DONT BREATHE

Don´t Breathe - Fede Alvarez - Estados Unidos

Se podría decir que esta es la primera película de Fede Alvarez teniendo en cuenta que su verdadero primer enfrentamiento con el largometraje partía de una idea original no propia. Aquella nueva visión del clásico de culto de 1981 que se rodó bajo el título de 'Evil Dead' en 2013 puso al novel cineasta uruguayo en boca de todos provocando los consecuentes debates entre los fans de la saga, por un lado los que no aceptaban la perdida de un personaje como Ash (Bruce Campbell) ni la comicidad oscura del enfoque de Raimi y por otro, los que veían de buen agrado los cambios y el resultado final ofrecido por la versión de Alvarez. Pese a estar la cinta apadrinada y supervisada en todo momento por Sam Raimi, tanto a nivel de producción con su compañía Ghost House Pictures como de montaje como bien confirmaba el propio Fede en el BR, la nueva versión de 'Evil Dead' jugaba muy bien sus cartas y la creatividad que le brindaba ese escenario para ganarse una personalidad única, huyendo del original pero sin olvidarlo, sin caer en lo vulgar. Algo realmente difícil tratándose de un film como 'The Evil Dead'. Tras el desastre de crítica que supuso el remake de 'Poltergeist', que no de taquilla porque llego a recaudar casi 100$ por los 40$ que costó, Ghost House Pictures volvió a apostar por el anterior director de una de sus producciones, Fede Alvarez. 'Don´t Breathe' es un thriller de pequeño presupuesto en comparación con las grandes superproducciones hollywodienses, sin estrellas pero que demuestra la virtuosidad y creatividad de su director para engrandecer todo aquel guión al que se enfrenta, su confirmación como cineasta, la prueba de que aquellas buenas maneras que apuntaba en 'Evil Dead' no eran solo producto de quien estaba detrás de la idea original. En esta ocasión, dirige y escribe el guión el propio Fede Alvarez junto a Rodo Sayagues, su colaborador habitual desde los cortos que los llevaron a ambos a ser conocidos dentro de este mundo, 'El Cojonudo' y 'Ataque de Pánico'. La idea de 'Don´t Breathe', tal y como esta planteada, es simple y terrorífica al mismo tiempo, tres ladrones, Rocky, Money y Alex (Jane Levy, Daniel Zovatto y Dylan Minnette) atrapados en casa de una víctima ciega (Stephen Lang) que termina rebelándose como su verdugo realmente, recordáis 'The People Under The Stairs' ('El sótano del miedo') de Wes Craven? Cierto que 'Don´t Breathe' pertenece mas al thriller psicológico que a este tipo de terror, ni tan siquiera al slasher que es al subgénero que mas se asemeja después del home invasion pero se define así misma como terrorífica gracias a un simple planteamiento que revela posteriormente una puesta en escena tremendamente creativa e imaginativa y que junto a un inteligente desarrollo del guión producen un thriller de terror total, un terror terrenal, del que deja secuelas en sus protagonistas. Notable pseudo opera prima que olvida totalmente el drama de unos personajes (brillantes Lang y Levy) a los que define practicamente con dos escenas ya que su meta es otra, llevar al publico al limite de la tension en tiempo real. Excelente. De lo mejor de este año.

*****SPOILERS*****SPOILERS***** 

  

 Vayamos al principio. El film abre tranquilo, muy tranquilo, con un plano aéreo que nos acerca a un hombre que, de espaldas a cámara, arrastra el cuerpo de una joven de cabellos rubios por mitad de la carretera. Fede no nos muestra la ceguera real del hombre en cuestión todavía pero si la de un vecindario totalmente desértico, aislado por casas abandonadas devoradas por la vegetación o semiderruidas, un vecindario sin ojos donde un hombre puede caminar arrastrando a una mujer por mitad de la carretera a plena luz del día sin ser visto. Gran detalle el de las sirenas que se oyen a lo lejos y que hasta el final es imposible situar su porqué. El ambiente y escenario donde se sucede la mayor parte de la acción es tan importante como cualquiera de los personajes en el cine que propone el director uruguayo y al igual que ya vimos en 'Evil Dead' con ese bosque y el río que aislaban a sus protagonistas del resto del mundo, en 'Don´t Breathe' tenemos un vecindario inerte, jamas se llega a ver a nadie en el, un lugar donde poder dejar una cámara digital grabando en una valla para recogerla horas mas tarde y que siga allí, tampoco se ven coches, ni aparcados ni en marcha, un lugar tan tranquilo y solitario que ni el sonido de disparos alarma a nadie. Fuera de los protagonistas contados con los dedos de una mano, los únicos personajes que aparecen y solo durante un breve momento es la familia de Rocky, ni tan siquiera conocemos las vidas de Money o Alex, del que su padre tiene mucho que ver en los robos, inconscientemente claro, pero hasta ese punto se siente a ellos tres, como aislados del mundo, como las unicas personas en todo Detroit, la escena en la cafetería cuando comentan el plan por primera vez, cuanta gente hay aparte de ellos tres? Nada de esto es casual obviamente y la sensación que transmite de terror cuando llega la acción se agranda hasta niveles increíbles porque, de que sirve gritar si no hay nadie que pueda oírte? Algo similar se vive al final del film, cuando todo acaba y Rocky le grita al hombre ciego: 'Aquí fuera no eres nadie!'. Acto seguido ya sabemos que ocurre y a eso me refiero, Rocky se equivoca, fuera es igual que dentro, porque como se demostró al principio, es un vecindario ciego, como el, y no hay nadie que pueda oír tus gritos. Al contrario que ocurría en 'Evil Dead', donde la tecnología estaba totalmente desaparecida para favorecer ese aspecto austero y retro de la acción, en 'Don´t Breathe' además de la cámara digital que es la que muestra la hora ideal para entrar a robar, vemos tres escenas con smartphones, la primera cuando Alex busca información del hombre ciego, otra para regalarnos uno de los muchos jump scares que contiene la cinta cuando suena en el momento menos apropiado y la ultima cuando Rocky se pone en contacto con Alex para indicarle que está en el armario. En ambos cosas la tecnología se usa como recurso para hacer avanzar la trama y dotar de información a sus personajes, no como artificio visual y vacío. Hay muchas cosas en común con 'Evil Dead', tantas, que demuestran que practicamente todo lo que ocurría en aquella salio de las mentes y los puños de Fede Alvarez y Rodo Sayagues. Al escenario y la tecnología, como similitudes, se le unen ese virtuosismo con la cámara, con los medios planos secuencia que abundan en la película o con la creatividad de algunos de los giros de guión, sorprendentes en su gran mayoría. Fede Alvarez también cumple alguna de las reglas de Raimi, la de que el inocente debe sufrir. En este caso, Alex, al único que no le hace falta robar para vivir, su razón para hacerlo es lo que siente por Rocky y como inocente que es, solo hay que ver su cara de niño bueno, es golpeado a puñetazos, empujado contra un radiador, contra un grifo, recibe un palazo y un balazo en la oreja antes de que el cruel destino haga su trabajo. Y otra similitud con 'Evil Dead' que me apasiona es que ambas, a partir de que las primeras cartas están sobre la mesa, pasa a relatarse la acción totalmente en tiempo real, sin lapsus de tiempo hasta los diez o veinte minutos finales. Esto incrementa el ritmo, la inquietud y el suspense de manera brillante, no se deja respirar al espectador y si además, respirar significa la muerte como en 'Don´t Breathe', la experiencia resulta aterradora, deseas salir del cine para coger aire. El humor no existe en 'Don´t Breathe' y como dije, respirar significa morir. Esta leyenda se puede apreciar varias veces con Lang como protagonista cuando Money sube a poner la botella de gas y este se despierta como un resorte, cuando los pilla después de disparar al cerrojo, cuando mata a Money y Rocky se coloca las manos en la boca, cuando se cruza con Alex en el pasillo, cuando salen del armario y Lang aparece de repente para recoger a Money, cuando esta tapando la ventana del baño a martillazos con Alex debajo. La tensión de estos momentos pocas veces se ha visto rodada de esta manera, con el plano congelado y la cámara volteando alrededor, con una banda sonora de Roque Baños, que esta vez brilla de una manera impresionante, esta tan acoplada su partitura a lo que ocurre dentro de la casa que a veces es imposible distinguir que forma parte del audio de ambiente y que de la banda sonora, una melodía tan sutil y crispante que merece ser citada. La escena en que Lang arrastra a Rocky y suena una especie de marcha fúnebre detrás me encantó. 

