AFTER THE DARK

After the Dark - John Huddles - Estados Unidos

John Huddles nos trae en esta cinta algo más que un entretenimiento, nos propone poner en jaque nuestros propios principios morales mediante las vivencias que atraviesan los personajes de la trama. Nos situamos en Yakarta, donde tiene lugar un encuentro de un grupo de estudiantes extranjeros para despedir a su profesor de filosofía. Será allí donde se verán sometidos por el profesor a un cruel test: deberán tomar ciertas decisiones que los lleven a tener cabida en un búnker con capacidad para 10 personas, siendo 21 en total, que les permitiría sobrevivir a un cataclismo nuclear. Deberán decidir quien tiene cabida en el búnker y quien no, según las destrezas y los trabajos que les han sido designados a cada persona al azar. Aunque un tipo de film como este es fácil que caiga en la pesadez y en la palabrería, Huddles nos propone un reto intelectual estimulante envuelto en una atmósfera ligera que hace que la filosofía que embarga la cinta sea accesible a todo tipo de espectador. El director consigue que centremos nuestra atención en la historia que nos cuenta. sin embargo, pese a querer imprimirle a la película un análisis filosófico extremo, este solo consigue arañar la superficie. Algunos de los argumentos que se usan para que una persona entre o no en el búnker no resultan lo suficientemente consistentes y son fácilmente rebatibles de tal forma que podrían haber fácilmente ocupado el puesto que les arrebató otra persona dentro del refugio. Quizá esto se deba a que Huddles ha intentado aligerar la carga filosófica para tratar de llegar a todo tipo de público, perdiendo de ese modo la profundidad filosófica que probablemente necesitaría esta película. Así como sí resulta estimulante preguntarnos qué haríamos nosotros en determinadas situaciones, resulta un tanto decepcionante la excesiva superficialidad que recibe el trato de la trama.

EVIL DEAD

Evil Dead - Fede Alvarez - Estados Unidos

Realizar un buen remake de cualquier película ya sea del género que sea puede ser una tarea asequible, en cierta manera. Hacerlo de un film de terror supone además conocer a fondo un género que ya de por si, no es fácil de dominar pero, hacerlo de un film de culto y salir 'ileso', es algo casi imposible. Aunque esta 'Evil Dead' estuviera bajo la supervisión directa de Sam Raimi, el cual iba chequeando el montaje previo, la desconocida y personal impronta de un novel como Fede Alvarez, su director, dejaba entrever que el joven realizador uruguayo tenia muy buenas maneras para un genero tan singular como el terror. De todos es sabido que la saga 'Evil Dead' creada por Raimi es, entre otras muchas cosas, una de las sagas de culto mas importantes del cine moderno, su enfoque de un terror paranormal totalmente físico y doloroso alejado de las tópicas casas encantadas de los 70 sorprendió a muchos pero no ha sido sino con los años donde la saga ha ido ganando en adeptos y seguidores. Y si hablamos de 'Evil Dead', es imposible no citar a Ash (Bruce Campbell), el alma mater de la saga, un superviviente nato de todas las entregas dotado de un carisma que no conoce limites, un personaje único e irrepetible y Fede Alvarez hace la primera cosa bien antes de empezar eligiendo a los personajes y tomando una decisión vital y valiente, eliminar a Ash. Sacrilegio gritaran algunos. Lo cierto es que bien pensado, es la mejor idea que pudo tener Alvarez, o bueno, quizás fuera una imposición de Raimi para que su Ash no fuera 'duplicado' pero dada la razón por la que acuden a la cabaña y como se desarrolla toda la acción posterior, un personaje como Ash no encajaría en un trama tan dramática (drogas, separación familiar) donde el humor no aparece en ningún momento. El reparto de hombres y mujeres también es el mismo que en 1981, y al igual que en aquella la atacada, violada y poseída por el bosque era la hermana de Ash, Cheryl (Ellen Sandweiss), en 2013 fue Mia (Jane Levy), la hermana del falso protagonista David (Shiloh Fernandez) la que es violada en una escena que nos recuerda aquella cinta de anime/hentai de nombre extraño, 'Urutsukudoji'. Falso protagonista porque al contrario que en la versión de Raimi, en la de Fede, David no protagoniza todas las escenas terroríficas de la película, el ataque de Olivia (Jessica Lucas) a Eric (Lou Taylor Pucci) en la ducha, la escena del cuchillo eléctrico y apasionado beso posterior entre Mia  y Natalie (Elizabeth Blackmore) o el ataque de esta con la pistola de clavos. La acción y las escenas importantemente sangrientas están divididas. Ya no hace falta un protagonista carismático y absoluto. No hace falta Ash. Se puede eliminar al Jefe y apartar un poco de la mente del espectador la versión de Raimi y las mas que obvias comparaciones iniciales que ya podían preverse con ese homenaje del plano alejado del coche con el que ambos directores empiezan sus versiones. De los homenajes de Fede a Sam os cuento mas tarde.

 Con la presentación de personajes hecha, Fede Alvarez tiene repartida la acción y las sorpresas entre los cinco integrantes, nadie es protagonista salvo Mia, la cual y como son las cosas, aun siendo un deadite es la única que no llega a matar a nadie. Este remake o mejor dicho, nueva visión como anunciaba el poster, tiene ese gusto por el terror ochentero y disfruta además de personalidad propia, el escenario, los personajes e incluso sus acciones son, por raro que parezca, racionales en muchas ocasiones. Sam Raimi llevaba en 1981 a unos amigos a pasar un fin de semana en la montaña, Fede Alvarez hace lo propio pero añadiendo una motivación mucho mas dramática y cercana a la realidad como es la de ayudar a una amiga que acaba de recuperarse de una sobredosis a pasar la abstinencia y dejar las drogas definitivamente. Es la excusa perfecta y Olivia pone al fan a frotarse las manos cuando esta le comenta a David: 'No es la primera ocasión que lo intenta. Esta vez no vamos a dejar que se vaya.'. Este acercamiento a la realidad mas natural que propone Fede Alvarez se puede apreciar en varias escenas como en la que Eric pregunta si en realidad es sangre lo que hay manchado alrededor de la trampilla que da acceso al sótano cuando David retira la alfombra. El publico sabe que es sangre por el prologo inicial pero ni Eric ni nadie de ellos lo sabe, podría ser cualquier cosa. Al igual que este detalle, en 'Evil Dead' encontramos varios momentos en los que el espectador es conocedor del peligro inminente que les acecha a los protagonistas antes que ellos mismos como cuando Mia, ya transformada en deadite y escopeta en mano aparece entre las sombras del pasillo mientras ellos hablan en el salón. Esto crea una inquietud y una tensión ideales para el festival violentamente sangriento que baña la mayoría de escenas. Esta insistencia de Alvarez por dotar a su pequeña primera producción de personalidad también se puede comprobar en algunas de las decisiones de sus personajes, decisiones totalmente licitas para cualquier ser humano, estas son, tras la escena de Mia en la ducha, en miles de películas de este genero, a los protagonistas ni se les pasaría por la cabeza la idea de marcharse sino que ese seria el principio de la masacre, en 'Evil Dead' la primera reacción es marcharse a toda ostia de allí, justo lo que haría cualquier persona al ver que su hermana pequeña es capaz de hacer lo que hace sin inmutarse. Eso no lo hace la abstinencia. Otro cambio de este estilo lo tenemos cuando Mia, retenida en el sótano, consigue engatusar a Natalie y arrastrarla hacia las profundidades de la cabaña. En cualquier otro film, la escena abataría ahí y lo siguiente seria encontrar a Natalie muerta o desmembrada en algún lugar, en 'Evil Dead' no, aquí la acción sigue y nos regala una de las escenas míticas de la película, la del cúter y el beso. Brutal. 

