AFTER THE DARK

After the Dark - John Huddles - Estados Unidos

John Huddles nos trae en esta cinta algo más que un entretenimiento, nos propone poner en jaque nuestros propios principios morales mediante las vivencias que atraviesan los personajes de la trama. Nos situamos en Yakarta, donde tiene lugar un encuentro de un grupo de estudiantes extranjeros para despedir a su profesor de filosofía. Será allí donde se verán sometidos por el profesor a un cruel test: deberán tomar ciertas decisiones que los lleven a tener cabida en un búnker con capacidad para 10 personas, siendo 21 en total, que les permitiría sobrevivir a un cataclismo nuclear. Deberán decidir quien tiene cabida en el búnker y quien no, según las destrezas y los trabajos que les han sido designados a cada persona al azar. Aunque un tipo de film como este es fácil que caiga en la pesadez y en la palabrería, Huddles nos propone un reto intelectual estimulante envuelto en una atmósfera ligera que hace que la filosofía que embarga la cinta sea accesible a todo tipo de espectador. El director consigue que centremos nuestra atención en la historia que nos cuenta. sin embargo, pese a querer imprimirle a la película un análisis filosófico extremo, este solo consigue arañar la superficie. Algunos de los argumentos que se usan para que una persona entre o no en el búnker no resultan lo suficientemente consistentes y son fácilmente rebatibles de tal forma que podrían haber fácilmente ocupado el puesto que les arrebató otra persona dentro del refugio. Quizá esto se deba a que Huddles ha intentado aligerar la carga filosófica para tratar de llegar a todo tipo de público, perdiendo de ese modo la profundidad filosófica que probablemente necesitaría esta película. Así como sí resulta estimulante preguntarnos qué haríamos nosotros en determinadas situaciones, resulta un tanto decepcionante la excesiva superficialidad que recibe el trato de la trama.

HELL OR HIGH WATER

Hell or High Water - David Mackenzie - Estados Unidos

Thriller impecable de principio a fin. Y que fin! Clásico y enormemente satisfactorio. Mackenzie dirige un film repleto de potentes diálogos y grandes escenas bajo el abrasador sol de la arida Texas. Los hermanos Howard, Tanner (Ben Foster), el hermano mayor, impulsivo, violento, recién salido de la cárcel y Tobby (Chris Pine), el mas pequeño, comienzan una serie de robos a bancos pertenecientes a la cadena Texas Midland Bank en varios pueblos pequeños del estado. Por otro lado y debido a que la cantidad robada no supera el limite, el FBI deja paso en la investigación a dos Rangers de Texas, el veterano y a punto de retirarse Marcus Hamilton (Jeff Bridges) y su compañero mestizo Alberto Parker (Gil Birmingham). 'Hell or High Water' bien podrían haberla firmado los hermanos Coen por la potencia de sus diálogos, la forma de describir unos personajes tan peculiares o hasta por ese humor tan negro del que hace gala. El guión de Taylor Sheridan ('Sicario') es bueno, mucho, pero no lo sería tanto quizás si no tuvieran la voz de un Jeff Bridges que brilla a un nivel excepcional, entregándonos a un Ranger sarcástico, irónico e hirientemente racista en sus chistes y bromas, un tipo que nos recuerda vagamente al Dude de 'The Big Lewoski' con su pasotismo y su vuelta de todo. Un perro viejo al que su compañero Alberto soporta como puede porque como bien le recuerda este: '...cuando no este aquí, echarás de menos mis bromas racistas...'. Es ese tipo de personaje el interpretado por Bridges, un Ranger que oculta su mirada bajo unas gafas de sol negras, surtiendo puyas a diestro y siniestro hasta de madrugada con un ingenio propio de pocos, alguien difícil de soportar pero fácil de querer, ese es Marcus Hamilton. Algo que me gusta de la dirección de Mackenzie es como maneja el ritmo y va deshuesando la motivación de los dos hermanos por cometer dichos robos, es algo que podemos intuir desde el inicio por la forma en que cometen el primero de los atracos. También esa relación de, por un lado, dos hermanos de sangre y por el otro, dos hermanos no de sangre pero si de vida, de día a día, algo que cobra mas sentido una vez terminado el film y visto lo sucedido entre una parte y otra. Pocos personajes, desierto, polvo, sol, robos, bancos, venganzas y...música! Ese es otro de los alicientes que tiene 'Hell or High Water', su música. Tanto la no original que incluye temas de Attila , Jamey Johnson, Townes Van Zandt, Scott H. Biram o Gillian Welch entre otros, como la original compuesta por el mítico Nick Cave junto a uno de los miembros de su banda, Warren Ellis. Curiosamente ambos colaboraron anteriormente en la creacion de otras bandas sonoras como la del potente western 'The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford' o 'The Road' en 2009. En su conjunto 'Hell or High Water' auna drama y thriller en un escenario como es el desierto texano y sus solitarios pueblos, capaz de sostener casi el mismo protagonismo que los cuatro personajes que por el se pasean, hay una calma pasmosa en ese ritmo tan acelerado, es inherente a ellos, como el polvo desértico que nunca termina de desprenderse. Realmente la película de David Mackenzie se asemeja a un western, pero solo es un parecido, un halo que sobrevuela toda la historia, casi un western crepuscular gracias al contrapunto musical que otorgan Cave y Ellis a la banda sonora no original, temas muy suaves, evocando sobre todo en el tramo final a dos pistoleros frente a frente, el bien contra el mal, la ley contra el crimen, la oblación frente a la necesidad. De lo mejor de #Sitges2016.

