UNDER THE SHADOW

Under the Shadow - Babak Anvari - Reino Unido

Teheran. Años 80. En medio de la guerra entre Irán e Irak una familia sufre la visita de un ente paranormal tras un ataque de misiles. 'Under the Shadow' tiene algo que la hace distinta, la fusión del cine de autor mas austero y dramático al estilo del iraní Asghar Farhadi ('A Separation') (o de algunos films de Faith Akin) con la sobriedad comercial que James Wan aplicó en la primera entrega de 'The Conjuring'. Babak Anvari, debutante en largometraje, escribe, dirige y nos plantea una cinta de terror tanto real como paranormal, bastante sencilla y bien dirigida, intentando alejarse de los manidos y odiados clichés en este tipo de subgénero. A 'Under the Shadow' le falta terror, o mas metraje quizás. Kubrick necesito de 146 minutos para reflejar su visión del terror en 'The Shining', de ella a dia de hoy rescatamos muchas escenas en nuestra mente cinéfaga para la posteridad, no solo una o dos, sino varias, Anvari usa 83 minutos con dos o tres escenas para recordar y, de las tres solo una funciona realmente como sobresalto al uso, la de la ventana. Sin embargo, no es esta la tópica película de terror psicológico que muchos creen, la historia esta inteligentemente construida, Shideh (Narges Rashidi) es una madre vetada de continuar sus estudios de medicina por su participación en regímenes opositores años antes a la que además del drama que supone este rechazo intelectual a su independencia se le une la constante ausencia de Iraj (Bobby Naderi), su marido y también medico, enviado a la zona del conflicto bélico actual.  En esta situación se suceden las constantes carreras al sótano del edificio por todos los vecinos tras oír las alarmas antiaéreas, vemos las ventanas de algunos pisos con cinta aislante y cristales repuestos día si y día también o la presión de la policía que patrulla cada esquina, es decir,  la sensación de amenaza es constante y esta ejerce un poderoso efecto en unos personajes, incluidos los vecinos, a los que solo les queda una opción, marcharse. Vecinos y edificio con aires a 'Le Locataire' de Polansky que acrecentan la opresión ya de por si reinante en el ambiente. Shideh y su hija Dorsa (Avin Manshadi) se quedan solas en dicho edificio progresivamente debido a la marcha del resto del resto de vecinos tras uno de los ataques con misiles que no solo deja secuelas físicas irreversibles en la fachada y en algunos pisos sino también paranormales.  Y entonces el guión de Anvari recuerda que se trata de un film de terror y todo empieza a cambiar, el terror tangible da paso al fantasmal, donde antes se insinuaba ahora se deja ver, algo menos sutil pero efectivo, las sombras empiezan a tomar forma y 'Under the Shadow' se convierte, tarde, en una buena cinta de terror psicológico. Además del tono ocre y austero de la fotografía de Kit Fraser, de esta opera prima de Babak Anvari rescataría entre otras cosas, el personaje de Shideh, de la rebelde Shideh, una mujer de ideas y comportamientos totalmente occidentales reflejados en su forma de vestir y de hablar con sus vecinos, Jane Fonda en Beta, su impotencia y resignación cuando le dicen que no puede continuar estudiando, la pasividad de su marido ante ello y su reacción ante el, la rabia con la que lanza el burka tras regresar de la comisaria...son detalles que pulen un personaje a la perfección, como cuando se pone a apilar los vasos en la cocina y Dorsa no para de preguntarle por la muñeca, la ansiedad y los nervios de Shideh en aumento y hasta eso se ve reflejado. La sensación final con 'Under the Shadow' es que se trata de un film de terror bien construido al que cuando le llega el turno de retorcer la madeja o dejar en segundo plano el drama y dar paso al festival oscuro de lo etéreo, es cuando el final hace acto de presencia. Lo mas parecido a 'Under the Shadow' bien podria ser 'El espinazo del diablo' o la reciente 'The Babadook'.

MACBETH

Macbeth - Justin Kurzel - Reino Unido

Después de recibir un ascenso por el rey Duncan (David Thewlis) tras salir victorioso de una importante batalla, lord Macbeth (Michael Fassbender) duque de Escocia, recibe el vaticinio por parte de tres brujas de que será rey, mas sin dejar descendencia. Instigado por su esposa (Marion Cotillard), con la finalidad de ver cumplida la predicción lo antes posible, el matrimonio invita a Duncan a celebrar la victoria en su casa. El plan está en marcha, le darán muerte a Duncan y harán recaer la culpa sobre los guardias, de tal modo que la corona recaerá sobre la cabeza de lord Macbeth. Será entonces cuando el remordimiento, la culpa, la sed de poder y la ambición entrarán en escena haciendo ver cada rostro amigo como posible culpable de conspiración. William Shakespeare es uno de los autores que más cuenta con adaptaciones de sus obras, tanto cinematográficas como teatrales. Llevar Macbeth a las salas de cine ya de por sí es arriesgado, si se cuentan todas las veces que ha sido adaptada y más si se trata de impactar al espectador con algo original y novedoso. Justin Kurzel ('Snowtown') hace una apuesta fuerte al pretender unir las dos grandes artes escénicas en un único largometraje. El restultado no puede decir que sea un éxito, pero tampoco resultó un fracaso total. El filme nos sorprende con una estética muy cuidada, una atmósfera agobianta y propicia para los acontecimientos, que provoca que 'Macbeth' sea un gran espectáculo visual. El inteligente uso de la cámara lenta en secuencias determinadas le imprime a esos planos una belleza casi pictórica, para lo que resulta de suma importancia el gran trabajo de fotografía de Adam Arpakaw así como la exquisita labor de vestuario de Jacqueline Durran. Quizá lo que nos impide entrar del todo en la película sea que el filme depende demasiado de la obra shakesperiana, tanto es así que los protagonistas respetan el diálogo original, hablando en verso y prosa. El hecho que el diálogo se ciña tanto a la obra original resultan una suerte de grilletes para los actores, que aunque realizan un trabajo intachable (sobre todo en el caso de Michael Fassbender, me permito añadir) provoca que el vigor y la naturalidad de su interpretación de vea mermada. Evidentemente esto se debe a la herencia directa de la obra teatral que adapta el presente largometraje, pero sería bueno saber dónde habría que poner los límites para que una obra diseñada originalmente para ser representada encima de las tablas pueda ser llevada a la gran pantalla e impresionar al espectador sin causar confusión. Quizá aún tendremos que hacer algunos experimentos más de ensayo-error que nos puedan conducir en un futuro a la fórmula que nos permita fusionar con éxito el teatro y las artes cinematográficas.