Pero volvamos al inicio, a ese prologo. Unos minutos previos para ponernos en situación, con los anteriores usuarios del libro y como terminaron, no los del 'Evil Dead' de Raimi, sino...otros. Mas historia que deja un camino abierto a la posible precuela. Un bosque inundado de una niebla grisácea como arrancaba la original nos presenta a una chica deambulando entre los arboles, no vemos sus ojos ni su rostro. En la siguiente escena ya encontramos las primeras referencias a la saga original con la caracterización de la joven como deadite y esa violencia tan característica que conlleva el deshacerse de semejante criatura. Fede Alvarez viste a su 'Evil Dead' con un aire retro, a terror de antaño, se puede apreciar por ejemplo en las vestimentas de sus personajes y en concreto en la de Eric, el jeep rojo mas propio de hace años que de los actuales, la casi ausencia de tecnología nos dice que la historia podría estar situada en cualquiera de las ultimas tres décadas, los zooms propios del cine de terror de aquellas épocas u otros dos recursos made in Raimi como el travelling horizontal a través del bosque y los dos mini montajes cuando David pone las cadenas a la trampilla del sótano o cuando fabrica el desfibrilador casero. Esto unido a que el uso de efectos visuales (CGI) es practicamente inexistente como bien apunta en los comentarios del BR el propio director, crea un film que transmite, que no se siente artificial, un terror palpable, todos los fuegos son reales, grabados en estudio con un croma detrás para insertar posteriormente la imagen real, lo mismo que la rama que viola a Miae incluso hasta el río desbordado que les impide el paso a Mia y David, es autentico. Los gatos disecados, los deadites y sus ataques están hechos todos con prostéticos y maquillaje en un impresionante trabajo de Roger Murray con los diseños que también se encargó del nuevo Naturom Demonto. El equipo de maquillaje y prostéticos lo completan Vinnie Ashton, Patrick Baxter, Kevin Carter. C.J. Goldman, Gabrielle Henderson, Suzy Lee, Jane O'Kane, Dan Perry y Claire Rutledge haciendo una labor fascinante con los nuevos deadites y a la que esta nueva visión de 'Evil Dead' le debe muchas de sus buenas críticas. Al igual que Raimi tuvo en cuenta ese carácter grotesco de la poseída Regan (Linda Blair) de 'The Exorcist' para exprimir ese humor tan negro e hiriente, Alvarez también, el repertorio lingüístico sexual de Mia no tiene ningún tipo de tapujo y en varias ocasiones la oímos recitar alguna de sus lindezas. No menos importante es la fotografía de Aaron Morton, sobre todo en el tramo final donde cada fotograma es digno de enmarcar;  la música del español Roque Baños es todo un despliegue de imaginación, sirenas, melodías con aires clásicos y efectos brillantemente insertados en el montaje, tanto en la acción (la violación del árbol) como en el drama. Como dije al inicio de esta reseña, realizar un remake de un film de culto es un tarea muy difícil y pese a que Fede Alvarez estuvo supervisado en todo momento por Raimi, esta reinvención, remake, o nueva visión de la saga 'Evil Dead' esta a la altura, tiene vida propia, personalidad, mas de la mitad del metraje ocurre sin saltos temporales y desde luego es capaz de funcionar sola y generar un nuevo arco para los fans de la sangre y el terror mas violento y desprejuiciado. Además se añaden detalles que agrandan la leyenda negra del famoso libro y nuevo libro, esta vez sin cara, es imposible quemarlo y aparte del desmembramiento existen otros métodos para purificar los cuerpos poseídos. 

 

Volviendo a ese atrevimiento como es la eliminación del alma de la saga de Raimi, Ash, y su 'suplente', es curioso ver como el personaje interpretado por Bruce parece ser en lo que acaba transformándose David con el tiempo, superando su cobardía y dejando las excusas a un lado. Es decir, tal y como están las cosas ahora, uno es todo carisma y el otro es todo cobardía, a uno ya lo conocemos y al otro lo conocemos en su via crucis, en el hecho que cambia su vida para siempre, la redención de un cobarde que dejo a su hermana pequeña al cargo de su madre enferma y se marcho para empezar su propia vida como mecánico en Chicago (de ahí que sea hábil poniendo las cadenas en la trampilla o te monte un desfribilador casero como si fuera MacGyver). El hecho que David tenga que hacer lo que tiene que hacer con su hermana, esa redención, es su castigo, una prueba del destino que justo en la escena en que se decide a tomar una decisión un rayo cae del cielo e incendia un árbol. Esa es la señal de que ya no hay vuelta atrás, hay que hacer lo que sea necesario. Y David cumple su castigo. Se redime. En cuanto a los homenajes...los hay, algunos muy sutiles y otros mas claros; además del primer plano aéreo o los mini montajes y el travelling made in Raimi, tenemos objetos como el reloj de la pared o el colgante que David le regala a Mia que en el caso del primero además, es el mismo de la película original, en este grupo tenemos la ya famosa sierra mecánica (Ash en esencia), al igual que la escopeta, son dos objetos que a diferencia de otros, SI debian estar en esta nueva versión. En cuanto a escenas hay varias, rodadas de manera distinta pero que nos recuerdan también claramente sobre todo a las dos primeras entregas de la saga de Raimi, la escena en el sótano, la de Natalie con el cuchillo eléctrico o la de Mia escapando entre las paredes de la cabaña. Y el homenaje mas icónico llega en el tramo final, donde vemos a la diabólica Mia emergiendo del suelo antes del diluvio sangriento como...en el poster del film de 1981, el homenaje de los homenajes. No quiero dejar de comentar el final, Fede Alvarez se inventa un giro de guión y cambia el foco de atención de quien hasta ese momento era el héroe, ahora ya redimido, para centrarlo en una Mia que nos regala una de las escenas y de las fotos mas impactantes de la película y del genero de terror moderno, cabaña ardiendo tras ella, diluvio de sangre y sierra mecánica en la mano, ahí Alvarez deja su firma para la posteridad, suelta el micro y lo deja caer, desde 'Braindead' no vi nada semejante en una pantalla de cine, la sangre impregnaba cada milímetro de la imagen, bestial. Como bien reza el cartel, 'Evil Dead' es: The Most Terrifying Film You Will Ever Experience (La pelicula mas terrorifica que jamas has experimentado) Para terminar, al final de los créditos hay un saludo de alguien muy especial, no tiene nada que ver con la continuación de la película ni nada por el estilo, además Campbell esta ahora mismo con 'Ash vs. Evil'. También se comenta en los audiocomentarios del director que se rodó un final alternativo en el que Mia, la única superviviente, terminaba andando herida por la carretera y siendo recogida por un granjero y su familia. Al llegar al hospital, Mia se transformaba. Imagino que se eliminó del montaje final porque dejaba la continuación totalmente abierta y no era necesario ya que mostrar el libro abierto y en mitad del bosque, a merced de cualquiera, es dejar ya todo bastante abierto. Mejor insinuar que darlo todo masticado.