Tal parece que este hablando de la mejor película de terror del año y no, 'Don´t Breath' es un thriller psicológico, el terror llega al final, un terror muy jodido, jodido de la manera que proponía Jaume Balagueró en 'Mientras Duermes', un terror a traición por denominarlo de alguna manera. El terror en 'Don´t Breathe' llega cuando vemos esa lavativa chorreante de semen y a Rocky colgada por los arneses cual vaca a punto de ser inseminada, buenisima la escena, el plano y las palabras de Lang advirtiendo que rogarle a Dios no sirve de nada, tan retorcido como real. No es Lang un ser sobrenatural, no es un pervertido, es alguien que podría existir, un ex veterano de la guerra de Irak al que la perdida de su hija y la puesta en libertad de la culpable trastornó de manera incurable. Las motivaciones del verdugo en esta ocasión no son las de matar por placer, sino las de evitar que sus viíctimas puedan escapar y contar lo que han visto. En cuanto al resto de personajes me resulta curioso lo manipuladora que es Rocky, esta claro que está con Money por algo que pocos logramos entender, y tiene a Alex, que esta pajilleramente enamorado de ella, y lo sabe, lo sabe tan bien Rocky que no le importa lo mas mínimo. El objetivo de Rocky en esta película/atraco es su hermana pequeña y largarse de ese Detroit donde vive con su madre borracha, el novio de esta y donde sus amigos ya no están. Rocky le comenta a Alex en el coche que cuando consiga el dinero suficiente se va a ir a California y este le dice que el no se ira a lo que ella responde: 'Te echaré de menos'. Le importa tres pimientos el pagafantas. Es Rocky precisamente quien lo convence para unirse y pese a que durante el inicio y la primera media hora ella va recibiendo pistas de su propio novio, curioso esto, de que a Alex le gusta ella, parece que le hace hasta gracia el chico pero...nada mas lejos de la realidad y para muestra un botón, cuando pueden escapar por el sótano y ven a quien ven allí atada con los arneses, Alex insiste en irse, el esta enamorado, ella es que ni lo mira, solo piensa en rescatar a la 'colgada' y salir todos de allí. Tampoco se puede decir que a ella solo le importe el dinero, pero creo que ve en la chica a su hermana pequeña o a ella misma y la impotencia de no poder escapar de Detroit y eso la hace pararse, si sintiera algo por Alex hubiera escapado con el y el dinero sin mirar atrás. Esto hace que Lang gane tiempo y los pille, un guión cuidado al detalle. Detalles como que hablen a susurros antes de entrar en la casa y continuen haciendolo hasta saber realmente que el ciego esta dormido, el dejar los zapatos en la entrada, que Lang no oiga cuando rompen el cristal del baño porque esta arriba con la televisión encendida, el zoom al martillo en el plano secuencia cuando irrumpen en la casa, tambien otro tipo de detalles como los que Fede Alvarez muestra antes para crear tensión en el espectador como ese pedazo de cristal que Rocky se lleva enganchado en la zapatilla y deja en el pasillo, el plano de la palanca cuando Lang tiene a Money con la pistola contra la pared, una indecisión tan genialmente mostrada y que segundos después se ve truncada por el sonido de la pistola o ese momento que cite antes cuando Alex avanza por el pasillo sin saber que ocurre y por detrás vemos girar a Lang que viene a toda velocidad. Detalles, creatividad y realidad para la confirmación de un cineasta. Tengo que decir que me encantó la escena de la cámara nocturna en el sótano y el momento en que Rocky va palpando en la oscuridad hasta dar con Lang, brillante como desaparece el sonido y la reverberación, un silencio absoluto e inquietante porque nosotros, el publico, si vemos que ocurre pero ninguno de los protagonistas puede, una calma rota por un disparo tras Alex aparecer en escena. Tensión y nervios a flor de piel provocados por un verdugo que en esa escena en concreto se mueve como pez en el agua, para el no hay cambios de luz, conoce la estancia y mas aun ese sótano, me recordó al tiburón de 'Jaws', al camión en 'Duel', a ese perseguidor incansable que acecha a sus victimas en su hábitat, donde es el rey. Ya para terminar me gustaría compartir con vosotros una visión de 'Don´t Breathe' un tanto extraña que se me ha ocurrido. Bien es cierto como comentaba el propio Fede Alvarez en el audiocomentario del BR de 'Evil Dead' que su protagonista masculino David (Shiloh Fernandez), en realidad atravesaba un camino, una redención mediante una prueba de fuego que le hacia afrontar su cobardía y sus excusas ante los problemas. En 'Don´t Breathe' encontré tambien un enfoque fantastico o mistico en el que Lang, como villano que es, no puede ser destruido si no se encuentra su punto debil, su kryptonita, es decir, nublar su sentido del oido que es lo que hace Rocky cuando pulsa el botono del panico de la alarma. Vemos a Lang dando vueltas sobre si mismo, desconcertado, chillando y con las manos en los oidos, vuelve a ser ciego, no ve, y se convierte en vulnerable; por otro lado tenemos al heroe, o heroina en este caso, la cual minutos antes demostro haber superado el trauma del maletero en el que la encerraba su padre en un no muy claro homenaje a 'Cujo' durante una de las mejores escenas de toda la pelicula. Tenemos villano y heroina. Curioso y extraño, ahi lo dejo.

UNDER THE SHADOW

Under the Shadow - Babak Anvari - Reino Unido

Teheran. Años 80. En medio de la guerra entre Irán e Irak una familia sufre la visita de un ente paranormal tras un ataque de misiles. 'Under the Shadow' tiene algo que la hace distinta, la fusión del cine de autor mas austero y dramático al estilo del iraní Asghar Farhadi ('A Separation') (o de algunos films de Faith Akin) con la sobriedad comercial que James Wan aplicó en la primera entrega de 'The Conjuring'. Babak Anvari, debutante en largometraje, escribe, dirige y nos plantea una cinta de terror tanto real como paranormal, bastante sencilla y bien dirigida, intentando alejarse de los manidos y odiados clichés en este tipo de subgénero. A 'Under the Shadow' le falta terror, o mas metraje quizás. Kubrick necesito de 146 minutos para reflejar su visión del terror en 'The Shining', de ella a dia de hoy rescatamos muchas escenas en nuestra mente cinéfaga para la posteridad, no solo una o dos, sino varias, Anvari usa 83 minutos con dos o tres escenas para recordar y, de las tres solo una funciona realmente como sobresalto al uso, la de la ventana. Sin embargo, no es esta la tópica película de terror psicológico que muchos creen, la historia esta inteligentemente construida, Shideh (Narges Rashidi) es una madre vetada de continuar sus estudios de medicina por su participación en regímenes opositores años antes a la que además del drama que supone este rechazo intelectual a su independencia se le une la constante ausencia de Iraj (Bobby Naderi), su marido y también medico, enviado a la zona del conflicto bélico actual.  En esta situación se suceden las constantes carreras al sótano del edificio por todos los vecinos tras oír las alarmas antiaéreas, vemos las ventanas de algunos pisos con cinta aislante y cristales repuestos día si y día también o la presión de la policía que patrulla cada esquina, es decir,  la sensación de amenaza es constante y esta ejerce un poderoso efecto en unos personajes, incluidos los vecinos, a los que solo les queda una opción, marcharse. Vecinos y edificio con aires a 'Le Locataire' de Polansky que acrecentan la opresión ya de por si reinante en el ambiente. Shideh y su hija Dorsa (Avin Manshadi) se quedan solas en dicho edificio progresivamente debido a la marcha del resto del resto de vecinos tras uno de los ataques con misiles que no solo deja secuelas físicas irreversibles en la fachada y en algunos pisos sino también paranormales.  Y entonces el guión de Anvari recuerda que se trata de un film de terror y todo empieza a cambiar, el terror tangible da paso al fantasmal, donde antes se insinuaba ahora se deja ver, algo menos sutil pero efectivo, las sombras empiezan a tomar forma y 'Under the Shadow' se convierte, tarde, en una buena cinta de terror psicológico. Además del tono ocre y austero de la fotografía de Kit Fraser, de esta opera prima de Babak Anvari rescataría entre otras cosas, el personaje de Shideh, de la rebelde Shideh, una mujer de ideas y comportamientos totalmente occidentales reflejados en su forma de vestir y de hablar con sus vecinos, Jane Fonda en Beta, su impotencia y resignación cuando le dicen que no puede continuar estudiando, la pasividad de su marido ante ello y su reacción ante el, la rabia con la que lanza el burka tras regresar de la comisaria...son detalles que pulen un personaje a la perfección, como cuando se pone a apilar los vasos en la cocina y Dorsa no para de preguntarle por la muñeca, la ansiedad y los nervios de Shideh en aumento y hasta eso se ve reflejado. La sensación final con 'Under the Shadow' es que se trata de un film de terror bien construido al que cuando le llega el turno de retorcer la madeja o dejar en segundo plano el drama y dar paso al festival oscuro de lo etéreo, es cuando el final hace acto de presencia. Lo mas parecido a 'Under the Shadow' bien podria ser 'El espinazo del diablo' o la reciente 'The Babadook'.

