JANE GOT A GUN

Jane Got a Gun - Gavin O´Connor - Estados Unidos

6/10

No sé si el western vuelve a estar de moda, pero lo cierto es que ultimamente llegan propuestas bastante interesantes. A la excelente 'Hateful Eight' de Tarantino o la extraordinaria 'The Revenant' con DiCaprio al frente, hay que añadirle una serie de buenos westerns que nos han llegado en los ultimos meses. En este grupo, a un nivel inferior de estas dos grandes producciones, podríamos colocar la salvajada, que ya es de culto sitgeriano, 'Bone Tomahawk' con Kurt Russell al frente, o también a la notable 'The Salvation', con un desconocido Mads Mikkelsen, que desgraciadamente paso muy desapercibida por nuestra cartelera. Otro western mas que correcto es la propuesta protagonizada por el gran Michael Fassbender, 'Slow West'. Y pronto nos llegara el remake de 'The Magnificient Seven' con Denzel Washington y Chris Pratt al frente. O sea, que en mi opinión, a pesar de no estar en su época dorada, el western esta en buena forma. Podría estar mejor, sí, sobretodo si las productoras lo vendiesen mejor, pero ese es un mal del que el genero no tiene ninguna culpa. 'Jane Got a Gun' quizás no llegue al nivel de ninguna de las películas que he mencionado, pero creo que es un western sencillo y digno. Dirigida de manera solvente por Gavin O'Connor, que no se prodigaba en estas lides desde la notabilíssima e infravalorada 'Warrior' (2011), nos cuenta la historia de Jane (Natalie Portman) que acude en busca de su ex-pareja Dan (Joel Edgerton) para que le ayude a defenderse del inminente ataque de la banda de John Bishop (Ewan McGregor), que esta buscando al actual marido de Jane, un ex-forajido, para poder entregarlo. Lo mas destacado de la cinta son la buenas interpretaciones de Natalie Portman y sobretodo de Joel Edgerton, que ya gano el premio de interpretación del último Festival de Sitges por 'The Gift'. El actor australiano consigue encontrar el equilibrio entre la rudeza de su personaje y su amor incondicional por Jane. Por su lado Natalie Portman, a pesar de su aspecto de fragilidad, dota a su personaje de una fortaleza que se desata en el tramo final de la película. El villano de la función viene a cargo de un Ewan McGregor que sorprende con una caracterización sorprendente y cumple con el expediente con corrección. A veces al western se le acusa de tener un ritmo lento. En 'Jane got a Gun' este ritmo pausado existe, pero los giros argumentales están colocados donde deben y hacen que el visionado sea bastante satisfactorio, a lo que también ayuda su duración (90') y un contundente y explosivo final.También hay que destacar los paisajes donde se rodó la producción, y que con la cuidada fotografía de Mandy Walker aumentan su belleza. Una correcta propuesta, que (creo) pasará desapercibida por la cartelera y que gustara sin excesos a los amantes del western.

I GIORNI DELL´IRA

I giorni dell´ira - Tonino Valeri – Italia/Alemania 

7/10 

Aprovechando el buen momento del spaghetti-western en general y el de Lee Van Cleef en particular ('La muerte tenía un precio', 'El bueno, el feo y el malo', 'El halcón y la presa'), Tonino Valeri ('Mi nombre es ninguno') tuvo a bien dirigir la adaptación de la novela alemana 'Der Tod ritt Dienstags' de Ron Baker. Coproducción italo-germana, 'El día de la ira' se acabará convirtiendo en una obra de referencia dentro del género. No hay más que ver los créditos iniciales, creados por Iginio Lardani, para darnos cuenta de que estamos ante algo distinto. Una sucesión de imágenes en saturados tonos monocromáticos nos irán mostrando la cara de los protagonistas así como distintas escenas del film. Como acompañamiento contaremos con la música de Riz Ortolani, que compondrá un tema central magnífico, que el propio Tarantino acabará utilizando en la banda sonora de 'Django Desencadenado'. La película nos contará la historia de Scott Mary (Giuliano Gemma), un huérfano que hace las veces de chico para todo en el pueblo de Clifton. Scott sueña con convertirse, como Doc Holliday, en un famoso pistolero. Su oportunidad le llegará de manos de Frank Talby (Lee Van Cleef), un extraño que llegará al pueblo intentando saldar una vieja deuda. Frank tomará a Scott como su pupilo y, a base de palos, le irá dando una serie de lecciones para que éste se convierta en el fiero pistolero que desea ser. Pronto, tutor y pupilo acabarán haciéndose con el control de todo el pueblo y nos daremos cuenta de que Talby no es el buen samaritano que pretendía ser. Estamos ante una adaptación far west del patito feo, con un Gemma convirtiéndose en cisne bajo la supervisión de su hada madrina, Van Cleef. El film cuenta con todos los elementos clásicos del género, incluyendo un par de guiños para deleite de los fans del eurowestern. El primero de ellos será el nombre de la mula de Scott Mary, Sartana, que homenajeará a uno de los héroes más clásicos del spaghetti western. El segundo homenaje será la aparición de un trasunto de Django, contratado para encargarse de Frank Talby. Ambos protagonizarán un duelo a caballo con carabina que, para mi, es la mejor escena del film. Estamos ante un clásico menor, que si bien no puede competir con los grandes del género, si que destaca, y de que manera, sobre la ingente cantidad de producciones almerienses de la época. Muy recomendable.

BONE TOMAHAWK

Bone Tomahawk - S. Craig Zahler - Estados Unidos

8/10

Brillante fusión del western clásico con el horror mas salvaje en la opera prima de Steven Craig Zahler, una de las imprescindibles de 2015 ganadora del premio a mejor director en la última edición del festival de cine fantástico y de terror de Sitges. Durante la noche, al pequeño pueblo de Bright Hope llega Purvis (David Arquette), un peculiar forastero al que el sheriff Hunt (Kurt Russell) pone cerco de inmediato. Samantha (Lili Simmons), la doctora del pueblo, debe cuidar y curar al preso de un disparo en la pierna. A la mañana siguiente, doctora y recluso han desaparecido siendo una flecha la única pista disponible a seguir. Decidido a ir tras los captores, el sheriff Hunt y su anciano ayudante Chicory (Richard Jenkins) se embarcaran junto al convaleciente marido de la doctora, Arthur (Patrick Wilson), y un snob pistolero llamado Brooder (Matthew Fox), en un viaje a contrarreloj a través del desierto para salvar las vidas de los dos secuestrados. Como se explican tan buenos resultados y una tan buena critica del publico y profesionales del medio en una opera prima de 132 minutos? Y teniendo como género base el western! Que no es que sea un tipo de género menos valorado que otros sino que llevaba mucho olvidado en el ostracismo sin nadie que supiera sacarle provecho de nuevo o reinventarlo de alguna manera, a excepción de Tarantino claro, como lo ha hecho su director, Steven Craig Zahler.