SAINT YOUNG MEN

Saint Young Men- Noriko Takao - Japón

En esta original película nos situamos en Tachikawa, los arrabales de la ciudad de Tokio, Japón, lugar que Jesús y Buda escogen como para descansar y disfrutar como unos singulares turistas, abandonando su habitual paraíso celestial. Los protagonistas buscan un año sabático, por lo que ponen todo su empeño en pasar desapercibidos, sin embargo su naturaleza divina les traiciona y no pueden evitar ponen el práctica sus dones. En estas nada anodinas vacaciones explorarán todos los rincones visitados por los mortales, desde los típicos baños japoneses hasta los mercados. Del mismo modo que disfrutarán a lo grande del mismo modo que nos gusta hacer a los mortales, atracones de pasteles, hacernos selfies para capturar hasta el más mínimo momento, visitar parques de atracciones o rendirnos al magnetismo de las series. Aunque del mismo modo deberán la otra cara de la vida humana, hallar un modo de afrontar la vida. También conocerán a los diferentes arquetipos que conforman la sociedad nipona, desde los más entrañables e inofensivos, como niños y gente amable y hospitalaria, hasta pequeños gamberros y miembros de la Yakuza. A pesar de que los últimos tiempos reina un ambiente de moralina en el que parece que no se puede hacer humor con según qué cosas, sobre todo con la religión, este largometraje japonés se atreve a hacer reír al público utilizando un humor sano, ligero y, evidentemente, sin ningún ánimo de herir sensibilidades ni verter sangre. 'Saint Young Men', conocida en España como 'Las vacaciones de Jesús y Buda', es una producción japonesa a cargo de la dirección de Noriko Takao. Es un film que rompe con la animación japonesa tradicional, lo cual supone un soplo de aire fresco, aunque la animación más tradicional se mantiene en el diseño de los fondos y personajes. La atmósfera de ligero humor va guiada por una melodía suave en la que podemos reconocer ritmos típicos japoneses, más modernos o antiguos, con tintes cristianos o budistas, dependiendo del momento. Una comedia muy recomendable que consigue hacer humor con un tema tan delicado como la religión sin caer en la burla ni hacer demasiado hincapié en los aspectos que podrían suscitar una mayor controversia.

THE CONJURING

The Conjuring: The Warren Files - James Wan - Estados Unidos

8/10

Han pasado tres años desde el estreno de 'The Conjuring' y hace unos días tuve la oportunidad de verla de nuevo. En su momento no la aprecie tanto como después de este segundo visionado y la verdad es que ahora mismo la considero desde ya un clásico del terror moderno, un film compacto que combina todo lo bueno que se puede esperar de una película de este género. Después de ir acompañado en los inicios de su carrera con los guiones firmados por su gran amigo Leigh Whannell, el australiano James Wan afrontaba en 'The Conjuring' un nuevo camino. En aquella ocasión se unieron al proyecto los hermanos Chad y Carey Hayes, conocidos guionistas que saltaron al cine en 2005 tras mas de 20 años en la industria televisiva realizando el guión del film de terror de Jaume Collet-Serra,'The House of Wax'. Esta doble incorporación crea un guión que funciona como una maquina perfecta  autogestionando su ritmo y creando tension mediante silencios aleatorios o escenas que no dejan de aportar informacion y todo ello sin forzar al espectador a nada mas que un único propósito, provocarlo y sumergirlo en la pelicula, hacer que acumule tensión y sienta verdadero miedo a mirar la pantalla. Hay malos y buenos directores, lo mismo que guionistas, pero el trio formado por Wan-Chad-Carey no solo saben dirigir o escribir bien sus historias sino que disfrutan haciéndolo, disfrutan montando escenas al detalle para sorprender al espectador aun a sabiendas de lo que va a ocurrir. Este juego del gato y del ratón que Wan y su equipo de guionistas proponen constantemente en 'The Conjuring' goza de cierta gracia y otorga desasosiego momentáneo hasta que llegan escenas como la oscuridad tras la puerta de las hermanas o el desenlace final en el sótano, ahí las medio sonrisas desaparecen de las caras de los espectadores timidamente, no se parpadea y tampoco se traga ya saliba, no hay tensión pero si unas imagenes realmente perturbadoras y dignas de quedar grabadas en la retina de todos. Para los que hablan de tópicos, les diré que no es delito tirar de tópicos siempre y cuando se rueden bien o innoven en algo, Wan hace con ellos lo que Messi con un balón, llevarlos hasta sus objetivos, esto es como ejemplo el matrimonio interpretado por Patrick Wilson y Vera Farmiga, investigadores paranormales visto cientos de veces en cientos de películas que aquí pasan de ser vistos como gente extraña, personajes pintorescos con aparatejos extraños, poco serios o demasiado avispados a ser un matrimonio ideal, los héroes, se llega a empatizar mas con ellos que con la propia familia Perron. Un notable guión para un montaje diferente donde el caso principal no es ni el que cierra ni el que abre la propia película, tópicos? Hola? Aires clásicos e innovación, todo junto y en completa armonía. Eso hacen Wan y los hermanos Hayes con los tópicos, mas claro, agua. El ritmo es constante pero repleto de pausas y momentos de silencio en los que agudizar el oído, hay una retahíla de objetos curiosos y casi fetiches de Wan como el juguete de Rory, la propia muñeca Annabelle, la sala de 'trofeos' de los Warren, el armario de casa de los Perron, la rama del árbol, las paredes ocultas tapiadas, los recovecos oscuros, el suelo de madera o el perenne mal olor proviniente del sótano.  En 'The Conjuring' la estética años 70 mediante la recreación brillante de la época  y la musicalidad de la película completan ese buen guión con la fotografía de Joseph R. Leonetti y la banda sonora del compositor especialista en el genero de terror, Joseph Bisara. Este conjunto es tan importante en el resultado final como la propia historia o el montaje de Kirk Morri ('Fast 7'), dotando a la película de un estilo único; una adaptación moderna y a su vez honorífica de clásicos como 'The Changeling' o 'Poltergeist' en combinación los avances cinematográficos de hoy día y que a diferencia de la mayoría de producciones, no están usados gratuitamente sino puntualmente y con un propósito claro. No hay excesos y eso agradece, hay un gran esfuerzo conjunto por marcar un enfoque serio, conciso, planos generales que devienen en zooms mientras la cámara se mueve de lado a lado, la película esta basada parcialmente en hechos reales y los elementos puramente de ficción no desentonan en ningún momento. 'The Conjuring' fue, y es ,la película de terror mas seria de James Wan hasta la fecha, su film mas redondo y un punto de inflexión definitivo en su carrera tras el pelotazo de 'Saw' en 2004. Otros los intentaron y no supieron, 'The Messengers', otros se acercaron 'The Strangers' y otros probaron incluso con un spin-off, 'Annabelle', no es fácil salvar tópicos como lo hace Wan pero cuando uno disfruta haciendo lo que hace como el, pocos errores se pueden llegar a producir. La forma de rodar de este director se basa en parte en cuidar mucho al publico al que van dirigidas sus películas y una grandiosa atención al género de terror, Wan es consciente de que el fenómeno fan es tan importante como la taquilla y no solo ofrece sobresaltos sin sentido sino que aplica una robustez propia de directores mas experimentados y reconocidos de este maravilloso genero. Observando la filmografía de Wan, y como suelen ser sus películas, encuentro que hay varios elementos en común en todas ellas,perfiles de personajes, montaje, medición del tempo, de la tensión, etc pero uno es el que define perfectamente a este realizador, la diversión que transmite su énfasis al dirigir mediante el juego de sorprender al espectador a toda costa, así fue desde 'Saw' con los acertijos, en 'Dead Silence' con los muñecos y en las dos primeras partes de 'Insidious' que parecen, vista de nuevo 'The Conjuring', un test de pruebas del australiano para conocer los verdaderos miedos de sus seguidores.