THE NEIGHBOR

The Neighbor - Marcus Dunstan - Estados Unidos

Marcus Dunstan ya se había ganado mi respeto gracias a la magnífica 'The Collector' (2009). En esta ocasión, el director estadounidense vuelve a la carga con otro thriller de 'locos hacen locuras en casas americanas', aunque aquí la fórmula parece no funcionarle tan bien como en su obra magna. 'The Neighbor' cuenta la historia de una pareja de novios que tienen un vecino un poco mal de la cabeza, americano vamos. Estamos ante un film de lo más normalito. Como thriller puede llegar a funcionar en algún pequeño y mínimo destello, pero como película de género se queda muy muy lejos de lo que podría haber llegado a ser si Dunstan hubiese arriesgado más en el guión y hubiese apostado mucho más por la historia que tenía entre manos. No es un film destacable en ningún sentido y eso es un verdadero problema si de alguna forma quieres que tu película sea recordada o por lo menos la gente tenga interés en un hipotético proyecto futuro. Lo que podríamos llegar a mencionar, y ya me estoy arriesgando mucho, es su fotografía; pero que vamos, nada del otro mundo. Por lo menos es un producto la mar de entretenido que no se te hará pesado en su único visionado, porque esta película es para verla una vez y poco más. Y con 'poco más' me refiero a nada más, pero él que quiera aventurarse a otro visionado y buscarle 'algo más'... pues eso, allá él.

THERAPY

Therapy - Nathan Ambrosioni - Francia

Segundo largometraje del joven frances Nathan Ambrosioni después de 'Hostile' en 2014 en el que vuelve a escribir, dirigir y actuar el mismo situando la historia nuevamente en el genero del thriller de terror con la introducción al policíaco mas oscuro de films como 'Seven'. Estrenada mundialmente hace escasas semanas en el Fantasía Fest de Montreal, 'Therapy' llegará por primera vez a España durante la próxima edición de Sitges Festival donde se proyectará en la sección Brigadoon de acceso gratuito para todo el mundo. Durante una investigación rutinaria, dos jovenes policias encuentran unas cintas de video en diferentes formatos dentro de una caja manchada de sangre en un lugar abandonado. En ellas descubriran que lo que parecían ser la simples vacaciones de una familia se convirtieron en algo mucho mas macabro y que aun quizás aún esten a tiempo de salvarlos. He tenido sensaciones encontradas con la nueva película de Ambrosioni, por un lado creo firmemente que tanto esta como sus anteriores trabajos serán con el tiempo mas reconocidos que actualmente siendo estos por ejemplo un duro entrenamiento para la mente y la capacidad del realizador francés y por otro, la apreciación de un estancamiento en las ideas que viene desde 'Hostile' ya que ambas cintas parecen practicamente iguales en su desarrollo siendo la de 2014 vencedora en todas las batallas por ser la primera. Lo dificil no es hacer una pelicula y tener exito, lo dificil es hacerlo con la segunda. Ambrosioni no solo incluye en esta ocasión el genero policíaco y deja de lado el paranormal sino que se atreve con el slasher mas despreocupado y sangriento, a veces surrealista, es decir, la variedad de subgéneros de terror vuelve a estar presente, así como el uso excesivo de un found footage muchas veces, injustificado, algo que no pasaba en 'Hostile', incluso ese doble de Myers porta una cámara encima. El found footage no se puede usar a la ligera, hay que darle un sentido y explicacion 'lógica' al porqué de estar grabando cuando las vidas de personas corren peligro, se capta un momento real grabado para siempre, lo que no se puede entender es que estos archivos found footage lleven incorporada una banda sonora de efectos de sonido estruendosos que desestabilizan totalmente la atmósfera creada en ese antiguo manicomio. Este es uno de los puntos que mas chirrían de la película, la edición de sonido es horrible y no ayuda en nada a la producción, es mas, perjudica y mucho a los silencios y voces lejanas que se oyen, no se aprecian bien. Al igual que en 'Hostile', Nathan juega con la variedad de subgéneros (hasta el giallo mas sangriento hace presencia) y tramas, subtramas, etc y desgraciadamente, se le vuelve a ir de las manos, su propósito en desviar la atención del giro final marca de la casa ya se convierte en previsible, es mas que eso, es desconcertante, hay cabos que no se cierran, y la sensacion de que lo único importante es ver como cierra la historia y el giro final quitan interés a todo lo demás. Si en algo ha mejorado en la dirección desde 'Hostile' es en el uso de un found footage mas calmado, sobre todo gracias a la inclusión de la Go Pro, pero el fin no justifica los medios en esta ocasión y se vuelve a abusar demasiado de este formato así como de una edición de sonido desastrosa.  De lo bueno salvable de 'Therapy' es la historia en si, una idea para un guión bastante ingeniosa pero no tomada lo suficientemente en serio o simplemente mal ejecutada, y la actuación de Luna Belan, que vuelve a captar la atención de la cámara como en su anterior trabajo junto a Ambrosioni como no lo hace ningúno de los otros actores, algunos con mas tablas incluso ofrecen un registro impropio para el film en el que están. Influencias, que no guiños ni homenajes, de 'TBWP', el remake de 'Hosue on Haunted Hill', 'Halloween' por la mascara o el videojuego 'Silent Hill' por la sonora pesadilla que acompaña algunas escenas, a 'Therapy' le cuesta un mundo mantener el interés y se desvía constantemente de su linea argumental base pero sin duda es una mas que aceptable propuesta en la carrera del director  Nathan Ambrosioni, al que el tiempo y estas películas/experiencias van a convertir en un realizador de referencia a seguir dentro de algunos años; el genero de terror en Francia siempre ha sido uno de los mas punteros en toda Europa tanto en los años 60 como en la no tan lejana nueva ola explicita que generaron las 'Martyrs' etc, es joven y tiene buena mano, ama el cine y presenta sus ideas sin esconder nada, Ambrosioni está labrando su camino de una manera quizás algo efectista e inocente pero sin tapujos. Nadie dijo que fuera fácil, cierto? Cabe apuntar que Nathan no solo dirige, escribe y participa como actor, tambien se encarga de la fotografia y el montaje, lo unico en lo que no participa es en la banda sonora, donde encontramos a Céline di Simone que ya colaboró anteriormente junto a Ambrosioni en el corto 'The Lake'. En Bloodstab seguimos apostando por este joven valor como uno de los realizadores europeos del genero de terror a tener en cuenta para los próximos años.