THE CHILDHOOD OF A LEADER

The Childhood of a Leader - Brady Corbet - Reino Unido

Si uno repasa brevemente la carrera de Brady Corbet como actor antes que esta su opera prima es mas que posible llegar entender el porque del tono y forma final que ha logrado cuajar en 'The Childhood of a Leader'. Empezó su carrera con los problemas del alcohol, las drogas y la autolesión en la impactante 'Thirteen' y luego las relaciones homosexuales en 'Mysterious Skin' junto a Joseph Gordon-Levitt para continuar interpretando bajo las ordenes de directores como Haneke, Von Trier o Assayas entre otros. Con 30 años en la actualidad, Brady Corbet firma un debut serio, lleno de calidad y con un empaque propio de cineastas mas experimentados, 'The Childhood of a Leader' narra la infancia de un futuro líder fascista sin concretar, no se trata ni de Hitler, ni Mussolini, ni Franco sino de un ejemplo base de cualquiera de ellos o de los tres a la vez, quien sabe, separado narrativamente en tres momentos puntuales y significativos de los primeros años de vida de este supuesto futuro líder fascista. Al final de la I Guerra Mundial, una familia americana (Liam Cunningham y Bérénice Bejo) se instala en Francia. El benjamín (Tom Sweet) no termina de adaptarse a su nueva vida en el viejo continente y expresa su incoformismo con rabietas cada vez mas vergonzosas. 'The Childhood of a Leader' cuece su interés despacio pero con mucho saber hacer, la oscuridad y la sensación de que algo maléfico se esta produciendo es constante, el tono oscuro constante y los silencios en el guión dejan paso a poder saborear esa puesta en escena tan austera y todo a un ritmo que a simple vista puede resultar lento o falto de frescura pero sus continuas referencias y similitudes con esa figura demoniaca que representaba por ejemplo Damien en 'The Omen' o el Johan de 'Monster' hacen que la cinta vaya ganando enteros de una manera desmesurada, con fueras de campo brillantes o escenas llamativamente visuales. La fotografía de Lol Crawley, el diseño de producción de Jean-Vincent Puzos, la dirección de arte de Nóra Takács así como la decoración de sets por parte de Panni Lutter ('Extintion', 'White God') conforman sin buscarlo un estilo parecido al de películas de terror victoriano o gótico como 'The Others',  'The Woman in Black' o la reciente 'The Witch' transformando toda la producción y potencia dramática sobre la infancia de un niño en un casi  thriller de terror con homenajes evidentes a 'The Shining' como es el plano secuencia tras la espalda del niño mientras este anda por toda la casa. Para terminar de conjugar a la perfección esa unión entre el drama y el terror, Corbet cuenta con la banda sonora de Scott Walker que crea una partitura similar a la que hizo Levi para 'Under the Skin', menos estridente y constante pero igual de hipnótica acústicamente cuando aparece, todo un disfrute para los oídos y para los ojos las escenas en que lo místico o surreal se ve abrazado por la composición de Walker, sin duda, uno de los puntos mas destacados de la película. Otro de esos puntos seria es, al margen de la grandísima y primera interpretación en su vida de Tom Sweet como el niño, la casi ausencia de diálogos en el guión y el especial montaje atemporal de la película al que prestar mucha atención desde el inicio, divido en tres actos cuyo segundo a su vez se separa en tres momentos que marcaran la vida del joven aspirante a dictador en su mas tierna infancia, donde aprenderá y será educado gracias a las conductas y actos de sus padres. Sin duda 'The Childhood of a Leader' puede resultar pretenciosa o lenta para aquellos que busquen otro tipo de cine pero siendo una opera prima como es y perdonándole algunos errores que sinceramente no se donde están, la primera película dirigida y escrita por Brady Corbet junto a Mona Fastvold resulta fascinante, sublime, el manejo en la dirección es acertado y el novel cineasta denota una experiencia inusitada para alguien que se atreve con una película de este tipo en su primera andadura como director, sorprende el resultado final que le da a su producción gracias también a un pequeño gran reparto donde destacan en sobre manera Bérénice Bejo como la madre y el niño Tom Sweet, también aparecen Liam Cunningham y Robert Pattison en un papel que es mejor descubrir al ver la película y Stacy Martin ('Nymphomaniac') como una de las profesoras del futuro líder. Muy recomendable.

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

We Need To Talk About Kevin - Lynne Ramsay - Reino Unido

Basada en la novela 'We Need to Talk About Kevin' escrita por Lionel Shriver en el año 2003, este thriller psicológico narra la historia de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton), una mujer felizmente casada, culta, cosmopolita, de espíritu libre y apasianada de su trabajo (la cual escribe guías de viaje), pero cuya vida cambia drásticamente al quedar embarazada en plena madurez. Kevin no es el niño que toda madre soñaría tener, ya que desde muy pequeño desarrolla una personalidad extremadamente fria y distante, como de una patología cercana al autismo o al síndrome de Asperger, el cual rechaza cualquier sentimiento de afecto y muestra cero empatía por los demás, hasta más tarde adquirir rasgos de un auténtico psicópata, haciendo totalmente insoportable la relación madre e hijo. Kevin podría pertenecer a ese grupo de 'niños psicópatas' que han sido especialmente explotados en el cine de terror, desde los extraterrestres de 'El pueblo de los malditos' (Village of the Damned, 1960), pasando por el Damien de 'La profecía' (The Omen, 1976), la comunidad de 'Los chicos del maíz' (Children of the Corn, 1984), hasta el Henry de 'El buen hijo' (The Good Son, 1993), pero con la doble lectura que le da la directora Lynne Ramsay a este enfermizo personaje, haciendo que nos hagamos una serie de preguntas: ¿es Kevin un psicópata/antisocial?, ¿ha nacido así o ha fallado su educación?, ¿qué es lo que han hecho mal sus padres?, ¿existe el mal?, ¿está en nosotros desde que nacemos?...,  encontrándonos sin duda ante una de esas películas de libre pensamiento.

La película arranca con una secuencia visualmente impactante, en la que nos muestra a Swinton siendo alzada entre el gentío en la fiesta de La Tomatina de Buñol, donde todo se tiñe de color rojo y la alegría alcanza el éxtasis en la protagonista, ofreciendo ya de entrada un gran contraste con el infierno que vivirá en el resto de la historia. La narración en general peca de ser algo confusa, en la que por momentos los personajes y algunos tramos de la historia pueden llegar a parecernos demasiado frios, esto se debe a que la película va alternando mediante flashbacks escenas del presente y pasado, de una forma no demasiado satisfactoria, ya que tiene un guión desestructurado que va cobrando sentido a medida que la protagonista va superando el miedo que le provocan los recuerdos de su hijo, haciendo que la película cambie rapidamente de tono de una escena a otra, como en las que vemos la complicidad del personaje de Swinton con su marido (un discreto John C. Reilly), o los momentos que comparten con su otra hija pequeña, cambiando a otras bastante tensas, como las de la protagonsita limpiando su casa de pintura roja (de nuevo ese ronjo intenso que estará muy presente en toda la historia), o su desquicidada relación con su hijo intentando educarle. No obstante una vez familiarizado con esta forma de narrarnos la historia la seguimos sin mayor problema, sobre todo gracias a la gran labor de una Tilda Swinton que lo da absolutamente todo, transmitiendo ese dolor, rabia e impotancia que desprende su personaje desde el primer momento, y es que su personaje es un ser condenado a la soledad más cruel y despiadada, a la que todos le dan de lado y hacen notar su desprecio, por causas ajenas a su voluntad. Quizá el punto de vista más interesante de la película, es que la directora Ramsay rápidamente construye un enigma ambiguo: Kevin muestra un rechazo casi instintivo a su madre, pero su madre lo rechaza inicialmente. El amor a un hijo en ocasiones es algo que no ocurre con su mero nacimiento, y en esta película lo vemos claramente, ella pasando del odio al amor casi por oblicación, mientras que Kevin se queda instalado en ese odio/indiferencia desde el principio. El papel del perturbado Kevin esta reservado para el enigmático Ezra Miller, que sin apenas diálogo y a través de miradas y gestos, logra crear un personaje que lleva la palabra maldad escrito en la frente (se llega a sentir impotencia en ver el trato que tiene con su hermana pequeña), de hecho las escenas donde Swinton y Miller comparten escena son las más disfrutables de todas. Técnicamente la película es bastante discreta, con un aspecto algo amateur por momentos, con otros que rozan lo notable, como las escenas de La Tomatina o la reverencia final de Miller con arco en mano. Sin duda una película más que interesante, oscura, tensa, reflexiba, que sugiera más que muestra y nunca cae en el morbo, con unas grandes interpretaciones por parte de Swinton y Miller, y que consigue crear un ambiente malsano, lástima de esos bajones en el desarrollo que hacen que la narración sea algo confusa, pero que gracias al buen hacer de la directora al final la película consigue su propósito. No dejará indeferente a nadie.