Todo tiene una explicación. La experiencia de su director. Nacido en 1973, Zahler firma con 'Bone Tomahawk' su opera prima pero, durante los últimos cinco años se ha ganado a pulso una buena fama como novelista, guionista, director de fotografía y músico que avalan todo lo bueno de esta su primera película. Entre 1995 y 1997 participó como director de fotografía en 'August Roads', 'Warsaw Story' y 'Lucia's Dream', mas tarde, en 2011 y tras publicar la aclamada novela noir western 'A Congregation of Jackals' escribió junto a Jerôme Fansten el guión de la cinta francesa de terror, 'Asylum Blackout (The Incident)', dirigida por Alexandre Courtés. Esto explica la riqueza narrativa y detallista que uno puede encontrar en el guión de 'Bone Tomahawk' y sobre todo en unos personajes ingeniosamente perfilados de los cuales apenas se nos dice nada pero podemos conocer todos sobre ellos y sus motivaciones al termino de la película. Su director tiene paciencia en mostrarnos todo, la banda sonora casi minimalista juega un papel revelador aumentando el volumen cuando la acción se aleja de los diálogos, los cuales, siempre son sin música de fondo. Es mas, algunas de las motivaciones de cierto personaje no son reveladas hasta practicamente el final y pese a que se pueden intuir y ser rechazadas por principios al final del filme y siempre dentro de la época en que se sitúa la acción son perfectamente entendibles y lo mejor, estas motivaciones resultan tangibles y muy reales en aquellos tiempos. La banda sonora es obra de Jeff Herriott, amigo de la infancia del director y con el que trabaja como músico habitualmente con su grupo. Amigos desde los 13 años como he leído en una entrevista, ahí es nada, algo que se puede apreciar en el filme, pues al igual que la fotografía, aunque este firmada por Benji Bakshi ('Big Ass Spider', 'Some kind of Hate'), se puede apreciar claramente la influencia de Zahler o su participación en ambos aspectos técnicos de 'Bone Tomahawk', tanto en la música como en la fotografía. Sin restarles méritos de ninguna manera ni a Herriot ni a Bakshi, por supuesto. 'Bone Tomahawk' va de menos a mas en cuanto a intensidad o tensión si son emociones fuertes lo que se busca pero su guión es tan bueno que sus mas de dos horas pasan volando, todas las escenas tienen algo a destacar, una frase o acción que perfila cada vez mas la personalidad de sus personajes. Unos personajes que a priori pueden parecer estereotipados pero que se rebelan muy pronto con la fuerza suficiente que le aportan sus diálogos, como ejemplo mas claro, el del ayudante Chicory, que con esa conversación con Mathhew 'We have to go back' Fox cuando acampan la primera noche, lo aleja definitívamente del típico burdo ayudante de sheriff. El manejo y nivel en la dirección tanto del filme como de los actores que demuestra Zahler se escapa de toda convencionalidad, la marcada fe de Arthur enfatizada en la parte final pero tambien al inicio, la determinación del sheriff en todas y cada una de las elecciones que toma y que cualquier ser humano dudaría, el misterio oculto de Brooder, la lealtad y rectitud de Chicory o hasta la posición de fuerza que tiene Samantha en el matrimonio con Arthur e incluso hasta el tipo que toca el piano en el bar del pueblo. En este sentido 'Bone Tomahawk' tambien aprueba con nota alta, en el de los actores elegidos. A Patrick Wilson se le pudo ver hace poco en la 2a temporada de 'Fargo' a un gran nivel y realmente es un actor que cada vez me gusta mas como trabaja, Russell casi tiene un personaje casi idéntico al que hace en 'The Hateful Eight' y demuestra el porque de la confianza de sus directores en el, Richard Jenkins hace un gran trabajo y tiene una gran escena sobre un circo de pulgas capaz de hacer olvidar en que situación se encuentran cuando esta sale por su boca y Matthew Fox, el único 'perdido' que parece haber encontrado un hueco en las grandes pantallas tras su historia televisiva sorprende para bien con un papel misterioso y lleno de odio. Sobre el comentado final de la película o tramo final, la última media hora es tremendamente impactante visualmente, toda la contención sangrienta y salvaje acumulada se desata en esos últimos 30 minutos donde Zahler disfruta como un enano sorprendiendo a propios y extraños ante tan original cambio de rumbo. El contraste del western desértico, pálido, árido, polvoriento que hasta entonces impregnaba las ropas de sus protagonistas empieza a verse salpicado por la tan llamativa sangre, la atmósfera se vuelve turbia y es imposible adivinar que va a ocurrir a continuación, porque si hasta ese momento 'Bone Tomahawk' seguía por su camino la base de un western casi clásico de búsqueda y captura se torna una película de terror cercana al gore mas explicito. Esto no es raro ya que Zahler es un confeso fan tanto de la filmografía de Argento, los inicios de Raimi o películas como 'Gremlins', 'The Texas Chainsaw Massacre' y 'Night of the Living Dead'. Su nombre ha sonado para el guión de la adaptación cinematográfica del anime 'Robotech' y también para la adaptación de una de sus novelas con Leonardo DiCaprio y Jamie Foxx titulada 'Mean Business on North Ganson Street'.

CONDENADOS A VIVIR

Condenados a vivir   -   Joaquin Luis Romero Merchant   -   España

7/10

Un  padre jamas olvida a su hijo y el cine, no iba a ser  menos. Siendo el primogénito de la familia, el western, que durante muchos años estuvo apartado de la cena de navidad por sus excesos y pasotismos, parece que ahora vuelve al lugar que le corresponde en la mesa. Ya sea con propuestas clásicas como las 'Django Unchained' y 'The Hateful Eight' o explorando la mezcla con otros géneros como en 'Young Ones' o la reciente y brillante 'Bone Tomahawk', el western esta viviendo un gran momento gracias sobre todo a directores que están sabiendo sacarle el máximo partido a un genero que yacía muerto desde hace mucho. Este año se han estrenado propuestas muy interesantes como 'Slow West' con Michael Fassbender, 'The Salvation' con Mads Mikkelsen o 'Diablo' con el hijo de Eastwood como protagonista y para el año que viene, están preparando 'su' western, grandes directores consagrados como Ti West, Tommy Lee Jones o Cassey Affleck entre otros. Al margen de estos tres hay otras tres futuras producciones que llaman mucho la atención, el enimagtico western 'Outlaws and Angels', el regreso de Franco Nero en 'Django Lives!' y el remake de Fucqua sobre 'The Magnificent Seven'. 'Condenados a vivir' de 1972 es un spaghetti western o paella western (denominación española) que muestra este mestizaje del western con otros géneros del que hablaba antes. En este caso, con el thriller mas violento. Escrita por Santiago Moncada con Joaquín Luis Romero Marchent y dirigida por este ultimo, 'Condenados a vivir' no solo es la mejor obra del director madrileño sino también uno de los mejores spaghetti western españoles que se han realizado junto a otros como 'El precio de un hombre', 'El sabor de la venganza' o 'El hombre que mató a Billy el Niño'. Un grupo extremadamente violento de presos atados con cadenas entre ellos (Ricardo Díaz, José Manuel Martín, Carlos Romero Marchent, Antonio Iranzo, Alberto Dalbés, Rafael Hernández y Manuel Tejada) son trasladados en caravana desde la mina en la que cumplen condena en Golden Sun hasta Fort Green. 400 millas a través de las rocosas montañas nevadas vigilados únicamente por el sargento Brown (Claudio Undari aka Robert Hundar) junto a su hija Sarah (Emma Cohen).

 

Con esta simple premisa, Moncada y Marchent elaboran un guión ingenioso e inteligente lleno de grandes giros tanto dramáticos como violentos para darle a la trama el interés suficiente para no decaer en ningún momento. Los buenos guionistas dejan huella a lo largo de su carrera y en esta película se unen dos grandes especialistas como fueron Moncada y Marchent. Moncada cuando se filmó esta producción practicamente estaba en el inicio de su carrera pero en los seis años que llevaba tenia en su haber ya mas de una docena de películas como guionista entre las que destaca otro de los buenos spaghetti western realizados en España, 'Manos Torpes', o los giallos de Mario Bava, 'Il rosso segno della follia (Un hacha para la luna de miel)' y 'Tutti i colori del buio (Todos los colores de la oscuridad)' de Sergio Martino. Por el otro lado, en la dirección esta uno si no el que mas dirigio, realizador de spaghettis westerns españoles de la historia, Joaquín Luis Romero Marchent. Pionero en la explotación de este subgénero en Esapaña. Llegó a 'Condenados a vivir' con mas de 20 años de carrera como guionista y director y fue, a partir del éxito de este tosco paella western cuando se dedicó casi enteramente a la dirección en los siguientes años hasta que empezó a filmar junto a Mario Camus y Pilar Miro la gran mayoría de episodios de la mítica serie 'Curro Jimenez'. Como digo, el guión es bastante inteligente y desarrolla muy bien la personalidad de cada uno de los personajes, incluidos todos los presos, los cambios de rumbo en la acción y las sorpresas que erróneamente se muestran en muchas sinopsis que encontrareis en la red como pueden ser las motivaciones e intenciones del sargento en dicho viaje o la presencia de la hija del mismo en este, sin contar el gran giro que da la historia a la media hora, son pruebas mas que palpables de lo trabajado que esta dicho guión y su buen hacer. 'Condenados a vivir' nació como un spaghetti western distinto y ahora, tras mas de 40 años su visionado nos presenta un western clásico al que el paso del tiempo le ha beneficiado y de que manera, diferente, violento, una joya de película que cualquier fan del género no se puede perder. Tiene unos exteriores rodados en los Pirineos de Huesca que son una delicia, filmados brillantemente por Luis Cuadrado ('El espíritu de la colmena') y una banda sonora de Carmelo Bernaola ('Verano Azul') mas que apropiada para un western de este calado. Quizás la peor parte sea el montaje de Mercedes Alonso, no por sus intenciones que son buenas y buscan encajar las piezas con el guión de un modo original sino mas bien por la técnica, la cual es abrupta y chocante.

