veces por un simple detalle o frase: 'Si vienes conmigo, nunca te faltaran besos'. El reparto, como no podría ser de otra manera tratándose de historias de amores y desamores, lo forman parejas. Lucia (Pilar López de Ayala) y Iván (Miki Esparbé) arrancan la película a las 4:30 de la madrugada dentro de su coche aparcado tras regresar de la boda de la hermana de ella, continua Pedro (Karra Elejalde), el taxista optimista enamoradisimo de María (Nora Navas), su mujer, después conocemos a un par de conductores de ambulancia, Alberto (Ernesto Alterio), enamorado de la vida en su ultimo día de trabajo y Manu (Rafael Ordorika), un tipo introvertido cuyo pasado no le permite seguir adelante. El siguiente tramo de la historia nos lleva a conocer a Paco (Fernando Albizu), un camionero solterón enamorado de Lupe (Carmen Machi) y a dos adolescentes como Koke (Emilio Palacios) y Luisito (Christopher Torres) con su perro mientras navegan en un descapotable rojo bebiendo alcohol y fumando marihuana acompañados por las amarillentas y anaranjadas luces de las calles de una Barcelona, extrañamente vacía y solitaria. Desde las 4:30 hasta las 6 de la madrugada aproximadamente es cuando transcurre 'Rumbos', la voz de Julia Otero a través de la radio de todos y cada uno de los vehículos sera el hilo indirecto que una sus historias en una sola conducida meritoriamente por una directora que entre otras cosas ha sabido captar la esencia de esas noches que raramente a veces se dan en las grandes ciudades, noches solitarias, de calles vacías, despobladas de almas y sonidos para mostrar unos personajes que solo en esas noches tan concretas aparecen. El trabajo de fotografía es realmente notable e impecable mostrando magníficamente una madrugada en la noche de Barcelona, quizá por vivir en dicha ciudad mi valoración sea exagerada pero cualquiera que haya estado una sola madrugada en ella pensará igual que yo, que el trabajo que hace Unax Mendia es de 10 sacando el máximo partido posible a cada uno de los planos. En 'Rumbos' hay amor y desamor, drama y humor a partes iguales como demuestran los primeros veinte minutos hasta que Lucia entra en el taxi de Pedro y le cuenta lo sucedido, su drama se torna comedia e incluso mas adelante se puede ver a Pedro esbozando una sonrisa al ver 'Sueños' en la marquesina de una tienda al recordar dicha conversación con Lucia. Todos los personajes tienen su propio drama en 'Rumbos', nadie se escapa, las solitarias calles hacen que estos parezcan pequeños o nimios, sin solución, encapsulados tras los cristales del coche, del taxi, de la ambulancia, del descapotable, dramas urbanos, reales, pero también hay liberación, redención, honestidad y algo que no sabría explicar pero que todos conocemos, el impredecible destino. A cada personaje literalmente le cambia la vida lo que ocurre durante esos noventa minutos, a todos sin excepción. 'Y tu que tomas para ser tan feliz? Decisiones.'. Frase que aparece en el trailer y que cobra un sentido casi zen dentro del guión de Manuela Burló ya que todas y cada una de las decisiones tomadas esa madrugada son las que precisamente les cambian la vida para siempre. Fresca, liviana y sin pretensiones esta dramedia goza de un reparto coral mas que notable que aumenta la calidad final del film; Carmen Machi que borda los pequeños papeles secundarios femeninos como pocas en este país, Karra esta muy contenido en un personaje que no sabe como reaccionar incluso cuando el drama le toca de cerca, Miki Esparbé de verdad que me ha sorprendido (de nuevo), su papel no es el que mas frases tiene pero hace poco pude verlo en 'El Rei Borni' y su personaje es practicamente lo contrario al de 'Rumbos', su interpretación aquí es corta pero radicalmente opuesta, sin duda uno de los actores españoles en estado de gracia; Pilar López de Ayala, Fernando Albizu, Ernesto Alterio, Rafael Ordorika, Emilio Palacios y Christopher Torres también están a un gran nivel, sus interpretaciones consiguen que la historia no se tambalee y conserve el ritmo hasta el final mas o menos acertadamente. Como dije antes, el guión escrito por Manuela Burló es mas que bueno y una de las potencias claras del film, de todas las frases que me han gustado no quiero olvidarme de esta: '...que un hijo se muera antes que sus padres es antinatura...no tiene ni nombre...no existe, si tu pareja fallece eres viuda, si unos padres abandonan a sus hijos, son huerfanos, pero cuando se muere un hijo que? Eso como se llama...'.Obviamente no diré quien ni cuando se dice esta frase pero me resultó muy curiosa como para compartirla con vosotros por la veracidad de la misma y lo difícil que debe ser el sentir algo siquiera parecido a la perdida de un hijo. No penséis que 'Rumbos' es un dramón o un melodrama barato, sus dosis de comedia aparecen también por ejemplo en esa señora metomentodo que interroga a María en el autobús, en Jenny y su chiste sobre pollas, en lo surreal de la explicación de Lucia a Pedro, en el ramo de la novia, en ese borracho dueño de las calles que cruza sin mirar o en los bombones derretidos que Paco le lleva a Lupe. 'Rumbos' es una historia hecha de historias detalladas, de decisiones y caminos libres para elegir, de personas y opciones, de optimismo pese a su drama coral, un viaje que muestra lo impredecible de nuestras vidas.