LION

Lion - Davide Melini - Reino Unido / España

¡¡¡El miedo más grande del hombre ha regresado!!! Con esta leyenda bajo el titulo llegará el día de Halloween a todos los festivales el quinto cortometraje de Davide Melini titulado 'Lion'. Un chalet aislado...un bosque cubierto de nieve...un hombre violento cegado por el alcohol...una mujer sumisa incapaz de rebelarse y...un niño de 8 años con dos imperturbables ojos melancólicos extremadamente oscuros... El silencio de la noche será roto por los gritos de muerte y la noche se convertirá en una profunda y terrible pesadilla. El realizador y guionista italiano afincado en España desde hace 10 años, actualmente en Málaga, se puso en contacto conmigo hace unos días para una colaboración que permitiera a nuestros seguidores conocer su nuevo cortometraje. Después de trastear su ficha de IMDB me sorprendió las tablas que Melini tiene ya en su haber. Os cuento. Empezó en 2005 como aprendiz del asistente del director en la aclamada serie de HBO 'Rome', ciudad en la que por cierto nació, en 2007  hizo lo propio junto al maestro Argento en 'Mother of Tears: The Third Mother' y actualmente lo hace en 'Penny Dreadful', la serie de Showtime en la que dirige algunos episodios nuestro querido Paco Cabezas. Su estreno como productor, director y guionista fue en el cortometraje 'Amore Estremo' en 2006. En el reparto de 'Lion' encontramos a Pedro Sánchez, Michael Segal ('Colour from the Dark', 'Anger of the Dead') y Tania Mercader. Esta producido por Luca Vannella ('Thor', 'Harry Potter', 'Apocalypto', 'In the Heart of the Sea'), Alexis Continente ('Thor', 'Penny Dreadful'), Vincenzo Mastrantonio ('Titanic', 'Moulin Rouge', 'The Passion of the Christ', 'Williams Shakespeare's Romeo and Juliet'), Bobby Holland ('The Dark Knight Rises', 'Game of Thrones', 'Assassin's Creed', '007 - Quantum of Solace'), Ferdinando Merolla ('Troy', 'Gangs of New York', 'Hannibal Rising') y Roberto Paglialunga. En los otros departamentos técnicos estan Fabel Aguilera como productora ejecutiva y Pablo Lavado como jefe de producción, el nominado al Goya a mejor fotografía por 'El violin de piedra' Juanma Postigo, Carlos Bahos al frente del casting, Carlos Borja Luise y Carlos Javier Lopez como directores de arte, efectos especiales de Sarah McCarthy y visuales por el trio formado por Alessio Barzocchini, Raul Trujillo y Francesco Longo y completan el equipo Christian Valente en la edicion de sonido y Francesco Tresca componiendo la banda sonora. Esta es la web oficial del cortometraje y esta su pagina oficial en IMDB. 'Lion' ha sido filmada con la cámara Red Epic Dragon en 6k y la calidad que esta aporta se puede apreciar ya en el teaser, un teaser que por cierto, nos remite inequívocamente a un referente dentro de la historia del cine de terror y del cine en general, 'The Shining' del gran Stanley Kubrick. De momento aquí tenéis el único teaser disponible hasta la fecha ya que el trailer oficial no verá la luz hasta el mismo día que lo haga el nuevo y definitivo poster y se celebre la premiere mundial del cortometraje. Aviso! El teaser no esta editado, esto es, falta la correcion de color, efectos de sonido y visuales.

VICIOUS

Vicious - Oliver Park - Reino Unido

5/10

Primer cortometraje de terror producido, escrito y dirigido por el actor británico Oliver Park en 2015 que conjuga perfectamente el subgénero del home invasion con un toque sobrenatural. Dos actrices como Rachel Winters e Isabelle King completan el reparto de 'Vicious', un trabajo que nos remite inevitablemente en forma e intenciones al recientemente convertido en largometraje, 'Lights Out'. Al llegar a casa sola de noche, Lydia (Rachel Winters) comprueba que la puerta de entrada no esta cerrada y sospecha que puede haber alguien dentro. Tras examinar y cerrar puertas y ventanas, Lydia se va a dormir tranquila hasta que el grito desgarrador de una mujer la despierta en mitad de la noche. Como veis la premisa es la básica en un home invasion y aunque 'Vicious' técnicamente esta bien trabajado en cuanto a la búsqueda del gran shock final, lo único que lo diferencia de otros trabajos similares es ver como, y en que forma, Park nos hace estar pendientes y tensionados en la butaca hasta el mencionado impacto final. En este sentido el joven realizador británico juega muy bien todas las bazas posibles del género de terror que puede usar manteniendo la atención e interés en todo momento gracias a un suspense progresivo acrecentado por una beneficiosa edición de sonido y la fotografía angulada/contrapicada de Paul Dudbridge así como el aprovechamiento perfecto de la oscuridad y de cada recoveco del plano o segundo de metraje pero sobre todo, lo que hace de 'Vicious' un buen corto es el buen hacer de Park moviéndose con la cámara en esa claustrofóbica única localización que es el interior de la estrecha casa y el pasillo entre las dos habitaciones. Previsible. Cierto si, pero Park sabe lidiar con ello y también generar ese punto de suficiente interés, de curiosidad, de morbo, el lento deambular de la cámara entre las barandillas captando la mirada de Lydia desde cualquiera ángulo, Park hace que resulte interesante ver como ha gestionado toda la historia y como nos conduce hasta el sobresalto final. Hay que destacar el buen uso del silencio, de la pausa y del intercalado de planos subjetivos en pos del ritmo y criticar la falta de peso del feedback de la propia historia, algo ambiguo también pues al mismo tiempo juega a su favor generando en la imaginación del espectador la posibilidad de una historia mas extensa que podría dar para un largometraje con total seguridad. La escena de la silla con el montón de ropa a oscuras o la de la parte baja de la puerta previa al final están mas que bien rodadas y los efectos especiales de Barry Wilkinson en el ultimo fotograma por ejemplo os hará recordar de nuevo a  'Lights Out' o al corto de Tony Morales, 'Hada', con el que 'Vicious' guarda algún parecido mas que curioso relacionado con la luz. Con una duración de 13 minutos y un presupuesto de 3000 libras aproximadamente, el autodidácta Oliver Park, que también escribió y produjo otro cortometraje de terror titulado 'Watch Over Me' en 2014, recogió con 'Vicious' un sinfín de selecciones y ocho premios en festivales de todo el mundo durante el año pasado y principios de este; actualmente continua con su carrera como actor donde este 2016 tiene en marcha cuatro cortos y dos films además de presentar su segundo trabajo producido, escrito y dirigido por el mismo titulado, 'Still'. Web oficial: VICIOUS MOVIE.