MANIAC

Maniac - Franck Khalfoun - Francia

De la mano del reputado Alexandre Aja, director de títulos de culto como 'Haute Tension', o 'The Hills Have Eyes', nos encontramos con este remake de la reivindicable 'Maniac' de William Lustig, película de 1980 que supuso todo un revulsivo dentro del género de serial killers, sobre todo por su crudeza a la hora de recrear los asesinatos y mostrar toda la suciedad y el ambiente malsano que la cinta llegaba a transmitir. El listón por lo tanto estaba a un nivel lo bastante alto como para considerar a este remake como innecesario, por lo que para mantener al menos el nivel se contó con Aja para las labores de guionista y productor, mientras que el cineasta francés Franck Khalfoun fue el elegido para dirigir y llevar a buen puerto este cuestionado remake. Hay que destacar que Aja y Khalfoun ya tuvieron un encuentro en 'P2', carta de presentación de Khalfoun en la que Aja dejó su firma en el guión, resultando una película bastante fallida y aburrida, que aunque se dejaban ver algunas pinceladas del buen hacer de Aja, resultó ser una cinta olvidable por completo. El reto por lo tanto estaba difícil y el director de este proyecto no llegaba a transmitir nada como para uno ilusionarse, mucho menos cuando se conoció el actor que se pondría en la piel del sádico protagonista, nada menos que el hobbit Elijah Wood, gran actor sin duda pero imposible de ver (de entrada claro está) como un psicópata desalmado. Pero como los prejuicios no son buenos y a veces ciertas elecciones son al final las más acertadas, hay que acabar por colocar a este remake en un lugar en el que no muchos llegan, ese lugar donde pueden llegar a igualar o incluso superar a la obra original, que ya es decir mucho. Para ello Khalfoun opta por darle a su obra un tono menos sucio y desagradable que la original, con un buen trabajo de cámara que nos ofrece una original perspectiva en primera persona durante casi todo el metraje, de hecho es en contadas ocasiones donde vemos a Wood como tal, y solo podemos verle a traves de espejos o en lugares donde su personaje se va reflejando. Esto hace que nos metamos mucha más en la historia y viviamos con más intensidad los asesinatos que Wood va perpetrando, tanto que en ocasiones parece un videojuego de realidad virtual en el que tú eres el propio psicópata. Centrándonos en la historia, nos adentramos en la vida de Frank, el dueño de una tienda de maniquíes un tanto solitario y tímido, que a primera vista parece inofensivo e incluso dulce en su forma de hablar, pero que en su interior guarda su verdadera personalidad, la de un psicópata desalmado y frio, que cada noche sale de caza seleccionando a sus victimas, con la intención de matarlas y cercenarles su cabellera para así poder "vestir" a sus maniquíes. Y dicho esto poco más nos vamos a encontrar en cuanto a desarollo, algún pasaje oscuro recreando su terrible infancia en forma de flashback, y el elemento amoroso que sirve como respiro entre tanta locura, elemento que quizá es el punto más flojo de la película, ya que los momentos de "caza" son tan tremendos, que los encuentros entre Wood y Nora Arnezeder (fotogénica y con mucho carisma) llegan a lastrar bastante el metraje y bajar la intensidad de la película. Creo que hubiera sido igual de interesante ver la perspectiva del asesino sin mostrar ningún tipo de humanidad y simplemente focalizando su personalidad en su lado más salvaje, pero logicamente es aquí donde Khalfoun quería desmarcarse de la cinta original y darle un toque más "profundo". Al margen de esto, la película mantiene un nivel de intensidad razonable, con sus puntos más altos en los momentos slasher/gore acompañados con una impresionante banda sonora de Robin Coudert, que recuerda por momentos a esos films ochenteros de serie b en los que sus bandas sonoras eran lo que más se hacia notar, de hecho solo hay que recordar el inicio de esta película, con Wood dentro del conche en primera persona recorriendo las oscuras calles de New York, con la hipnótica banda sonora de fondo, simplemente bestial, encajando además perfectamente con el tono de la película: dura, seca y directa. Y es que la película es verdaderamente cruda, lo da todo en las escenas de los asesinatos y se opta para ello por un tono realista que llega a impactar de verdad. Escenas como las de la chica apuñalada en el parking, o la muerte con la que se da título al film son una buena muestra de ello, sin ninguna concesión y buscando el mayor realismo posible, sobre todo gracias al acertado enfoque de Khalfoun y su planificación en estas escenas, y la gran labor de maquillaje a cargo de K.N.B. EFX Group, con unos magníficos efectos que son la antítesis del llamado "gore salchichero", siendo aquí totalmente sutíles y realistas. Por lo tanto tenemos un remake que respeta a la original en su medida, que es ultra violenta, valiente en sí misma y que arriesga en su forma, cuidada en todos los detalles, desde la acertada fotografía de Maxime Alexandre, pasando por su bso y apartado técnico en general, con un Elijah Wood verdaderamente aterrador y que llega a dar miedo aún sin ni siquiera mostrarse, y con un notable Khalfoun que nos regala además guiños para los amantes del género, como el tema 'Goodbye Horses', que nos lleva irremediablemente a 'The Silence of the Lambs'. Puede que a día de hoy este 'Maniac' aún este lejos de ser un clásico o una película de culto, pero es solo cuestión de tiempo que esta cinta sobresalga estre otras tantas que apenas arriesgan y ofrecen lo mismo sin ningún tipo de impacto o algo destacable. Dicho pues, agradecer a Alexandre Aja el aventurarse en este proyecto y dar cabida a algo más de lo que parecía en un principio un simple encargo. A recomendar encarecidamente junto con el 'Maniac' original, por supuesto.

THERAPY

Therapy - Nathan Ambrosioni - Francia

El próximo día 27 de julio en el festival Fantasia de Montreal sera el elegido para la premiere mundial del segundo largometraje del joven realizador autodidácta de 16 años, Nathan Ambrosioni. Después de acercarse al terror paranormal en 'Hostile' en 2014, al slasher y la fantasía en los cortos 'The Lake' o 'Miss U' en 2015, Ambrosioni presentara de forma oficial su nuevo trabajo en la próxima edición del festival canadiense que se celebrara desde de el 14 julio al 2 de agosto. 'Therapy' sigue a Jane (Nathalie Couturier) y Simon (Rémy Jobert), dos jóvenes policías que descubren material de vídeo oculto en una casa abandonada. Las imagenes que verán les harán testigos de algo mas que unas simples vacaciones familiares. La película de 96 minutos aun siendo de bajo presupuesto esta producida por Light House Production, la compañía que creó y dirige su padre Fabrice Ambrosioni tras el éxito de 'Hostile'. Como viene siendo habitual, el pequeño Ambrosioni se encarga de practicamente todo, dirección, guión, fotografía, montaje, sonido y cámara relegando la composición de la banda sonora esta vez en la también novel como el, Céline di Simone. El trailer arroja una idea de thriller oscuro y un tono claro o mejor dicho, una influencia mas que patente a 'The Blair Witch Project' con el uso de nuevo del found footage o esas fotos colgadas en la pared de una caseron abandonado, también se pueden apreciar influencias del cine asiático de terror o muñecos que tanto gusta usar a Ambrosioni o ese tono seriamente escabroso que sigue manteniendo en todos sus trabajos la fotografia que consigue, la familia vuelve a ser el centro de los hechos extraños y se incluye una pareja de detectives para fortalecer la investigación de un thriller convencional, Ambrosioni disfruta mezclando y absorbiendo ideas de diferentes géneros para fabricar el suyo propio. En el reparto se puede encontrar a todos los participantes de sus anteriores trabajos entre los que se encuentra como no, la prometedora Luna Belan. 

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

We Need To Talk About Kevin - Lynne Ramsay - Reino Unido

Basada en la novela 'We Need to Talk About Kevin' escrita por Lionel Shriver en el año 2003, este thriller psicológico narra la historia de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton), una mujer felizmente casada, culta, cosmopolita, de espíritu libre y apasianada de su trabajo (la cual escribe guías de viaje), pero cuya vida cambia drásticamente al quedar embarazada en plena madurez. Kevin no es el niño que toda madre soñaría tener, ya que desde muy pequeño desarrolla una personalidad extremadamente fria y distante, como de una patología cercana al autismo o al síndrome de Asperger, el cual rechaza cualquier sentimiento de afecto y muestra cero empatía por los demás, hasta más tarde adquirir rasgos de un auténtico psicópata, haciendo totalmente insoportable la relación madre e hijo. Kevin podría pertenecer a ese grupo de 'niños psicópatas' que han sido especialmente explotados en el cine de terror, desde los extraterrestres de 'El pueblo de los malditos' (Village of the Damned, 1960), pasando por el Damien de 'La profecía' (The Omen, 1976), la comunidad de 'Los chicos del maíz' (Children of the Corn, 1984), hasta el Henry de 'El buen hijo' (The Good Son, 1993), pero con la doble lectura que le da la directora Lynne Ramsay a este enfermizo personaje, haciendo que nos hagamos una serie de preguntas: ¿es Kevin un psicópata/antisocial?, ¿ha nacido así o ha fallado su educación?, ¿qué es lo que han hecho mal sus padres?, ¿existe el mal?, ¿está en nosotros desde que nacemos?...,  encontrándonos sin duda ante una de esas películas de libre pensamiento.