CREEPSHOW 2

Creepshow 2 - Michael Gornick - Estados Unidos

9/10

En 1982 se estrenó el clásico 'Creepshow', nada menos que con el padre de los zombies George A. Romero bajo la dirección. La película se realizó como un homenaje a la revista 'Creepy' y a los cómics de terror de la época, resultando ser del género llamado 'películas de episodios', en este caso la formaban cinco historias de terror creadas por Stephen King, que casi al momento del estreno se proclamó como obra de culto. Cinco años más tarde llegaría su secuela 'Creepshow 2', esta vez con Michael Gornick en la dirección y Romero encargándose del guión. Mis primeros recuerdos con esta secuela (que vi antes que la original) se retornan a principios de los 90, con ese entrañable y mítico programa de A3 titulado 'Noche de lobos', en el que periódicamente emitían películas de terror, centrándose sobre todo en la década de los 80. Y es ahí cuando descubrí esta maravilla por primera vez y me cautivó hasta el día de hoy. A diferencia de la original, esta entrega consta de tres historias, todas ellas enlazadas por una carismática y divertida historia que combina animación e imagen real, destacando en esta la intervención de Tom Savini con una caracterización que realmente llega a dar bastante repelús.

La primera historia que nos encontramos (y que más me alucinó la primera vez que la vi) es 'El viejo jefe Cabeza de Madera', en la que se nos presenta a una pareja de ancianos intentando mantener económicamente su tienda en mitad de la nada, con la única compañía de una estatua de un indio de madera en la entrada. Este primer acto de la historia es realmente entrañable, ya que la película nos describe a la pareja tomándose su tiempo y haciendo que te encariñes con ellos poco a poco, ayudando mucho en este aspecto la química lograda por George Kennedy y Dorothy Lamour. En su segundo acto la historia se torna mucho más oscura, ya que al anochecer irrumpen en la tienda tres delincuentes con intenciones nada amigables, todo ello bajo la atenta mirada del indio de madera. Y es en el tercer acto cuando la historia coge su razón de ser y tras un episodio dramático vivido en el interior de la tienda, el indio de madera (en una escena muy potente acompañada de la sublime banda sonora de Les Reed) cobra vida para buscar venganza. Si ya de por si el planteamiento suena genial, visto en pantalla no decepciona para nada, ya que podemos ver al indio de madera físicamente ir tras los delincuentes, rememorando incluso al cine slasher. Entrañable, mágica, trágica, tensa, terrorífica... sin duda una grandiosa historia para abrir este show de los horrores. Y ahora lanzo una pregunta, ¿por qué diablos aún no se ha hecho una única película con la trama de esta historia?, ¡ES BESTIAL!. La segunda historia es quizá la favorita para la mayoría de aficionados y sin embargo la más simple en cuanto a narración, se titula 'La balsa' y en ella nos encontramos con un grupo de cuatro adolescentes que deciden pasar el día en un lago abandonado. Aquí nos encontramos con una presentación de personajes algo estereotipada: el guaperas, el sensible, la observadora, la inconsciente..., pero de una forma bastante divertida que hace que conectes con el tono de la historia, solo hay que recordar una de las frases que suelta una de los chicos cuando entra en el lago por primera vez: 'Ay la puta... esto esta helado, somos unos imbéciles y solo por presumir delante de Raquel, y encima no me la voy a poder tirar porque se me van a quedar los huevos congelados', inevitable no reír con tales diálogos. La historia una vez presentados los personajes nos introduce el peligro en cuestión, en este caso una extraña mancha que avanza por el agua (una mancha de petróleo a primera vista), con no muy buenas intenciones ya que tiene hambre y los querrá devorar uno a uno. Divertida, original en parte, entretenida y tensa en su parte final, una historia que mantiene en cierta medida el nivel de la primera historia.

