GOKSUNG (THE WAILING)

Goksung (The Wailing) - Na Hong-jin - Corea del Sur

'The Wailing' ('El Extraño') es de esas películas que no te dejan indiferente. De esas películas únicas, de las que no hay dos. Tras ver 'The Chaser' (2008) estaba deseando volver a ver Na Hong-jin en acción, y no me ha decepcionado lo más mínimo. A falta de ver 'The Yellow Sea' (2010), de la cual me han hablado muy pero que muy bien, 'The Wailing' se posiciona como su mejor obra hasta la fecha. La historia narra como la llegada de un extraño individuo a un pequeño pueblo coincide con la aparición de una rara enfermedad que interrumpirá la tranquilidad de sus habitantes. Hasta aquí todo correcto, pero ya sabemos cómo se ponen los coreanos cuando les da por sacársela. El director surcoreano juega con el espectador en las dos horas y media que dura la película, las cuales no se hacen nada pesadas en ningún momento, y más si disfrutas del cine asiático tanto como yo. Hong-jin reformula el cine de terror asiático mezclando el thriller coreano con el cine de fantasmas oriental que tan bien ha funcionado en los últimos años. La ambientación recuerda mucho a la también coreana 'Memories of Murder' (Bong Joon-ho, 2003) aunque menos costumbrista y más fantasmal, como requiere la historia. Tanto su fotografía como su banda sonora son para enmarcarlas y tenerlas ahí toda la eternidad. Además, ver a actores como Hwang Jung-min ('New World', 2013) o Jun Kunimura ('Kill Bill', 2003-2004) dándolo todo es una auténtica delicia para los amantes del celuloide oriental. Persecuciones, exorcismos esotéricos, giros memorables... En fin, ¿necesitáis algo más? Para un servidor la mejor película de lo que llevamos de año.

EL REI BORNI

El Rei Borni - Marc Crehuet - España

8/10

Excelente comedia negra de actualidad, de ambiente opresivo, oscuro y con un guión bastamente surtido de ácidos diálogos recitados por unos actores en un impresionante estado de gracia que perfilan unos personajes altamente reconocibles por todos. La cosa es así: una cena, un policía antidisturbios, un manifestante y las mujeres de ambos. El creador de la serie musical 'Pop ràpid', Marc Crehuet, adapta con excelentes resultados en la producción catalana 'El rei borni', su aclamada obra de teatro de 2013 de mismo nombre e interpretada por los mismos actores: Alain Hernández ('Mar de plástico', 'Palmeras en la nieve') como el policía antidisturbios, Miki Esparbé ('Requisitos para ser una persona normal', 'Cuerpo de elite') el manifestante, Betsy Túrnez ('Pop ràpid', 'Ahora o nunca') como la mujer del policía y Ruth Llopis ('Barcelona nit d'hivern', 'Nit i dia') como la del herido. La opera prima cinematográfica de Marc Crehuet es brillante, tanto en lo técnico como en el mensaje que transmite que resumiendo seria: la incapacidad de comunicación entre seres humanos ya sea a nivel emocional o racional. El director catalán muestra un dominio asombroso de la puesta en escena y del ritmo cinematográfico, 'El rei borni' es una película completa, sin fisuras, con un guión que funciona a las mil maravillas y a distintos niveles sin perder intensidad en ninguno de ellos. 

Ocultado bajo la comedia mas negra tenemos el drama de un policía al que su mundo se le viene literalmente abajo, es como un robot que funciona con ordenes, y sin estas es como un pollo sin cabeza que no sabe que rumbo tomar, también esta su mujer, complice en parte de los pensamientos de su marido debido a su complaciente y frágil carácter pero a la que dicha cena entre amigos abrirá los ojos de manera inmediata convirtiéndola así, sino lo era ya desde un principio, en la total y absoluta protagonista de la vida de ambos. En el otro bando no se van de rositas y ya en la primera escena que tienen antes de cruzar el umbral de la cueva Ignasi y Sandra, se aprecia que su relación tampoco es todo lo feliz que pudiera ser y, al contrario que el otro matrimonio, en este es ella quien lleva los pantalones. Ahí no queda todo, 'El rei borni' no solo funciona como drama que invita a la reflexión o una enorme comedia negra sino también como un potente thriller de terror psicológico gracias a la atmósfera enrarecida que se aprecia desde el primer plano dentro de ese apartamento/bunker con una luz no oscura pero si mas tenue de lo normal, con un silencio extraño roto por el sonido de la tv y un dialogo entre una crema y unos pelotazos de goma que servirá para definir la personalidad de los dos primeros integrantes de la película, el malrollo es visible a todas las luces en el momento que vemos por primera vez a Ignasi en escena y nuestro cerebro encaja las dos piezas: pelota de goma + ojo tapado. Esta estética claustrofóbicamente marrón oscura y cierto guiño a 'Barton Fink' puede daros una idea de hasta que punto han cuidado el diseño de producción, diseño obra de Silvia Steinbrecht ('Biutiful', 'Sweet Home', 'Summer Camp') que junto al resto del equipo del departamento artístico, vestuario y maquillaje se marcan un trabajo de diez encapsulando el tiempo en ese bunker en el que apenas entra la luz del sol durante el primer y segundo acto hasta la redención de David como bien hicieran los Cohen en 'Barton Fink' encerrando a Turturro en ese apartamentucho marrón con un muro de piedra como vista al mirar por la ventana. He dicho ya que 'Barton Fink' es una de las películas favoritas de Marc Crehuet? No pues, lo afirmo con contundencia, solo hay que ver ambas películas para darse cuenta y no solo por el detalle del papel pintado o por esa escena donde David oye? ruidos como Barton en el piso contiguo sino por la estética en si, la atmósfera, la brillantez de los diálogos y el desarrollo de unos personajes que por muy extravagantes que parezcan a priori terminan siendo absolutamente reales y creíbles, algo similar a lo que pasa con esa retahíla de personas 'creadas' por Joel y Ethan en todas sus producciones. En la fotografía encontramos un veterano como Xavi Gimémez, colaborador habitual de Jaume Balagueró que cuenta con grandes trabajos previos en films muy reconocidos como 'Los sin nombre', 'Intacto', 'Darkness', 'The Machinist', 'Ágora', 'Libertador', la reciente 'Palmeras en la nieve' o algunos episodios de la exitosa serie 'Penny Dreadful'. En 'El rei borni' Xavi Gimenez saca el plano mas malrollero posible en cada toma dentro de ese zulo en el que viven David y Lídia de una manera casi criminal, encerrando herméticamente toda la acción sin posibilidad de fuga visible para los que allí viven, sin luz natural, con ventanas tapadas o escamoteadas a la vista donde la única posibilidad de ver el mundo exterior son las postales de los viajes de Lidia como Barton tenia su cuadro. En cuanto a los actores, que a su vez son también productores como el propio director o la directora de arte Silvia Steinbrecht, no puedo rescatar a ninguno en concreto porque los cuatro están a un nivel excelso, Alaín Hernández disfrazado de un Rafa Mora elevado a la máxima potencia, Miki Esparbé representando la complicidad del espectador con su terror/humor ante el cambio drástico de Alain, Betsy Túrnez impresionante en cada palabra que sale de su boca tanto como para aseguraros que va a estar nominada en los Goya de este año casi con total seguridad me atrevería a decir y Ruth Llopis, que quizás sea la que menos peso o frases tiene en la película, también brinda un gran registro con ese carácter revelador al final; cuatro actores y un único escenario el 90% de los 87 minutos que dura. Otro de sus puntos fuertes al margen de esta puesta en escena pseudo teatral es como digo, la duración. Los créditos iniciales son fugaces y el ritmo continuo que tienen unos diálogos cargados de destellos y verdades como puños hacen que la película pase casi en un suspiro sin apenas darte cuenta. No miento cuando digo que la primera impresión al salir de la sala fue: 'Quiero verla otra vez!'. 'El rei borni' es uno de los mejores estrenos españoles de lo que llevamos en este 2016 y no seria nada extraño verla nominada en alguna categoría en la próxima edición de los Goya porque entre otras muchas cosas es una película que funciona a varios niveles en cuanto a géneros como he dicho por ese humor negro tan sincero e irritante del que hace gala y por esa invitación a reflexionar sobre lo difícil que es la comunicacion en ocasiones entre los seres humanos, y propia, respecto a los demás; esos roles de identidad limitada y marcada que merman la capacidad de raciocinio y erosionan el pensamiento hasta el punto de no ser capaces de destruirlos, ni aun intentándolo, como le ocurre al pobre David, pobre porque incluso llega a dar lastima, como si fuera un perro callejero, un tipo más básico que el mecanismo de un reloj, simple, racista, machista y agresivo al que su ignorancia e inconsciente inocencia lo termina revelando ante el mundo como lo que es, un niño encerrado en la mente de un hombre, un simple robot que ha pasado tanto tiempo encerrado en su bunker=jaula=apartamento=mente que ahora ya no sabe ni puede? escapar de el. No os la perdáis porque vale muchisimo la pena y desde ya me declaro fan de Marc Crehuet, director a seguir muy muy de cerca.