THE REVENANT

The Revenant - Alejandro Gonzalez Iñarritu - Estados Unidos

8.5/10

'When there is a storm, And you stand in front of a tree, If you look at it's branches, you swear it will fall, But if you watch the trunk, you will see it's stability.' Mitad hechos reales mitad ficción, la nueva película de Iñarritu apuesta mas por el realismo y la preciosidad de sus escenas clave que por dotar a estas y a sus personajes de la suficiente carga emocional en una  historia donde la venganza es el motor principal de su protagonista. Tras terminar la transformación de Keaton en ave Fenix el año pasado con 'Birdman', el director mexicano abandona la gran ciudad y sus grises edificios para rodar en las montañas de Montana, Alberta, British Columbia e incluso la Tierra del Fuego en Chile mostrándonos un enfoque  que impresionantemente real de lo que le sucedió en 1823 a un trampero y explorador norteamericano hijo de inmigrantes irlandeses nacido en Pennsylvania llamado Hugh Glass que sobrevivió tras ser atacado salvajemente por una osa gran grizzly, dado por muerto y abandonado por el grupo al que guiaba. 'The Revenant' cuenta con el guión adaptado por Iñarritu y Mark L. Smith de la novela de mismo titulo escrita en 2002 por Michael Punke, la cual, ya añadía algo de ficción a la historia de Glass. Interpretada principalmente por Leonardo DiCaprio como el legendario Hugh Glass, Tom Hardy como el trampero racista John Fitzgerald y los jóvenes Domhnall Gleeson ('Ex Machina') y Will Poulte ('The Maze Runner'). Sobre DiCaprio...quizás sea por su falta de frases en el filme, aunque no debería, pero su personaje no llega a calar en lo dramático lo suficiente o al menos tanto como lo hace el de Fitzgerald, del que conocemos hechos que lo marcaron en su vida contados por el mismo mientras que de Glass apenas sabemos nada de su pasado salvo lo del hijo pawnee. Incluso antes del ataque de la osa a Glass, ambos tienen un enfrentamiento en el que terminaron interviniendo el resto de hombres del grupo pero en el que se aprecia claramente el carácter introspectivo del legendario trampero. Pero como digo, aunque DiCaprio no tuviera una sola linea en todo el filme, debería dejar un poso mas grande del que finalmente deja. La brillantez y la profesionalidad que Hardy imprime a su personaje es una brillante replica al trabajo de un DiCaprio que ofrece todo lo que tiene enfrentándose tanto a la naturaleza, como a los elementos y al propio hombre. Creo que ambos se merecen ser nominados al Oscar, que ganen ya...no lo creo tanto.

'The Revenant' tiene alma de western, tenemos un héroe, tenemos venganza, tenemos crueldad y tenemos la existencia del duelo, Glass vs. Fitzgerald en un ambiente nevado ideal. Un western bellamente realista, un pre-western podríamos decir dada la época en que se sitúa, America en el siglo 17, con los colonos descubriendo nuevos lugares y caminos por los que moverse mientras las diferentes tribus indias infundían terror y eran tratadas de salvajes. En 1971 ya se realizó una pelicula que contaba, de otra manera, la historia del legendario Hugh Glass titulada 'Man in the Wilderness', dirigida por Richard C. Sarafian, rodada en Avila (España) e interpretada por Richard Harris y John Huston. Lo que plantea Iñarritu es la supervivencia del hombre en sus últimos momentos gracias al ansia de venganza, y esto quizás no solo no queda del todo claro sino que el duelo final no es del todo satisfactorio y se esfuma por el río que tan genialmente abre y cierra el filme. Ese...'que sea el destino quien te juzgue' tiene sentido si nos quedamos con todas las escenas oníricas y pseudo filosóficas que el realizador mexicano nos impone pero no lo tiene dado el nivel de realismo que ha mostrado en toda la película. INICIO SPOILERS: Es decir, Glass, a mi entender se hubiera cobrado su venganza si o si, sin pensar en nada mas. De hecho, es así como lo cuentan la historia. Glass tras llegar a Fort Kiowa salio en busca de Fitzgerald para matarlo pero este se habia enrolado en el ejercito y asesinarlo conllevaba la pena de muerte, así que, decidió no hacerlo a cambio de un trato con uno de los oficiales. Repito, a cambio de un trato. A Glass le importaba un pimiento que fuera del ejercito y lo busco para matarlo solo que, al final, las circunstáncias se lo impidieron. FIN SPOILERS. La supervivencia existencial unida a la fuerza de la venganza, una fuerza que se diluye a favor de la evolución hacia la redención y del perdon. Queremos que Glass se venge pero hay un parte de nosotros que empatiza con el sufrimiento de Fitzgerald a lo largo de su vida. Lo que hace majestuosa a 'The Revenant' es la fotografía de Lubezki, que muy difícil va a ser para que no termine llevándose otra estatuilla para la estanteria igual que hiciera el año pasado con 'Birdman'. Es curioso pero en 'Birdman', la historia y el guión eran mucho mas solidos, con unos cimientos como los que se citan en 'The Revenant' al inicio comparando al hombre con un árbol frondoso por ejemplo pero la fotografia pese a ser excelente no tenia esa majestuosidad que si tiene en 'The Revenant' donde, y ahí esta lo curioso, la historia no es tan solida como la de 'Birdman'. Planos de 360 grados impresionantes como el que abre la película que recuerdan por su crudeza a los de 'Saving Private Ryan', riachuelos llenos de sangre, violentas muertes, etc tambien hay varios planos secuencia de duración mas larga de la habitual que nos enseñan la belleza surrealista por momentos de esa etapa del ser humano en la tierra como en 'The Mission'. Lubezki es un genio y lo ha vuelto a demostrar, quizás de la mano de otro director no luciría tanto pero junto a Iñarritu se forma un tándem de oro. El montaje por otro lado es una pieza fundamental en el trabajo de este gran director y se demuestra, una vez mas y como ya hiciera en anteriores producciones, con nuevas ideas en busca de la originalidad como cuando empalma el vaho de un moribundo Glass con las nubes y el humo del cigarrillo de Fitzgerald. Brillante. La banda sonora es de Carsten Nicolai y Ryûichi Sakamoto, dos veteranos que aportan su granito de arena en forma de sutiles músicas ambientales apenas perceptibles unidas a ciertos sonidos tribales individuales que hacen más sensitivos y trágicos los momentos de tensión. Creo que no me equivoco al afirmar que 'The Revenant' es la película más realista de Iñarritu hasta la fecha

Tiene alma de western porque la venganza es la motivación principal de su protagonista como también pasaba en 'Last Train from Gun Hill', 'Hang 'Em High' o 'Django il bastardo'. No es una venganza al estilo de la trilogía de Park ni se asemeja a la vista en la saga 'Death Wish', 'The crow', 'Revenge' o 'Buried Alive'. Es una venganza filmada tan bellamente que te recordará a trabajos de Malick por la impresionante fotografía de Lubezki como en 'The New World' o 'Tree of life'. Ese tipo de fotografía brillante pero deprimente que tiene por ejemplo 'Apocalypse Now'. Quizás incluso te vengan pensamientos también de 'The Mission' o 'Valhalla Rising'. Pero aunque el tema de la venganza es el motor es imposible no acordarse de cintas clásicas similares como la que interpretó Robert Redford, 'Jeremiah Johnson', o 'Bailando con lobos' con Kevin Costner. INICIO SPOILERS: La verdadera historia de Glass no es tan fantástica como parece ser. Hugh Glass no tuvo hijos, con lo que la historia de venganza no existió. Parte del grupo ayudo a derribar a la osa grizzly que lo atacaba e intento curarlo. Si es cierto que Fitzgerald y Bridger se quedaron atrás para proporcionarle un entierro digno pero que ante la llegada de un grupo de Arikaras tuvo que abandonar y dejarlo a medio enterrar sin provisiones ni armas. También es verdad que ahuyenta a unos lobos que devoraban un bisonte para alimentarse pero en la película es un indio el que los ahuyenta. El resto es todo inventado, incluido el final.Glass nunca se cobro su venganza como le hubiera gustado, matando a Fitzgerald por haberlo abandonado ya que este se alistó en el ejército y asesinarlo suponía la pena de muerte. El final de la película encaja más con esa venganza real, tal y como la cuentan los libros biográficos más que con la ficcionada donde su hijo inventado muere y Glass no consuma su venganza asesinando a Fitzgerald sino que deja que el 'destino' haga su trabajo. Glass murió 10 años después de los hechos de esta película despellejado por una tribu de arikaras. El destino. FIN SPOILERS.