La tercera y última historia es para un servidor la más gratificante en todos los sentidos, y eso que no llega al nivel argumental de la primera historia. En 'El autoestopista' nos cuentan la historia de Annie Lansing (Lois Chiles, de lejos la mejor interpretación de las tres historias), una mujer de clase alta que regresa a casa en coche después de un encuentro con su amante, y durante una distracción atropella a un autoestopista, pero pese a ello decide no parar y seguir adelante en su trayecto. Es en este instante cuando la película en sí alcanza el climax esperado y nos encontramos ante una combinación de entretenimiento y terror disfrutable al 100%, por un lado con la protagonista desorientada y hablando sola consigo misma, y por otro con las continuas visitas del cadáver del autoestopista dándole las gracias por el atropello una y otra vez: 'Gracias por el paseo, señora...', en un juego del gato y el ratón tan perverso como entretenido. Y es que en esta historia no falta la tensión, la diversión, los sustos...¡incluso hay algo de gore!, sin duda la más completa de las tres historias y la más disfrutable en todos los sentidos (¡ojo a su delirante final!). Hay que destacar que la película en general usa unas tonalidades de colores bastante oscuros, siendo en esta historia la más acentuada con tonos más apagados y lúgubres, dando a 'El autoestopista' una personalidad propia más marcada que en las anteriores, todo obra de Richard Hart y Tom Hurwitz, los directores de fotografía. En definitiva 'Creepshow 2' es todo un clásico de los años 80, que aunque para la mayoría de los aficionados esté a la sombra de la original, siempre habremos quienes la recomendemos por encima de la de obra de Romero, con unas historias que bien valdrían para hacer películas por separado y un encanto del que carecen muchas producciones. Cine de terror del que ya no se hace con el aroma de los mágicos 80's, para reivindicar siempre que se pueda.

TOP 5 - CINE ARGENTINO

Lo reconozco, tengo debilidad por el cine sudamericano. Me apasionan sus maneras de ver la vida y porque no decirlo, sus acentos tan eróticos. Salvo los films de Cantinflas y alguno que otro mas que pudiera ver durante mi vida no me había interesado por el cine latino en ningún momento. Eso cambio el día que descubrí 'Nueve reinas'. Mexicanas, colombianas, venezolanas, he visto a día de hoy casi de todos los países, incluso peruanas y ninguna de ellas salvo las argentinas, han sabido cautivarme de tal manera. Sera su acento como dije? Su manera de enfocar la vida? El espíritu porteño? Su buen hacer para el cine? Cualesquieran que sean los motivos que hicieron reaccionar al cinéfilo que llevo dentro para adentrarme en su cine, les estoy muy agradecido. En este top encontrareis que todas son relativamente films modernos, no hay nada de los años 90 hacia atrás, por el momento claro esta. Dadme tiempo. Tengo pendientes muchas y no crean que va a pasar mucho tiempo para que pueda hacerlo. Amo a Argentina y su cine. Con pasión. Aquí tenéis mi TOP 5 de las mejores películas argentinas vistas en mi vida, espero lo disfruten y dejen algún comentario, saludos!

5 - Moebius - Gustavo Mosquera - 1996

7/10

Film de intriga creado a partir de un relato de 1950 escrito por Armin Joseph Deutsch, 'A subway named Moebius' producido, adaptado e interpretado por estudiantes de la Universidad del cine de Buenos Aires en 1996. Un tren completo lleno de pasajeros del metro en la ciudad argentina desaparece sin dejar rastro desencadenando así un misterioso e incomprensible error en los paneles de control donde en vías supuestamente vacías estos siguen mostrando el paso del tren volatilizado. Simple y efectivo. No da para un largo de dos horas ni mucho menos, por ello su duración de 88 minutos es algo que la hace más llamativa, atractiva y jugosa para muchos a la hora de elegir qué película ver. Ciencia ficción provocadora y que plantea muchos caminos, incita al espectador a rebanarse los sesos intentando averiguar que ocurrió con el tren desaparecido. Moviéndose entre túneles y con un ambiente bizarro donde unos diálogos más que sencillos copan las primeras escenas el film se desarrolla a un buen ritmo, a los 20 minutos ya tenemos el pastel en la mesa con las velas sopladas. La música que acompaña todo el metraje potencia el efecto de estar encerrado y bajo tierra resolviendo un misterio que a priori parece increíble así que quitando esos 20 minutos iniciales nos resta casi 1 hora para sacarle todo el jugo a las teorías mas locas, muy recomendable para fans de la ciencia-ficción. Quizás su final sea algo confuso y difuminado pero no deja de ser interesante: el tramo final es muy atrapante, donde todo tiene una explicación, acepta un segundo visionado con más interés aun si cabe. Encaja a la perfección es una sesión doble con la cinta de reciente estreno que tuve la oportunidad de reseñar para este blog, 'Coherence': allí era el gato de Schrodinger y aquí es la cinta de Moebius. Incluso con 'Dark city', o las matemáticas 'Cube' o 'Pi'. Poco presupuesto pero bien invertido, estética años 80-90, una buena historia detrás, banda sonora y fotografía impecables son las mejores bazas de 'Moebius', un must see amateur argentino para todos los aficionados a la ciencia-ficción. Lo peor son sus actuaciones pero... ¿a quién le importa cuando hay un producto tan efectivo delante de sus ojos?