EDDIE THE EAGLE

Eddie The Eagle - Dexter Fletcher - Reino Unido

4/10

Difícil sacar alguna lectura mas de las que el director de 'Eddie The Eagle' quiere que saquemos de su film. El británico Dexter Fletcher en su tercer largometraje después del drama mafioso 'Wild Bill' en 2011 y el musical 'Sunshine on Leith' de 2013 vuelve a probar con un nuevo subgénero como es el basado en hechos reales para relatarnos a modo de fabula edulcorada la historia de Eddie Edwards, el saltador de esquí británico mas famoso de todos los tiempos, su gran fuerza de voluntad y el espíritu perseverante que lo llevo a conseguir su sueño desde pequeño, participar en uno Juegos Olímpicos Invernales. Eliminemos una etiqueta. 'Eddie The Eagle' no es un biopic al uso ya que no relata toda la vida del personaje sino tan solo la etapa que concierne a su salto, y nunca mejor dicho, a la fama. Fletcher usa unos créditos iniciales extensos para entrelazar varias escenas sobre la infancia de un torpe Eddie (Taron Egerton) a base de gags splastick hasta su llegada a Alemania donde conoce a Roberto Sedinho...perdón, a Bronson Peary (Hugh Jackman), un ex esquiador aficionado a la bebida que se encarga del quitanieves en las pistas de entrenamiento. Aquí comienza una buddy movie convencional llena de optimismo y buen rollo a partes iguales donde el drama solo hace acto de presencia a modo de frases cortantes y crueles. Ni siquiera los típicos 'matones', en este caso compañeros de equipo o el propio finlandés volador, Matti Nykänen (Edvin Endre), llegan a ser todo lo crueles que se podría esperar. A su lado Cartman es el anticristo. Lo mejor de 'Eddie The Eagle' es la falta de complejos que tiene, una pareja de protagonistas mas que acertada mostrando una complicidad que va mas alla de la pantalla aunque a veces el personaje de Eddie resulte un tanto caricaturizado, la simplicidad evocadora de aquellas comedias de los 80 o su clara determinacion en hacer gala de un humor básico, en ese sentido es muy honesta y agradecida con el publico pero la sensación constante de estar viendo algo que ya has visto le resta mucho interés a una  historia que analizada desde otro punto quizás hubiera disfrutado de un mejor resultado final. Estamos pues ante una extraña versión simpatica y cargante de buen rollismo de 'Rocky', 'Karate Kid' o la mítica serie de anime 'Campeones', 'Ganes o pierdas siempre apunta alto', asi reza una de las leyendas en los carteles promocionales que junto a la lucha diaria como esencia del deporte olímpico acrecentan esta sensación de mareante felicidad con escenas que rozan un surrealismo de lo mas curioso sirviendo como ejemplo la comprobación del estado de la nieve de Peary cual indio salvaje con tan solo el tacto de sus dedos o el salto desde el trampolín de 70 metros que Hugh Jackman realiza, en tejanos, fumando y de noche, solo le faltó como broche final sacar sus garras de Wolverine al aterrizar. La película esta apadrinada por Matthew Vaugh, director de 'Kick Ass', 'X-Men: First Class' o el actioner bondiano británico 'Kingsman' que arrasó en taquillas de todo el mundo el año anterior, de hecho en alguno de los carteles promocionales reza la frase: 'De los productores de Kingsman'. Esto creo que ha repercutido a la hora por ejemplo de elegir a los protagonistas ya que en las dos primeras películas dirigidas por Dexter Fletcher sus protagonistas eran mayormente actores jóvenes y algún veterano provinientes sobre todo de la televisión o con muchas tablas en la pequeña pantalla mientras que en 'Eddie The Eagle' los dos protagonistas principales son estrellas de cine, Hugh Jackman y Taron Egerton, a uno lo tenemos hasta en la sopa y el otro recién esta viendo despegar su carrera tras protagonizar la citada antes 'Kingsman'. Al margen de que esta sea una imposición o no de la productora, el resto del casting que aparece en 'Eddie The Eagle' se ha formado en series de televisión británicas de mas o menos prestigio como por ejemplo Jo Hartley, la actriz que interpreta a la madre de Eddie que, curiosamente, ya hizo lo pripio siendo la madre de otro niño inglés en la película y saga de miniseries posteriores dirigida por Shane Meadows, 'This is England'. La utilización de profesionales 'criados' en la televisión es una constante en la filmografía de este director incluso en muchos de los aspectos técnicos de sus producciones. El realizador del país del té cuenta esta vez con un compositor mas experimentado que otras veces para la banda sonora, Matthew Margeson, entre cuyos trabajos encontramos como no, 'Kingsman', o 'Kick Ass 2'. Dentro de dicha banda sonora encontramos temas originales clasicos de aquella epoca como 'Two Tribes' (Annihilation Mix)' de Frankie Goes To Hollywod, 'Hero in Your Eyes', 'Eagle Will Fly Again' de Howard Jones, 'The Sky´s the Limit' de Nik Kershaw, 'The Cowboy Song' de Thin Lizzy, 'Bolero' de Maurice Ravel, 'Real Gone Kid' de Deacon Blue, 'You Make my Dreams' de Daryl Hall y John Oates, 'Moment' de Tony Hayley, 'Jump' de Van Halen, 'Out of the Sky' de Marc Almond, 'Ascension' de Holly Johnson y 'Thrill Me' interpretada por Jackman y Egerton junto a la orquesta Manoeuvres in the Dark que podeis escuchar aquí: https://www.youtube.com/watch?v=XyOrhDiMSPs. Fletcher también cambia de guionistas como ya hiciera en sus anteriores dos trabajos y para la ocasión se vale de Simon Kelton, creador de la historia, y Sean Macaulay. El único que repite en toda la filmografia de Fletcher es el director de fotografía George Richmond que mira tu como son las cosas en la vida, también realizó la fotografía en 'Kingsman'. 'Eddie the Eagle' es la pelicula que el Cholo Simeone proyectará en breve a sus jugadores, donde su director nos muestra que no hay que dejar de luchar por nuestros sueños sea cuales fueren, en ningún momento, y que por mas difícil que se presenten las situaciones hay que perseverar y dedicar todos nuestros esfuerzos en aquello que nos hace sentirnos completos y realizados aunque el resto del mundo no entienda el porqué nos produce tanta felicidad.

VICTOR FRANKENSTEIN

Victor Frankenstein - Paul McGuigan - Estados Unidos/ReinoUnido 

4/10 

Cuando una película tarda tanto tiempo en estrenarse, como es el caso de esta, es que alguna cosa no funciona. Ya después del verano pasado hubo rumores sobre su fecha de estreno, pero nada. Parecía que iban a pasarla en el Festival de Sitges, pero nada. Después se hablo del noviembre, que es cuando se estreno en Estados Unidos, pero nada. Principios de año, y nada. Al final se estrenara este abril. Tarde y mal...y eso nunca es un buen augurio. Y si encima es una historia que se nos ha contado una y mil veces, peor. Sabemos como empieza y como termina, y efectivamente es una cinta sin el menor interés. El director Paul McGuigan no consigue sacar nada de un guión previsible y aburrido. Se le nota que ha dirigido algunos (de los mejores) episodios de la serie 'Sherlock', y también hay momentos en que el personaje de Frankenstein recuerda al Holmes de Guy Ritchie, pero se queda en eso, en un recuerdo. A pesar de tener una buena factura, el conjunto no funciona en absoluto y su único reclamo son su pareja protagonista y algún cameo celebre a medio metraje. A nivel actoral solo destaca James McAvoy, lo mejor de la película, que le consigue dar un tono personal a Victor Frankenstein, y consigue sacar alguna cosa buena donde no hay nada. Un esfuerzo tan admirable como inútil el suyo. El resto del reparto ralla a nivel medio-bajo conjuntándose a la perfección con el nivel general de la película. Me ha llamado la atención la actuación de Andrew Scott como el inspector de policía Turpin y que en algunos momentos es un clon del Moriarty que hace en la serie 'Sherlock', y eso no se si es bueno o malo. Mención aparte merece Daniel Radcliffe. El chico continua buscando la manera de desencasillar-se de su 'Harry Potter', pero por este camino lo tiene difícil conseguirlo, y mas si elige proyectos como este. El chaval arriesga con cosas como 'Horns' o con registros diferentes como 'The Woman in Black', o con la próxima y polémica 'Swiss Army Man', pero de momento, en mi opinión, en ninguna ha conseguido mostrar que es un buen actor. De momento para mi, sigue siendo el chico al que le quedaban mejor las gafas de Harry Potter y por eso le dieron el papel. Si encima de ir justo a nivel interpretativo, te peinan de manera absolutamente infame y ridícula, no puedes salir nada bueno. En definitiva una película fallida, totalmente prescindible y innecesaria. Dedicad el tiempo que dura a revisar 'El Jovencito Frankenstein', infinítamente mejor, mas divertida y que os dejara mucho mejor sabor de boca.

UNDER THE SKIN

Under the Skin - Jonathan Glazer - Reino Unido

8/10

En el cine, el paso del tiempo nos ha demostrado sobradamente que existen películas olvidables y otras que, por alguna extraña razón o nimio detalle quedan incrustadas en su historia. 'Under the Skin' pertenece a este segundo grupo. Alejada de los convencionalismos de la ciencia ficción cinematográfica y bajo el filtro del existencialismo mas austero, el tercer largometraje de Jonathan Glazer es, para bien o para mal, una de esas obras extrañas y curiosas que el cine nos regala de vez en cuando, una pequeña joya de la que tanto fans como detractores recuerdan con solo mencionar su nombre. Basada en la novela del año 2000 escrita por el neerlandés Michael Faber y guionizada por Glazer y Walter Campbell el filme narra la historia de un alienigena (Scarlett Johansson) enviado a la tierra para drogar y secuestrar a seres humanos que posteriormente son recogidos por otros de su especie con el fin de convertirlos en alimento. En realidad 'Under the Skin' es una cinta mas sencilla de lo que puede parecer a priori o de las interpretaciones que pueda generar durante y después de su visionado. Es una historia poética, una transformación pausada, de corte indie y con ritmo pasivo, lento, donde lo visual y la edición de sonido elevan el morbo del cuadro que Glazer muestra en la pantalla. Y como un cuadro se ha de ver, es una producción austera pero muy detallista, silenciosa pues apenas hay diálogos y los primeros llegan pasados el cuarto de hora, la fuerza esta en todo lo que precisa de nuestros sentidos mas usados, vista y oído.