THE HATEFUL EIGHT

The Hateful Eight - Quentin Tarantino - Estados Unidos

9/10

Teatro. Teatro y del bueno! que diría un portugués. El escalón que sube Tarantino con su nueva película convierte en una realidad su deseo de ser recordado como un gran director de western de manera brillante. Y es que estaba claro que con 'Django Unchained' ni Quentin ni su ferviente legión de seguidores habían quedado del todo satisfechos. Me explico. El primer western que filmó el director norteamericano es realmente un spaghetti western, subgénero adorado y homenajeado por Tarantino en muchas de sus películas y por el cual siente una admiración mas que evidente. 'Django Unchained' está llena de pequeños homenajes a todo aquel que cine que tan bien supieron realizar Leone, Sollima, Tessari o Corbucci pero no es un filme con un sello personal, no es un western para catalogar a su director con un estilo puramente propio dentro de esta criatura cinematográfica. No se me entienda mal, admiro 'Django Unchained' precisamente por esa firma del amor de Quentin por los spaghetti western en toda el filme pero también hay que reconocer que aunque buenos, resulta hecho de retales a modo de pequeños homenajes a los grandes directores de western con los que se 'formo' viendo películas. En 'The Hateful Eight' Tarantino vuelve a sus orígenes para evolucionar hacia su ansiada meta, ser recordado como un gran director de western. Toda la acción transcurre practicamente en un único escenario como sucedía en 'Reservoir Dogs', la película que lo encumbro a lo mas alto y con la que 'The Hateful Eight' guarda un enorme parecido tanto en el citado único escenario (almacén=cabaña) como en planos (cuando suena Apple Blossom de White Stripes al cuarto de hora y vemos las cabezas de los caballos aparecer al galope de derecha a izquierda = la salida del restaurante tras la charla previa al robo) así como el progresivo aumento de la violencia hacia la parte final con INICIO SPOILER ...la cara llena de sangre de Leigh al igual que el policía al que Madsen corta la oreja al ritmo de Stuck in the Middle wiht You - FIN SPOILER; también hay planos rodados como el que hizo para 'Kill Bill' situando la cámara encima del personaje y contados y sutiles homenajes a 'For a few dollars more' de Leone con ese arranque de la película a ritmo de 'L´ultima Dilligenza di Red Rock' de Morricone mientras la cámara se mueve tras la cruz y nos deja ver la llegada diligencia o los primeros planos subjetivos de la víctima siendo apuntada por un arma como en 'Il buono, il brutto, il cattivo' o 'The Searchers' de John Ford con ese plano desde dentro del establo como ya hiciera también en 'Kill Bill' o 'Inglorious Basterds'. Con un guión magnifico, pulido, elegante, personajes con personalidad y donde la violencia marca de la cada se guarda para la traca final, tenemos esta historia divida en capítulos que ante nuestros ojos resulta como estar presente en una autentica obra de teatro, en primera fila y donde el final e inicio de cada capitulo es similar a cuando cierran y abren el telón. Una obra llena de matices a los que prestar atención e interpretada de manera colosal por algunos de los actores que participan en ella. 'The Hateful Eight' esta un peldaño por encima de 'Django Unchained', es un producto mas serio y consistente que destila ese buen saber hacer y esa originalidad que muchos continúan negándole a Tarantino.

Un cazarrecompensas llamado John Ruth (Kurt Rusell) se dirige en una diligencia a través de un nevado bosque de Wyoming a Red Rock a cobrar la recompensa por la captura de una peligrosa criminal llamada Daisy Domergue (Jennifer Jason Leigh). En el camino recogen al mayor unionista Marquis Warren (Samuel L. Jackson) que, convertido también en cazarrecompensas al termino de la guerra había quedado varado en mitad del camino con varios delicuentes por entregar. Tras un pequeño accidente recogen a otro hombre, Chris Mannix (Walton Goggins), el futuro sheriff de Red Rock. John, Daisy, Marquis y Chris prosiguen su camino pero el temporal empieza a apretar y se desvían hacia una posada llamada Minnie´s Haberdashery donde se encuentran con el general confederado Sandy Smithers (Bruce Dern), Oswaldo Mobray (Tim Roth), un mexicano llamado Bob (Demian Bichir) y Joe Gage (Michael Madsen) que también están refugiándose del temporal hasta que amaine. La duración de la versión digital es de 167 minutos mientras que la de 70mm. que solo se estrenara en un numero limitado de salas es 20 minutos mas larga e incluye una obertura de 3:48 minutos y un intermedio de 12. Al margen de todo lo citado antes, la ultima producción de Tarantino tiene un reparto tan variopinto como efectivo donde destaca sobre todos un nombre, Walton Goggins. Tras sus brillantes, insisto, BRILLANTES, interpretaciones en series de gran éxito como 'The Shield' donde era un policía corrupto, en 'SOA' como un impactante transexual con sentimientos o en la recién terminada 'Justified' dando la replica a un Tymothy Olyphant al que devoro todo su protagonismo siendo el antagonista de la historia, por fin, le llega un papel a su medida, un papel que debería valerle una nominación al Oscar. Y digo por fin porque a Goggins ya se le ha podido ver en algunos filmes (también aparecía en 'Django Unchained') pero ya sea por mala suerte o mal guión han terminado siendo películas que prometían mucho y se han quedado en nada como 'Predators', 'Cowboys vs. Aliens', el remake de 'Straw Dogs' o la reciente 'American Ultra'. Seguramente la nominación le caiga a Samuel L. Jackson porque también realiza un gran trabajo como Marquis Warren, nunca te cansas de oírle, sus escenas y su tono de voz siempre claman la atención de un modo especial. También brilla sobre todo en la parte inicial y en la final Jennifer Jason Leigh, brilla como para recibir una nominación a mejor actriz secundaria.

Esto en cuanto a actores y nominaciones pero tened claro que 'The Hateful Eight' va a estar nominada mas que seguro a mejor guión original y a mejor banda sonora. Una banda sonora muy Morricone particular y en la que ya desde el segundo 1 el famoso compositor deja claras que las intenciones de la película no van por la fanfarria, la violencia o los continuos homenajes sino que su apuesta es por la seriedad, por dotar al conjunto montado por Tarantino de un espíritu propio, espíritu que como digo, desde el primer fotograma esta presente. Además de las canciones originales creadas por el maestro italiano para el filme también aparece un temazo que solo a Tarantino se le podía el ocurrir como introducirlo y que seguramente muchos lo habréis oído antes pero nunca acompañando las imagenes que el director pone en escena. El tema es 'Apple Blossom' de The White Stripes, toda una genialidad de canción (con una letra bastante sugerente sobre algo que ocurre en el filme) que seguro pasara a engrosar vuestra lista de canciones favoritas. También aparece 'There Weren't Be Many Coming Home' de Roy Orbison, tema realizado exclusivamente para el filme y 'Now You´re All Alone' de David Mess, estas son las únicas 3 canciones no originales presentes en la película sin contar que en ella también podréis oír algunos breves temas de la banda sonora de 'The Thing' de Carpenter y hasta uno de la de 'Exorcist 2: The Heretic', todos compuestos por Morricone of course. El arranque de la película al son de 'L´ultima Dilligenza di Red Rock' de es una maravilla que transmite perfectamente el aislamiento que van a sufrir todos sus protagonistas durante la película encerrados en una cabaña/posada de paso  perdida entre las frías montañas nevadas de Wyonming. Tras los créditos iniciales y la presentación de Jackson, Rusell, Leigh y Goggins la acción llega al lugar del que no volverá a moverse en todo el metraje. Esto puede chocar mucho a los que esperaban un 'Django Unchained' elevado a la enésima potencia o una pseudo versión de 'The Magnificent Seven' dado el titulo y ver que finalmente no es así pero cuando te quieres dar cuenta, ya han pasado dos horas de película y sigues tan intrigado como al inicio, una historia absorbente como pocas. 'The Hateful  Eight' marca su propio camino por la espesa nieve de Wyoming asentando la historia en un guión donde se reconocen los matices tarantinescos pero también un espíritu propio y diferente, un evolucionado Tarantino. La nueva muesca en el cinturón del director norteamericano para lograr su ansiado reconocimiento ya esta hecha y ha quedado mas pulida que la primera. Y solo van 2. Si este es el camino que Quentin ha decidido seguir, por mi parte solo decir que adelante, su carrera en este genero solo puede hacer que darnos grandes películas y lo mas importante, grandes historias. Grandes historias que solo un amante del cine y de la criatura cinematográfica que es el western puede ofrecernos. Amantes como Quentin Tarantino.