OXV: THE MANUAL

OXV: The Manual (Frequencies) - Darren Paul Fisher - Australia

5.5/10

Interesante propuesta la dirigida, escrita, montada y producida por el australiano profesor de cine y director, Darren Paul Fisher ('Inbetweeners', 'Popcorn'), donde el drama romántico se da la mano con la ciencia ficción mas filosófica y poética. En 'OXV: The Manual' la acción nos traslada a una realidad alternativa donde es posible medir las frecuencias individuales que emite cada ser humano y que determinaran su éxito o fracaso en la vida dependiendo de como sean estas. Mientras que los portadores de frecuencias altas están destinados a triunfar en la vida en todo lo que se propongan convirtiéndose en una especie de apáticos humanoides incapaces de sentir, los de frecuencia baja sufrirán todo lo contrario, la mala suerte y las malas elecciones formaran parte de su destino sin perder apenas un mínimo de humanidad. Esta seria la parte científica de la película a la que se le une como medio de transporte/explicación la historia de amor entre dos personas de frecuencias opuestas, Marie (interpretada por Lily Laight, Georgina Minter-Brown y Eleanor Wyld) de frecuencia alta y Zak (interpretado por Charlie Rixon, Dylan Llewellyn y Daniel Fraser) de frecuencia baja. La idea no es mala pero el ritmo lento y eso, junto a un desarrollo poco atractivo y un desenlace básico que vuelve inútil todo lo visto anteriormente terminan lastrándola mas de lo que se merece. 'OXV: The Manual' entraría dentro de esa nueva ciencia ficción de perfil indie con otras como 'I Origins', 'Under the Skin', 'Primer', 'Ex Machina', 'The Signal' o la británica 'Never Let Me Go'. Esta contemplativamente inteligente ciencia ficción austera o de 'bajo' presupuesto en comparación con la gran mayoría de producciones de este género, permite a sus directores y guionistas abordar cualquier tema por extraño que pueda parecer y relatar historias donde precisamente lo que importa y prevalece es la historia o el planteamiento por encima de cualquier artificio visual. También tenemos películas como la recientes 'Clovefield Lane 10' o 'Midnight Special' que vendrían a ser el nexo de unión entre ambas propuestas, la de la ciencia ficción mas comercial con la austera o indie. Aunque todo este tipo de ciencia ficción tenga como principal fuerte la potencia de su historia o ideas, siempre tienen un elemento o varios que las hacen especiales como por ejemplo los viajes en el tiempo en 'Primer', la atmósfera grisácea,  enrarecida y la banda sonora hipnótica de 'Under the Skin' o el final explosivo de 'The Signal'; todos estos elementos enganchan a una historia que aunque priori pudiera parecer amateur, aburrida o insípida culmina dignamente cerrando la película, es decir, mantienen al espectador interesado en lo que ocurre, en lo que ve y en lo que le cuentan, que como digo, es la potencia de estas historias. En 'OXV: The Manual' el interés viene únicamente de la historia en si, no hay ningún otro elemento al que agarrarse mas que lo que su director nos va relatando en un montaje atemporal en pequeñas dosis para poder encajar las piezas al mismo tiempo que Zak, el protagonista de la película, y entender el significado de la propuesta. Una propuesta que empieza interesante pero se diluye por la falta de emotividad en su tramo medio y la extraña madriguera de conejo que su guión teje para, por si fuera poco, rematar con un final tópico que no hace otra que restarle cualquier importancia a todo lo que antes se ha planteado. Lo mejor es la idea de las frecuencias, el esperanzador inicio y la breve actuación de Georgina Minter-Brown en la etapa adolescente de Marie.

OLYMPUS HAS FALLEN

Olympus Has Fallen - Antoine Fuqua - Estados Unidos

5/10

Dentro de la liga que juega 'Olympus Has Fallen', se la puede considerar una película pasable siendo honestos, entretiene y distrae en un intento por recuperar aquel cine de acción noventero sin pretensiones que tan buenas películas dejó en su momento. El noveno trabajo de Antoine Fuqua recuerda a aquellos blockbusters noventeros que el tiempo ha convertido en clásicos de culto del cine de acción mas desenfrenada como 'Under Siege' con Seagal en su mejor momento (su mejor película?) interpretando a un cocinero en un barco secuestrado por terroristas o la excelente 'Die Hard' con la que 'Olympus Has Fallen' es comparada mayormente. El cine de acción de los 80, mas que el de los 90, estaba ligeramente influido por las artes marciales, pero en el 87 llegaban 'Lethal Weapon', 'Robocop' y 'Predator' para mas tarde en el 88 hacer lo propio John Mclane y su 'Die Hard' mientras que Norris y los 'guerreros americanos' daban sus últimos coletazos ya a principios de los 90. Allí aparecieron Steven Seagal con su primera película, 'Marked for Death (Señalado por la muerte)', y la secuela de 'Die Hard' para insuflar un nuevo aire al genero de acción mucho menos apoyado en las artes marciales y en la cultura asiática. Si, Seagal siguió usando las artes marciales en sus películas pero no estamos hablando de 'guerreros americanos' sino de un nuevo aire mas explosivo, policíaco, con terroristas y acción puramente 'norteamericana'. Esta también es la época exitosa de Van Damme y en las películas que realizo a partir de 1990 el uso de las artes marciales cada vez fue mas reducido y usado solo como habilidad del protagonista en cuestión. Es mas, el 80% de las películas realizadas por Van Damme antes de los 90 son de artes marciales puras y duras como 'No Retreat, No Surrender', 'Bloodsport' o 'Kickboxer' mientras que el resto se puede ver claramente un aumento de la acción mas clásica y de la ciencia ficción. 