LA LEY DE HERODES

 La ley de Herodes - Luis Estrada - México

8/10

El Partido Revolucionario Institucional o PRI, fue la fuerza política gobernante en México durante casi un siglo, desde 1929 hasta el año 2000. Justo un año antes, en 1999 y en plena decadencia del PRI, el director mexicano Luis Estrada presentaba tras vencer a la censura y a los bloqueos continuos (gracias sobre todo a la presión del publico y de algunos medios) su cuarto largometraje, 'La ley de Herodes'. En ella y mediante el uso sutil de la sátira y de la comedia mas elegante e irónica ponía de vuelta y media todo el sistema político sufrido por México en los últimos 70 años en la figura de un honrado afiliado al partido al que la codicia y la corrupción infectan hasta cambiar completamente su forma de hacer las cosas. La critica al gobierno del PRI molestó tanto al partido que cuando la película sufrió sus primeros vetos y censuras, Eduardo Amerena, director del Instituto Mexicano de Cinematografía por aquel entonces, renuncio a su cargo provocando así un aumento de la publicidad y de la euforia en un publico que ansiaba con poder verla.La historia original nace de las mentes de Luis Estrada y Jaime Sampietro que conformaron el guión junto a Vicente Leñero y Fernando León. Estrada y Sampietro ya habían trabajado juntos antes en los guiones de 'Bandidos' y 'Ambar' con bastantes buenos resultados pero 'La ley de Herodes' seria el primer gran éxito para ambos. Estrada esta presente en la historia original, en el guión, en la dirección y también como productor, pues su compañía 'Bandidos Films' como en todos sus trabajos anteriores, es quien produce la película. Finales de los 40. El alcalde de San Pedro de los Saguaros es decapitado por los habitantes del lugar. La noticia llega al gobernador que preocupado con perder su posición y terminar sin ningún cargo que le proporcione su parte del pastel, encarga a López (Pedro Armendáriz Jr.) su secretario, que busque un sustituto dentro del partido para gobernar durante unos meses en San Pedro. Debe ser alguien honesto, decente y con pocas luces que consiga mantenerse firme ante la corrupción demostrada por todos los que en ese puesto habían pasado antes. López habla con un compañero suyo, Ramirez (Juan Carlos Colombo) sobre a quien podrían colocar en un puesto tan peculiar hasta que, entre los candidatos encuentran al tipo perfecto. Afiliado al partido desde hace muchos años, buena persona y con ganas de hacer algo importante para el país, se trata de Juan Vargas (Damián Alcázar). La llegada al desértico y casi abandonado pueblo de San Pedro de los Saguaros no sera como esperaba para Vargas, y todas las ganas de hacer lo correcto sin desviarse al camino de la corrupción acabaran desechadas en un aumento de extorsiones, asesinatos y mentiras provocadas por el exceso de poder. 

El reparto lo lidera un brillante Damián Alcázar que esta soberbio en los dos registros, como honrado y como corrupto, un personaje como Vargas al que sube a lo mas alto Alcázar con su interpretación y que a pesar de su mala fé y de sus ganas de ser gobernador al precio consigue que empatizemos con el fácilmente. También el veterano Pedro Armendáriz Jr. hace un gran papel y sus escenas con Vargas cada vez que este lo visita son antológicas. Es en una de ellas donde aparece la frase del titulo del film: 'Te tocó la ley de Herodes, o te chingas o te jodes!', una expresión muy mexicana como otra que también dice Armendariz en el film a Alcázar: 'En este país, el que no transa no avanza!'. Después tenemos unos secundarios bastante aceptables como Rosa (Delia Casanova), la mujer de Vargas; Carlos Pek (Salvador Sanchez) el secretario que le espera en el pueblo e intenta que Vargas no se vuelva un corrupto, el cura que cobra por todo incluyendo la confesión (Guillermo Gil), el doctor que a priori parece el mas 'normal' (Eduardo López Rojas) o esa madame zarrapastrosa llamada doña Lupe con tan mala boca (Isela Vega). Todo un desfile de enormes personajes a cual mas variopinto y real. 'La ley de Herodes' es una joya mexicana que trasciende y su historia base se podría y se podrá aplicar durante muchos años de diferentes modos porque si hay algo que ni ha cambiado ni cambiara, es la corrupción. Sorprendente es observar con perplejidad que actualmente, en 2014, el PRI vuelve a gobernar México, algo impensable tras ver en esta singular comedia el abuso de autoridad ejecutado dicho partido. Como cinéfilo amateur no he podido reconocer muchos de los guiños a esa etapa del cine de oro mexicano pero si el que Estrada le hace a Sam Peckinpah y su filme 'Bring Me the Head of Alfredo Garcia' cuando nos enteramos (no es spoiler) de que el anterior presidente municipal, Alfredo Garcia, perdió literalmente la cabeza. Grandes momentos de humor no forzado y de situaciones totalmente normales donde el solo ser de los personajes las hacen hilarantes y surrealistas. Su final es de lo que se recuerdan, sin mas complicación ni artificio que cerrar una comedia dejando dibujada una sonrisa, un final perfecto y adecuado mezclando lo mismo que se ha ido haciendo durante sus anteriores 120 minutos, la comedia y la política. Si el humor irónico y natural que presenta el director mexicano así como la critica a la política sufrida por el país del tequila son los temas base de la cinta, existe un mimo a nivel técnico de una exquisitez apabullante. La fotografía de Norman Christianson es una barbaridad, el tono sepia, ocre, marrón --mejor dicho, sucio como muchos políticos-- en todos y cada uno de los planos evocan perfectamente al momento de la historia en que se suceden los hechos, finales de los 40. El trabajo de Christianson en la composición de imagenes, el efectivo diseño de producción, la actuación de Damián Alcázar y la dirección de Estrada son los máximos exponentes de una gran comedia que obtuvo 11 Arieles (los Oscar mexicanos) en el año de su estreno y que en total cuenta con mas de 20 premios en su haber. Una joya por descubrir y una de las mejores comedias/criticas a cualquier sistema político de la década.

BICHO

Bicho - Christopher Cartagena - España

Un nuevo proyecto español necesita ayuda vía crowfunding (PROYECTO BICHO) para un cortometraje que promete añadir una original muesca mas al gran auge del cine fantástico que se esta realizando en España en los últimos años. De momento ya hay rodado un teaser que podéis ver un poco mas abajo y la historia promete, trata de una niña (Carla James) que descubre un bicho del tamaño de un perro en la piscina de su chalet. El insecto pronto encandila a todos los miembros de su familia, que pasan las horas contemplándolo frente a la piscina, hasta el punto que dejan de comunicarse entre ellos. La madre y cabeza de familia, Maica (Macarena Gómez), es la única que parece darse cuenta de que el bicho atenta contra la estabilidad familiar y luchará por recuperarla. Christopher Cartagena es un realizador y guionista de 26 años que decidió dedicarse a esto cuando vio como el protagonista de ‘Barton Fink’ seguía escribiendo mientras se despegaba el papel sudado de su habitación de hotel. Licenciado en Comunicación Audiovisual con máster en Dirección Cinematográfica. Su último cortometraje, ‘La Carrera’ fue seleccionado en la Sección Oficial del Festival de Sitges y ha cosechado varios premios nacionales e internacionales. Técnicamente las pocas escenas que se puede ver en el teaser están muy bien rodadas con una banda sonora creada previamente al rodaje por Gonçal Perales para meter mas a los actores en situación y un sonido ambiente efectivo e inquiteante obra de Adriá Sempere; la preciosa fotografía nocturna de Michele Falci y la buena dirección de Cartagena aprovechando al 100% todo el campo visual como se puede apreciar en la toma de la familia al completo mirando a la piscina o el juego de colores y su reflejo en las caras de los protagonistas ayudan muy mucho a crear un fantástico ambiente de ciencia ficción raruno y los silencios potencian el lado dramático dándole al bichito en cuestión un protagonismo total y seguramente superior al de los otros tres personajes. Según la web oficial: '‘Bicho’ cuenta una historia sobre incomunicación. Una familia que poco a poco ha ido encontrando una distancia insalvable a la hora de afrontar sus problemas. Y cuando aparece este insecto gigante se convierte en una metáfora surrealista de dicho problema. El bicho es un referente directo a la televisión. Progresivamente va ocupando el espacio de la complicidad familiar, de los juegos, de los pequeños espacios entre las horas de trabajo, etc. Hacia el final del corto, el contendido audiovisual de la tele deriva en sus diferentes soportes; en peceras portátiles donde cada uno transporta su bichito dentro.'. No queremos dejar sin nombrar a Paloma Espinós, directora de producción, una de las piezas imprescindibles para que este cortometraje llegue a buen puerto finalmente. Aquí tenéis disponible el teaser, el making off,  una entrevista a la gran Macarena Gómez sobre su personaje y la explicación de la benjamín del corto, Carla James, sobre que es el crowfunding, no os lo perdáis porque no tiene desperdicio ninguno de ellos. 