THE SALVATION

The Salvation - Kristian Levring - Dinamarca 

7/10 

Es grato comprobar lo vivo que sigue el western hoy en día, ya que aunque son pocos los títulos que se producen, suelen contar con una calidad por encima de la media. Propuestas como la película que nos ocupa, 'The Homesman', o la interesante 'Slow West', dan fé de la buena salud de la que goza el género en estos últimos años. 'The Salvation', se sumerge dentro de los elementos más clásicos del género, o mejor dicho, de su hermano europeo, el eurowestern (no nos olvidemos que su director, Kristian Levring, es danés). Así, como ya pasara anteriormente en filmes como 'Los compañeros' o 'Salario para matar' (ambas protagonizadas por Franco Nero, dando vida a sendos personajes de origen europeo), su protagonista no es un oriundo del lejano oeste, sino un buscavidas llegado desde el viejo mundo. Y cuando hablo de un buscavidas no me refiero a un intrépido cowboy, sino a un superviviente, a un emigrante que ha tenido a bien abandonar el viejo mundo en busca de mejor fortuna. Así conoceremos a Jon (Mads Mikkelsen), antiguo soldado danés, veterano de la Guerra de los Ducados que, junto a su hermano Peter (Mikael Persbrandt), han dedicido probar suerte en la tierra prometida. Una vez establecido en su nuevo hogar, correrá al encuentro de su esposa e hijo. Reunida ya la familia, mujer y vástago perderán la vida bajo la mano de Paul (Michael Raymond-James), hermano del terrateniente del lugar. Hecho que hará que Jon acabe matándo al asesino de su familia, despertando así la ira del cazique del pueblo (Jeffrey Dean Morgan, Watchmen). Ambientada tras las guerras indias, estamos ante un western duro, sin concesiones, donde la venganza será el hilo conductor de todo el film. Historia sencilla con reminiscencias de western clásico (esos planos 'fordianos' bajo el quicio de una puerta...) con cierto aire a la ya clásica 'Sin Perdón' (1992, Clint Eastwood), pero que recuerda sobre todo a 'The Proposition' (2005, John Hillcoat), joya del género guionizada por Nick Cave y que pasó por la pantallas con mas pena que gloria. Destacar, junto al taciturno personaje interpretado por Mikkelsen, a Eva Green, que dará vida a la enigmática viuda de Paul (asesino de la familia de Jon y desencadenante de la historia). Curiosa es también la dualidad de roles que desempeñan Douglas Henshall, sheriff-párroco, y Jonathan Pryce (Brazil), que compatibiliza, ¡ahí es nada!, la alcaldía con sus labores de enterrador. En definitiva, habrá que seguir de cerca la trayectoria de este director así como de Kasper Winding, compositor de la sobresaliente banda sonora que acompaña la película.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 8

Penúltimo día cubriendo la matinal de Auditori, y hoy si ya puedo decir que el sueño y cansancio vienen conmigo agarrados a la espalda, la velocidad al caminar ha bajado sustancialmente y cuesta el tirarse a la calle tan temprano para sentarse a ver 4 películas seguidas, algunos dirán que es una tontería quejarse por algo así, pero cuando quieres dar lo mejor de ti mismo y prestarle toda la atención a esos 4 films el no poder es muy frustrante y más si eres exigente contigo mismo como es mi caso. Estoy en el andén, esperando el tren en el que viene @JohnPrskalo para ir juntos a la primera proyección. De camino a la estación he podido meterme entre pecho y espalda un bocadillo de tortilla de patata. Ahora dudo si tendré más sueño tras la toma de café y el postrarme de espalda en la butaca o si por el contrario conseguiré ir mas despierto. Sea como fuere, queda hoy y mañana, aunque mañana es mas 'último día de curso' para mi, tranquilidad y 2 de los 4 films son clásicos, pero hoy a las 8:15h, el segundo día que más se madruga en Auditori. Realmente no me importa la hora, me parece bien cualquiera, lo que no puedo es con el poco descanso entre película y película, ni 10 minutos para respirar.

It Follows - David Robert Mitchell - Estados Unidos
8/10

La segunda película del director americano David Robert Mitchell tras 'The myth of the american sleepover' es un thriller con alma de slasher. Su potente y precisa banda sonora compuesta por Disasterpeace nos induce durante todo el metraje a trasladarnos a los años 80, donde Jason, Freddy o Michael aterrorizaban a toda una generación. En su dirección vemos el mismo estilo particular que Mitchell ya aplicó en su anterior producción mostrando la pubertad y un muy cercano día a día del estilo de vida americano fusionado con el modelo indie tipo 'Donnie Darko', 'Bellflower' o la mostrada en esta edición del festival 'Jamie Marks is dead'. Este toque diferente unido al thriller slasher ochentero consigue funcionar en todos sus aspectos hasta el final. No se extiende y no cae en la repetición evitando que el espectador acabe agotado de ver siempre lo mismo una escena tras otra. Thriller inteligente que basa todo su potencial en lo sugerente de su planteamiento base sin dedicar mucho tiempo a las preguntas del quién, cómo y porqué de lo que sucede. El suspense y la tensión es generado igualmente sin estas aclaratorias respuestas, dando espacio a un sub-tema sobre la importancia del sexo y el amor entre los jóvenes americanos, mismo tema que David Robert Mitchell ya trató en su primer filme. Su arranque impactante y desconcertante así como su final sutil y digno la hacen un gran thriller para una noche de palomitas. Corta, pero muy efectiva.

The Rover - David Michôdnos - Australia
5/10
 
Nuevo western apocalíptico en la matinal de Auditori tras la llamativa, 'Young Ones'. El director David Michôdnos nos cuenta en 'The rover' la historia de unos ladrones que topan por casualidad con el coche de Eric (Guy Pearce), un tipo duro, rudo y sin escrúpulos que sobrevive a su día a día solo y sin más compañía que su propia presencia. Tras robarle el coche, Eric sale en su búsqueda encontrándose en el camino a Rey (Robert Pattinson), uno de los cómplices del robo abandonado por sus amigos tras recibir un disparo en el estómago. Film centrado prácticamente en sus dos personajes principales, la relación entre ambos y las formas de ver la vida de cada uno. Guy Pearce y sobre todo Robert Pattison llevan a un nivel colosal su papel, con unos matices dignos de mención y que atrapan al espectador en las conversaciones que mantienen entre ambos. Pattinson sorprende a base de bien, desconocido totalmente hará callar muchas de las bocas que lo venían criticando. La historia pasaría por un buen western de no ser por la relegación del mismo a un segundo plano. La fotografía no impera lo suficiente y la falta de detalles de ese mundo apocalíptico, desértico y solitario de una Australia futura llena de buscadores de oro no ayuda nada a que lo que nos cuentan nos llegue a importar lo suficiente. La banda sonora de Antony Partos juega un papel suculento al principio pero se pierde cuando se esconde el sol dejando muy huérfana una película que necesita de ella para sobre elevarse. Como western apocalíptico en esta edición 47 del festival de Sitges me quedo con 'Young Ones', ya que tiene 2 protagonistas igual de buenos, mejores personajes, mejor historia, y un futuro más detallado, más nerd y más vistoso.