Después de dirigir 'Sexy Beast' y 'Birth' el experimentado director de videoclips y anuncios presenta un cuento de terror alucinógeno, una fabula de ciencia ficción no convencional que bien podría ser la versión existencialista de la protagonizada por Natasha Henstridge en 1995, 'Species'. Estamos ante una narrativa cinematográfica de autor, quasi experimental, donde se introducen silencios y pausas en las escenas mas largas de las habituales en cualquier cinta, Glazer quiere que el espectador disfrute viendo su cuadro, que no solo se quede un rato mirando sino que se quede clavado delante de el sin esperar que ocurra nada mas como en la escena del espejo. La banda sonora de Mica Levi y el final de la película sin duda son esos 'nimios' detalles de los que hablaba al inicio de esta critica y que hacen de 'Under the Skin' un gran joya de la ciencia ficción moderna. Mención especial para Scarlett, que está de 10. Sobrada. Inerte. Desaparecida dentro de ese envoltorio que es la piel. Fantástico trabajo el de la actriz norteamericana que pasa de ser una vaina vacía que no se inmuta ante nada a comprender el alma humana y lo miserable que puede llegar a ser el ser humano. La ausencia de diálogos es una de las cosas que mas me apasionan de esta película, su tranquilidad para contar las cosas, como la dirección de Glazer y la fotografía de Daniel Landin te hacen sentir parte de esa Glasgow de otra dimensión con esas tomas practicamente documentales que transforman lo normal y cotidiano en bizarro y onírico. Antes mencione el final como una de las piezas clave de la película pero no quiero dejar de recordar el momento de la playa. Una escena magistralmente rodada, en unas condiciones adversas y de una crudeza que ya quisieran para si muchas películas de terror. Así mismo, todo el arco que conforma el 'feo'. Imposible apartar la mirada y tragar saliba durante toda la conversación en la pussywagon del alienigena. El. O ella? No sabemos a ciencia cierta el genero y si tiene, del alien al que da vida la viuda negra o quizás se pueda intuir cuando la película pasa a su segunda parte. En la primera parte nuestro alien se adapta al terreno y en la segunda aparece la humanización, el naturalismo que parece crecer dentro de el o ella. Algo sin control crece dentro de ella. Esta solo en un planeta que no conoce y donde el alimento tiene consciencia y pensamientos 'racionales'. Imaginaros la situación. Es difícil pero poneros en el caso de llegar a un planeta lleno de cerdos o vacas y donde estas vayan vestidas, hablen y hayan creado una sociedad. Este pensamiento justifica toda la grandiosa actuación de Johansson. La sensualidad, sexualidad y esa maldita sonrisa que también sabe fabricar no se pagan ni con todo el oro del mundo. Curioso que una raza extraterrestre se valga del sexo para sus fines respecto a los hombres pero...ya sabéis el dicho ese de que el hombre piensa con la p... así que...imagino que cuando toda la sangre del ser humano se concentra en cierta parte del cuerpo debido a tener a una mujer como Scarlett cara a cara diciéndote que si quieres ir con ella a su casa pues...blanco y en botella, leche. Ese es otro, o el que mas fama tiene, de los motivos por los que muchos recuerdan 'Under the Skin', por los desnudos de Scarlett.

 Tenemos que saber abrazar este tipo de cine porque a la larga se convierte en la esencia del mas comercial. La propuesta de Glazer en 2013 es una de las películas mas infravaloradas de la ciencia ficción cinematográfica, al contrario que la novela en la que se basa que si goza de gran prestigio internacional. Amo el cine y amo este tipo de propuestas que se desvían del camino convencional porque consiguen ya sea para bien o para mal mantenerme pendiente de que va a ocurrir o de que habrá querido transmitir su director rodando una escena de una manera o de otra. Como ejemplo la tan criticada escena de Scarlett frente al espejo. Demasiado larga? No se sabe que quiere decir? Y digo yo...tiene que decir algo? Algo en concreto? En la mente de cada uno pasaran ideas y enfoques diferentes sobre el significado de dicha escena o quizás es que solo es una escena mas. Como su final. Bizarro, 'trambolico' que diría aquel, algo extraño que si te pilla pensando en otras cosas puede suponer un gran shock, un syfy final cargado de dramatismo que por ejemplo no tiene la tan alabada actualmente '10 Cloverfield Lane'. De eso se trata señores, de innovar, de inventar. Que se puede hacer/disfrutar una película convencional técnicamente perfecta y también una con un enfoque experimental, distinto, pertubardor y perdurador. Porque 'Under the Skin' te puede dejar frío pero no la olvidas jamas. A los que os guste la banda sonora no dejéis pasar estos temas: 'Death', 'Love', 'Lips to Void', 'Andrew Void', 'Lonely Void' y 'Drift'.

LABYRINTH

Labyrinth - Jim Henson - Reino Unido

8/10

'Ojalá vinieran los goblins ahora mismo.. y se te llevaran!' Frase que más de uno utilizaba en señal de fuerza rabia de pequeño y llevarán en su memoria para siempre. Creo que es una de las películas preferidas por los pequeños que somos nacidos en los 80 y a pesar de haberla visto millones de ves, es genial e inigualable. Labyrinth o Dentro del Laberinto como se llamo aquí en España, es una película infantil de fantasía de 1986 dirigida por Jim Henson. La mayoría de los personajes son títeres y muñecos de seres fantásticos, acompañados por Jennifer Connelly haciendo de Sarah y David Bowie interpretando al malo malísimo, Jareth el Rey de los Goblins. Bowie escribo e interpretó algunas de las canciones de la película, haciendo a este film, aun más mágico de lo que prometían. La suerte de Jim Henson fue, contar con el respaldo y la producción de George Lucas. la mayoría de los diseños, están basados en la imaginación de Brian Froud, que ya habría colaborado en mas películas del género como 'The Dark Crystal’. Todo empieza la noche en que la madrastra y el padre de Sarah, una joven con grandiosa imaginación, salen a una reunión dejándola al cuidado del bebé. (Cabe destacar aquí, que el pequeño Toby es el hijo de Brian Froud). La chica enfadada con sus padres y con el mundo por tener que aguantar a un bebé que no deja de llorar, pide en un arrebato de rabia, ‘Ojalá viniesen los Goblins y se te llevase.. Ahora mismo’ sin llegar a imaginar que se haría realidad. Ante sus ojos llega El Rey Jareth (Bowie) y la dice que con 13 horas para recorrer el laberinto y salvar a su hermano o se convertirá en duende. Durante su aventura Sarah (Jennifer Connelly) vivirá pruebas, acertijos e innumerables trampas e irá conociendo a fantásticos amigos que le ayudarán a descubrir lo que realmente Sarah (Jenniffer Connelly) siente. Los creadores de la película reconocieron que tuvieron fuertes influencias de ‘Alicia en el país de las maravillas’ o incluso ‘El mago de Oz’. En la BSO, hay varios temas instrumentales y 5 increíbles temas de Bowie incluyendo el sencillo lanzado para la película ‘Underground’. Espero que con esto llegue a todos mi pequeño homenaje a el recientemente fallecido David Bowie. Su carrera estuvo marcada no solo por su talento musical, si no también por muchos papeles en producciones teatrales y cinematográficas, ganando cierto y merecido prestigio como actor, no se le podía encasillar ni ponerle ninguna etiqueta. Fue distintos personajes, siempre andrógino y misterioso, él hizo que lo raro se hiciera popular, Bowie fue, lo que realmente significa la palabra ARTISTA. Por suerte para nosotros, nos quedan todas sus películas y su estilo transgresor que nunca dejó indiferente a nadie.