La década de los 90 y el cine de acción dieron grandes títulos como 'Speed', puerto de despegue de Reeves y Bullock, 'True Lies' con Schwarzenegger y Jamie Lee mano a mano, 'Predator 2', 'The Hunt for Red October', 'Total Recall', 'Point Break', 'The last Boy Scout', 'Lethal Weapon 3', 'Passenger 57', etc... la lista es larga, mucho, los precedentes sentados a finales de los 80 por películas que apostaban por la acción dejando de lado las artes marciales fueron la semilla para que hoy día producciones como 'Olympus Has Fallen' vean la luz y se puedan considerar pasables o por lo menos, aceptables. Siempre y cuando te gusten este tipo de films. Eso si, entre los fans de este genero podremos encontrarlos también de dos tipos, los escépticos que no perdonan ni un fallo de guión y elevan a 'Die Hard' a máximo exponente del cine de acción negando previamente y cualquier intento de acercamiento a esa gran película y dos, los que saben perdonar y aceptar un film que da lo que promete sin engañar al espectador en ningún momento. Algo similar a lo que hace Michael Bay y que a tantísima gente le jode que es, hacer lo que sus pelotas manden. Es así, si una película la dirige Bay o en este caso Fuqua, ya sabes a lo que te expones, ha dirigido películas como las brillantes 'Training Day' o 'Shooter', si no le entras al juego y todo te parece mal pues le encontrarás todos los fallos que quieras y tu experiencia sera negativa, además de masoquista. Con los años viendo películas uno llega a ver de todo y estos productos, medianamente bien hechos, resultan ser algo ligero con lo que disfrutar en un cine o en casa en una sobremesa de domingo. Esto también parece que molesta a mucha gente, que se vaya al cine para disfrutar. Para mi la película es mala, no os voy a engañar, mala en el sentido que es algo visto mil veces antes donde solo las escenas de acción o algunos momentos son pasables pero en su conjunto, como filme, no me parece mala película sino un producto de acción hecho para que funcione como eso exactamente, como producto, como franquicia. Nos comemos otras con patatas como las teenagers de 'Hunger Games' o 'Detergentes' y no vamos a aceptar a Butler repartiendo mamporros? Why not? Yo abogo por este tipo de cine tanto como por el de autor con el que disfruto muchisimo mas, en serio, ambos cines son necesarios, todos aprenden de todos y todos beben de todos. 'Olympus Has Fallen' sigue el patrón de 'Die Hard' o 'Under Siege': un lugar importante o emblemático secuestrado por terroristas donde el heroe de turno tratara de evitar a toda costa sus planes. En 'Die Hard' el héroe, que además es el prototipo de antiheroe no como el personaje que interpreta Butler,  ya se encontraba dentro al igual que en 'Under Siege' con lo que el efecto sorpresa de nuestro protagonista incrementaba la 'realidad' de lo que sucede pero en 'OHF' el héroe se implica por voluntad, por amistad y por patriotismo. Ellos son así, llevan toda la vida alabando su patriotismo en cientos de películas antes y en 'OHF' esta mas enfatizado que de costumbre pero...así son y así seguirán. En una película titulada 'Objetivo: La Casa Blanca' dirigida por Fuqua algunos esperan que no haya patriotismo? En cuanto al guión pues tiene de todo, errores de coherencia, lagunas, motivaciones cambiantes, etc...Rothenberger y Benedikt, matrimonio y guionistas se estrenaron en Hollywood con este guión en 2013 para mas tarde colaborar en 'The Expendables 3' y la secuela de 'OHF', ambientada en Londres. Lo mejor de 'OHF' es el combo formado por Gerard Butler en plan Mclane con ese humor socarrón que aparece en pequeñas pinceladas y un espíritu 100% patriótico y un interesante Aaron Eckhart que lleva dando palos de ciego desde 'The Dark Knight' y que parece una versión ciclada del presidente americano que interpreto Bill Pullman en 'Independece Day'. También las vistosas y espectaculares escenas de acción que monta decentemente John Refoua, habitual de Fuqua, con especial mención al ataque inicial, todo un despliegue militar sobre la Casa Blanca donde ese día parece que la policía y el ejercito no trabaje ni se la espere. Y que importa? Bueno si, al parecer hay gente que le importa que no se relaten los hechos como deberían ser o lo mas parecido a la realidad, es decir, les hubiera gustado que Fuqua relatara con todo tipo de detalles como atacar la Casa Blanca en una producción hollywodiense para que el mundo entero tomara apuntes. Hay que dejarse llevar y no hacerse tantas preguntas cuando sabes a lo que te expones, o solo hay que llevarse dejarse llevar por el cine de autor? aunque...también puedes tomártelo por el lado divertido y verla solo para criticarla, que también es loable y comprensible, pero creedme que se disfruta mas cuando no les das importancia a la coherencia de los hechos y solo disfrutas con la acción y las fantasmadas que estos americanos son capaces de conseguir como nadie mas lo hace en este mundillo. En el reparto como secundarios se encuentran nombres de actores muy malos, poco conocidos y que solo hacen películas de vez en cuando y por eso eligen participar en películas tan malas como esta, nombres como Dylan McDermott, Morgan Freeman, Angela Bassett, Robert Forster o Rick Yune, el némesis del film. Véase la ironía. Poco mas que añadir, la banda sonora del televisivo Trevor Morris es bastante básica y la fotografía de Conrad W.Hall que enfatiza en todo momento ese patriotismo americano pues hace que el producto sea todavía mas marcado y encasillado bajo el fácil mantra de 'peli mala pero entretenida' o el de 'fantasmada americana'. Sinceramente y hablando en plata, prefiero estas mierdas a productos como 'Hunger Games' que se valen de excusas vistosas para ofrecernos un contenido totalmente vacío y estúpido donde la sensación de haber perdido el tiempo viéndola es mucho mayor que al terminar de ver 'Olympus Has Fallen'.

THE GREEN INFERNO

The Green Inferno - Eli Roth - Estados Unidos

4/10

Es Eli Roth un claro ejemplo de director sobrevalorado? El tiempo lo dira. Quizas solo se trate de un caso mas de director venido a menos tras despuntar con una opera prima como tantos otros antes. Tras saltar a la palestra del cine de terror con 'Cabin Fever' y las dos sangrientas partes de 'Hostel' que lo confirmaban como uno de los nuevos grandes directores de este genero, la carrera del polifacético actor, productor, guionista y director parece haber caído en un pozo sin fondo. Desde que el realizador norteamericano triunfara con el torture porn de esa bloodexplotation europea producida por Tarantino en 2005 llamada 'Hostel' y su secuela en 2007, Roth no volvió a dirigir ni una sola película hasta esta 'The Green Inferno' en 2013 que llegará casi dos años despues a estrenarse en España. Su labor principalmente en ese tiempo, al margen de su afición por los cameos, ha sido la de producir algunos filmes bastante conocidos como las dos partes de 'The last Exorcism', el mashup de artes marciales y hip hop 'The Man with the Iron Fists', 'Aftershock' de su amigo Nicolas Lopez y la magnifica 'The Sacrament' de Ti West. Su carrera después de 'The Green Inferno' siguió ese mismo patrón. Productor en 'Clown', 'The Stranger' y el remake de su opera prima, 'Cabin Fever' mas la dirección de la reciente 'Knock Knock'. Estas dos ultimas se han llevado además muchas criticas negativas entre el publico. Es mas que visible la decadencia en la filmografía de este director. Eli Roth es un director altamente querido por una parte de la masa festivalera fan del genero de terror que le otorga siempre mas méritos de los que realmente merece y tienen sus cintas. Todos, incluido un servidor, esperábamos mucho mas de 'The Green Inferno' tras llevar la coletilla de 'en la linea de 'Cannibal Holocaust' pero, el resultado final, es flojo y decepcionante. A Roth cada vez le puede mas su cinefagia y se deja llevar por las peticiones de un publico, el festivalero, sediento de sangre e imagenes impactantes que le ríe todas las gracias. En esta linea, y teniendo en cuenta lo salvaje que fue el díptico 'Hostel' y la carrera en si de Roth, en 'The Green Inferno' se esperaba algo fuerte, muy fuerte, salvaje hasta el extremo, algo polémico, radical y lo curioso es que, montada de otra manera, podría hasta llegar a pasar por una comedia bizarra. Las criticas negativas tanto a este trabajo como al ultimo realizado con Keanu Reeves, 'Knock Knock', dejan muy claro que Eli Roth es un director venido a menos que solo da al publico lo que este le pide sin innovar en nada ni intentar aportar algo nuevo. Quizás también se haya dado cuenta el mismo de su problema y de ahí su mayor participación en labores de producción que de dirección. 'The Green Inferno' no ha conseguido ni de lejos el impacto que supuso 'Cannibal Holocaust' en su momento, y lo peor, tampoco es la película mas sangrienta de Eli Roth, detalle muy a tener en cuenta.