TUS GRITOS ME DAN RISA

Tus Gritos Me Dan Risa - Sergio Morcillo - España

7/10

Cuando un director tiene como referentes al francés Alexandre Aja y al norteamericano Eli Roth uno no puede dejar de maravillarse pensando en todo lo que puede ofrecernos alguien con unos gustos tan marcados y esa forma de entender al cine. Es simple. Darle al publico lo que desea. Ni mas ni menos. Eso es lo que ofrece Sergio Morcillo. Cine de entretenimiento puro desde la admiración y el respeto hacia los clásicos del publico, que no siempre son los de la critica general. Tras 'Bloody Mirrors' y 'Don´t Stop', el director madrileño estrenó en 2012 'Tus Gritos Me Dan Risa', un corto de 15 minutos aprovechados al máximo donde una familia decide pasar las dos ultimas semanas de 1996 en una pequeña casa alquilada en las afueras de la ciudad y así pasar allí la Noche Buena juntos pero...lo que parecía iba a ser una velada tranquila pronto se ve alterada por la presencia de un terrorífico payaso que amenaza con matarlos a todos. En 'Tus Gritos Me Dan Risa' vais a poder encontrar referencias u homenajes a muchas clásicos del cine de terror festivalero como 'Evil Dead', 'Demons', 'Saw', 'Clownhouse', 'REC 3', 'Killer Clowns from Outer Space', 'It' o 'Scream', película que por cierto, admira muchisimo su director. La historia principal nace en la mente de Sergio Morcillo y su valentía de confesar uno de los peores terrores infantiles personales que sufrió de pequeño, la fobia a los payasos. Plasmar la historia en el papel y darle forma es obra de Pablo Rodriguez, que no solo escribió el guión sino que también formó parte de la producción junto a Elena Bernal e Ignacio Sirera Gutierrez (Vincent Films). 'Tus Gritos Me Dan Risa' esta interpretado en los papeles principales por Rafa Casette, Flora López, Ignacio Martínez, Zoraida Marín y Diego Domínguez. Gracias al canal de Youtube del propio director aqui podeis ver el cortometraje completo, no os lo perdais amantes del fanterror!!!

Lo que mas llama la atención en 'Tus Gritos Me Dan Risa' es la gran calidad de los 15 minutos que dura, no hay planos inútiles, no hay escenas que no aporten nada, hay un gusto exquisito por los encuadres complicados y los enfoques difíciles, hay ganas de aterrar y sobre todo ganas de divertir al personal. Ya desde los títulos de apertura realizados por Kipon uno se puede dar cuenta de este detalle. Los efectos especiales que son la parte mas llamativa de este corto están hechos por el jovencisimo Santiago Gijon Jimenez, creador del estudio Hyde FX que colaboro como ayudante en 'REC 2' hace unos años. Pero aunque como digo, lo mas llamativo sean esos grandes efectos especiales que están por encima de la media de hasta producciones nacionales y la mayoría de internacionales, 'Tus Gritos Me Dan Risa' es un corto que tiene muchas mas cosas buenas al margen de ellos. Cuando un director también se encarga de la fotografía, aunque aquí lo haga en colaboración con Miguel Ángel Pulido, demuestra que en su mente tiene todo estudiado y que sabe lo que quiere mostrar y como mostrarlo, en que tono y con que luz. Aquí vuelvo al inicio de la critica, Sergio Morcillo tiene muy claro como enfocar su cine y este corto es una prueba total de sus futuras intenciones. Respeto máximo a los clásicos y al género, sean de la época que sean, no convertirse en un carca naftalinado y ofrecer un soplo de aire fresco y comercial a este cine español tan irregular en sus propuestas. A veces pienso que Sergio era uno de los alumnos aplicados de aquel profesor de psicología audiovisual que interpretaba Xabier Elorriaga en 'Tesis' cuando decía la famosa frase de...'Qué es el cine? No os engañéis: El cine es una industria. Es dinero, son cientos, miles de millones invertidos en películas y recaudados en taquilla. Por eso no hay cine en nuestro país, porque no hay concepto de industria, porque no hay comunicación entre creador y público. Hemos llegado a un momento crítico en el que nuestro cine solo se salvará si es entendido como un fenómeno industrial. Vosotros sois alumnos de imagen, sois el futuro del cine español, ¡salvadlo! Ahí fuera está la industria norteamericana dispuesta a pisotearos y solo hay un modo para competir con ellos: dar al público lo que quiere ver. No lo olvidéis.'.  Otra de las cosas buenas que tiene este corto es esa deliberada tonalidad saturada en los colores, por dios! si solo le faltan aquellas malditas rayas del tracking VHS por abajo y os aseguro que pasaría como un corto realizado en 1996, en ese sentido es absolutamente fabuloso, tan solo algo como la edición de color es capaz de hacerte creer lo que realmente no es. No hay banda sonora como tal sino efectos de sonido puntuales junto a un tema original ('We sold army secrets for dope') creado única y exclusivamente para el corto compuesto por Oriol Novella y Whis(H)Key e interpretado por la banda Help Me Devil. También quiero aclarar algo, Sergio Morcillo esta muy presente en bastantes redes sociales y es un tipo que se deja querer, simpático, agradable y pocas veces tiene una mala palabra o comentario. Quiero remarcar esto porque se agradece y mucho, que los nuevos talentos del cine español sean tan cercanos en las redes sociales, esto no solo les ayuda a ellos sino también a los espectadores a la hora de afrontar futuros visionados de las obras que tengan en mente. Y no quiero quedarme tampoco sin aclarar, como he leído en algunas webs, que las criticas buenas a su trabajo son por colegeo y amiguismo ya que nada mas lejos de la realidad al menos por la parte que le toca al que os escribe. Difiero en muchos de los gustos que tiene Sergio sobre las películas o series que ve y cuelga en sus redes sociales, tenemos gustos parecidos pero no iguales, de hecho, a mi no me gusta nada Eli Roth. Cuando me dispuse a ver 'Tus Gritos Me Dan Risa', lo único que conocía de el eran como digo, sus gustos cinéfilos y, sinceramente, me temía lo peor en el sentido de que quizás la gente lo habia alabado demasiado pero mi sorpresa fue dar con un cortometraje de 15 minutos donde el ritmo frenético y los homenajes continuos aparecían sin descanso, con un gran trabajo de dirección tras el, un enfoque y una puesta en escena ideales, en definitiva fue una grata sorpresa y un divertimento puro. Con todo esto no quiero decir que a Sergio Morcillo lo único que le interese es hacer dinero, que también podría y en su derecho está, es muy loable, sino que su cine es mas una propuesta de refrescar los géneros y películas con las que se crió y formo añadiéndoles nuevos toques de originalidad o explosividad sin importar el que dirán. Tenemos un ejemplo en el norteamericano Adam Wingard, así es como veo yo a Sergio Morcillo, un director con ganas y que destila amor por los géneros con los que creció en los años 80 y 90. Curiosamente los dos últimos años han sido muy retros, con propuestas muy enfatizadas a ese tipo de cine como 'Turbo Kid', 'Kung Fury', 'The Guest', 'The Final Girls', etc ahi es donde encaja perfectamente el director madrileño, en ese tipo de cine 'festivalero' que apuesta por el entretenimiento sin dejar de lado ni un segundo la calidad. Si 'Tus Gritos Me Dan Risa' tiene algo negativo en mi opinión no es el guión, que si bien es algo flojo o básico (no en el sentido peyorativo) me da que ideas habían hasta para un largo pero tuvieron que cortar bastante, esa es la sensación que me deja pero como digo, si algo flojo tiene sobre todo es su protagonista que usa la misma cara haga lo que haga, no muestra desesperación y mucho menos terror cuando se supone que así debería ser por mucho enfoque cómico/retro/homenajeador que tenga el corto. Del resto de actores apenas se puede decir nada negativo dada su participación, en general, salvo Rafa Casette, el casting es de lo peor que tiene 'Tus Gritos Me Dan Risa'. Una ultima cosa que apuntar y es que Sergio sabe promocionar bien sus trabajos y el poster es una gran prueba de ello. En este caso la autoría del mismo corresponde a Francisco Diaz y Alejandro Brutos.