4 - Martín Hache - Adolfo Aristarain - 1997

7/10

Preparaos un buen sillón, vuestra bebida favorita doble, recostad los pies y disfrutad de dos horas que os dejaran perplejos. 'Martín Hache' es la primera de este top donde se cuenta una historia de no ficción tras la policial 'Nueve reinas', el thriller 'El secreto de sus ojos' y la comedia 'Relatos salvajes'. Un joven argentino llamado Hache (Juan Diego Botto) tras sufrir una sobredosis viaja a Madrid para pasar un tiempo con su padre, Martín Echenique (Federico Luppi) que se encuentra trabajando en el guión de su próxima película. Allí conocerá a Dante (Eusebio Poncela) el mejor amigo de su padre y a Alicia (Cecilia Roth), la nueva novia de este. Simplemente perfecta y perfectamente simple. Brillante y llena de chispazos que brotan en todos sus diálogos. Alcanza la perfección cuando estos provocan reflexiones y ganas de retener tantísimas grandes frases y la sencillez dentro de su historia tan básica, la relación de un padre y un hijo. Su director, Adolfo Aristarain supo encontrar el tema perfecto donde enfocar muchos de sus pensamientos y razonamientos, lo cual no le quita ni un ápice de interés sino todo lo contrario, nos da una visión diferente a la que pueda tener cada uno, buena, mala, peor o diferente lo que queda claro es que Aristarain está en espíritu dentro de cada dialogo y cada frase lapidaria. Cuatro actores y un guión, un gran guión. Botto, Luppi, Roth y Poncela están brillantes, Poncela y Roth parecen haber nacido para sus papeles, sobretodo la primera que está impresionante de verdad, de levantarse y aplaudir. He visto esta película más de una vez por la brillantez de sus diálogos, y hace poco pude ver 'Maps to the stars'. No digo que sean iguales, pero 'Martin Hache'  parece una versión latinoamericana trágica de la vida de un director de cine en pleno proceso de creación, con un hijo intentando dejar las drogas y una amante enganchado a ellas con el añadido de tener un mejor amigo gay. Pero más allá de eso tenemos a un chico que se llama igual que su padre y al que este le puso (H) entre paréntesis para diferenciarlo de él, de ahí el Martín Hache, un chico adentrado totalmente en la búsqueda de una motivación por la que empezar a entender su existencia, algo que encienda el interruptor de cuál es su fin en la vida pasando una temporada con su padre, un famoso director de cine que reniega de su pasado y no quiere volver a pisar su país natal, Argentina. Experto en todo, narcisista e insoportable hasta el punto de no querer convivir con nadie por miedo a que se pudra como bien le dice a Roth. Ella, la musa, la expresividad hecha mujer y su adicción a la cocaína, capaz de aguantar todos los sarcasmos, indirectas e insultos pasivos del director con tal de no dejarlo solo, de seguir junto a él porque lo ama y no puede vivir sin él. Como timón que ejerce de guía soltando frases envenenadas llenas de verdades que duelen, Dante, un amigo que a todos nos gustaría tener, alguien capaz de analizar por ti tu realidad y dártela masticada para que elijas, una barbaridad de personaje y de interpretación. Hace 17 años que se realizó  este filme y a día de hoy consigue mantener frescas toda y cada una de sus frases. Imprescindible.