La película arranca con una secuencia visualmente impactante, en la que nos muestra a Swinton siendo alzada entre el gentío en la fiesta de La Tomatina de Buñol, donde todo se tiñe de color rojo y la alegría alcanza el éxtasis en la protagonista, ofreciendo ya de entrada un gran contraste con el infierno que vivirá en el resto de la historia. La narración en general peca de ser algo confusa, en la que por momentos los personajes y algunos tramos de la historia pueden llegar a parecernos demasiado frios, esto se debe a que la película va alternando mediante flashbacks escenas del presente y pasado, de una forma no demasiado satisfactoria, ya que tiene un guión desestructurado que va cobrando sentido a medida que la protagonista va superando el miedo que le provocan los recuerdos de su hijo, haciendo que la película cambie rapidamente de tono de una escena a otra, como en las que vemos la complicidad del personaje de Swinton con su marido (un discreto John C. Reilly), o los momentos que comparten con su otra hija pequeña, cambiando a otras bastante tensas, como las de la protagonsita limpiando su casa de pintura roja (de nuevo ese ronjo intenso que estará muy presente en toda la historia), o su desquicidada relación con su hijo intentando educarle. No obstante una vez familiarizado con esta forma de narrarnos la historia la seguimos sin mayor problema, sobre todo gracias a la gran labor de una Tilda Swinton que lo da absolutamente todo, transmitiendo ese dolor, rabia e impotancia que desprende su personaje desde el primer momento, y es que su personaje es un ser condenado a la soledad más cruel y despiadada, a la que todos le dan de lado y hacen notar su desprecio, por causas ajenas a su voluntad. Quizá el punto de vista más interesante de la película, es que la directora Ramsay rápidamente construye un enigma ambiguo: Kevin muestra un rechazo casi instintivo a su madre, pero su madre lo rechaza inicialmente. El amor a un hijo en ocasiones es algo que no ocurre con su mero nacimiento, y en esta película lo vemos claramente, ella pasando del odio al amor casi por oblicación, mientras que Kevin se queda instalado en ese odio/indiferencia desde el principio. El papel del perturbado Kevin esta reservado para el enigmático Ezra Miller, que sin apenas diálogo y a través de miradas y gestos, logra crear un personaje que lleva la palabra maldad escrito en la frente (se llega a sentir impotencia en ver el trato que tiene con su hermana pequeña), de hecho las escenas donde Swinton y Miller comparten escena son las más disfrutables de todas. Técnicamente la película es bastante discreta, con un aspecto algo amateur por momentos, con otros que rozan lo notable, como las escenas de La Tomatina o la reverencia final de Miller con arco en mano. Sin duda una película más que interesante, oscura, tensa, reflexiba, que sugiera más que muestra y nunca cae en el morbo, con unas grandes interpretaciones por parte de Swinton y Miller, y que consigue crear un ambiente malsano, lástima de esos bajones en el desarrollo que hacen que la narración sea algo confusa, pero que gracias al buen hacer de la directora al final la película consigue su propósito. No dejará indeferente a nadie.

NADERIAS

Naderías - Carlos Bigorra - España

7.5/10

En mi vida cinéfila he visto cortos buenos y muy buenos pero 'Naderías' no solo forma parte de uno de esos grupos sino que también es claramente identificable como uno de esos cortos mágicos, inspiradores y capaces de provocar en el espectador un sentimiento de complicidad inevitable que desemboca en una sonrisa silenciosa. El argumento base sin spoilers sería el siguiente: Dos amigas conversan y toman café en casa de una de ellas mientras la hija de esta juega a su alrededor. 'Naderías' goza de un minimalismo general en cuanto al estilo visual tan pulcro y ordenado como la propia puesta en escena que el valenciano Carlos Bigorra impone a base de un imponente blanco y un único espacio para todo el metraje. Apuntar que Bigorra es arquitecto profesional es un punto a tener en cuenta ya que 'Naderias' tiene un diseño muy a la par con la profesión actual de su director. En este sentido hay que felicitar sobradamente también a Pedro Díaz por la fotografía tan magnética que logra para que todos rápidamente conecten con la historia; también a Héctor Sanz en la iluminación y a Patricia Planells en la escenografía. Todos ellos forman la productora Endolinfa Producciones y este conjunto minimalista conseguido con la puesta en escena, paredes, mobiliario, luz, objetos como las tazas, el propio café, crean un ambiente global muy definido en tono y estilo donde creeréis estar viendo un catalogo ultimo modelo de Ikea en 3D o aquella revista de decoración en la que los muebles cobraban vida propia mientras Norton los miraba/seleccionaba para su casa en 'Fight Club'. Pero...hay que tener cuidado en como hablar de la opera prima de Bigorra ya que si se llega a explicar o teorizar mucho se puedo dar pie a pensamientos con los que destrozar todo el interés y esencia que acumula en sus poco mas de nueve minutos. El guión escrito por el propio director en colaboración con Miguel Palmero y Óscar Latorre no es nada complejo y juega muy bien unas bazas que sus personajes aprovechan y hacen suyas para transmitirlas idealmente a través de la pantalla, gestos, detalles y miradas a cámara juegan un papel tan importante como lo son algunas de las segundas lecturas que ofrece 'Naderías'. El reparto lo forman Ana Ulloa ('El Olivo') como la madre de la pequeña a la que da vida Julia Bigorra y Maria Almudéver ('ANHQV', '700 Euros'), como la amiga. Tres buenas actuaciones que atrapan y desvían la atención hacia donde ellas y su director quieren, si le entráis al juego a 'Naderías'. Personalmente he de reconocer como se dice vulgarmente: me lo he comido con patatas. Los cortometrajes, algunos, están llenos de magia y de ideas pulidas a lo largo del tiempo en las mentes de sus creadores intentando llevar al espectador hasta el final que ellos desean. Bigorra conmigo lo ha conseguido, su viaje me ha llevado hasta el final, a esbozar esa sonrisa cómplice de la que os hablaba al inicio de la reseña y es por eso que me ha encantado su propuesta, directa, nítida, inteligente, que evoca lejanamente una fusión o mezcla de la naturalidad cotidiana de Vermut, Berlanga o Haneke y la.sorpresa narrativa de maestros del suspense como Shyamalan o el gran Alfred. Los habrá tan avispados que aseguraran que todo lo que ocurre en 'Naderías' lo veían venir, mala suerte para ellos. A día de hoy y con muchas series, películas y cortos vistos sigo entrando a veces 'virgen' en el visionado de muchos documentos audiovisuales, algo que agradezco por la satisfacción que me produce la sorpresa final cuando su resultado general es tan gozoso como el del corto de Bigorra. Como dije, yo me he tragado la 'trampa' y me ha convencido la historia y sus personajes, desconozco si es una idea original pero desde luego es buena y mas si le entras al juego que propone. Pero, aunque no lo parezca, 'Naderias', no necesita obligatoriamente que el publico le entre al juego sino mas bien este los emplaza o invita a sentarse con esas dos amigas a tomar café y descubrir por si mismos el cuadro que ha pintado su director, en este sentido su visionado se hace agradable en parte también por la precisa y limpia banda sonora de Laura Beele que consigue como digo no solo que 'Naderías' sea agradable al oído sino que también se disfrute cada segundo de su duración. Rodado con un presupuesto de 160 euros en menos de tres horas, Bigorra ofrece en 'Naderías' algo estimulante, mágico, hay algo que esta ahí y es casi imposible de apreciar, hay una apuesta clara por el 'menos es mas' donde la fuerza o potencia radica en la historia y en la dirección que se aplica a ella. Podría definir el corto en un genero en concreto pero no lo haré porque así es como yo llegue a el, sin saber nada de el, ni tan siquiera el genero, y la sorpresa fue mayúscula, solo os diré que Bigorra no tira de susto fácil, ni de efectos de sonido estridentes y desacompasadamente artificiosos. 'Naderías' propone y deja al espectador libre. En cuanto a mi valoración del trabajo actoral no puedo estar mas satisfecho, Almudéver hechiza por completo cada plano del que dispone en pantalla, Ana Ulloa ofrece un registro perfecto como la típica madre y sus gestos y miradas distraidas la ayudan mucho a crear ese perfil; la niña...la niña, Julia Bigorra, esta increíble, su inocencia frente a las cámaras le permite regalarnos un saber estar en escena fantástico, su tranquilidad ejerce un poderoso y misterioso influjo en todo el corto. Bigorra dirige, escribe, maneja la cámara y se encarga del montaje en 'Naderías', un trabajo que como dije antes ofrece mas que una simple lectura basada en el suspense o en el thriller, nos habla de la educación que le damos a nuestros hijos y como estos absorben esas ideas pero también de como es nuestra atención a sus problemas y a esa inocencia infantil de los primeros años. Para terminar os comento que a pesar de no estar apadrinado por nadie, el corto del valenciano Carlos Bigorra ya ha sido seleccionado junto a otros 24 participantes de todo el mundo para competir en uno de los festivales mas importantes de Colombia, el IndieBo, festival de cine independiente de Bogota. Como su propio nombre indica, 'Naderías' es...nada, minucias, banalidades, aquello de lo que hablas por pasar el rato, hechos que están ahí y pasan desapercibidos, dramas ocultos bajo una segunda piel como la incomunicación latente entre seres humanos en la supuesta época de oro de la información, mas conectados que nunca y a la mas alejados también, un creciente e inconsciente narcisismo personal sobre cualquier tipo de afecto hacia los seres mas cercanos mostrado en  el olvido de una madre sobre la educación y la atención a su propia hija y su frustración a la hora de comprenderla.  'Naderías' se siente como un experimento, como si todo lo que ocurriera en esa habitación estuviera siendo observado por alguien desde un espejo de doble cara incrustado en una pared de relucientes baldosines blancos con una marabunta de  doctores, filósofos, especialistas, técnicos y expertos cuchicheando y hablando sin parar, hay algo distinto y a la vez curioso en este corto de Carlos Bigorra. Notable opera prima.