Que falla en 'The Green Inferno' para semejante oleada de criticas negativas? Pues bien, no funciona nada mas que la casquería. Que si, es brillante, en este apartado hay escenas geniales, duras y bien rodadas pero claro, el resto no es lo suficientemente consistente como para llegar a producir terror o inquietud, mas bien terminas deseando que se los coman a todos y que sufran. La parte fuera de la casquería se apoya en clichés, elecciones estúpidas y actores de Todo a 1e que degradan por completo el resultado final. El argumento base es el siguiente: Un grupo de activistas amateur que se dirige a Perú para detener el exterminio de una tribu indígena del Amazonas sufre un accidente en la avioneta que los transporta de regreso a casa quedando perdidos en mitad de la jungla. Tras el incidente son secuestrados por otra tribu desconocida a la que servirán de alimento, uno a uno. En su arranque y denuncia de la mutilación del clítoris en algunas tribus la película cobra el poco sentido que puede llegar a tener, es un tema que encaja a la perfección en la historia y que pone en alerta al espectador sobre lo que puede llegar a venir. Esto mas una ligera denuncia a las ONG en el tramo final es lo único serio y loable que se puede ver en 'The Green Inferno', sin contar el disfrute personal de cada uno con la casquería. El guión de Roth y Guillermo Amoedo es plano, lento, la acción tarda mucho en llegar, no hay giros, no hay complicaciones, todo es altamente previsible con un humor escatológico sin sentido alguno y una protagonista asustada sin motivo ya desde el minuto uno. Para mas inri, es la mujer de Roth en la actualidad. Que cada cual saque sus propias conclusiones y vea los currículum de ambos desde que están juntos. El resto de actores totalmente fuera de lugar gracias a unos personajes planos y poco desarrollados, en especial, el de Ariel Levy, que te tiene que caer mal si o si porque así te lo exige su director y para ello te lo recuerda 5 y 6 veces. Ey, es un ególatra, un narcisista, avaricioso, cada escena de Levy es para remarcar el carácter antihumano de su personaje y revelar algún dato desconocido o provocar alguna reacción. Repetición de ideas constante. Realmente todo esto es aceptable gracias a la música de Manuel Riveiro, la fotografía colorida entre verde y rojo de Antonio Quercia y los viscerales efectos especiales pero escenas como la de la marihuana (que Roth la mete ya al inicio con calzador clicheado), la de la cagada y la de la masturbación tiran por tierra unas intenciones que pasarían por aceptables de no ser por un grandísimo error cometido por el director norteamericano y que le hubiera otorgado la seriedad necesaria a un proyecto que pudo haber sido mucho mas explicito y real. (Nota al margen: Con esa cantidad de marihuana no consigues esos efectos ni por asomo.) El error al que me refiero es la eliminación del found footage. Un elemento clave en el clásico de Ruggero Deodato que hizo que no solo millones de espectadores en todo el mundo tomaran por reales sus imagenes sino que fue incluso llevada a juicio por su realismo. El found footage es un genero actualmente muy quemado y creo que si 'The Green Inferno' hubiese sido apostado por este formato entera o parcialmente le hubiera supuesto un plus de realismo que en el formato convencional, no tiene. Otro error que tiene esta en ese guión plano y poco creíble, al igual que ocurria en 'Hostel', en 'The Green Inferno' tenemos un terror real, tangible, algo que aunque extraño podria llegar a suceder, no son viajes en el tiempo ni hay extraterrestres pero desde que ya en su mismo arranque nos presentan esa ONG amateur de chiste comandada por Levy de manera banal y simple, el conjunto se siente vacío y sin fuerza, los actores no convencen. Intento fallido de Eli Roth al que todavía le quedan balas en la recámara y seguro volverá a sorprendernos. Tengamos fe.

UNDER THE SKIN

Under the Skin - Jonathan Glazer - Reino Unido

8/10

En el cine, el paso del tiempo nos ha demostrado sobradamente que existen películas olvidables y otras que, por alguna extraña razón o nimio detalle quedan incrustadas en su historia. 'Under the Skin' pertenece a este segundo grupo. Alejada de los convencionalismos de la ciencia ficción cinematográfica y bajo el filtro del existencialismo mas austero, el tercer largometraje de Jonathan Glazer es, para bien o para mal, una de esas obras extrañas y curiosas que el cine nos regala de vez en cuando, una pequeña joya de la que tanto fans como detractores recuerdan con solo mencionar su nombre. Basada en la novela del año 2000 escrita por el neerlandés Michael Faber y guionizada por Glazer y Walter Campbell el filme narra la historia de un alienigena (Scarlett Johansson) enviado a la tierra para drogar y secuestrar a seres humanos que posteriormente son recogidos por otros de su especie con el fin de convertirlos en alimento. En realidad 'Under the Skin' es una cinta mas sencilla de lo que puede parecer a priori o de las interpretaciones que pueda generar durante y después de su visionado. Es una historia poética, una transformación pausada, de corte indie y con ritmo pasivo, lento, donde lo visual y la edición de sonido elevan el morbo del cuadro que Glazer muestra en la pantalla. Y como un cuadro se ha de ver, es una producción austera pero muy detallista, silenciosa pues apenas hay diálogos y los primeros llegan pasados el cuarto de hora, la fuerza esta en todo lo que precisa de nuestros sentidos mas usados, vista y oído.

Después de dirigir 'Sexy Beast' y 'Birth' el experimentado director de videoclips y anuncios presenta un cuento de terror alucinógeno, una fabula de ciencia ficción no convencional que bien podría ser la versión existencialista de la protagonizada por Natasha Henstridge en 1995, 'Species'. Estamos ante una narrativa cinematográfica de autor, quasi experimental, donde se introducen silencios y pausas en las escenas mas largas de las habituales en cualquier cinta, Glazer quiere que el espectador disfrute viendo su cuadro, que no solo se quede un rato mirando sino que se quede clavado delante de el sin esperar que ocurra nada mas como en la escena del espejo. La banda sonora de Mica Levi y el final de la película sin duda son esos 'nimios' detalles de los que hablaba al inicio de esta critica y que hacen de 'Under the Skin' un gran joya de la ciencia ficción moderna. Mención especial para Scarlett, que está de 10. Sobrada. Inerte. Desaparecida dentro de ese envoltorio que es la piel. Fantástico trabajo el de la actriz norteamericana que pasa de ser una vaina vacía que no se inmuta ante nada a comprender el alma humana y lo miserable que puede llegar a ser el ser humano. La ausencia de diálogos es una de las cosas que mas me apasionan de esta película, su tranquilidad para contar las cosas, como la dirección de Glazer y la fotografía de Daniel Landin te hacen sentir parte de esa Glasgow de otra dimensión con esas tomas practicamente documentales que transforman lo normal y cotidiano en bizarro y onírico. Antes mencione el final como una de las piezas clave de la película pero no quiero dejar de recordar el momento de la playa. Una escena magistralmente rodada, en unas condiciones adversas y de una crudeza que ya quisieran para si muchas películas de terror. Así mismo, todo el arco que conforma el 'feo'. Imposible apartar la mirada y tragar saliba durante toda la conversación en la pussywagon del alienigena. El. O ella? No sabemos a ciencia cierta el genero y si tiene, del alien al que da vida la viuda negra o quizás se pueda intuir cuando la película pasa a su segunda parte. En la primera parte nuestro alien se adapta al terreno y en la segunda aparece la humanización, el naturalismo que parece crecer dentro de el o ella. Algo sin control crece dentro de ella. Esta solo en un planeta que no conoce y donde el alimento tiene consciencia y pensamientos 'racionales'. Imaginaros la situación. Es difícil pero poneros en el caso de llegar a un planeta lleno de cerdos o vacas y donde estas vayan vestidas, hablen y hayan creado una sociedad. Este pensamiento justifica toda la grandiosa actuación de Johansson. La sensualidad, sexualidad y esa maldita sonrisa que también sabe fabricar no se pagan ni con todo el oro del mundo. Curioso que una raza extraterrestre se valga del sexo para sus fines respecto a los hombres pero...ya sabéis el dicho ese de que el hombre piensa con la p... así que...imagino que cuando toda la sangre del ser humano se concentra en cierta parte del cuerpo debido a tener a una mujer como Scarlett cara a cara diciéndote que si quieres ir con ella a su casa pues...blanco y en botella, leche. Ese es otro, o el que mas fama tiene, de los motivos por los que muchos recuerdan 'Under the Skin', por los desnudos de Scarlett.