The Signal - William Eubank - Estados Unidos
7/10
 
Antes de empezar ha llegado una nueva presentación antes de empezar pero en esta ocasión no se trataba de la película que íbamos a ver sino del corto de Jaume Barceló, 'Dinosaurios'. La que es la sexta presentación en una matinal de Auditori no ha sido tal ya que el corto no ha sido presentado por ninguno de los creadores, sino que simplemente se nos informó que nos los iban a pasar antes del film. Y así fue, 'Dinosaurios' nos cuenta o nos intenta transmitir la idea de cómo será el futuro que nunca veremos, el futuro sin personas, donde estas se extinguen pero los lugares permanecen. Esta frase se repite varias veces durante la producción de Barceló. Todo acompañado por bellas imágenes de lugares vacíos y que antaño eran poblados de gente, un hospital psiquiátrico, una cancha de baloncesto, un monasterio, un castillo, un laboratorio, etc. Corto de agradable visionado, poco más que añadir. 'The Signal', curioso e interesante thriller de ciencia ficción bañado en la mezcolanza de varias ideas llamativas componiendo así un mosaico de gusto fino para los nerds más fans de este género. Con actores poco conocidos y una buena dosis de efectos especiales desde la mitad del film en adelante, la historia arranca intrigante con dos hackers acudiendo al encuentro de un tercero, NOMAD, con el que 'juegan' desde hace tiempo a ver quién es el mejor. El encuentro con este personaje cambiará sus vidas para siempre y probablemente las de toda la humanidad.
Entre el casting novato y el bajo presupuesto que destila esta producción independiente dirigida por William Eubank se puede decir que el resultado es más que satisfactorio. Con una buena simplicidad inicial consigue mantener solo con su argumento e imágenes cerca del cliché desde el primer minuto, el grado de amistad de los 3 amigos es muy creíble, hay complicidad y eso se muestra muy bien en la pantalla. No llega a hacerse nada extensa y originalidad en ciertos momentos combina bien con esa naturalidad que Eubank explota. Laurence Fishburne es la única estrella del pequeño reparto. Sin conocer ni un solo detalle de la trama es como mejor se disfruta esta película, ahí es donde llega a sorprender porque hasta el punto que conté yo puede sonar a bazofia informática llena de tecnicismos o conspiraciones que no aportan nada nuevo al género y la verdad tampoco es que aporte mucho o nada pero, sin conocer el resto de detalles de su argumento he terminado su visionado con buenas sensaciones y con la idea de que tranquilamente puede dar para una saga interesante. Dirigida por un gran director y con los medios suficientes y sabiendo en qué punto termina el film, ¿porque no? Hay sagas con juegos de hambre, otras con laberintos, otras con niños magos, quiero decir, aquí hay tema para mas, es solo el principio. Divagaciones al margen, estamos ante una buena cinta de ciencia-ficción que si bien no te va a descubrir nada nuevo si sabe mezclar sus cartas con suficiente inteligencia como para resultar interesante.

 

Når Dyrene Drømmer (When Animals Dream) Jonas Alexander Arnby - Dinamarca
3/10 

Creía que eran solo los americanos los que tendían a coger una moda y exprimirla hasta su saciedad, pero no, los europeos también lo hacemos. Este híbrido o refrito vulgar de 'Teen Wolf', 'Let the Right One In' o 'The company of wolves' cansa y agota desde su gris inicio y sus títulos de sosos títulos de crédito iniciales. Opera prima del director danés Jonas Alexander Arnby, que con este cuento/fábula pretende vendernos la misma historia con diferente color. Y no cuela señor Arnby, ya no. El estilo de 'Let the Right One In' es inigualable, y su película, en 84 minutos no lo consigue, y eso que lo intenta durante toda la duración. El estilo nórdico visto en el film de Tomas Alfredson se propagó como la lepra en otros films y series como la maravillosa 'Forbrydelsen' o la actual 'Bron/Broen', ambas con remake americano. Ya han pasado muchos años desde que este estilo rompiera moldes en el panorama cinéfilo como para intentar sorprender con él. La cinta de Arnby no aporta nada nuevo a un género al que solo se limita a cambiar una sola cosa, vampiros por licántropos. Y no hay mas, y demos gracias, porque los 84 minutos se hacen eternos. El inicio es totalmente 'Teen Wolf', con ese secreto familiar o las escenas del espejo y del baño cuando el padre quiere entrar; el resto del film es ver lo mismo que en 'Let the Right One In' pero como digo cambiando unos bichos por otros, simplemente. Pesada e insulsa.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 7

Hoy toca sesión ligera con solo tres películas y arrancando a las 9 de la mañana. No es que haya dormido mucho más que otros días, pero se agradece media hora más en la cama. Se viene el 'Argentina day', ya que 2 de las 3 son originarias del país del mate. Hace un día estupendo, y me resulta muy interesante la jornada matinal de Auditori. Tras realizar la rutina diaria, desayuno, perro, y camino a la estación toca disfrutar de un enorme bocadillo en el tren, que luego sabemos lo que pasa. Al llegar, @JohnPrskalo está en el bar de la estación. Genial, el camino a Auditori no se hará tan largo como de costumbre. Vamos con el día 7, esto se acaba señores...

Relatos Salvajes - Damián Szifrón - Argentina
7.5/10

Una de las grandes esperadas del público en Sitges hacia su estreno a primera hora de la mañana. Mi creencia de que iba a estar la sala a rebosar ha sido desmontada al llegar y ver que ciertamente no era así. Cola medianamente normal y poca afluencia en los alrededores de Auditori. Como @JohnPrskalo me comentó de camino a la proyección: muchos ya tuvieron la suerte de verla en la última edición del festival de San Sebastián sin contar que en la tarde-noche había otro pase y que además en un breve espacio de tiempo seria estrenada oficialmente en todos los cines. Mejor, hemos podido disfrutar de una de las posibles ganadoras en este edición del festival con poco público y sin tener que hacer extraños movimientos de cabeza. Aclamada por público y critica, esta comedia negra de origen argentino es una delicia para los sentidos. Dividida en 6 episodios de duración progresiva, el nuevo film del argentino Damián Szifrón pasa volando ante tus ojos, casi 2 horas de complicidad total con lo que a uno le entra por los ojos, humor negro, a veces retorcido a más no poder, un humor cómplice y en pequeñas dosis, a sorbitos, sin llegar a agobiar, sin caer en el gag fácil, con una impresionante factura técnica que abarca todos los ámbitos, actores, dirección, música, montaje, ritmo, fotografía: todo en ella es digno de alabar o destacar. Las dos primeras historias, 'Pasternak' y 'Las ratas', meten al espectador en faena, preparándole para lo que se le viene encima, para pensar mal y acertar, para sacar ese pensamiento retorcido y maquiavélico que todo ser humano lleva dentro y que Szifrón conoce muy bien. Siendo la primera la mas cómica de todas y la segunda retorcida como ella sola, se llega a la tercera, donde Leonardo Sbaraglia nos muestra con su interpretación el borde del precipicio, la rabia de ese momento de explosión en un hombre llevado a su punto más alto de tolerancia, al punto de no retorno, donde la parte bondadosa del ser humano queda lapidada de por vida. Es aquí donde llega la que para mí es la mejor historia de todas, la protagonizada por Ricardo Darín. En ella se muestra con más calma el despertar violento de alguien que tan solo quiere hacer las cosas bien, correctamente. Brillante momento en el que suelta la siguiente frase: '¿Pero qué violencia? ¿De qué violencia estamos hablando acá?', magnifico episodio. Excelente. El quinto es igual al resto, con un toque muy hitchcockiano y una resolución esplendida e inesperada. El sexto es un buen remate a todo lo visto anteriormente, un broche de lujo e igualmente cómico, retorcido y sorprendente aunque menos violento e impactante que el resto, y funciona perfectamente, relaja al espectador para que abandone la platea con una gran sonrisa en la cara. Los títulos de crédito iniciales, toda una delicia, acompañando junto al nombre de cada actor, un animal que representa su personaje en el film. Banda sonora de lujo, a manos de un grande como Gustavo Santaolalla que adjudica a cada segmento la música adecuada usando diferentes estilos y teniendo como punto máximo la historia de Ricardo Darín donde aparecen esas notas tan características de otras bandas sonoras compuestas por el argentino como las oídas en 'Amores Perros' o 'Babel'. Grandiosa película difícilmente olvidable, una de las imprescindibles este año en Sitges.