THE HATEFUL EIGHT

The Hateful Eight - Quentin Tarantino - Estados Unidos

9/10

Teatro. Teatro y del bueno! que diría un portugués. El escalón que sube Tarantino con su nueva película convierte en una realidad su deseo de ser recordado como un gran director de western de manera brillante. Y es que estaba claro que con 'Django Unchained' ni Quentin ni su ferviente legión de seguidores habían quedado del todo satisfechos. Me explico. El primer western que filmó el director norteamericano es realmente un spaghetti western, subgénero adorado y homenajeado por Tarantino en muchas de sus películas y por el cual siente una admiración mas que evidente. 'Django Unchained' está llena de pequeños homenajes a todo aquel que cine que tan bien supieron realizar Leone, Sollima, Tessari o Corbucci pero no es un filme con un sello personal, no es un western para catalogar a su director con un estilo puramente propio dentro de esta criatura cinematográfica. No se me entienda mal, admiro 'Django Unchained' precisamente por esa firma del amor de Quentin por los spaghetti western en toda el filme pero también hay que reconocer que aunque buenos, resulta hecho de retales a modo de pequeños homenajes a los grandes directores de western con los que se 'formo' viendo películas. En 'The Hateful Eight' Tarantino vuelve a sus orígenes para evolucionar hacia su ansiada meta, ser recordado como un gran director de western. Toda la acción transcurre practicamente en un único escenario como sucedía en 'Reservoir Dogs', la película que lo encumbro a lo mas alto y con la que 'The Hateful Eight' guarda un enorme parecido tanto en el citado único escenario (almacén=cabaña) como en planos (cuando suena Apple Blossom de White Stripes al cuarto de hora y vemos las cabezas de los caballos aparecer al galope de derecha a izquierda = la salida del restaurante tras la charla previa al robo) así como el progresivo aumento de la violencia hacia la parte final con INICIO SPOILER ...la cara llena de sangre de Leigh al igual que el policía al que Madsen corta la oreja al ritmo de Stuck in the Middle wiht You - FIN SPOILER; también hay planos rodados como el que hizo para 'Kill Bill' situando la cámara encima del personaje y contados y sutiles homenajes a 'For a few dollars more' de Leone con ese arranque de la película a ritmo de 'L´ultima Dilligenza di Red Rock' de Morricone mientras la cámara se mueve tras la cruz y nos deja ver la llegada diligencia o los primeros planos subjetivos de la víctima siendo apuntada por un arma como en 'Il buono, il brutto, il cattivo' o 'The Searchers' de John Ford con ese plano desde dentro del establo como ya hiciera también en 'Kill Bill' o 'Inglorious Basterds'. Con un guión magnifico, pulido, elegante, personajes con personalidad y donde la violencia marca de la cada se guarda para la traca final, tenemos esta historia divida en capítulos que ante nuestros ojos resulta como estar presente en una autentica obra de teatro, en primera fila y donde el final e inicio de cada capitulo es similar a cuando cierran y abren el telón. Una obra llena de matices a los que prestar atención e interpretada de manera colosal por algunos de los actores que participan en ella. 'The Hateful Eight' esta un peldaño por encima de 'Django Unchained', es un producto mas serio y consistente que destila ese buen saber hacer y esa originalidad que muchos continúan negándole a Tarantino.

Un cazarrecompensas llamado John Ruth (Kurt Rusell) se dirige en una diligencia a través de un nevado bosque de Wyoming a Red Rock a cobrar la recompensa por la captura de una peligrosa criminal llamada Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). En el camino recogen al mayor unionista Marquis Warren (Samuel L. Jackson) que, convertido también en cazarrecompensas al termino de la guerra había quedado varado en mitad del camino con varios delicuentes por entregar. Tras un pequeño accidente recogen a otro hombre, Chris Mannix (Walton Goggins), el futuro sheriff de Red Rock. John, Daisy, Marquis y Chris prosiguen su camino pero el temporal empieza a apretar y se desvían hacia una posada llamada Minnie´s Haberdashery donde se encuentran con el general confederado Sandy Smithers (Bruce Dern), Oswaldo Mobray (Tim Roth), un mexicano llamado Bob (Demian Bichir) y Joe Gage (Michael Madsen) que también están refugiándose del temporal hasta que amaine. La duración de la versión digital es de 167 minutos mientras que la de 70mm. que solo se estrenara en un numero limitado de salas es 20 minutos mas larga e incluye una obertura de 3:48 minutos y un intermedio de 12. Al margen de todo lo citado antes, la ultima producción de Tarantino tiene un reparto tan variopinto como efectivo donde destaca sobre todos un nombre, Walton Goggins. Tras sus brillantes, insisto, BRILLANTES, interpretaciones en series de gran éxito como 'The Shield' donde era un policía corrupto, en 'SOA' como un impactante transexual con sentimientos o en la recién terminada 'Justified' dando la replica a un Tymothy Olyphant al que devoro todo su protagonismo siendo el antagonista de la historia, por fin, le llega un papel a su medida, un papel que debería valerle una nominación al Oscar. Y digo por fin porque a Goggins ya se le ha podido ver en algunos filmes (también aparecía en 'Django Unchained') pero ya sea por mala suerte o mal guión han terminado siendo películas que prometían mucho y se han quedado en nada como 'Predators', 'Cowboys vs. Aliens', el remake de 'Straw Dogs' o la reciente 'American Ultra'. Seguramente la nominación le caiga a Samuel L. Jackson porque también realiza un gran trabajo como Marquis Warren, nunca te cansas de oírle, sus escenas y su tono de voz siempre claman la atención de un modo especial. También brilla sobre todo en la parte inicial y en la final Jennifer Jason Leigh, brilla como para recibir una nominación a mejor actriz secundaria.

Esto en cuanto a actores y nominaciones pero tened claro que 'The Hateful Eight' va a estar nominada mas que seguro a mejor guión original y a mejor banda sonora. Una banda sonora muy Morricone particular y en la que ya desde el segundo 1 el famoso compositor deja claras que las intenciones de la película no van por la fanfarria, la violencia o los continuos homenajes sino que su apuesta es por la seriedad, por dotar al conjunto montado por Tarantino de un espíritu propio, espíritu que como digo, desde el primer fotograma esta presente. Además de las canciones originales creadas por el maestro italiano para el filme también aparece un temazo que solo a Tarantino se le podía el ocurrir como introducirlo y que seguramente muchos lo habréis oído antes pero nunca acompañando las imagenes que el director pone en escena. El tema es 'Apple Blossom' de The White Stripes, toda una genialidad de canción (con una letra bastante sugerente sobre algo que ocurre en el filme) que seguro pasara a engrosar vuestra lista de canciones favoritas. También aparece 'There Weren't Be Many Coming Home' de Roy Orbison, tema realizado exclusivamente para el filme y 'Now You´re All Alone' de David Mess, estas son las únicas 3 canciones no originales presentes en la película sin contar que en ella también podréis oír algunos breves temas de la banda sonora de 'The Thing' de Carpenter y hasta uno de la de 'Exorcist 2: The Heretic', todos compuestos por Morricone of course. El arranque de la película al son de 'L´ultima Dilligenza di Red Rock' de es una maravilla que transmite perfectamente el aislamiento que van a sufrir todos sus protagonistas durante la película encerrados en una cabaña/posada de paso  perdida entre las frías montañas nevadas de Wyonming. Tras los créditos iniciales y la presentación de Jackson, Rusell, Leigh y Goggins la acción llega al lugar del que no volverá a moverse en todo el metraje. Esto puede chocar mucho a los que esperaban un 'Django Unchained' elevado a la enésima potencia o una pseudo versión de 'The Magnificent Seven' dado el titulo y ver que finalmente no es así pero cuando te quieres dar cuenta, ya han pasado dos horas de película y sigues tan intrigado como al inicio, una historia absorbente como pocas. 'The Hateful  Eight' marca su propio camino por la espesa nieve de Wyoming asentando la historia en un guión donde se reconocen los matices tarantinescos pero también un espíritu propio y diferente, un evolucionado Tarantino. La nueva muesca en el cinturón del director norteamericano para lograr su ansiado reconocimiento ya esta hecha y ha quedado mas pulida que la primera. Y solo van 2. Si este es el camino que Quentin ha decidido seguir, por mi parte solo decir que adelante, su carrera en este genero solo puede hacer que darnos grandes películas y lo mas importante, grandes historias. Grandes historias que solo un amante del cine y de la criatura cinematográfica que es el western puede ofrecernos. Amantes como Quentin Tarantino.