 Tenemos que saber abrazar este tipo de cine porque a la larga se convierte en la esencia del mas comercial. La propuesta de Glazer en 2013 es una de las películas mas infravaloradas de la ciencia ficción cinematográfica, al contrario que la novela en la que se basa que si goza de gran prestigio internacional. Amo el cine y amo este tipo de propuestas que se desvían del camino convencional porque consiguen ya sea para bien o para mal mantenerme pendiente de que va a ocurrir o de que habrá querido transmitir su director rodando una escena de una manera o de otra. Como ejemplo la tan criticada escena de Scarlett frente al espejo. Demasiado larga? No se sabe que quiere decir? Y digo yo...tiene que decir algo? Algo en concreto? En la mente de cada uno pasaran ideas y enfoques diferentes sobre el significado de dicha escena o quizás es que solo es una escena mas. Como su final. Bizarro, 'trambolico' que diría aquel, algo extraño que si te pilla pensando en otras cosas puede suponer un gran shock, un syfy final cargado de dramatismo que por ejemplo no tiene la tan alabada actualmente '10 Cloverfield Lane'. De eso se trata señores, de innovar, de inventar. Que se puede hacer/disfrutar una película convencional técnicamente perfecta y también una con un enfoque experimental, distinto, pertubardor y perdurador. Porque 'Under the Skin' te puede dejar frío pero no la olvidas jamas. A los que os guste la banda sonora no dejéis pasar estos temas: 'Death', 'Love', 'Lips to Void', 'Andrew Void', 'Lonely Void' y 'Drift'.

SINNSIDE

Sinnside - Miguel Ángel Font Bisier - España

7/10

Recordais haber leído alguna vez esos pequeños libros de escasas paginas y tapas muy duras que por alguna razón os acompañaron durante la niñez cogiendo polvo en algún rincón de vuestra habitación sobreviviendo al paso de los años?  Quizás si o posiblemente no, en cualquier caso, estáis con 'Sinnside', ante la oportunidad de disfrutar uno de ellos con vuestros propios ojos. Un cuento corto, protagonizado principalmente por niños y para niños, o mejor dicho, para advertir a estos de lo fácil que puede ser corromper un alma inocente. Escrito y dirigido por Miguel Ángel Font Bisier en el año 2013, 'Sinnside' está producido también por el propio director valenciano en colaboración con Ryu Media (Rafael Lis / Eduardo Lis) e interpretado por Ramón Orozco, José Soler, Cristina Martínez, Belén Riquelme, Tania Martínez, Enrique Victoria, Ángel de Miguel, Ignacio Bort, Pavel Gorny, Sasha Marini, Javier Aldero, Jose Maria Bernabeu y los niños, Manuel Ruiz Gálvez, Álex Boyer Cortés, Eva Zuñiga Estevan, Anastasia Senko, María Zuñiga Estevan, Zaida Martínez Pérez y Lucía Stoks. Después de la trilogía conocida como '3NESIS' ('Eiénesis' 2010,  'Aeterna' 2012 y 'Heraion' 2013 rodado en el desierto de California en Estados Unidos), donde Miguel Ángel Font experimentó con el formato fashion-film mezclando moda y cine, llegó el momento de cambiar de rumbo en cuanto a género y el realizador español no se lo pensó dos veces apostando por el terror mas sugestivo y surrealista. 'Sinnside' es un muy buen corto, oscuro, una dulce/amarga fabula que estéticamente y técnicamente aún guarda cierto parecido a los fashion-films en este sentido, se nota la educación musical que M.A. Font recibió en su etapa universitaria y la experiencia del que sabe mostrar en un proyecto cinematográfico una idea potente y original como la que se nos cuenta en esta ocasión. La originalidad y la génesis de la historia que presenta 'Sinnside' es suficiente para mantener al espectador pendiente de lo que ocurre hasta prácticamente su final, un concepto solo, el de la originalidad, que pese a no estar presente en muchos cortometrajes actuales que salvan los muebles con un buen guión, una buena fotografía o una buena banda sonora, aquí, no solo lo está durante sus 13 minutos sino que dota a las imagenes de una fuerza total y absorbente. El diseño de producción y de personajes es algo que está realmente bien cuidado y hasta en ellos se puede apreciar esa originalidad a la que hacia mención antes, se nota lo perfeccionista que es su director y la idea de lo que quiere hacer y como quiere que se vea en pantalla. La fotografía de Cayetano Gonzalez ('Llagas') capta perfectamente esa inocencia en las miradas de los niños y los efectos especiales están muy integrados, ya sea al principio con esa calle creada de la nada y la forma en que se mueve la cámara evocando al inicio del mítico videojuego 'Silent Hill' o cuando se revelan las cartas en mitad del corto y la tonalidad se vuelve verdosa y oscura. Gran trabajo también el de Isabel Latorre ('Generation Z') al frente de la banda sonora, en una producción sin ningún dialogo esta juega un papel importantísimo y Latorre maneja la tensión e interés generados por las imagenes minuto a minuto con gran soltura y destreza. Nominado a mejor cortometraje en Sitges 2013 tiene entre sus protagonistas a alguien que quizás reconoceréis por sus videos cómicos sobre la pareja que corren por la red, hablo de Javier Aldero. Tranquilos, no es un Youtuber. Mi escena favorita es la que protagoniza Pavel Gorny con ese aparto tan 'Saw', tan brutal como aplaudida en muchos festivales, porque esa es otra de las cosas buenas de 'Sinnside', su lado claramente festivalero, no solo es un corto bien realizado, con una historia potente y bien desarrollada, también es un divertimento puro que te deja con una sonrisa de agradecimiento macabra tras lo visto. Su bajo título ya lo avisa: 'Bienvenidos al lado dulce del pecado.'.

SONNO PROFONDO

Sonno Profondo - Luciano Onetti - Argentina

7/10

El giallo es un subgénero del cine de terror del cual llegan a producirse con suerte anualmente dos o tres películas a lo sumo. Desde que el maestro italiano Dario Argento estrenara 'Giallo' en 2009 no llegan a 20 el número de producciones de este subgénero estrenadas mundialmente y donde solo destacan títulos como las belgas 'Amer' en 2009 y 'L'étrange couleur des larmes de ton corps' en 2013 o la británica 'Berberian Sound Studio' en 2012. El argentino Luciano Onetti resucita el giallo mas clásico o vintage, en 'Sonno Profondo' mediante un atosigante primer plano subjetivo, constante y casi único, las andanzas de un pervertido y enfermizo asesino convertido en presa. Un ejercicio de estilo y de puesta en pantalla brillantemente realizado capaz de transportar al espectador a mediados de los años 70, donde la película a la que homenajea y mucho, 'Profondo Rosso', aterrorizaba a propios y extraños con sus explícitas muertes. Producida, escrita, dirigida e interpretada por el propio Luciano Onetti, que también se encarga de la fotografía y la música, nos sitúa en un primer plano subjetivo del asesino a través única y exclusivamente de sus manos. Embutidas estas en guantes de cuero granate seremos testigos de como nuestro killer, Locri (Luciano Onetti), asesina a Miele (Daiana Garcia) una joven brasileña que vive sola en su apartamento. De regreso a casa, alguien pasa un sobre con fotos bajo la puerta donde se ve claramente a Locri asesinando a Miele. Junto a las fotos, una dirección. Giallo clásico dirigido con mucho mimo por alguien que se nota ama el genero desde muy adentro, muy pero que muy alejado de variantes como el neogiallo, el giallo noir, etc con homenajes claros a la citada antes 'Profondo Rosso' y también a 'Quatre mosche di velluto grigio' de 1971 o 'L'uccello dalle piume di cristallo' de 1970. 