 

3 - Relatos Salvajes - Damián Szifron - 2014

7.5/10

La mas actual de este top 5 es la reciente producción de estreno mundial dirigida por Damián Szifrón, 'Relatos salvajes'. A estas alturas habréis oído o leído maravillas de ella: todas son ciertas. Difícil top este argentino puesto que para mi cualquiera de las tres citadas de momento puede ser sin problemas top 1. Relegarla al top 3 se debe a la madurez que ya tiene la cinta de Campanella, un film visto por bastantes más personas que esta y que sigue siendo un referente a nivel mundial como lo pudo ser 'Seven' en su momento y no, no exagero. En 'Relatos salvajes' tenemos 6 historias a cual más negra y retorcida que la anterior, capaces de sacarte esa sonrisa cómplice y culpable a la vez. Curiosamente también aparece Ricardo Darín protagonizando la que para mí es la mejor historia de las que hay, 'Bombita'. Hablé de ella hace poco en las crónicas de la 47 edición del festival de Sitges el día que la pasaron en Auditori y al igual que lo comenté en aquella ocasión, lo vuelvo a hacer ahora porque creo que es algo remarcable y que cabe destacar antes que contar las excelencias de la película. Me refiero a la banda sonora de Gustavo Santaolalla, que vuelve a mostrar una vez más el gran compositor que es. En serio, prestad mucha atención a sus composiciones exclusivas para el film, no tienen desperdicio. En concreto en la historia de Darín podréis oír notas muy particulares oídas en otras de sus composiciones para películas como 'Amores perros' o 'Babel'. Las 6 historias son las siguientes: 1. PASTERNAK: La más corta e impactante, como una gran bofetada para que no te acomodes en la butaca y prestes mucha atención a lo que está por venir. 2. LAS RATAS: La mas irónica y retorcida. Oscura. Negra. Aquí es donde Szifrón te saca esa sonrisa cómplice y a la vez culpable que decía antes. 3. EL MAS FUERTE: Sbaraglia al mando. La explosión del hombre tranquilo. Una vez en situación vistas las 2 anteriores la tercera historia además de ser algo más larga produce una sensación en el espectador como la de un engranaje mecánico, intuyendo que va a pasar y disfrutando de ello, queriendo más y más. 4. BOMBITA: La mencionada historia de Darín. Un tipo correcto al que le hinchan las pelotas de mala manera y en el cual nos vemos reflejados muchos. La mejor historia con la mejor canción del film. 5. LA PROPUESTA: La más cruel sin duda. Si 'Ratas' es retorcida y graciosa, aquí la crueldad y cinismo sobrepasan límites insospechados. La reacción del padre al final es de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Con un par. 6: HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE: La historia de cierre es quizás la más floja ya que después de ver tan magnificas historias a cual más delirante y con un in crescendo fantástico se nos presenta como la menos radical pero igual de 'simpática'. No os podéis perder esta brillante comedia argentina que sin duda dará que hablar a lo largo del año. Un must see sin peros. 100% culpable y 100% disfrutable.

2 - El secreto de sus ojos - Juan José Campanella - 2009

8.5/10

Si Bielinsky aún viviera, sería el 'rival' más duro para Campanella en cuanto a directores argentinos, de eso estoy más que seguro. Solo dos films argentinos se han llevado el Oscar en la historia del cine y 'El secreto de sus ojos' es el último en hacerlo, compitiendo con 'The White Ribbon' de Haneke o 'Un prophète' de Jacques Audiard. Estamos ante un thriller brillante factura con elipsis temporales situado a mediados de los años 70. En ella se nos cuenta la historia de Benjamín Esposito (Ricardo Darin), un retirado oficial de juzgado ahora escritor y obsesionado con un crimen que investigó hace 25 años, el cual intenta reflejar en su próxima novela. Esta se podría considerar la trama principal pero difiero mucho de ello. 'El secreto de sus ojos' es mucho más que un simple asesinato, considero a este el motor principal que hace tomar decisiones al resto de personajes, la válvula que enseña tanto a Esposito como a los demás las consecuencias de tomar el camino erróneo, de no atreverse a decidir cuando el tren, y nunca mejor dicho, se está marchando. La escena final es una muestra de ello. Siendo el asesinato una subtrama, importante y esencial eso sí, conoceremos el amor en silencio que vive Esposito hacia a una compañera de trabajo, Irene (Soledad Villamil, Goya actriz revelación 2010). Ella ansía enamorarse de alguien que sea capaz de entender el amor como algo más, algo que traspase todas las barreras de la comunicación y se pueda comprender tan sólo con la mirada. Esto lo encuentra en Esposito pero, al igual que él es incapaz de tomar la decisión adecuada por más que el destino lo ponga en el lugar correcto en el momento indicado, ella mantiene el tipo sin dar más de lo que su mente le deja porque pasado ese limite el amor que encuentre no será ese que ansía ella. Las miradas en este filme conforman otro protagonista, invisible, indescriptible pero presente en todos los minutos. Las miradas de Esposito a Irene y viceversa, las fotos donde Gómez mira a Liliana, el interrogatorio de Gómez por parte de Irene, las de Morales incluso las de Sandoval (Guillermo Francella), todas y cada una forman un personaje nuevo al que tener muy en cuenta, alguien a quien observar detalladamente en cada escena. Hablando sobre detalles y otra vicisitudes del film, el nivel de detalle en las dos líneas temporales y el apoyo que ofrecen objetos en concreto es básicamente perfecto, vestuario, música, decoración de interiores e imágenes de TV, todo luce con un gusto abrumador. No, no me olvido del plano secuencia del campo de fútbol de Huracán (Estadio Tomás Adolfo Ducó) situado en Buenos Aires, una escena que ya es parte de la historia mundial del cine. Todo en ella es espectacular reralmente, es sin duda una de las mejores escenas del filme. INICIO PSEUDOSPOILERS: ¿Qué pinta el fútbol en esta película? Es muy sencillo, el fútbol es pasión y esto es lo que activa el asesinato de Liliana, la pasión. No por el fútbol, sino por lo que hacen en sus vidas como bien explica Sandoval a mitad del film. Esposito busca con pasión al asesino de la chica mientras sigue amando en secreto a Irene, esta al mismo tiempo desea con toda su alma que Esposito le confiese su amor (el cabreo de ella en la escena de cerrar la puerta por no estar a solas con él), la pasión de Morales (Pablo Rago) el marido destrozado yendo cada día a la estación con esos ojos vacíos incluso hasta la del propio Sandoval acudiendo al bar para terminar borracho y en peleas. Todos siguen su destino y aunque a veces tengan pruebas o el camino claro a tomar prefieren seguir siendo fieles a su pasión. FIN PSEUDOSPOILERS. Tranquilamente podría ser la número 1 en este top y lo merece sobradamente, pero mi afecto por la película de Bielinsky y lo que produjo en mi fue tan grande que no puedo más que relegar al top 2 a esta 'El secreto de sus ojos'.