KRAMPUS

Krampus - Michael Dougherty - Estados Unidos

7/10

Max (Emjay Anthony, 'Chef') es un auténtico entusiasta de la Navidad. Envolver los regalos navideños en familia mientras ve 'La Navidad de Charlie Brown' (1965, Bill Melendez) son parte de una velada perfecta. Pero todo parece complicarse este año cuando la falta de comunicación entre mamá y papá, este último demasiado preocupado con el trabajo, y una hermana adolescente mas pendiente del móvil que del resto de la familia, hagan que estas navidades no sean las deseadas. Solo Omi, la abuela paterna, parece apoyar a Max en su cruzada navideña, alentando a que contra viento y marea, siga manteniendo la ilusión por la Navidad (¿sabrá Omi algo que desconocemos?). A todo esto hay que añadir la llegada de la rama materna de la familia (auténtico bestiario de white trash salido, suponemos, de un campamento de caravanas y auténtido exponente del cuñadismo mas recalcitrante), haciendo que las fiestas sean aún mas insoportables. Llegados a este punto, y tras un encontronazo con una primas salidas de 'El Castañazo', Max acaba por desistir y, rompiendo su carta a Santa Claus, acaba renegando de la Navidad. Craso error, amigo Max, puesto que no solo Papa Noel escucha tus plegarias. Será el Krampus, algo así como el reverso oscuro de Santa Claus, el que haga acto de presencia convocando una tormenta de nieve que dejará aislada a la familia. A partir de este momento y contando con una serie de ayudantes, que irán desde elfos malignos hasta galletas de jengibre asesinas, el Krampus irá dando caza a los miembros de la familia al mas puro estilo slasher. Michael Dougherty, el cual ya nos sorprendió con la antología de relatos 'Trick 'r Treat' (2007), da una nueva vuelta de tuerca a los filmes navideños rebuscando entre el folclore alpino y acercando al gran público a esta especie de Grinch sanguinario (ya existen aproximaciones anteriores pero, o son filmes con categoría próxima al infracine, o demasiado locales para que el común de los mortales los hayamos visto). Una vez repasadas dos de las fiestas mas celebradas en el mundo anglosajón, ¿con qué se atreverá ahora Dougherty? ¿Un Acción de Gracias Sangriento? ¿Un Conejo de Pascua vengador? Sea lo que sea, ¡cuenta conmigo, Michael!.

LUNA DE MIEL

Luna de Miel - Diego Cohen - México

7/10

Que bien se le da la comedia negra al cine mexicano. Su especial afinidad por la comedia unida a esa violencia casi ancestral que el país posee nos ha permitido ver joyas como la trilogía de Estrada o el thriller de acción en 2004, 'Matando Cabos'. 'Luna de Miel' cuenta la historia de Jorge (Hector Kotsifakis), un médico cuarentón solitario y extraño que vive acompañado por una única obsesión, su vecina Isabel (Paulina Ahmed). La admira, la desea y quiere casarse con ella. Tras comprobar que los métodos de conquista usados no tienen el efecto deseado, Jorge decide usar otros distintos, mas efectivos y dolorosos. Como veis, la premisa inicial y su argumento no van a dejar muchos resquicios donde sorprendernos pero cuando empieza a ver 'Luna de Miel' y observa a ese impoluto Jorge, encerrado en su traje marrón inmaculado, tan enamorado y nervioso esperando para sacar la basura y coincidir con Isabel para, simplemente sonreirse mutuamene, todo cambia. Aquí nace un idilio especial del espectador y Jorge, un idilio que durara lo justo y necesario para empezar a odiarlo y que ya nos sea imposible dejar de mirar la película. Reconozcamoslo o no, secuestrar a alguien que deseamos o nos atrae y hacer con el o ella todo los que nos apetezca, es una fantasía que esta ahí, a todos muchos se os ha pasado alguna vez por la cabeza, no?....No?!!? Bueno, yo preguntaba de parte de un amigo nada mas...en fin, como digo, todo empieza mas o menos normal hasta que los brotes de violencia empiezan a llegar y el nivel no está nada lejos de la primera parte de 'Hostel' o  la israelí 'Big Bad Wolves'. La diferencia con estas quizás es que 'Luna de Miel' resulta un producto mas intimo, sangriento y visceral si, pero intimo, una película muy mimada por su director y equipo técnico, un mimo reflejado en cada plano de la película, todo muy cuidado y estudiado.

Al no ser original en su argumento, debe innovar e inventar en las variantes que pueda generar su guión y el desarrollo de sus personajes, su director Diego Cohen lo consigue en todas las escenas donde la previsibilidad podría haber destrozado la película. Lo mejor sin duda alguna de la película son sus protagonistas ( y productores asociados). Dos para ser mas exactos. Y es que tanto Hector como Paulina están excelentes y el duelo interpretativo que mantienen esta brillantemente llevado por ambos. Algo que por ejemplo no pasa en la vista anteayer, 'Bite', siendo ambas violentas y con un argumento ya usado anteriormente por otros directores, sus actores no dan la talla. 'Luna de Miel' es un thriller psicológico básicamente, amarrado al torturexplotation mas cruel pero repleto de un humor negro retorcidisimo, con segundas lecturas de casi todas las frases de su guión. No se queda ahí, pues todo lo que ocurre en ella podría pasar tranquilamente en la vida real, y mas, en México con lo que, que mas terror se puede pedir que saber que un día mientras corres por tu barrio puedes ser secuestrada por alguien y que te ocurra algo similar? Terrible. Dirigida por Diego Cohen y escrita por Marco Tarditi Ortega tiene una duración de 95 minutos y la fotografía de Aram Diaz junto a la banda sonora de Uriel Villalobos. Segunda película de Diego Cohen tras 'Perdidos' y producida por su propia productora, Grotesque, que también se encargara de hacer lo propio con el debut en el largo del mexicano Lex Ortega y su película 'Atroz', donde dos amigos graban los asesinatos que cometen. 'Luna de Miel' fue presenta en el BIFF y será estrenada en México el año que viene. Tenéis que verla, el cine mexicano de terror esta de dulce y hay que aprovechar joyas como esta. No os arrepentiréis.

ASH VS EVIL DEAD

Ash vs. Evil Dead - Sam Raimi, Michael Hurst, Rick Jacobson - Estados Unidos

9/10

Groooooovyyyyyyy!!! Ash ha vuelto! El mal ha vuelto! Sam Raimi regala a los fans de la saga 'Evil Dead' un episodio piloto que harás las delicias de todos y cada uno de ellos. 34 años tras 'Evil Dead' llega por fin, 'Ash vs. Evil Dead'. La acción nos sitúa 30 años después (en realidad son 23) de los hechos sucedidos en el final comercial (no el director´s cut) de 'Army of Darkness', con un Ash alejado de las grandes ciudades, viviendo en una caravana mientras trabaja en un supermercado e intenta mantenerse alejado de todo lo sucedido hace años. Renovada para una segunda temporada tres días antes de emitirse este primer episodio la serie contará con un total de 10 de ellos en cada una y 45 minutos de duración aproximada; todos y cada uno de ellos escritos por Raimi, su hermano Ivan y Tom Spezialy, productor y guionista en series como la infravalorada 'Reaper' o la extraña 'The leftovers'. La dirección principal por el contrario cae en manos del propio Sam, Michael Hurst y Rick Jacobson. Hurst es una cara bien conocida para los amantes de las series ya que fue Iolaus, el simpático amigo rubio que acompañaba a Hercules (Kevin Sorbo) en algunas de sus aventuras en los años 90. Tras dirigir algunos capítulos tanto de 'Hercules' como de 'Xena' hizo lo propio con una serie de aquella primera 'nueva' oleada, 'The legend of the seeker' para luego mas tarde probar suerte dirigiendo 7 episodios de 'Spartacus: Blood and Sand' también curiosamente para Starz, el canal que emite 'Ash vs. Evil Dead'. En tercer lugar encontramos a Rick Jacobson, que teniendo una carrera menos dedicada a la actuación compartió con Hurst la dirección de 'Spartacus: Blood and Sand' o 'Xena' y también dirigió algunos de 'Baywatch'. Los 3 tienen un elemento en común, la actriz Lucy Lawless que, para rizar el rizo, también aparece en 'Ash vs. Evil Dead', de momento casi como un psuedocameo que no tardará seguro, en convertirse en personaje fijo. Famosa por su interpretación de Xena, a Lucy también la vimos en la primera parte del 'Spiderman' de Raimi así como en 'Spartacus: Blood and Sand'. La banda sonora como no podía ser de otra manera es de Joseph LoDuca, el compositor habitual de todas las películas de Raimi y de, curiosamente, 'Xena', 'Hercules', 'Legend of the Seeker', toda la saga 'Spartacus' de Starz y películas como 'Curse of Chucky', 'Le pacte des loups' o 'Moontrap' (con Bruce Campbell) entre otras.