Al contrario que en su segunda película, 'Francesca', en 'Sonno Profondo' Onetti priva a esta de cualquier tipo de dialogo o interacción entre dos personajes lo cual hace mas perturbadores todas sus imagenes. Sus silencios solo están llenados por la banda sonora o por efectos de sonido idénticos a la época en que es situada la acción, años 70.  Aunque su titulo o inicio pueda recordarnos a 'Profondo Rosso',  'Sonno Profondo' se desmarca como producto único al poco de empezar cuando Locri recibe las fotos y la trama arranca definitivamente hasta el final sin una sola pausa ni detalle a ser analizado. La casi ausencia de diálogos permite al espectador centrarse totalmente en las imagenes, donde Onetti hace de la escasez una virtud y le saca un partido extraordinariamente 'anticuado' a todas sus localizaciones. El hospital y los alrededores es algo magnifico. Con un estilo conscientemente setentero y vintage ya desde sus créditos iniciales, un amante del genero puede dudar entre si esta viendo una imitación moderna barata o un homenaje al giallo mas puro creado por los grandes realizadores italianos. La duda persiste poco tiempo pues como digo ya en sus primeros compases, en los créditos, esos colores saturados, iluminaciones hiperrealistas y el tono envejecido o grano de película que Onetti aplica no dejan lugar a dudas de que el homenaje esta presente y también, unas ganas enormes de devolver al giallo a las carteleras de todo el mundo. Es exactamente lo mismo que hizo en su momento Tarantino con su amor al cine de artes marciales y al western. 'Sonno Profondo' es un giallo moderno vestido como un clásico que bebe, valga la redundancia, de los mejores clásicos de este subgénero (Bava, Argento) ya que cumple a pies juntillas todos y cada uno de los tips que debe poseer un buen giallo: un asesino en serie enfermo o pervertido traumatizado por un hecho de la infancia, un misterio final, asesinatos originales coreografiados y mostrados explícitamente además de los guiños a los maestros con los guantes de cuero, los macabros muñecos de porcelana o los primeros planos subjetivos de cuchillos, cuchillas, ojos, manos o cualquier otra parte del cuerpo. En ese sentido la ópera prima de Onetti es notable pero, además de eso, 'Sonno Profondo' posee una ausencia de diálogos que la hace mas enigmática aun si cabe y también de rostros, pues el 75% son todo primeros planos subjetivos de las manos de Locri o cuando este levanta la cabeza y mira al horizonte.  A los no fans del giallo esta película puede parecerles tediosa, aburrida y que apenas muestra nada pero a los que amen este subgénero aceptaran de buen grado los homenajes constantes y esa variante de rodar todo el filme sin palabras y en un casi continuo POV del asesino. Estrenada hace dos años 'Sonno Profondo' fue el punto de partida de Luciano Onetti para que, estimulado por las buenas criticas recibidas, se lanzara con otro giallo: 'Francesca'. Personalmente y vistas las dos, me considero mas fan de su segundo trabajo, quizás algo mas 'comercial' o con una trama mas convencional pero mas consistente y menos novicia. Si 'Sonno Profondo' no os convence ni aun siendo amantes de este subgénero, probad con 'Francesca' y comprobareis que si ahora mismo hay un director que domina esta genero, ese es el argentino Luciano Onetti.

COHERENCE

Coherence - James Ward Byrkit - Estados Unidos
9/10

El norteamericano James Ward Byrkit dirige con gran eficacia y elegancia su opera prima, 'Coherence'. Se trata de un ciencia ficción de tinte clásico y drama light de fondo, que sin efectos especiales consigue embaucar al espectador desde los primeros minutos hasta su colosal final. Estrenada a finales de septiembre de 2013 en el Austin Fantastic Festival y un mes más tarde el festival de Sitges, por fin llega a las grandes pantallas tras casi medio año largo después. Más vale tarde que nunca: estamos ante de uno de los aciertos de la ciencia-ficción vista en cines en los últimos años. Pocas veces una cinta de este género suele dejar tan buen sabor de boca en términos generales como ocurre aquí en 'Coherence' donde el planteamiento más simple consigue volverse una espiral sin fin en la mente del espectador. Byrkit trabajó antes en el guión de 'Rango', y posteriormente en el videojuego del film, además de ser director de tres cortometrajes. No es nuevo en el mundo del cine, pero tampoco se puede decir que tenga una extensa carrera y poder firmar un film como 'Coherence' en su primer salto al vacío lo hace entrar en todas las listas de directores a seguir. Como podemos saber gracias a la entrevista que Ryan Lattanzio le hizo para la web IndieWire (en inglés) podréis conocer algunos detalles más de esta magnífica opera prima. Muchas de las situaciones que se viven se sienten tan reales precisamente porque los actores recibían su parte del guión a diario sin conocer ningún detalle más ni de sus compañeros de escena ni de lo que ocurriría más adelante, y no solo esto sino que algunos de los elementos exteriores que ocurren eran desconocidos para los actores. Incluso llego a llamar al timbre un pizzero a domicilio en mitad del rodaje. En esta enigmática película, un cometa sobrevuela la tierra la noche en que 4 parejas disfrutan de una cena en casa de una de ellas. Al poco rato comprobaran que sus teléfonos móviles no solo han dejado de funcionar sino que están literalmente rotos. A partir de ese momento empezarán una serie de sucesos a cual más extraño y misterioso, consiguiendo que la máquina de teorías mentales que cada espectador posee arranque su producción en masa exprimiendo todas las variables posibles ante lo que está ocurriendo delante de sus propios ojos. Sin respiro, sin pausa y sin tiempo para pensar más que lo justo en cada teoría y pudiendo al final respirar tranquilo y sentirse preparado para desconectar la máquina. 90 minutos llenos de magia, llenos de pura ciencia-ficción clásica. El casting lo forman un par de actores conocidos como Nicholas Brendon, Xander en la mítica 'Buffy' y Maury Sterling, Max en 'Homeland', y junto a ellos showrunners de segunda fila como Emily Baldoni, la belleza de ojos intensos que protagoniza la película y Elizabeth Gracen. También cuenta con otros actores menos experimentados como Lauren Maher, Alex Manugian, Hugo Armstrong y Lorene Scafaria. En total ocho actores, ocho personajes que son los únicos que veremos en pantalla.

El filme se sirve de la (ahora) famosa paradoja del gato de Schrödinger, usada para explicar la mecánica cuántica -un gato encerrado en una caja junto a un matraz fácilmente rompible está a la vez vivo y muerto en ramas distintas del universo que no interactúan entre sí debido a la decoherencia cuántica-, para hacer avanzar una trama de la que no se puede contar mucho porque estropearía el clímax y las diversas escenas clave que existen en ella. Si diré que es un filme de matices en personajes, de detalles en la producción y un guión lleno de frases y actitudes tan extrañas en algunos momentos que solo se harán totalmente entendibles al final. Puede sonar trillado y complicado pero no lo es, Byrkit no sólo dirige perfectamente esta atrevida proposición, sino que también cuida al detalle el guión y eso se nota. La incoherencia de los personajes ante las situaciones que les toca vivir y mostrado como lo muestra su director, cámara en mano todo el tiempo y viviendo los momentos de tensión como si de otro personaje más se tratara son imprescindibles para meter al espectador dentro de la película. Los sucesos se desatan y la incoherencia de algunos de los personajes también. Para nuestra suerte nos podemos agarrar a Em (la chica rubia protagonista de ojos intensos que cité antes), es el mástil al que nos sujetamos y nos atamos con cuerdas cuando vienen curvas pero... incluso ella tendrá sus momentos incoherentes, ojo a eso. Hay escenas que deben convertir a este film en uno de culto desde ya. Realmente estamos ante una delicia de película, disfrutable 100% y apasionante, que soporta varios visionados posteriores en los que descubrir muchos más detalles, y que -por suerte o por desgracia- no llega a la hora y media.