THE DANISH GIRL

The Danish Girl - Tom Hooper - Reino Unido

7.5/10

La nueva película de Tom Hooper ('Los Miserables' , 'The King's Speech) es una melodrama de época basada en hechos reales que nos narra la historia de un matrimonio de artistas que vive en el Copenhague de principios del siglo XX. Su vida dará un giro inesperado el día que Einar (Eddy Redmayne) posa vestido de mujer para un cuadro que esta pintando su esposa Gerda (Alicia Vikander) sustituyendo a una modelo femenina. A partir de ese momento Einar iniciara una transformación hasta convertirse en Lili. Basada en el best-seller de David Ebbershoff, que cuenta la historia del primer caso conocido de operación de cambio de sexo, 'The Danish Girl' es una película que no gustara a todo el mundo, ni creo que sea una cinta para el gran publico. Muchos la tacharan de cursi, sensiblera o demasiado correcta. Puede que tengan razón, pero el talento visual con la que trata la historia Tom Hooper a mi me ha convencido. Un biopic nunca es fácil de trasladar a la pantalla i mas si trata un tema como el transexualismo, pero Hooper lo hace con buen gusto y sensibilidad. Esta historia en manos de otro director hubiera naufragado estrepitosamente, pero el autor de 'Los Miserables', apoyado en la magnífica fotografía de Danny Cohen y en una muy buena ambientación, sabe donde colocar la cámara en todo momento y como sacar lo mejor de la extraordinaria pareja protagonista. El guión adaptado por Lucinda Coxan no le ayuda demasiado, pero tampoco es un obstaculo insalvable, quizás en su parte final es donde este flojea mas. Hooper también puede ayudarse de la gran partitura del ganador del Oscar del año pasado por 'El Gran Hotel Budapest, Alexandre Desplat, que nos regala una banda sonora impresionante dotada de una sensibilidad y melancolía que combina a la perfección con las imágenes. Pero sin duda lo mejor y mas destacable de esta cinta son sus dos actores principales. Eddy Redmayne vuelve a brindarnos una actuación magnifica, como ya hizo el pasado año en 'The Theory of Everything', que le valio para ganar el Oscar de la Academia de Hollywood. Aquí se transforma literalmente en una mujer, y lo hace de manera muy convincente. En algún momento logra ser incluso mas femenino que su partenaire. Pero para mi 'La chica danesa' autentica de esta película es Alicia Vikander, que nos confirma lo que ya nos mostró en la excelente 'Ex-Machina' i en la notable 'Operación U.N.C.L.E' i se reafirma como la actriz revelación de este 2015, con el permiso de Daisy Ridley (Star Wars: The Force Awakens). Vikander os ofrece una interpretación llena de naturalidad, frescura y una fuerza tremenda. Tal es la fuerza con el que dota a su personaje que en muchos momentos se come la pantalla y a todos los que están a su alrededor, Redmayne incluido, y ella pasa a ser el eje central en que se mueve la película y la que lleva el peso de la película. En resumidas cuentas, a pesar de sus defectos, que los tiene, sus virtudes son mayores, y he disfrutado de un visionado bastante placentero, aemás me ha interesado conocer esta historia que desconocía en absoluto.

HOWL

Howl - Paul Hyett - Reino Unido

5/10

Película pasable, que no mala. 'Howl' parte de una idea interesante pero su aportación final al subgénero de los hombres lobo no termina de ser del todo satisfactoria. Si miramos el currículum de su director, todavía se entiende menos que la película no hubiera sido algo mas potente e innovadora. El nivel es de un capitulo normal de 'Doctor Who', para que os hagáis una idea. Paul Hyett, tiene trabajos como encargado de maquillaje y efectos especiales en decenas de películas fantásticas y de terror entre las que podemos encontrar títulos como 'The Descent', 'Eden Lake' o 'Attack the Block' y en cuanto a su carrera como director, 'Howl' es su segundo trabajo después la bien recibida 'The Seasoning House' en 2012. Para 2016 presentará 'Heretiks'. Cabe aclarar que 'Howl' no está escrita por Paul Hyett sino por Mark Huckerby y Nick Ostler (también productores), guionistas que hasta el momento solo habían trabajado en el genero infantil. Un tren que viaja desde Londres hasta Eastborough choca con algo al lado de un bosque en mitad de la noche. El conductor del tren sale a averiguar que ha pasado mientras el joven Joe (Ed Speelers), guardia/revisor, intenta calmar a los viajeros. Pasan los minutos y el conductor no regresa así que Joe, convencido por los viajeros deciden ir caminando hacia la siguiente estación ya que no se encuentra a mas de 3 millas de distancia. Al poco de empezar la travesía a pie, el grupo siente la presencia de algo extraño en el bosque y son acechados por unos extraños animales. De vuelta en el tren trataran entre todos de contener los ataques y sobrevivir hasta que amanezca o puedan arreglar la avería que impide al tren continuar.

'Howl' es un logrado ejercicio de estilo, la dirección es sencilla, sobria y no trata de innovar en ningún sentido, solo le da al publico lo que pide: hombres lobo y una historia aceptable. El envoltorio que propone Hyett es muy nostálgico por momentos, me refiero a que su protagonista me recordó a Zach Galligan en 'Gremlins', ese tipo de perdedor bondadoso con el que empatizar facilmente y la película en si a esa época de 'Fright Night', además, el arranque es bastante bueno con unos personajes algo estereotipados pero bien desarrollados por Huckerby y Ostler. Ambos plantean un guión de terror bastante bueno en sus dos primeros actos con unos giros curiosos para ser su primera vez. La fotografía es fabulosa en su inicio, cada vez que la acción sale del tren y nos muestra ese profundo bosque donde la niebla es protagonista o mejor dicho, ese tono grisáceo constante que va desde la estación cuando vemos a Joe deambulando con las manos en los bolsillos, pasando por la niebla citada que inunda el bosque hasta llegar al ultimo acto donde ya por fin la luz inunda la escena y vemos la liberación total de ese guerrero que Joe lleva dentro y que durante toda la película pide a gritos salir. 'Howl' en este sentido funciona como metáfora de un carácter reprimido que ve la luz al final. Pero aunque la fotografía de Adam Bidle ('Crank') esta presente y tiene mas protagonismo que muchos de los personajes, la sensación de claustrofobia y atmósfera cerrada dentro del tren no existe por dos razones básicamente: una, que se nos miente cuando se nos dice tren siendo mas bien, por la disposición de los vagones, un metro, y dos, el ligero toque de humor que tiene la cinta. Por estas dos razones no se genera un clima de tensión ni de terror suficientemente especial, no es 'Howl' una comedia de terror y de homenajes al metacine pero tampoco es un producto serio que pretende aplicar la austeridad a sus minutos y, esta indecisión le hace no tener la fuerza suficiente como para no ser mas que una cinta pasable, bien realizada, pero pasable. Creo sinceramente que con el tiempo será mejor valorada y ganara enteros, no por su final, sino por un estilo bastante identificable que puede generar una buena saga donde el director británico u otros puedan explayarse mas y desviar el tema hacia aspectos mas serios y fantásticos, o definitivamente humoristicos, que las simples lineas argumentales que traza en su filme. Simplificando, todo transcurre bien y 'Howl' juega bien sus cartas, hay sutilidad en sus imagenes y amor el genero en su inicio, todo funciona bien hasta que llega el momento de arreglar la avería y es en esta escena en adelante donde la película, no se sabe bien porqué, degenera en un guión con situaciones cogidas por los pelos y donde prima la rapidez para cerrar una historia que hasta el momento prometía mucho mas. Para terminar un detalle tonto que descubrí respecto a la disposición de los vagones. En todos los posters promocionales se nos muestra el típico compartimento de cuatro asientos, dos enfrente de otros dos, pero en la película ningún vagón es así, todos son con asientos a los lados dejando un pasillo central. Necesidades de guión?