BEHIND

Behind - Angel Gómez  Hernández - España

Hace unos días no cabía en mi de satisfacción y regocijo tras revisionar la primera parte de 'The Conjuring' y ver su secuela en el cine. Me divertí pasándolo mal gracias a un director, James Wan, capaz de sacar petróleo de cada escena. Cuando creía que nada mas podía sorprenderme en este genero llego a Bloodstab el sexto cortometraje de Angel Gómez Hernández. Y quien es Angel Gómez Hernández os preguntareis, pues bien, ahí vamos con algunos detalles personales y de su ultimo corto que os darán una idea muy clara de la calidad de este 'Behind' y del porqué de mi nota final. El joven realizador de 26 años es ya director de cine, guionista, director de actores, consultor de guión y docente cinematográfico además de compaginar en la actualidad su trabajo para la productora Aliwood, responsable de películas como '5 Metros Cuadrados', la nominada al Goya en 2014 'Justin y la espada del valor' o la protagonizada por Ricardo Darin y ganadora del Goya en 2012, 'Un Cuento Chino'. Titulado en Dirección cinematográfica y Guión por el Centro de Estudios Ciudad de la Luz en 2012 y en Realización Audiovisual y Espectáculos en Cesur Formación en 2009, ha dirigido más de cincuenta proyectos, entre los que se encuentran cortometrajes, videoclips, reportajes, largometrajes documentales y spots publicitarios. Posee más de 60 premios cinematográficos internacionales y más de 300 nominaciones. Con su anterior cortometraje, 'Y la muerte lo seguía', son ya 130 nominaciones y 20 premios internacionales cosechados durante su primer año de distribución. Ha cofundado su propia escuela de cine en Madrid, 'Escuela Verité', y trabaja como profesor de Cinematografía para la Universidad de Cádiz (UCA). En los ultimas semanas se encuentra promocionando y distribuyendo este su ultimo corto, 'Behind', por los distintos festivales nacionales mientras desarrolla el que será su primer largometraje como director y guionista para este mismo 2016. Queda claro por tanto que Angel Gómez Hernández no se ha encontrado una cámara en la calle hace dos días y se ha puesto a rodar por afición. Como detalle antes de seguir, 'Behind' ya ha participado en 2 festivales y ha recogido sendos premios, mejor cortometraje en la ultima edición de Nocturna Fest celebrada en Madrid hace escasas semanas y premio del público en Cortopatía tambien celebrado en la capital de España hace tan solo unos días.

Ahora si, vamos con 'Behind', su ultimo trabajo y ganador del premio a mejor cortometraje en la ultima edición de Nocturna Festival de Madrid que se celebro hace justo unas semanas. Esta protagonizado por una actriz de renombre y veterana del género como Macarena Gómez en el papel de Arianne, una madre divorciada y obsesionada con la idea de que su bebé de un año caiga en manos de su ex marido. Durante un cumpleaños infantil conoce a Leonor, una anciana que le dice estar viendo a un hombre de aspecto terrorífico pegado a su espalda. Al volver a casa con su hijo, la sugestión, el miedo y esos diablos de la mente contra los que lucha sin descanso, harán que esa madre, emocionalmente afectada, viva una noche de auténtica pesadilla. El reparto lo completan nombres bastante conocidos, por ejemplo, tenemos que la voz de Samuel por teléfono es la del ultimo en darle vida al gran Lope de Vega en 'El Ministerio del Tiempo', ni mas ni menos que Victor Clavijo; en el papel de Leonor, la extraña anciana a la que solo le falta una verruga y cambiar cámara de fotos por manzana para ser la viva imagen de la bruja de 'Blancanieves', es una grande del fantaterror español de los 70, Lone Fleming, vista en 'La noche del terror ciego', 'Una vela para el diablo', 'El ataque de los muertos sin ojos', 'La endemoniada' o 'Viaje al centro de la Tierra'; Ruth Diaz ('El Calentito', 'Para entrar a vivir' o 'Aparecidos') es Carol, hermana de Arianne con quien esta habla durante el cumpleaños. El casting se cierra con la presencia de una estrella en auge muy querida y conocida para los seguidores del genero de terror, hablo de Javier Botet, actor presente en toda la saga 'REC', la serie 'The Strain', 'Diamond Flash', 'Magical Girl', 'Crimson Peak', 'The Revenant' o en la reciente 'The Conjuring 2'. 'Behind' tiene fuerza, mucha, su magia o poder radica poderosamente en el resultado final, de nada sirve tener mucho estilo si luego el contenido es vacío o inocuo, si no nos transmite nada ni su historia ni sus personajes...apaga y vámonos. Es lo mínimo que se le puede 'exigir' a un cortometraje, que te diga algo mas de lo que cuenta a primera vista. 'Behind' lo logra sobre todo porque el resultado final es excelente, impecable, la experiencia y estudios de Angel Gómez Hernández se ven claramente reflejadas en la pantalla, en cada fotograma. Este es como dije, el sexto cortometraje en su carrera y para ello se ha rodeado de grandes profesionales que hacen que 'Behind' luzca de matrícula en todos los aspectos, tanto en direccion o guion como en los ténicos. Este apartado, el tecnico, esta formado por una fotografía  tenebrosamente malsana y oscura dirigida por el gran Pablo Rosso, colaborador fijo de Jaume Balagueró, tambien el veterano criado en televisión con mas de 20 años 'pilotando' una steadycam, Amando Crespo, mientra que la edición y mezcla de sonido son el resultado del trabajo de José Lebrón y el ganador del Goya en este apartado por su trabajo en 'Las Brujas de Zugarramurdi',  Nicolas de Poulpiquet; todo ello se presenta acompañado por la banda sonora de Óscar Araujo ('Gisaku', 'Aparecidos') creando un ambiente idóneo en el segundo y tercer acto especialmente donde algunas escenas puntuales son alargadas mas de lo que consideraríamos 'tiempo standar' para desorientar al espectador antes del sobresalto. Esto junto a los excelentes efectos especiales del impacto final creados por Antonio Naranjo ('Juan con miedo', 'No mires ahí') y los de maquillaje FX de un valor en auge como es Víctor Javier Bernardos ('Mr. Dentonn'), hacen que 'Behind' se aleje totalmente de convencionalismos prefabricados y excesivos disfrutando de un empaque sencillo y potente a la vez. Obviamente que el montaje influye y mucho, este tipo de abordamiento al genero de terror con influencias asiáticas necesita de la pausa necesaria en el momento necesario pero también de rapidez en el montaje para que el ritmo no se venga abajo, 'Behind' tiene es corte profesional gracias al montaje de Miguel Serón y la experiencia de este de haber trabajado anteriormente con Angel en 'Y la muerte lo seguía'. Otro de los grandes aciertos a destacar es la ambientación generada por la labor del departamento de arte cuya encargada, y también productora, Arantxa Domingo brinda una malsana gama de verdes oscuros que en comparación con la claridad y luz del primer tramo donde vemos ese cumpleaños poblado de personas encierran literalmente al bebe y Arianne dentro de ese submundo en que parece convertirse la casa. Antes de dar mi opinión personal no puedo olvidarme de citar a esos grandes amigos de los directores y sobre todo de los guionistas que son los productores, sin ellos, esta industria no existiría y no seria posible que muchas propuestas llegaran donde llegan. Los productores de 'Behind' son Pedro De La Escalera y la mencionada anteriormente Arantxa Domingo Plasencia, responsable tambien de Estudio V Producciones, mientras que la producción ejecutiva la dirige Raúl Cerezo ('Mr. Dentonn', 'Por no morir nada mas vernos'). 'Behind' tiene un duración de 14 minutos aproximadamente y su historia evoca al cine asiático de genero tan de moda en los 90, no hace mucho reseñamos en el blog otro corto de similares intenciones, 'KU' de Tony Morales, en el que también su guión nos remitía a aquel cine tan paranormal y terrorífico.