1 - Nueve Reinas - Fabián Bielinsky - 2000

9/10

Esta es la película/razón por la que me enganché al cine argentino. Un cine al que admiro y tengo valorado más que el resto de producciones sudamericanas. Fabián Bielinsky fue el encargado de llevar el cine argentino a un nuevo nivel. Con Ricardo Darín y Gaston Pauls en los papeles principales, cuenta la historia de un estafador experto y otro novato que por cuestiones muy distintas deberán unir fuerzas para conseguir venderle a un alto cargo español unas famosas estampillas llamadas las 9 Reinas. Una plancha de sellos valiosísimos con un defecto de impresión que las hace únicas. Con un arranque que seguro repetiréis otra vez al terminar de verla la cinta se mueve a un ritmo trepidante usando como mayor baza, el tiempo. Todo transcurre en pocos días. El juego del gato y el ratón se vuelve cada vez más difícil de seguir. ¿Quién juega con quién? Sólo el final y los giros constantes de guión revolverá todas las dudas. Papelón de Darín, que borda su interpretación hasta puntos inimaginables y que antes de esta película, no era ni la mitad de conocido que lo es actualmente. El filme de Bielinsky supuso la confirmación del buen hacer de Darín para el cine, pese a contar antes con una extensa carrera en Argentina. El resto del plantel también brilla a un gran nivel, tanto Pauls como la bellísima Leticia Bredice, incluso Fonzi nos ofrecen un registro más que creíble y aceptable de sus personajes. Pero claro, todo queda oscurecido ligeramente por la excelente actuación de Ricardo Darín. Y hablando de su director Fabián Bielinsky, un tipo que dijo no a la creación de un remake americano (el cual terminó haciéndose en 2004 dirigido por Gregory Jacobs bajo el nombre de 'Criminal', que no llegó ni a la suela del zapato a la original), tras 'Nueve reinas' en el año 2000 rodaría 'El aura' cinco años después también junto a Darín en el papel de un taxidermista epiléptico obsesionado con robos y atracos. 'El aura' es una producción muy recomendable, un thriller diferente e interesante que a posteriori fue el último trabajo del director que murió de un infarto al corazón un año después en Sao Paulo, una gran pérdida para el cine en general y más concretamente para el argentino.