HOWL

Howl - Paul Hyett - Reino Unido
5/10

Después de ver frustrada su promoción como supervisor, Billy (Ed Speleers) es agraciado con un turno extra en el último tren de la noche. Pasando de vagón en vagón ejerciendo su función de revisor, Billy, nos irá presentando a los distintos personajes de la función. Así conoceremos a una afable pareja de jubilados, martirizados por una adolescente que tiene a bien compartir su música con el resto del vagón (si viajáis en transporte público sabéis a que me refiero), al empollón de marras, a la madre profesional liberada, al intento de Casanova y otra serie de personajes totalmente estereotipados. Presentados ya todo el elenco y en pleno trayecto por la campiña inglesa, el susodicho ferrocarril sufrirá una avería en mitad del bosque. Superado ya el mal trago de quedarse aislados en mitad de la nada a unas horas mas que intempestivas, empezarán sus verdaderos problemas cuando 'algo' empiece a darles caza… Segunda película de Paul Hyett (director de 'The Seasoning House'), 'Howl' nos deja ese amargo regusto de lo que pudo haber sido y no fue. Premisa, a priori, mas que interesante (cierto es que siento debilidad por aquellos filmes donde un grupo reducido de personas resisten a una amenaza) se va deshinchando según avanza el metraje. Los personajes son totalmente planos, el tempo usado no es el correcto en ninguno momento del film y, cuando parece que la cosa realmente va a arrancar (¡esa arenga del vejete!, ¡ese momento Equipo A!), la historia vuelve a caer en esa carencia del ritmo que será una constante a lo largo de todo el film.

REPULSION

Repulsion - Roman Polanski - Reino Unido

8/10

Hipnótica y morbosa. 'Repulsión' en un thriller psicológico altamente dramático y absorbente que trasciende mas allá de la pantalla. Primera película en la carrera de Romanski Polanski en territorio inglés perteneciente a esa trilogía sobre los apartamentos que completó mas tarde con 'Rosemary´s Baby' y 'Le locataire'. Carol Ledoux (Catherine Deneuve) es una tímida y apocada chica que vive en Londres junto a su hermana Helen (Yvonne Furneaux) mientras trabaja como auxiliar/ayudante en un gran centro de estética en la ciudad. Un día, Helen se marcha de vacaciones con su novio a Italia dejando a Carol al cargo del apartamento. Ese es el argumento base de 'Repulsión'. A simple vista no parece tener nada que llame nuestra atención pero una vez arranca la película en ese centro de estetica y contempla la mirada de Carol hacia la clienta no puede dejar de prestar atención a todo lo que esta hace bajo ese impoluto y sugestivo blanco y negro. La belleza pluscuamperfecta de Ledoux y en especial su mirada perdida, captan toda la atención y es ahí donde uno puede perderse otros enormes detalles fijados por Polanski para asfixiar aun mas si cabe a su protagonista y la historia en si. Carol no solo es tímida y reservada, Carol posee un enorme problema psicológico que la acompaña en su día a día y que, tras la marcha de su hermana, aumentará hasta unos niveles de locura insospechados. Si buscamos en Google el significado de repulsión obtenemos el siguiente resultado: Nombre. Femenino. 1. Acción de repeler o hacer retroceder con intensidad y violencia. 2. Repugnancia que provoca el olor, sabor o visión de algo. Esa es la descripción perfecta de lo que le pasa a Carol y de lo que somos testigos en 100 minutos, el aumento descontrolado de esa repulsión hasta el punto donde lo real y lo irreal se funden sin dejar ninguna grieta de escape posible a la cordura.

Escrita por el propio Polanski junto a Gerard Brach ('Le locataire', 'El nombre de la Rosa'), 'Repulsión' narra casi en un primerisimo plano imaginario y subjetivo, pues el director polaco no juzga a su protagonista, el desmoronamiento psicológico de una mujer adulta marcada por un pasado turbio y oscuro. Mas de 40 años han pasado ya desde su estreno y la película sigue manteniendo ese halo de terror intimista, ese terror tan cercano y humano que Polanski expone tan sutilmente. Esta repulsión que siente la protagonista la tenemos en nuestro día a día y cada vez con mas fuerza en nuestra sociedad. Hablo de que el ser humano o una gran parte de ellos es reacia al contacto físico con un desconocido. Rozar la mano en el autobús a otra persona sin querer o la pierna al sentarse, como puede pasar en un cine, va seguido de una especie de acto reflejo y de sorpresa o vergüenza. A otros niveles obvio esta, pero es el mismo tipo de repulsión. Y...quizás por eso le siente tan bien el paso del tiempo, porque hay una especie de morbo creciente en la sociedad moderna en la que vivimos por ver a Carol y como se comporta, por ver como se desenvuelve ella en situaciones que, lejana o cercanamente, hemos vivido alguna vez. No, no estoy loco. El publico de la epoca en que se estreno posiblemente sentiria pavor, terror o les dejaria mal cuerpo ver los niveles de demencia que alcanza Carol, pero el publico de ahora, no solo ve terror, observa con lascivia todos y cada uno de los gestos de Carol sintiendose a veces, reflejado en sus paranoias. Sinceramente veo en 'Repulsión' un thriller psicológico impresionante, con una narración perfecta y un tempo clavado, hasta como dije me parece un película de terror cruda con esas fobias naturales pero hay un morbo oculto, un morbo que nos atrapa como la mirada de Carol, innegable.

Divagaciones aparte, toca hablar de CAROL. Paranoica y obsesiva como ella sola, la fragil rubia navega por la perturbadora atmósfera que Roman crea en 'Repulsión' como un pañuelo de seda cayendo lentamente, su aversión hacia los hombres queda palpable desde el inicio cuando la vemos pasear por calle ante la mirada de los obreros. Para colmo de males, su físico y su belleza atraen muchas mas miradas de las que a ella le gustaría, el mundo al revés! puede llegar a pensar pero no, el mundo es el que es y la gente también pero su vision de todo en la película parece molestarle a Carol, hasta el joven Colin (John Fraser), que esta enamoradisimo de ella tiene que soportar su terrible y extraño carácter. No le gusta que la miren, ni que la observen y mucho menos que le hablen o la toquen, el trauma que sufre con los hombres esta patente en la mirada de Carol constantemente. Los odia, los mataría a todos por ser tan dejados, tan guarros, tan maleducados, tan...repulsivos. Además, su comportamiento obsesivo con la limpieza no le ayuda en nada, se asfixian sus ojos y se desespera por que su futuro cuñado ha puesto el cepillo de dientes al lado del suyo en el vaso del baño, hasta ese punto llega su obsesión. Y esto es cuando su hermana y la pareja de esta aun no se han ido de vacaciones. Polanski radiografía una mente enferma y levemente esquizofrénica como jamas podras imaginar: las grietas en la pared, las manos que intentan agarrarla , las miradas de los obreros, los múltiples planos subjetivos, el conejo putrefacto, son tantos los matices que aplica el director polaco que se puede sentir esa repulsión perfectamente en cada fotograma, no compartirla ni entenderla pero si sentirla. El viaje de verdad hacia la locura empieza cuando Helen y su novio marchan a Italia y ella se queda sola en el apartamento, si hasta ese momento Polanski nos da a conocer a Carol, el resto de la película es Carol quien nos deja conocerla en todo su esplendor y paranoia. No quiero cerrar la critica sin acordarme de Chico Hamilton y Gilbert Taylor, encargados de la banda sonora y la fotografía respectivamente. El músico de jazz Chico es el único que aporta algo de cordura a la producción de Polanski, quiero decir, su banda sonora es la que nos permite respirar en alguna ocasión, y gracias, sus melodías sientan como abrir una ventana en mitad del campo y respirar aire puro despues de pasar horas al lado del vertedero, con un estilo muy marcado años 60 lleno de flautas y pianos que nos hacen ver que lo que ocurre en 'Repulsión' es algo habitual en el ser humano. Y que decir de la fotografía de Taylor, un tipo que ha trabajado en 'The Omen' o 'Star Wars', simplemente maravillosa, clara cuando tiene que ser y oscura cuando a Carol se le cae el mundo encima, brillante. El final de la película deja todo bastante claro y solo hay que fijarse en la foto y en la mirada de Carol hacia...bueno, hacia ya sabéis quien. Ahí esta la respuesta a todos sus males, el origen de la repulsión aunque...imagino que su vida desde aquello tampoco tuvo que ser muy variada ya que no le permitió olvidarse de eso nunca y la transformo en un ser horriblemente antihumano, en alguien como lo que a ella le provocan los hombres, Carol se vuelve repulsiva para el mundo. En fin, no dejéis de verla, os sorprenderá y os gustara a todos los niveles.