Hay tantas cosas buenas que contar sobre estos primeros 45 minutos de 'Ash vs. Evil Dead' que no se ni por donde empezar. Totalmente enfocado a los fans mas acérrimos de la saga permite además gracias a la introducción de nuevos personajes como el de la policia Amanda Fisher (Jill Marie Jones) que los no seguidores de las aventuras de Ash puedan engancharse a una serie que promete sobre todo, una buena dosis de sangre y risas. Ni un solo minuto de esos 45 tiene desperdicio alguno, ni uno. Bruce Campbell demuestra seguir estando en buena forma pese a tener algunos años mas encima y su personaje Ash no ha perdido ni una pizca de su clásico humor negro y grotesco. La personalidad que imprime a su personaje mantiene viva la llama de una saga que se estreno hace casi 30 años, pensadlo, es una completa locura que un actor no haya olvidado ni siquiera uno de los gestos que caracterizaron al personaje que le brindo la fama y Bruce, lo consigue. Es imposible resistirse a su humor y no levantarse para aplaudir cuando la sangre empieza a salpicar la pantalla de nuestro televisor y los guiños a la saga se suceden uno tras otro. En este sentido, el arranque es prometedor y maravilloso, pero si además le sumas el gran carisma de este anti-héroe pasado de todo se obtiene la continuación que queríamos, esta es la manera de adaptar una gran saga cinematográfica a la televisión, este señores, es el camino a seguir.

En cuanto al guión es pura mecánica inteligente, sangriento y brillante encajando a unos personajes secundarios que a priori podrían sobrar como Pablo (Ray Santiago) o Kelly (Dana DeLorenzo) pero que complementan perfectamente a Ash para empezar un viaje que como poco, durara 20 capítulos. No solo ha vuelto Ash, ha vuelto la estridente e intensa banda sonora de Joseph LoDuca para acompañar los zooms a través del bosque, y ahora el asfalto, a la caza de todo aquel que no corra mas rápido que el viento. Me declaro fan total de la versión nueva que realizo Fede Alvarez hace dos años, esa nueva visión gore hasta la saciedad omitiendo todo el humor negro y fantasía de la original me hizo vibrar y disfrutar de una gran película de terror como hacia tiempo no conseguía ninguna otra. Metaforicamente salí del cine, chorreando sangre. En 'Ash vs. Evil Dead' se vuelve a los orígenes pero con un toque diferente, casi invisible, casi inapreciable pero que esta ahí. Como ejemplo, la escena de Amanda cuando vuelve a la casa y tiene el encuentro con su compañero mientras una linterna rueda por el suelo, absolutamente terrorífica esa escena y ni humor ni sangre ni nada que recuerde a 'Evil Dead', esa escena podría estar tranquilamente en cualquier película de terror 'seria' que se precie. No estamos ante una caricaturizacion de la saga, ni de Bruce Campbell tampoco sino de un homenaje y reconocimiento a una de las sagas y a uno de los personajes del cine de terror mas famosos de toda la historia del cine. Nada tiene que envidiar Ash a mitos como Freddy, Jason, Myers o similares, nada en absoluto. Obviamente, como seguidor habitual de muchas series, estoy cansado de ver episodios pilotos que prometen mucho y terminan en nada o de series que son realmente buenas y terminan canceladas por temas de audiencia y presupuestos (jamas perdonaré a Syfy por 'Caprica', so say we all!) pero la noticia de la renovación y el hecho de que 'Ash vs. Evil Dead' sea emitida por Starz es mas que una muy buena señal de que la cosa promete no bajar el listón mucho en toda la temporada y que tendremos sangre, humor gamberro, vísceras y chistes malos durante 45 minutos a la semana al menos durante 20 ocasiones, lo cual es algo....GROOOOOOVYYYYY!!!!!

NINA FOREVER

Nina Forever - Ben Blaine, Chris Blaine - Reino Unido

6/10

Opera prima de los británicos hermanos Blaine (Ben y Chris), co-protagonizada por Fiona O'Shaughnessy ('Utopia') y en la que amor, el terror, la comedia e incluso el drama, se mezclan desproporcionadamente dejando un resultado final interesante pero nada compacto y trascendente. Producida mediante crowfunding la primera película de estos experimentados hermanos en cortometrajes toca varios géneros, no solamente todos los citados antes sino que llegan hasta el terreno de lo fantástico o mágico. Holly, una estudiante de paramedicina, (Abigail Hardingham) esta enamorada de su compañero de trabajo en el supermercado, Rob (Cian Barry) , desea estar con él, amarlo y ayudarlo a superar la reciente muerte de la que fuera su novia, Nina (Fiona O'Shaughnessy). El roce hace el cariño y el cariño lleva al lado oscuro, o en este caso, a la cama. Holly y Rob disfrutan de su primer encuentro sexual cuando de repente, Nina, aparece para unirse a ellos. Sigue estando muerta y apenas puede moverse, no representaría peligro alguno salvo por su lengua viperina, la cual parece estar mas viva que nunca. Una canción de amor como la definen sus directores, 'Nina Forever' habla del amor si, de los sacrificios y oportunidades que no debemos dejar escapar por miedo o vergüenza, pero también habla sobre la búsqueda del mismo tras una perdida o haber sido rechazado. Enmarcada en un barrio gris de la península británica esta curiosa de amor donde el drama acaba sobrepasando cualquier otro genero que pudiera haber en ella tiene sus mejores momentos en las apariciones de la novia cadáver gracias a una Fiona O'Shaughnessy brillante que 'roba' todas y cada una de las escenas en las que aparece, que a su vez son, las mejores y mas inteligentes de toda la película.

'Nina Forever' cumple como comedia romántica bastante bien por su planteamiento original y como cinta fantástica por la justificacion que ofrece al hecho de que Nina solo aparezca cuando Holly y Rob tienen relaciones. En este sentido la película limita sus posiblidades cómicas muchisimo a una habitación y a ciertas escenas en concreto. Nina y su regreso no son la base de la película sino la relación entre Rob, Holly y la superación de miedos anteriores juntos. Sin contar la historia de los padres de Nina, surrealista a mas no poder pero que acrecenta el drama sobre todo en la parte final de una manera a veces casi ridícula en sus diálogos. Amor + comedia + zombies, hemos visto esta combinación no hace mucho tiempo en trabajos como 'Warm Bodies' o 'Burying the EX' (o en 'Mortal Zombie') pero en ambas la comedia y la acción prevalecian sobre cualquier tinte o mensaje dramático que pudiera haber. En 'Nina Forever' sus directores usan esta combinación de géneros para plantearnos situaciones que igual podrían vivirse sin una muerta de por medio o en su defecto substituyéndolas por recuerdos del pasado que pudiera tener Rob y el resultado sería casi el mismo. Su continuo ambiente grisáceo fruto de la fotografía de Oliver Russell contrasta bastante bien con las sangrientas noches que la pareja tiene que vivir y le da ese punto oscuro necesario para ser considerada como película de terror, aunque realmente no lo sea. A destacar la enérgica banda sonora no original, la original es de Daniel Teper, en la que podemos encontrar buenos temas como:

‘DON’T CALL BACK’ - Liam T.Hansell

‘MOTORBIKING’ - Special Needs Words

‘OPTIMO’ - Liquid Liquid

'WHAT NOW' - Adam Faith

‘ASTRONAUT’ - Amanda Palmer

‘THE BEAT THAT MY HEART SKIPPED’ - David Meads, Daniel Stephens

‘WANT IT BACK’ - Amanda Palmer

‘A NIGHTINGALE SANG IN BERKELEY SQUARE’ - Potters Bar Town Band

‘THIS MISTAKE’ - Vipers Dream

‘FLYING HIGH’ - Liam T.Hansell

‘YOU’ - Pearl and The Beard

‘SAW SONG’ - Mara Carlyle

‘HEAD HELD HIGH’ - Alex Heffes

‘BODY OF LOVE’ - Ladybrugs (Trailer Song)

‘BOWLFACE EN PROVENCE’ - Mara Carlyle

‘YOU’ (LIVE) - Pearl and The Beard

‘HOT CLUB SWING’ - Johnny Hawksworth

‘THE FLORAL DANCE’ - Potters Bar Town Band&

‘REQUIEM, OP 48 (PIE JESU)' - Oxford Camerata

‘LETTING IN THE SUNSHINE’ - Piney Gir & Garo Nahoulakian & Oliver Horton

Lo mejor, o en este caso, la mejor, de todo y todos en la película es Fiona O'Shaughnessy, que con su contorsionismo físico cual reptil por la cama ya que no puede moverse de otra manera interpreta su papel de manera brillante y suyas son las mejores frases y momentos. Cierto es que su interpretación de susurros por momentos puede recordarnos al papel que nos la dio a conocer en la serie 'Utopia' pero esta especie de Nawja Nimri británica borda su papel y su mirada allí donde aparece. Nada ni nadie luce mas 'fresca' y 'viva' que una muerta como Nina.