Fuera quedan títulos como las citadas antes, 'El aura', 'Hombre mirando al sudeste' (se hizo un remake americano con Kevin Spacey llamado 'K-Pax') y 'Diarios de motocicleta', pero también otras como 'Sin retorno' (que recuerda a la historia de 'Relatos salvajes' de 'La propuesta') o la adrenalitica accion y el erotismo de 'Plata Quemada' (con participacion la española de Eduardo Noriega), 'Un cuento chino' (con Ricardo Darín haciendo de ferretero al estilo 'Amelie'), 'Metegol' (animación dirigida por Campanella), 'Tesis sobre un homicidio', 'La antena' (todo un derroche de originalidad expresionista con estilo comic), 'Roma', 'Días de pesca en Patagonia' y la más reciente 'El ardor', un western minimalista con un final algo flojo y Gael Garcia Bernal de protagonista.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 7

Hoy toca sesión ligera con solo tres películas y arrancando a las 9 de la mañana. No es que haya dormido mucho más que otros días, pero se agradece media hora más en la cama. Se viene el 'Argentina day', ya que 2 de las 3 son originarias del país del mate. Hace un día estupendo, y me resulta muy interesante la jornada matinal de Auditori. Tras realizar la rutina diaria, desayuno, perro, y camino a la estación toca disfrutar de un enorme bocadillo en el tren, que luego sabemos lo que pasa. Al llegar, @JohnPrskalo está en el bar de la estación. Genial, el camino a Auditori no se hará tan largo como de costumbre. Vamos con el día 7, esto se acaba señores...

Relatos Salvajes - Damián Szifrón - Argentina
7.5/10

Una de las grandes esperadas del público en Sitges hacia su estreno a primera hora de la mañana. Mi creencia de que iba a estar la sala a rebosar ha sido desmontada al llegar y ver que ciertamente no era así. Cola medianamente normal y poca afluencia en los alrededores de Auditori. Como @JohnPrskalo me comentó de camino a la proyección: muchos ya tuvieron la suerte de verla en la última edición del festival de San Sebastián sin contar que en la tarde-noche había otro pase y que además en un breve espacio de tiempo seria estrenada oficialmente en todos los cines. Mejor, hemos podido disfrutar de una de las posibles ganadoras en este edición del festival con poco público y sin tener que hacer extraños movimientos de cabeza. Aclamada por público y critica, esta comedia negra de origen argentino es una delicia para los sentidos. Dividida en 6 episodios de duración progresiva, el nuevo film del argentino Damián Szifrón pasa volando ante tus ojos, casi 2 horas de complicidad total con lo que a uno le entra por los ojos, humor negro, a veces retorcido a más no poder, un humor cómplice y en pequeñas dosis, a sorbitos, sin llegar a agobiar, sin caer en el gag fácil, con una impresionante factura técnica que abarca todos los ámbitos, actores, dirección, música, montaje, ritmo, fotografía: todo en ella es digno de alabar o destacar. Las dos primeras historias, 'Pasternak' y 'Las ratas', meten al espectador en faena, preparándole para lo que se le viene encima, para pensar mal y acertar, para sacar ese pensamiento retorcido y maquiavélico que todo ser humano lleva dentro y que Szifrón conoce muy bien. Siendo la primera la mas cómica de todas y la segunda retorcida como ella sola, se llega a la tercera, donde Leonardo Sbaraglia nos muestra con su interpretación el borde del precipicio, la rabia de ese momento de explosión en un hombre llevado a su punto más alto de tolerancia, al punto de no retorno, donde la parte bondadosa del ser humano queda lapidada de por vida. Es aquí donde llega la que para mí es la mejor historia de todas, la protagonizada por Ricardo Darín. En ella se muestra con más calma el despertar violento de alguien que tan solo quiere hacer las cosas bien, correctamente. Brillante momento en el que suelta la siguiente frase: '¿Pero qué violencia? ¿De qué violencia estamos hablando acá?', magnifico episodio. Excelente. El quinto es igual al resto, con un toque muy hitchcockiano y una resolución esplendida e inesperada. El sexto es un buen remate a todo lo visto anteriormente, un broche de lujo e igualmente cómico, retorcido y sorprendente aunque menos violento e impactante que el resto, y funciona perfectamente, relaja al espectador para que abandone la platea con una gran sonrisa en la cara. Los títulos de crédito iniciales, toda una delicia, acompañando junto al nombre de cada actor, un animal que representa su personaje en el film. Banda sonora de lujo, a manos de un grande como Gustavo Santaolalla que adjudica a cada segmento la música adecuada usando diferentes estilos y teniendo como punto máximo la historia de Ricardo Darín donde aparecen esas notas tan características de otras bandas sonoras compuestas por el argentino como las oídas en 'Amores Perros' o 'Babel'. Grandiosa película difícilmente olvidable, una de las imprescindibles este año en Sitges.