Kuime (Over your dead body) - Takashi Miike - Japon
5/10
 
No han sido muchas las películas que han generado colas pero esta sí ha sido una de ellas, algo que a priori no me extrañaba conociendo lo venerado que esta Takashi Miike, su director, entre la mayoría del público asistente cada año al festival de cine en Sitges. El realizador nipón y yo no conectamos bien en algunas ocasiones como en 'Visitor Q' o 'Sukiyaki Western Django', pero sí lo hacemos en otras como con la saga 'Crows Zero' o '13 assassins', es decir, cuando se dedica al cine de acción que le permite tantas de sus excentricidades. Este año el veteranísimo y veneradísimo Miike estaba por partida doble en Sitges con esta 'Over your dead body' y también con 'The Mole Song: Undercover Agent Reiji'. El comienzo es muy denso, oscuro, lleno de sombras, lámparas y pocas palabras con escasos vestigios de lo que la sinopsis reflejaba, una historia de fantasmas en un teatro. Su ritmo pausado despierta interés en el espectador solamente cuando su minimalista banda sonora incrementa la tensión o la emoción de la escena en concreto. Una vez metido dentro de ella y pasado casi más de medio metraje es cuando empieza a tomar color, con la inclusión de momentos paranormales, fantasmales o sangrientos, llegando casi al gore. Desgraciadamente Miike se apoya demasiado en estos elementos para que su película no caiga en el aburrimiento total, lo que es una pena. Enfocada de otra manera hubiera llegado más al público asistente que no dudó en abandonar la sala sin terminar de verla. Yo como otros nos quedamos hasta el final y si bien no disfrutamos de una gran producción si nos entretuvimos con sus escenas sangrientas y con su final. Por suerte o por desgracia, Takashi Miike seguirá siendo un director capaz de convocar masas a sus estrenos y producciones porque si de algo es capaz el japonés es precisamente de eso, de ofrecerte la posibilidad casi anual de salir amándolo u odiándolo.

El Ardor - Pablo Frendik - Argentina
4/10 
 
Última del día. Pablo Frendik, el director era invitado a realizar la presentación de su western selvático, 'El ardor', interpretado principalmente por el mexicano Gael Garcia Bernal. Quinta presentación en la matinal de Auditori, y en la que Frendik confesaba ser muy pronto, las 13:30h, para la proyección de la misma. El ritmo de conversación del realizador porteño es lento, igual que el mismo que habita en el film, donde todo es minimalista o sencillamente, lento. Sin más. Con una fotografía magnifica a cargo de Julian Apezteguia ('Días de pesca en Patagonia', 'Carancho'), la acción nos mete directamente en la selva argentina, de donde no saldremos más. Un padre y un hija viven acompañados de un tercer hombre a los cuales unos mercenarios cazadores y deforestadores tienen amenazados para poder quedarse con sus tierras. Llegado de otra parte de la selva aparece un joven extraño, escaso en palabras, sin camiseta y descalzo llamado Kaí (Gael García Bernal). Kaí se quedará para ayudar a la pequeña familia a defenderse y a enfrentarse al temido grupo de extorsionadores que pretende echarlos por las buenas o por las malas del lugar. Ha sido la peor del día y por suerte la última. Todo transcurre excesivamente lento, o tranquilo, incluso los diálogos y con ellos no vale la excusa de que son minimalistas. Hay pausas de segundos en un mismo discurso, incluso entre palabras. Dan ganas de gritarles que espabilen de una vez. Realmente saca de quicio esta lentitud en los diálogos. Si solo fuera el personaje de Kaí por su aparición de la nada o por su misticismo relacionado con la leyenda aparecida al inicio del film aun se podría entender, pero ¿porque les pasa a todos? Incluido a los extorsionadores. A pesar de todo esto, entra bastante bien, se deja ver y menos por alguna escena cansina el resto es pasable. Claro que... esto funciona hasta que llega la media hora final, dónde el director que hasta ese momento sabía mezclar el misticismo de la leyenda, el lugar y la tensión progresiva decide olvidarse y dedicar el resto a la acción, dónde se ve el verdadero western. Su premisa inicial la hemos visto en muchísimos westerns, cierto, pero se desplaza de este género con ese excesivo minimalismo o lentitud que aplica a todo el metraje, la substancia del western pasa totalmente desapercibida y olvidada para el espectador (por culpa de los actores también) e incluso todo lo que era selva se convierte el polvo. Un final irrisorio con diálogos de antología (atención cuando crean el plan de defensa/ataque y al momento pose del grupo extorsionador como si de un photocall se tratara), situaciones hilarantes (el temporalmente ciego y su show), el ridículo/homenaje duelo en referencia a los spaguetti-western, que no veía a cuento según como venia estando dirigida la película, personajes que dependiendo como les dé el sol, hacen una cosa o no la hacen -incongruentes y contradictorios según lo pida el guión-. Vale, aceptamos barco pero no compramos lancha. Inconexo tramo final para un lento film que oscurece con su inventiva extrema la esencia del género que pretende ser.

FESTIVAL DE CINE DE SITGES 2014 - DIA 2

Es sábado y son las 6:30 de la mañana. No hace ni 5 horas me encontraba sacando al perro. Hay sueño, mucho. Los primeros 5 minutos tras despertar mi mente solo piensa en volver a cerrar los ojos. Para sorpresa el día abre esperanzador y se presenta intenso tras una pasada tarde-noche movida. Desayunar y vuelta a sacar al perro. Son las 7:30 y no he quedado con Vigalondo, salgo caminando hacia la estación de tren, vuelvo a Sitges. Hoy es el primer día que acudo al festival a visionar 4 peliculas seguidas; 'Young Ones', 'Musarañas', 'Kiki´s Delivery Service' y un producto nacional de animación llamado 'Pos Eso'.

Young Ones - Jake Paltrow - Estados Unidos
7/10

Un híbrido de thriller y western apocalíptico indie a las 8:30h de la mañana: la sola idea de que fuera una película lenta me daba pánico, pero resulta que 'Young Ones' no sólo ha conseguido mantenerme despierto, sino que me interese todo lo que en ella ocurre. Mantiene pegado a la butaca y pendiente de su trama en todo momento. En un futuro inconcreto, el agua se convertirá en el bien más preciado y difícil de encontrar. La acción se centra en la historia de una familia que vive en el desierto, los Holm. Mientras padre e hijo se dedican a dar suministros de todo tipo a los habitantes de la zona para ganar algo de dinero, su hija se encarga de la casa. El mal rollo que sienten los dos hijos respecto a su padre al inicio del film se palpa en todas las miradas y palabras que estos le dedican, sobre todo en las de su hija, harta de vivir bajo su techo y empieza a sentir deseos de volar. Todo empieza a torcerse cuando la hija decide fugarse de casa con su novio, ese es el punto de partida de todo lo que ocurre. El hecho de no saber en qué edad, tiempo o lugar transcurre la acción no le quita ni un ápice de interés al largometraje de Jake Paltrow. Al contrario: ayuda a centrarse únicamente en la trama principal y contemplar más tranquilamente los matices de cada interpretación. La elección de los actores para la película es acertadísima: Michael Shannon da vida a Ernest Holm (el padre); Nicholas Hoult es Fleming Lever (el novio del que se enamora la hija de Holm), Katherine Holm (la hija rebelde), es Elle Fanning, y el papel de hijo de los Holm, Jerome, recae en el joven pero curtido actor aussie, Kodi Smit-McPhee. Con un arranque prometedor mostrando una escopeta custom y el rostro impenetrable junto a esos ojazos azules de Shannon, uno puede frotarse las manos tranquilamente: la cinta no baja de nivel hasta pasada la mitad, donde la acción decae un poco para matizar más el drama y así poder volver con un final trepidante a la par que previsible pero bastante digno. Real, sin florituras. Como en el viejo oeste. Mención especial merecen la fotografía descolorida, con tonos marrones y amarillos pálidos en casi todo, edificios, construcciones e incluso la ropa de los Holm (todo es rústico y arcaico, pero a la vez novedoso en cuanto a sus formas), y los punteos de guitarra de la banda sonora de Nathan Johnson (primo y habitual en las producciones de Rian Johnson) en un registro nuevo pero muy adecuado para crear la atmosfera western. Todo en este futuro es usado, desgastado, como sus efectos especiales, sutiles, al más puro estilo 'Distritct 9', máquinas mecánicas con una única función, usadas como animales de carga debido obviamente a que no hay agua y si no hay agua, no hay animales. Hay infinidad de detalles que nos enseñan como sobreviven en un futuro sin agua, la manera en que lavan los platos, las ropas de 'domingo' que usan. Gran sorpresa y gran trabajo de su director dividiendo el film en 3 capítulos: PADRE, NOVIO e HIJO, cada cual no cuenta su versión de la historia sino que la trama es lineal, con un principio y un final. Y para los que no le encuentren nada de western, atentos a la escena de travesía por el desierto entre Shannon y Hoult: puro western, sin discusión. No existe duelo interpretativo en ningún momento, el director no juega a eso ni ellos tampoco, para eso cada cual tiene su capítulo y ambos saben aprovecharlo muy bien.