TOP 5 - CINE ARGENTINO

Lo reconozco, tengo debilidad por el cine sudamericano. Me apasionan sus maneras de ver la vida y porque no decirlo, sus acentos tan eróticos. Salvo los films de Cantinflas y alguno que otro mas que pudiera ver durante mi vida no me había interesado por el cine latino en ningún momento. Eso cambio el día que descubrí 'Nueve reinas'. Mexicanas, colombianas, venezolanas, he visto a día de hoy casi de todos los países, incluso peruanas y ninguna de ellas salvo las argentinas, han sabido cautivarme de tal manera. Sera su acento como dije? Su manera de enfocar la vida? El espíritu porteño? Su buen hacer para el cine? Cualesquieran que sean los motivos que hicieron reaccionar al cinéfilo que llevo dentro para adentrarme en su cine, les estoy muy agradecido. En este top encontrareis que todas son relativamente films modernos, no hay nada de los años 90 hacia atrás, por el momento claro esta. Dadme tiempo. Tengo pendientes muchas y no crean que va a pasar mucho tiempo para que pueda hacerlo. Amo a Argentina y su cine. Con pasión. Aquí tenéis mi TOP 5 de las mejores películas argentinas vistas en mi vida, espero lo disfruten y dejen algún comentario, saludos!

5 - Moebius - Gustavo Mosquera - 1996

7/10

Film de intriga creado a partir de un relato de 1950 escrito por Armin Joseph Deutsch, 'A subway named Moebius' producido, adaptado e interpretado por estudiantes de la Universidad del cine de Buenos Aires en 1996. Un tren completo lleno de pasajeros del metro en la ciudad argentina desaparece sin dejar rastro desencadenando así un misterioso e incomprensible error en los paneles de control donde en vías supuestamente vacías estos siguen mostrando el paso del tren volatilizado. Simple y efectivo. No da para un largo de dos horas ni mucho menos, por ello su duración de 88 minutos es algo que la hace más llamativa, atractiva y jugosa para muchos a la hora de elegir qué película ver. Ciencia ficción provocadora y que plantea muchos caminos, incita al espectador a rebanarse los sesos intentando averiguar que ocurrió con el tren desaparecido. Moviéndose entre túneles y con un ambiente bizarro donde unos diálogos más que sencillos copan las primeras escenas el film se desarrolla a un buen ritmo, a los 20 minutos ya tenemos el pastel en la mesa con las velas sopladas. La música que acompaña todo el metraje potencia el efecto de estar encerrado y bajo tierra resolviendo un misterio que a priori parece increíble así que quitando esos 20 minutos iniciales nos resta casi 1 hora para sacarle todo el jugo a las teorías mas locas, muy recomendable para fans de la ciencia-ficción. Quizás su final sea algo confuso y difuminado pero no deja de ser interesante: el tramo final es muy atrapante, donde todo tiene una explicación, acepta un segundo visionado con más interés aun si cabe. Encaja a la perfección es una sesión doble con la cinta de reciente estreno que tuve la oportunidad de reseñar para este blog, 'Coherence': allí era el gato de Schrodinger y aquí es la cinta de Moebius. Incluso con 'Dark city', o las matemáticas 'Cube' o 'Pi'. Poco presupuesto pero bien invertido, estética años 80-90, una buena historia detrás, banda sonora y fotografía impecables son las mejores bazas de 'Moebius', un must see amateur argentino para todos los aficionados a la ciencia-ficción. Lo peor son sus actuaciones pero... ¿a quién le importa cuando hay un producto tan efectivo delante de sus ojos?

4 - Martín Hache - Adolfo Aristarain - 1997

7/10

Preparaos un buen sillón, vuestra bebida favorita doble, recostad los pies y disfrutad de dos horas que os dejaran perplejos. 'Martín Hache' es la primera de este top donde se cuenta una historia de no ficción tras la policial 'Nueve reinas', el thriller 'El secreto de sus ojos' y la comedia 'Relatos salvajes'. Un joven argentino llamado Hache (Juan Diego Botto) tras sufrir una sobredosis viaja a Madrid para pasar un tiempo con su padre, Martín Echenique (Federico Luppi) que se encuentra trabajando en el guión de su próxima película. Allí conocerá a Dante (Eusebio Poncela) el mejor amigo de su padre y a Alicia (Cecilia Roth), la nueva novia de este. Simplemente perfecta y perfectamente simple. Brillante y llena de chispazos que brotan en todos sus diálogos. Alcanza la perfección cuando estos provocan reflexiones y ganas de retener tantísimas grandes frases y la sencillez dentro de su historia tan básica, la relación de un padre y un hijo. Su director, Adolfo Aristarain supo encontrar el tema perfecto donde enfocar muchos de sus pensamientos y razonamientos, lo cual no le quita ni un ápice de interés sino todo lo contrario, nos da una visión diferente a la que pueda tener cada uno, buena, mala, peor o diferente lo que queda claro es que Aristarain está en espíritu dentro de cada dialogo y cada frase lapidaria. Cuatro actores y un guión, un gran guión. Botto, Luppi, Roth y Poncela están brillantes, Poncela y Roth parecen haber nacido para sus papeles, sobretodo la primera que está impresionante de verdad, de levantarse y aplaudir. He visto esta película más de una vez por la brillantez de sus diálogos, y hace poco pude ver 'Maps to the stars'. No digo que sean iguales, pero 'Martin Hache'  parece una versión latinoamericana trágica de la vida de un director de cine en pleno proceso de creación, con un hijo intentando dejar las drogas y una amante enganchado a ellas con el añadido de tener un mejor amigo gay. Pero más allá de eso tenemos a un chico que se llama igual que su padre y al que este le puso (H) entre paréntesis para diferenciarlo de él, de ahí el Martín Hache, un chico adentrado totalmente en la búsqueda de una motivación por la que empezar a entender su existencia, algo que encienda el interruptor de cuál es su fin en la vida pasando una temporada con su padre, un famoso director de cine que reniega de su pasado y no quiere volver a pisar su país natal, Argentina. Experto en todo, narcisista e insoportable hasta el punto de no querer convivir con nadie por miedo a que se pudra como bien le dice a Roth. Ella, la musa, la expresividad hecha mujer y su adicción a la cocaína, capaz de aguantar todos los sarcasmos, indirectas e insultos pasivos del director con tal de no dejarlo solo, de seguir junto a él porque lo ama y no puede vivir sin él. Como timón que ejerce de guía soltando frases envenenadas llenas de verdades que duelen, Dante, un amigo que a todos nos gustaría tener, alguien capaz de analizar por ti tu realidad y dártela masticada para que elijas, una barbaridad de personaje y de interpretación. Hace 17 años que se realizó  este filme y a día de hoy consigue mantener frescas toda y cada una de sus frases. Imprescindible.

 