Kuime (Over your dead body) - Takashi Miike - Japon
5/10
 
No han sido muchas las películas que han generado colas pero esta sí ha sido una de ellas, algo que a priori no me extrañaba conociendo lo venerado que esta Takashi Miike, su director, entre la mayoría del público asistente cada año al festival de cine en Sitges. El realizador nipón y yo no conectamos bien en algunas ocasiones como en 'Visitor Q' o 'Sukiyaki Western Django', pero sí lo hacemos en otras como con la saga 'Crows Zero' o '13 assassins', es decir, cuando se dedica al cine de acción que le permite tantas de sus excentricidades. Este año el veteranísimo y veneradísimo Miike estaba por partida doble en Sitges con esta 'Over your dead body' y también con 'The Mole Song: Undercover Agent Reiji'. El comienzo es muy denso, oscuro, lleno de sombras, lámparas y pocas palabras con escasos vestigios de lo que la sinopsis reflejaba, una historia de fantasmas en un teatro. Su ritmo pausado despierta interés en el espectador solamente cuando su minimalista banda sonora incrementa la tensión o la emoción de la escena en concreto. Una vez metido dentro de ella y pasado casi más de medio metraje es cuando empieza a tomar color, con la inclusión de momentos paranormales, fantasmales o sangrientos, llegando casi al gore. Desgraciadamente Miike se apoya demasiado en estos elementos para que su película no caiga en el aburrimiento total, lo que es una pena. Enfocada de otra manera hubiera llegado más al público asistente que no dudó en abandonar la sala sin terminar de verla. Yo como otros nos quedamos hasta el final y si bien no disfrutamos de una gran producción si nos entretuvimos con sus escenas sangrientas y con su final. Por suerte o por desgracia, Takashi Miike seguirá siendo un director capaz de convocar masas a sus estrenos y producciones porque si de algo es capaz el japonés es precisamente de eso, de ofrecerte la posibilidad casi anual de salir amándolo u odiándolo.

El Ardor - Pablo Frendik - Argentina
4/10 
 
Última del día. Pablo Frendik, el director era invitado a realizar la presentación de su western selvático, 'El ardor', interpretado principalmente por el mexicano Gael Garcia Bernal. Quinta presentación en la matinal de Auditori, y en la que Frendik confesaba ser muy pronto, las 13:30h, para la proyección de la misma. El ritmo de conversación del realizador porteño es lento, igual que el mismo que habita en el film, donde todo es minimalista o sencillamente, lento. Sin más. Con una fotografía magnifica a cargo de Julian Apezteguia ('Días de pesca en Patagonia', 'Carancho'), la acción nos mete directamente en la selva argentina, de donde no saldremos más. Un padre y un hija viven acompañados de un tercer hombre a los cuales unos mercenarios cazadores y deforestadores tienen amenazados para poder quedarse con sus tierras. Llegado de otra parte de la selva aparece un joven extraño, escaso en palabras, sin camiseta y descalzo llamado Kaí (Gael García Bernal). Kaí se quedará para ayudar a la pequeña familia a defenderse y a enfrentarse al temido grupo de extorsionadores que pretende echarlos por las buenas o por las malas del lugar. Ha sido la peor del día y por suerte la última. Todo transcurre excesivamente lento, o tranquilo, incluso los diálogos y con ellos no vale la excusa de que son minimalistas. Hay pausas de segundos en un mismo discurso, incluso entre palabras. Dan ganas de gritarles que espabilen de una vez. Realmente saca de quicio esta lentitud en los diálogos. Si solo fuera el personaje de Kaí por su aparición de la nada o por su misticismo relacionado con la leyenda aparecida al inicio del film aun se podría entender, pero ¿porque les pasa a todos? Incluido a los extorsionadores. A pesar de todo esto, entra bastante bien, se deja ver y menos por alguna escena cansina el resto es pasable. Claro que... esto funciona hasta que llega la media hora final, dónde el director que hasta ese momento sabía mezclar el misticismo de la leyenda, el lugar y la tensión progresiva decide olvidarse y dedicar el resto a la acción, dónde se ve el verdadero western. Su premisa inicial la hemos visto en muchísimos westerns, cierto, pero se desplaza de este género con ese excesivo minimalismo o lentitud que aplica a todo el metraje, la substancia del western pasa totalmente desapercibida y olvidada para el espectador (por culpa de los actores también) e incluso todo lo que era selva se convierte el polvo. Un final irrisorio con diálogos de antología (atención cuando crean el plan de defensa/ataque y al momento pose del grupo extorsionador como si de un photocall se tratara), situaciones hilarantes (el temporalmente ciego y su show), el ridículo/homenaje duelo en referencia a los spaguetti-western, que no veía a cuento según como venia estando dirigida la película, personajes que dependiendo como les dé el sol, hacen una cosa o no la hacen -incongruentes y contradictorios según lo pida el guión-. Vale, aceptamos barco pero no compramos lancha. Inconexo tramo final para un lento film que oscurece con su inventiva extrema la esencia del género que pretende ser.