Lo mejor de 'Behind' dejando al margen su acabo final es lo sencilla que es la génesis de su historia y lo bien dirigido que esta en términos de guión o dirección valga la redundancia. Por esto dije cite a 'The Conjuring' al inicio, hace escasamente un día que vengo de ver las dos partes de la saga de Wan, y el corto 'Behind' me ha parecido estar viendo una escena oculta de ellas, o una adicional o similar, la firmeza en la dirección y en jugar con el espectador están ahí presentes, me resultó muy gratificante su visionado y nada mas terminarlo pude comprender el porque se llevo el premio a mejor corto en un festival como Nocturna. El continuo guiño a Cesare o mejor dicho a esa obra maestra que es 'Das Kabinett des Dr. Caligari', esos invitados sorprendidos mirando fijamente a Arianne cuando chilla a Samuel por teléfono, el plano de la mesita de noche donde la cámara se aleja y vamos viendo poco a poco el reloj despertador, luego las pastillas y luego el alcohol, cada nuevo detalle nos regala información para formarnos una idea de como es el personaje que interpreta a la perfección Macarena Gómez. La perla de 'Behind' o ese dulce especial que guardan muchos de los cortos de terror modernos o recientes, es excelente en todos los sentidos, llegado ese momento, el clave y espectacular, los efectos especiales de Antonio Naranjo hacen aparición de una manera espeluznante que os traerá a la memoria ese cine de genero asiático en concreto para luego explotar con una y fuerza absoluta delante de las mismas narices de Macarena. Prestad atención porque en el cine no se puede rebobinar y os puedo asegurar que querréis ver otra vez su final tranquilamente por segunda vez. Me gustaría hablar sobre otros detalles pero los spoilers no me lo permiten, no disfrutareis del corto igual sabiendo un par de detalles concretos, así que os recomiendo que si tenéis la oportunidad de verlo en cualquier festival cerca de vuestro hogar, no perdáis la oportunidad. Angel Gómez Hernández es un director con una manejo ideal y acertado de la tensión y la puesta en escena tanto en la escritura como en el propio enfoque de la historia a relatar, su corto 'Behind' es tan bueno que el aire asiático tan presente en el ultimo acto con los movimientos lentos de cámara a través del eje del personaje de Macarena o lo que sucede después funcionan igual que si nos dijeran que se trata de una historia de terror de casa encantada o hasta, si se me permite el atrevimiento, como el drama de una mujer divorciada cuyos malos tratos maritales no se detuvieron con la muerte del mismo.

GREEN ROOM

Green Room - Jeremy Saulnier - Estados Unidos

8/10

Thriller violentamente real, intenso, sencillo y directo, de corte moderno y rodado con la eficacia y oficio necesarios como para convertirse en una película completa y satisfactoria a todas luces. Cuando 'Green Room' se proyectó por primera vez el año pasado durante el festival de Sitges, tanto publico como critica general casi la convierten en el 'underdog' del evento, al contrario que pasara con 'High-Rise' y en la misma linea que la si ganadora de ese 'undercover' award como fue ese western canibal llamado 'Bone Tomahawk'. No estaban lejos de tal afirmacion. Producida por Broad Green Pictures junto a Film Science y distribuida en España por La Aventura, la cinta de hora y media escrita y dirigida por Jeremy Saulnier es mas que un correcto o un simplemente pasable thriller de genero. Situada en la linea de films como 'Eden Lake' o 'Assault on Precint 13' (y hasta 'Frontieres') donde el ser humano es la presencia mas terrorífica de todas, se puede decir que 'Green Room' al igual que las anteriormente citadas, es superior a la mayoría de producciones ancladas tanto en el genero de terror como en el del thriller psicológico que se producen actualmente solo por la forma en que esta enfocada y escrita por su director. La premisa, tan básica como atrayente e inteligente a la vez, es la siguiente: Un banda amateur de punk rock alternativo llamada The Ain´t Rights se encuentra de gira. Tras conceder una entrevista para una emisora de radio, el locutor los envía a un bolo en un pueblo donde su primo, que convive en una residencia/local para un asociación pro supremacía blanca, decide contratarlos debido a la baja de una de las bandas. Allí, después de tocar sus canciones y cuando deciden marcharse se topan de lleno con un hecho impensable por el que serán retenidos contra su voluntad hasta que todo se aclare. Saulnier hace una presentación de personajes escueta y directa mediante un breve trayecto en furgoneta y una entrevista de radio en la que cada integrante de la banda revela su forma de ser individual y a su vez todos como un colectivo gracias a su rechazo sobre promocionarse digitalmente o rrss ya que lo que les apasiona de verdad es tocar en directo, sentir la energía que les produce la música y el calor del publico. En esta misma escena surge una pregunta que mas adelante en el film vuelve a repetirse con diferentes respuestas (Simon & Garfunkel, Madonna o Prince) la elección de que banda se llevarian a una isla desierta. En dicha escena surgen nombres como Minor Threat o Bad Brains, grupos muy conocidos por los seguidores de una música, el punk rock, que de alguna forma u otra podemos relacionar con temas violentos o como poco, asuntos de naturaleza violenta y/o rebelde. Esta introducción de personajes Saulnier nos deja claro el espíritu contra sistema (caracteristico del punk) de la banda siendo fieles a los orígenes o su fuerza y a lo que los mantiene unidos, la música. La violencia no hace presencia todavía pero mirando el cuadro desde fuera uno puede percibir esa atmósfera enrarecida previa a la tormenta. Otro de los grandes aciertos de 'Green Room' es la potencia que tiene una historia de la cual, aun sabiendo su supuesta previsible premisa inicial, la película conforma en lineas finales algo que va mucho mas allá de dos simples lineas de argumento, se siente completa, su visionado satisface y compensa cada minuto de metraje hasta cuando su director quita el pie del freno y deja que el film descienda hasta esos destellos de repentina y explicita violencia.