3 - Relatos Salvajes - Damián Szifron - 2014

7.5/10

La mas actual de este top 5 es la reciente producción de estreno mundial dirigida por Damián Szifrón, 'Relatos salvajes'. A estas alturas habréis oído o leído maravillas de ella: todas son ciertas. Difícil top este argentino puesto que para mi cualquiera de las tres citadas de momento puede ser sin problemas top 1. Relegarla al top 3 se debe a la madurez que ya tiene la cinta de Campanella, un film visto por bastantes más personas que esta y que sigue siendo un referente a nivel mundial como lo pudo ser 'Seven' en su momento y no, no exagero. En 'Relatos salvajes' tenemos 6 historias a cual más negra y retorcida que la anterior, capaces de sacarte esa sonrisa cómplice y culpable a la vez. Curiosamente también aparece Ricardo Darín protagonizando la que para mí es la mejor historia de las que hay, 'Bombita'. Hablé de ella hace poco en las crónicas de la 47 edición del festival de Sitges el día que la pasaron en Auditori y al igual que lo comenté en aquella ocasión, lo vuelvo a hacer ahora porque creo que es algo remarcable y que cabe destacar antes que contar las excelencias de la película. Me refiero a la banda sonora de Gustavo Santaolalla, que vuelve a mostrar una vez más el gran compositor que es. En serio, prestad mucha atención a sus composiciones exclusivas para el film, no tienen desperdicio. En concreto en la historia de Darín podréis oír notas muy particulares oídas en otras de sus composiciones para películas como 'Amores perros' o 'Babel'. Las 6 historias son las siguientes: 1. PASTERNAK: La más corta e impactante, como una gran bofetada para que no te acomodes en la butaca y prestes mucha atención a lo que está por venir. 2. LAS RATAS: La mas irónica y retorcida. Oscura. Negra. Aquí es donde Szifrón te saca esa sonrisa cómplice y a la vez culpable que decía antes. 3. EL MAS FUERTE: Sbaraglia al mando. La explosión del hombre tranquilo. Una vez en situación vistas las 2 anteriores la tercera historia además de ser algo más larga produce una sensación en el espectador como la de un engranaje mecánico, intuyendo que va a pasar y disfrutando de ello, queriendo más y más. 4. BOMBITA: La mencionada historia de Darín. Un tipo correcto al que le hinchan las pelotas de mala manera y en el cual nos vemos reflejados muchos. La mejor historia con la mejor canción del film. 5. LA PROPUESTA: La más cruel sin duda. Si 'Ratas' es retorcida y graciosa, aquí la crueldad y cinismo sobrepasan límites insospechados. La reacción del padre al final es de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Con un par. 6: HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE: La historia de cierre es quizás la más floja ya que después de ver tan magnificas historias a cual más delirante y con un in crescendo fantástico se nos presenta como la menos radical pero igual de 'simpática'. No os podéis perder esta brillante comedia argentina que sin duda dará que hablar a lo largo del año. Un must see sin peros. 100% culpable y 100% disfrutable.

2 - El secreto de sus ojos - Juan José Campanella - 2009

8.5/10

Si Bielinsky aún viviera, sería el 'rival' más duro para Campanella en cuanto a directores argentinos, de eso estoy más que seguro. Solo dos films argentinos se han llevado el Oscar en la historia del cine y 'El secreto de sus ojos' es el último en hacerlo, compitiendo con 'The White Ribbon' de Haneke o 'Un prophète' de Jacques Audiard. Estamos ante un thriller brillante factura con elipsis temporales situado a mediados de los años 70. En ella se nos cuenta la historia de Benjamín Esposito (Ricardo Darin), un retirado oficial de juzgado ahora escritor y obsesionado con un crimen que investigó hace 25 años, el cual intenta reflejar en su próxima novela. Esta se podría considerar la trama principal pero difiero mucho de ello. 'El secreto de sus ojos' es mucho más que un simple asesinato, considero a este el motor principal que hace tomar decisiones al resto de personajes, la válvula que enseña tanto a Esposito como a los demás las consecuencias de tomar el camino erróneo, de no atreverse a decidir cuando el tren, y nunca mejor dicho, se está marchando. La escena final es una muestra de ello. Siendo el asesinato una subtrama, importante y esencial eso sí, conoceremos el amor en silencio que vive Esposito hacia a una compañera de trabajo, Irene (Soledad Villamil, Goya actriz revelación 2010). Ella ansía enamorarse de alguien que sea capaz de entender el amor como algo más, algo que traspase todas las barreras de la comunicación y se pueda comprender tan sólo con la mirada. Esto lo encuentra en Esposito pero, al igual que él es incapaz de tomar la decisión adecuada por más que el destino lo ponga en el lugar correcto en el momento indicado, ella mantiene el tipo sin dar más de lo que su mente le deja porque pasado ese limite el amor que encuentre no será ese que ansía ella. Las miradas en este filme conforman otro protagonista, invisible, indescriptible pero presente en todos los minutos. Las miradas de Esposito a Irene y viceversa, las fotos donde Gómez mira a Liliana, el interrogatorio de Gómez por parte de Irene, las de Morales incluso las de Sandoval (Guillermo Francella), todas y cada una forman un personaje nuevo al que tener muy en cuenta, alguien a quien observar detalladamente en cada escena. Hablando sobre detalles y otra vicisitudes del film, el nivel de detalle en las dos líneas temporales y el apoyo que ofrecen objetos en concreto es básicamente perfecto, vestuario, música, decoración de interiores e imágenes de TV, todo luce con un gusto abrumador. No, no me olvido del plano secuencia del campo de fútbol de Huracán (Estadio Tomás Adolfo Ducó) situado en Buenos Aires, una escena que ya es parte de la historia mundial del cine. Todo en ella es espectacular reralmente, es sin duda una de las mejores escenas del filme. INICIO PSEUDOSPOILERS: ¿Qué pinta el fútbol en esta película? Es muy sencillo, el fútbol es pasión y esto es lo que activa el asesinato de Liliana, la pasión. No por el fútbol, sino por lo que hacen en sus vidas como bien explica Sandoval a mitad del film. Esposito busca con pasión al asesino de la chica mientras sigue amando en secreto a Irene, esta al mismo tiempo desea con toda su alma que Esposito le confiese su amor (el cabreo de ella en la escena de cerrar la puerta por no estar a solas con él), la pasión de Morales (Pablo Rago) el marido destrozado yendo cada día a la estación con esos ojos vacíos incluso hasta la del propio Sandoval acudiendo al bar para terminar borracho y en peleas. Todos siguen su destino y aunque a veces tengan pruebas o el camino claro a tomar prefieren seguir siendo fieles a su pasión. FIN PSEUDOSPOILERS. Tranquilamente podría ser la número 1 en este top y lo merece sobradamente, pero mi afecto por la película de Bielinsky y lo que produjo en mi fue tan grande que no puedo más que relegar al top 2 a esta 'El secreto de sus ojos'.

1 - Nueve Reinas - Fabián Bielinsky - 2000

9/10

Esta es la película/razón por la que me enganché al cine argentino. Un cine al que admiro y tengo valorado más que el resto de producciones sudamericanas. Fabián Bielinsky fue el encargado de llevar el cine argentino a un nuevo nivel. Con Ricardo Darín y Gaston Pauls en los papeles principales, cuenta la historia de un estafador experto y otro novato que por cuestiones muy distintas deberán unir fuerzas para conseguir venderle a un alto cargo español unas famosas estampillas llamadas las 9 Reinas. Una plancha de sellos valiosísimos con un defecto de impresión que las hace únicas. Con un arranque que seguro repetiréis otra vez al terminar de verla la cinta se mueve a un ritmo trepidante usando como mayor baza, el tiempo. Todo transcurre en pocos días. El juego del gato y el ratón se vuelve cada vez más difícil de seguir. ¿Quién juega con quién? Sólo el final y los giros constantes de guión revolverá todas las dudas. Papelón de Darín, que borda su interpretación hasta puntos inimaginables y que antes de esta película, no era ni la mitad de conocido que lo es actualmente. El filme de Bielinsky supuso la confirmación del buen hacer de Darín para el cine, pese a contar antes con una extensa carrera en Argentina. El resto del plantel también brilla a un gran nivel, tanto Pauls como la bellísima Leticia Bredice, incluso Fonzi nos ofrecen un registro más que creíble y aceptable de sus personajes. Pero claro, todo queda oscurecido ligeramente por la excelente actuación de Ricardo Darín. Y hablando de su director Fabián Bielinsky, un tipo que dijo no a la creación de un remake americano (el cual terminó haciéndose en 2004 dirigido por Gregory Jacobs bajo el nombre de 'Criminal', que no llegó ni a la suela del zapato a la original), tras 'Nueve reinas' en el año 2000 rodaría 'El aura' cinco años después también junto a Darín en el papel de un taxidermista epiléptico obsesionado con robos y atracos. 'El aura' es una producción muy recomendable, un thriller diferente e interesante que a posteriori fue el último trabajo del director que murió de un infarto al corazón un año después en Sao Paulo, una gran pérdida para el cine en general y más concretamente para el argentino.

Fuera quedan títulos como las citadas antes, 'El aura', 'Hombre mirando al sudeste' (se hizo un remake americano con Kevin Spacey llamado 'K-Pax') y 'Diarios de motocicleta', pero también otras como 'Sin retorno' (que recuerda a la historia de 'Relatos salvajes' de 'La propuesta') o la adrenalitica accion y el erotismo de 'Plata Quemada' (con participacion la española de Eduardo Noriega), 'Un cuento chino' (con Ricardo Darín haciendo de ferretero al estilo 'Amelie'), 'Metegol' (animación dirigida por Campanella), 'Tesis sobre un homicidio', 'La antena' (todo un derroche de originalidad expresionista con estilo comic), 'Roma', 'Días de pesca en Patagonia' y la más reciente 'El ardor', un western minimalista con un final algo flojo y Gael Garcia Bernal de protagonista.