SPECTRE

Spectre - Sam Mendes - Reino Unido

8/10

Al grano, sin rodeos: Sí, es mejor que 'Skyfall' de hecho es la hermana mayor de 'Skyfall'. Una película que es un repaso a la saga tras el Reinicio de esta que supuso la encarnación de Daniel Craig en Bond. 'Spectre' no solo es la continuación directa de 'Skyfall', si no que se cimienta en las tres entregas anteriores para construir una trama sorprendentemente solida y claramente deudora de estas. Mendes utiliza todos los usos y costumbres de las películas Bond, pero consiguiendo un resultado diferente y por ello sorprendente. Parece que ha cogido el manual de Bond y ha seguido cada una de sus reglas pero de tal manera que el resultado no da la impresión de ser lo mismo que hemos visto anteriormente 23 veces. Da como resultado una película más fresca aunque igual de fiel que sus antecesoras. 'Spectre' es la continuación directa de 'Skyfall', donde se asentaron las bases de un nuevo ciclo dentro de la etapa Craig. Gracias a ella tenemos un nuevo M (Ralph Fiennes), un nuevo Q (Ben Whishaw) y una estupendísima nueva Moneypenny (Naomie Harris). Y es totalmente continuista respecto a ella, sigue indagando en el pasado de Bond, tiene otro gran enemigo icónico, tiene un ritmo similar y la trama empieza justo donde termina esta.

El gran artífice de que esto funcione así de bien es su director Sam Mendes. Vuelve a demostrar que es un grande. Después del bajón que supuso en la saga 'Quantum of Solace', claramente inferior a la más que efectiva 'Casino Royale' supo recuperarla con 'Skyfall' y lejos de desinflarse con esta, su segunda película Bond, consigue mantener nuestro interés e incluso aumentarlo. Mendes realiza un trabajo formidable de dirección, imprime un ritmo perfecto a la película, el equilibrio perfecto entre acción, historia, investigación y romance. Parece que en ningún momento aturda la acción, se haga pesada en los momentos más reflexivos o el tema amoroso se vuelva demasiado empalagoso. En cuanto a la acción es de lo más clásica y efectiva, tanto las persecuciones, las peleas, los tiroteos están perfectamente rodados, no nos perderemos ningún detalle de esto gracias al buen hacer del director inglés. La cámara está siempre en el sitio preciso para permitirnos disfrutar como niños de explosiones, tiros y puñetazos. Solo en la primera persecución utiliza el recurso de la cámara nerviosa para dar cierto ímpetu a la acción, lo que hizo que me preocupara en cierto modo, pero no tenía motivo, la película huye de los artificios de las películas de acción modernas y solo los utiliza como recurso en esta escena. La escena introductoria, que siempre tenemos en las películas Bond, esta vez transcurre en Mexico DF. Es junto a la de 'Casino Royale' la mejor de la saga, tremendamente espectacular.

Lo principal aquí cuando hablamos del argumento es que aquí se nos presenta a la principal organización criminal enemiga de Bond: SPECTRE. Es también la más icónica, imitada y ridiculizada hasta la saciedad en películas, series y libros... De ahí la dificultad de hacer que algo así sea verosímil. El filme lo consigue, no solo gracias al guión si no a una impresionante puesta en escena. En cuanto se habla de Spectre o vemos algo de ellos en la película se nos van de la cabeza 'Hydra', el doctor maligno, 'Hank Scorpio' y tantas y tantas imitaciones y parodias de esta sociedad criminal. En cuanto surge te da una sensación tal de peligro que da la impresión de estar ante la auténtica, la genuina. Te crees todo lo que se dice sobre ella y definitivamente temes que alguno de sus tentáculos acabe con la vida de 007. Y qué decir del enemigo principal en esta película, Franz Oberhauser aparte de lo maravillosamente interpretado que está por Christoph Waltz. Aquí tenemos un enemigo menos físico que el anterior Raoul Silva (Javier Bardem), tampoco tendremos la sensación de ir siempre por detrás del enemigo, como pasaba con este. Directamente no sabemos hacia dónde vamos, si vamos por delante o por detrás o si todo es una trampa. Bueno, he dicho que este enemigo no es tan físico, pero no pasa nada, para eso tenemos a Mr. Hinx (Dave Batista), un auténtico asesino profesional, una montaña de músculos que va a ir siempre tras nuestro héroe cueste lo que cueste. Y hablando de héroe, no puedo hablar del enemigo sin hablar de él, Daniel Craig vuelve a enfundarse el traje del Bond más físico, lacónico y enigmático. Menos fino y más directo que sus predecesores a este Bond le gusta matar moscas a cañonazos, es muy efectivo haciéndolo y muy divertido verle en acción. También es el Bond al que menos le importa hacer el trabajo sucio, si hay que mancharse las manos lo hace, si hay que bajar a las cloacas pues no hay problema, todo sea por conseguir sus objetivos. Otra cosa que llama la atención es que sea la película desde el reboot en el que más se utilizan los Gadgets, algo que hará las delicias de sus fans más clásicos, el coche es una pasada y nos dará más de un momento de cómico. El humor también está bien medido, no hay nada metido con calzador ni un chiste fuera de sitio o que caiga mal. Parece que en lo argumental todo esté medido con precisión milimétrica.

Veremos a los aliados de Bond manchándose las manos y ayudando mano a mano a nuestro protagonista, desde Moneypenny a Q pasando por el mísmisimo M (Fenomenalmente interpretado por Fiennes), que tendrá problemas con un nuevo superior: C (Andrew Scott) que quiere cerrar el programa doble cero por anticuado y poco eficaz, él prefiere una iniciativa de vigilancia mundial con el nombre clave de «Nine Eyes». En cuanto a las mujeres Bond tenemos por un lado a la siempre atractiva Monica Belucci a la que aunque ya se le empiezan a notar los años está impresionante, y hace gala de una elegancia y una belleza madura sin igual. Por otro lado tenemos a Léa Seydoux como la Dra. Madeleine Swann la que será compañera de 007 durante la mayor parte del metraje, también físicamente impresionante, toda una pedazo de actriz y le sientan de lujo los trajes vaporosos. Pero está claro que no todo podía ser perfecto, la película también cuenta con sus defectos. Por ejemplo que va levemente de más a menos, exceptuando quizás la escena final. Otra cosa es que todo concluye de manera demasiado rápida, es como si al final todo ocurriera demasiado deprisa como si se hubieran explayado con la puesta en escena presentando lo todo con mucho mimo y luego les hubiera entrado la prisa con la conclusión. Lo que también me chirrió un poquito es que en ciertas escenas de acción se toman demasiado tiempo para mostrar las localizaciones, como si en medio de una persecución la cámara se desvía de la acción para mostrarnos un precioso Skyline o una bonita estampa nocturna es una cosa muy breve, pero es como si te plantan un anuncio de la ciudad en cuestión en plena escena. Y una curiosidad más que defecto que me llamó mucho la atención es lo que se parece el hilo argumental central de 'Spectre' al de 'Capitán America: Winter Soldier', Es que a veces parece obra del mismo guionista. Cualquiera que vea las dos películas se dará cuenta de todo lo que tienen en común, ya solo el logotipo de sus respectivas organizaciones criminales son bastante similares. En conclusión es una película espectacular, con todos los elementos de la mitología Bond, rodada como las clásicas pero totalmente actualizada que hará las delicias de los seguidores y no tan seguidores del agente más famoso al servicio de su majestad. Una lección de como hacer buen cine de espionaje y acción que se marca el señor Mendes.