Musarañas - Juanfer Andrés y Esteban Roel - España
8/10

Sala abarrotada, público expectante para el film 'producido por' Álex de la Iglesia: empieza 'Musarañas'. Los directores del corto '036', Juanfer Andrés y Esteban Roel son los perpetradores de haber estrenado en la 47 Edición del Festival de Sitges la que hasta ahora es la mejor película española del certamen. El filme se sitúa en los años 50, donde dos hermanas huérfanas viven juntas. Una es Montse (Macarena Gómez), que padece agorafobia y mantiene una vida muy religiosa, y la otra es Nia (Nadia de Santiago), la hermana pequeña que Montse tiene a cargo. El padre de las chicas (Luis Tosar) no volvió de la guerra, y la madre de ambas murió al dar a luz a Nia, quedándose Montse al cargo y alimentando cada día mas y mas sus ataques de ira y su comportamiento obsesivo y desequilibrado. La desmesurada protección que ejerce sobre Montse se va tensando y tensando hasta que todo explota justo en el momento que un vecino del edificio (Hugo Silva) tropieza por las escaleras cayendo en el rellano de las hermanas para ser recogido por Montse: a partir de aquí, no sólo ella se desestabilizará por completo, sino que se convertirá en un tornado difícil de contener. El filme empieza muy cauto, mostrando a sus personajes perfectamente, allanando el terreno para la vorágine final donde el solo hecho de la entrada de Carlos en la casa para ser atendido enciende todas las alarmas. No es 'Misery', tranquilos, ahí es donde más se disfruta del film, donde vemos a una Macarena Gómez como jamás la habrán visto, para nada sobreactuada. Un papelón sin peros, sus gestos, timbre de voz, miradas, reacciones en las muertes. Impresionante: sin duda una actuación que bien merece una nominación al Goya. Hugo Silva vuelve tras su gran papel en 'Dioses y perros', y de nuevo esta genial: el actor madrileño pasa por un gran momento de gracia. En cuanto a Natalia de Santiago no puedo decir nada malo y menos aún cuando su papel, de los 4 protagonistas principales, no sólo es el menos llamativo o más 'normal', sino que al lado tiene a una Macarena Gómez de 10, a un Tosar que es capaz de asustar al público solo con su presencia y sin abrir la boca, y con un Hugo Silva que, como digo, pasa por un buenísimo estado de gracia. Difícil pero solventado con naturalidad. Este thriller ambientado en la España de los años 50 deja muy buen sabor de boca debido a como se van enfocando las escenas para crear ese gran tramo final donde no se obvia nada, también gracias al humor negrísimo que tiene, un humor de calidad, y a un importante giro final, un muy buen giro final diría yo. Algo que parece que les importe pocos a los directores últimamente: cerrar bien sus películas. Gran opera prima de Juanfer Andrés y Esteban Roel, que podría estar firmada por el mejor de la Iglesia. De momento, LA PELICULA del festival, de las que yo he visto, claro.

Majo no takkyûbin (Kiki's Delivery Service) Takashi Shimizu - Japon
2/10

El director de este experimento es nada más y nada menos que Takashi Shimizu. El amigo Takashi seguramente no os sonará y para ahorraros buscar en Google os diré que fue el encargado de dirigir las 2 partes de 'Ju-On', las 2 de 'La Maldición (The Grudge)', y también las 2 versiones USA. No es Scorsese ni Allen, ni está reconocido como un gran director, pero tiene experiencia, y es asiático, que siempre se valora más últimamente. Como digo, el amigo Takashi, que llevaba 3 años sin hacer ninguna película, reaparece en la escena con esta adaptación de la novela de Kadono Eiko, que antes se había encargado de dirigir espléndidamente el maestro Hayao Miyazaki en 1989. Todo el que haya visto el film de Miyazaki y decidiera entrar a ver esta película, sabía a lo que se atenía, y que no se lo pueden pedir peras al olmo porque a pesar de ser una adaptación de la novela, si has visto la del maestro, las referencias visuales van a ser comparadas con el film de animación. Frente a esto, nada tienen que hacer los efectos especiales por muy logrados o caros que sean, pueden defender dignamente alguna escena pero en su gran mayoría quedaran en ridículo frente al potencial de la animación de Miyazaki. El público que acudió a verla lo entendió desde el inicio y se pudo ver una producción decente, sin abusar de los efectos especiales, y con cierto humor en algunas escenas. Y cuando más se reforzaba la idea en el espectador de que la película al menos, no aburría ni caía en el ridículo, el amigo Takashi se marca una escena de la que desconozco si aparece en la novela de Eiko, o si se vio en la versión de Hayao, pero que ha servido para tirar todo el trabajo realizado hasta ese momento. Una caída al vacío donde las risas por escenas graciosas han pasado a ser risas por el ridículo que se estaba viendo en pantalla. Ese final le va a pasar factura al director nipón: 20 últimos minutos del film non stop de risas cómplices entre el público, algunos incluso aplaudiendo al compás de la canción final que se oía cantada por el o la doble de Falete versión japonesa, mientras diluvia, y ella o él, toda entregada con la cara llena de agua y la túnica pegada al cuerpo. Increíble. Casi lloro, de la risa. Rescato una de las frases del filme que no tiene desperdicio: cuando un doctor curando a un animal ante la atenta mirada de Nicky y Tombo les dice ...no infravalores las colas!

Pos Eso - Samuel Orti - España
  3/10

Primera de todas las películas vistas en la franja matinal en Auditori (y primera de animación) que es presentada por parte del equipo realizador de la misma. En este caso fueron el director Samuel Orti, el director de la productora Basque Films & Conflictivos Productions y dos actores, Carlos Areces y Esperanza Lipe que ponen su voz al psicólogo Jorge y la criada Gracita respectivamente. Juntos, hicieron una breve presentación del film y se recordó al mismo tiempo a dos grandes actores españoles fallecidos y que también pusieron su voz a algunos de los personajes como Álex Angulo (representante Manolo) y Mariví Bilvao (madre de Lenin). Con 5 cortos de animación en su currículum desde el año 2003 hasta 2010, Samuel Orti y su equipo empezaron a trabajar en el que sería su primer largometraje de animación, 'Pos Eso'. Que por fin ve la luz ante el público del Auditori poco antes de las 3 del mediodía ante una gran cantidad de público. Su argumento es básicamente la enésima revisión del film 'El exorcista' de William Friedkin en 1979. 80 minutos de gags continuos, sin criterio, y con una falta de ideas alarmante. Tras unos 5 o 10 primeros minutos llenos de humor slapstick y bastante aceptable la película cae en un continuo de bucle de escenas míticas de otras películas, 'The Omen' e 'Indiana Jones' entre otras. Resulta que 'Pos Eso' se trataba de un homenaje a esos clásicos. ¡Acabáramos! Pues el homenaje es más repetitivo que morder un cabeza de ajos, hastiando al espectador con tanta gracieta cayendo en la repetición cansina tras ese inicio esperanzador.