Erróneamente etiquetada en el gore, el tratamiento que aplica 'Green Room' a la violencia. y por ende a lo violento del envoltorio, no entra dentro lo que considerariamos 'violencia estética', en términos definitorios seria lo contrario al giallo mas visual para hacernos una idea, su violencia es mas bien es espontánea o inesperada, sucia, anarquica, sin florituras y precisa, donde toda ella tiene una razón de ser: el poder de su influencia en todos los personajes, tanto héroes como villanos. La muerte de un compañero o amigo afecta a los personajes de ambos bandos tanto o mas que el daño físico recibido, los hace mas creíbles ante los ojos del espectador y por consecuencia su dolor se siente mas autentico. Como ejemplo sirva la fragilidad emocional del personaje al que cortan la mano mostrando así la dureza de una violencia tangible y no festiva. El director norteamericano no se recrea en lo explicito pero tampoco aparta la cámara ante la sangre, vemos un charco de sangre espesa que empapa una moqueta amarillenta, una mano cortada hasta los tendones por la muñeca, un estomago abierto de par en par mediante un cutter y hasta una garganta desgarrada por las fauces de un perro; ningún fotograma esta libre de ser salpicado por un destello violento o sucio como esta el 90% del ambiente creado entre el bosque, la residencia y la habitación, los colores verdes oscuros que pueblan el antro contrastan con la expresividad tanto de unos como de otros ante las muertes de sus propios compañeros. Todo en 'Green Room' esta a un gran nivel y esta atmósfera oscurecida y raruna tan bien lograda por la fotografía de Sean Porter logra encapsular al espectador en ese recoveco perdido de la mano de Dios situado en la parte montañosa de Portland. En los papeles principales encontramos a una Imogen Poots como Amber caracterizada al estilo 'TIE' de Meadows que consigue robarle el protagonismo tanto al joven Pat (Anton Yelchin) como al profesor Xarles Xavier (Patrick Stewart), el líder de la comunidad que recuerda al que interpretó Stacy Keach en 'American History X', el hombre tras la sombra, la voz que les dice a los perros de presa que, como y cuando hacerlo. Ya comenté las buenas maneras de Poots en 'Need for Speed' hace un tiempo. Para terminar, el guión tiene momentos de agilidad brillantes donde los detalles que evitan las lagunas son cerrados con elegancia y pese a que aun así hay ciertas escenas que aceptan mas de una interpretación, este survival del gato y del ratón que propone Saulnier a modo de thriller violento es notable y gana enteros el debate que deja sobre la violencia y los grupos radicales neo nazis, un mal por desgracia aun muy presente en la sociedad norteamericana, donde te venden un arma antes que un pestillo para asegurar la puerta de tu casa. Altamente recomendable, no os la perdáis.

COMPLIANCE

Compliance - Craig Zobel - Estados Unidos

7.5/10

Thriller insoportablemente malrollero de principio a fin con un perfil indie que puede llegar a despertar ese demonio oculto, morboso y lascivo que reside en el fondo de algunos seres humanos. 'Compliance' está, por muy difícil que pueda parecer tras verla, inspirada en hechos auténticamente reales. Becky (Dreama Walker), una joven dependienta de un restaurante de comida rápida es acusada de robar a una clienta. Su encargada Sandra (Ann Dowd), siguiendo las ordenes del agente Daniels que se encuentra al teléfono, sera la responsable de llevar a Becky al almacén y ejercer de vigilante hasta que Daniels pueda acercarse al restaurante y aclarar todo el asunto. Tras escribir, producir y dirigir en 2012 esta, su opera prima, Craig Zobel estreno el año pasado al frente de la dirección únicamente un drama de ciencia ficción postapocaliptico con Margot Robbie, Chiwetel Ejiofor y Chris Pine basado en la novela de Robert C. O’Brien titulado, 'Z for Zachariah' asi como dos episodios en la serie de éxito internacional, 'The Leftovers'. El gran potencial de 'Compliance' reside en el buen uso del tiempo en que transcurre la historia. Los hechos reales sucedieron durante unas tres horas aproximádamente y en la película quedas reducidos a unos aprovechadisimos noventa minutos que condensan notablemente la tensión vivida aquella tarde noche de viernes. La primera mitad es muy claustrofóbica, la acción no solo no sale del restaurante sino que prácticamente todo se reduce a una habitación, el almacén. Tanto los créditos iniciales como el 'respiro' a modo de break que su director/guionista introduce a mitad del film mezclando imágenes del solitario parking del restaurante con la banda sonora realizada por Heather Mcintosh a base de violones (muy parecida a la compuesta por Alberto Iglesias para 'La piel que habito') delimitan a la perfección lo aislado del almacén respecto al restaurante y de este con el resto del mundo. Esa 'soledad' del lugar se hace extrema y trasciende hasta el punto de lograr que Becky pierda todas las fuerzas y la cordura dando paso a la indiferencia. Después del break, empieza una segunda mitad igual de tensa y, aunque la acción esta vez si sale del almacén por momentos, es en este tramo en concreto cuando la incomodidad de lo que ocurre se hace mas insoportable, donde la imaginación de cada espectador empieza a maquinar sobre hasta que punto son algunos seres humanos manipulables y que serian estos capaces de hacer por no rebelarse ante la autoridad aun sabiendo que lo que hacen, no es lo correcto.

La adaptación que Zobel hace de los hechos es fascinante, y lo digo después de haber visto la película y buscado en la red sobre estos hechos. La tortura psicológica a la que es sometida la frágil Becky y la impotencia de no poder hacer nada os pueden llevar a pensar que su guión es incoherente o que sus personajes no actúan racionalmente pero...todo tiene una explicación, todo...y os aconsejo que para 'disfrutar', por llamarlo de alguna manera, enteramente de ese sufrimiento y angustia no busquéis ningún dato sobre estos hechos, os impactara mucho mas. Para mi seria muy fácil contarlo pero os aseguro que el disfrute que conlleva terminar la película y buscar información sobre este caso no es comparable a muchos otros placeres cinéfilos. Es un placer extraño, como de masoquismo, es decir, una vez terminas la película y piensas...pero como va a pasar esto de verdad? Pues si, no solo ocurrió una vez, sino mas de 70 veces en Estados Unidos. Y ahora viene la segunda pregunta que uno se hace mas veces viendo esta película: Pero como es posible que ninguno de los trabajadores haga algo para impedir eso? Tranquilidad, cuando busquéis la información sobre el caso al terminar de verla, os quedara todo muy claro, es más, no es la primera vez que este 'tema' se lleva al cine, no estos hechos digo, sino...bueno, ya lo veréis. 'Compliance' es un thriller dramático, muy dramático, muy de sentir la humillación a la que es sometida Becky, de empatizar con ella en todo momento y de meterse en su piel. Al igual que me encanta la francesa 'A l´interieur' y jamas la recomiendo a según que mujeres y menos si están embarazadas, con 'Compliance' me ocurre algo similar, es una película muy jodida de ver si eres una chica, mucho, no es tan explicita porque su director conoce algo llamado sutilidad y es utilizada justo cuando llega el momento, en ese sentido, si buscáis carnaza de cualquier tipo, olvidaros de esta película, es una película jodida de ver, incomoda y a su vez...morbosa. Obvio que habrá muchas chicas que ni les afecte ni les diga nada pero la gran mayoría, lo van a pasar muy mal viendo la opera prima de Zobel si empatizan con su desgraciada protagonista. El que avisa no es traidor, son noventa minutos de tensión creciente en los que por momentos pensaras que se trata de una broma o que se trata todo de un sueño pero...para nada, la realidad supera a la ficción con creces y 'Compliance' es una grandiosa muestra de ello. Por ultimo destacar a todo el reparto porque esta magnifico, sin esas grandes actuaciones la tensión no se sostendría de ninguna manera, en especial sobre todo las de la veterana Ann Dowd en su papel de encargada esta fantástica, una mujer de carácter fuerte y celosa de la juventud de sus empleadas que ansia sentirse querida, la de Dreama Walker...que ojos!...la frágil protagonista de la película que parece la hermana pequeña de Rose McGowan transmite muy bien su impotencia y desconcierto en todo momento y la de el bobalicón? Van, interpretado enormemente por un Bill Camp al que mas tarde se le vio en 'Lincoln', '12 años de esclavitud' y hace poco en 'Midnight Special' como uno de los dos matones de la secta; próximamente estará en 'Jason Bourne', toda una interpretación que ha relanzado su carrera, ellos tres, son los pilares interpretativos sobre los que se monta 'Compliance', el resto como digo, Pat Healy, Phillip Ettinger, Ashlie Atkinson o Nikiya Mathis, magníficos, todos, otorgando un plus de naturalidad ideal para la historia. Nada mas, recordad, buscad info al terminar de ver la película y asombraros con la adaptación de Craig Zobel, incluso hay hasta vídeos en Youtube sobre lo que pasó y un mini documental del canal ABC, pero mejor, hacerlo después de verla y sobre todo, paciencia, aunque todo os parezca extraño y que nadie en su sano juicio haría nada de esto, tened paciencia porque la recompensa final saldará todas vuestras dudas. Quizás mi nota final sea algo alta considerando que no es un guión puramente original pero 'Compliance' tiene muchos de los elementos que me gustan, pocos personajes, una sola localización, historia absorbente e hipnótica, diálogos ágiles y una dirección que va directa al grano. Director a seguir, desde ya.