MACBETH

Macbeth - Justin Kurzel - Reino Unido

Después de recibir un ascenso por el rey Duncan (David Thewlis) tras salir victorioso de una importante batalla, lord Macbeth (Michael Fassbender) duque de Escocia, recibe el vaticinio por parte de tres brujas de que será rey, mas sin dejar descendencia. Instigado por su esposa (Marion Cotillard), con la finalidad de ver cumplida la predicción lo antes posible, el matrimonio invita a Duncan a celebrar la victoria en su casa. El plan está en marcha, le darán muerte a Duncan y harán recaer la culpa sobre los guardias, de tal modo que la corona recaerá sobre la cabeza de lord Macbeth. Será entonces cuando el remordimiento, la culpa, la sed de poder y la ambición entrarán en escena haciendo ver cada rostro amigo como posible culpable de conspiración. William Shakespeare es uno de los autores que más cuenta con adaptaciones de sus obras, tanto cinematográficas como teatrales. Llevar Macbeth a las salas de cine ya de por sí es arriesgado, si se cuentan todas las veces que ha sido adaptada y más si se trata de impactar al espectador con algo original y novedoso. Justin Kurzel ('Snowtown') hace una apuesta fuerte al pretender unir las dos grandes artes escénicas en un único largometraje. El restultado no puede decir que sea un éxito, pero tampoco resultó un fracaso total. El filme nos sorprende con una estética muy cuidada, una atmósfera agobianta y propicia para los acontecimientos, que provoca que 'Macbeth' sea un gran espectáculo visual. El inteligente uso de la cámara lenta en secuencias determinadas le imprime a esos planos una belleza casi pictórica, para lo que resulta de suma importancia el gran trabajo de fotografía de Adam Arpakaw así como la exquisita labor de vestuario de Jacqueline Durran. Quizá lo que nos impide entrar del todo en la película sea que el filme depende demasiado de la obra shakesperiana, tanto es así que los protagonistas respetan el diálogo original, hablando en verso y prosa. El hecho que el diálogo se ciña tanto a la obra original resultan una suerte de grilletes para los actores, que aunque realizan un trabajo intachable (sobre todo en el caso de Michael Fassbender, me permito añadir) provoca que el vigor y la naturalidad de su interpretación de vea mermada. Evidentemente esto se debe a la herencia directa de la obra teatral que adapta el presente largometraje, pero sería bueno saber dónde habría que poner los límites para que una obra diseñada originalmente para ser representada encima de las tablas pueda ser llevada a la gran pantalla e impresionar al espectador sin causar confusión. Quizá aún tendremos que hacer algunos experimentos más de ensayo-error que nos puedan conducir en un futuro a la fórmula que nos permita fusionar con éxito el teatro y las artes cinematográficas.

MIDNIGHT SPECIAL

Midnight Special - Jeff Nichols - Estados Unidos

Peculiar y curioso thriller de ciencia ficción el dirigido por Jeff Nichols con el que casi vende su alma a la industria hollywoodiense. 'Midnight Special' es la cuarta película de uno de los mas protemedores realizadores norteamericanos de los últimos años; se estreno con 'Shotgun Stories' en 2007 y cuatro años mas tarde y casi al unisono dirigió 'Take Shelter' y 'MUD' en 2011 y 2012 respectivamente. 'Midnight Special' llega en 2016 cumpliendo ese ciclo de madurez entre historias/películas que mantiene Nichols y repitiendo con la participación de su actor fetiche, Michael Shannon. Luego hablare un poco sobre esta curiosa 'trilogía' formada por la dupla Nichols/Shannon pero ahora os cuento mas sobre 'Midnight Special' y porque considero que es la película mas floja de las tres que ha realizado con Shannon al frente sin contar 'MUD', la cual todavía no he podido ver. 'Midnight Special' consigue sin casi buscarla, toda la magia que 'Super 8' rezuma, es un hit and run, una road movie que centra todos sus esfuerzos en la linea central de su argumento y deja de lados otras que podrían haber dado mucho mas crédito a su director y a la película en si. La historia es muy muy conocida por todos, o al menos por la masa cinéfaga: 'ser' especial a la carrera acompañado por familiares o amigos con el ejercito, el FBI y  la NASA tras ellos. Si me pongo a sacar títulos parecidos o similares la lista puede ser curiosa, el que mas clama la atención es 'Close Encounters of the Third Kind' de Spielberg pero el trama base es idéntica o casi a 'Short Circuit' e incluso 'Free Willy', si si, una vez la veáis, pensadlo que tiene su lógica, y si me apuráis hasta tiene algo de 'Starman', 'D.A.R.Y.L.', 'Flight of the Navigator' o 'Mercury Rising' con la ventaja que el 'ser' especial, Alton (Jaeden Lieberher), no se la pasa toda la película chillando por su autismo.
 

Llegados a este punto imagino que ya os podréis hacer una idea del argumento de 'Midnight Special', trama sencilla bajo el filtro de Nichols, es decir, tono austero, banda sonora melancólica y seriedad en el guión sin dejar espacio a la fantasía spielbergiana o similares, que la hay ojo, o al menos yo veo esos toques en el comic que lee Alton, el momento radio latina o en la escena final con esos extractores de petróleo mirando al cielo. Ya quisieran muchas películas de ciencia ficción actual tener el enfoque que tiene 'Midnight Special', estamos ante una buena película que marca un inicio fulgurante de 35 minutos donde se nos mete en la historia directamente y sin previo aviso. Nichols suelta al espectador en ese momento en que el 'ser' ya ha sido cazado por el estado y empieza la gran huida. El mayor problema es que pasada esta intensa e interesante media hora larga con alguna que otra escena llamativa el conjunto de lo que se nos cuenta empieza a hacerse extremadamente previsible, se pierden tramas como la de la secta y esos dos secuaces para potenciar a un personaje impuesto a la fuerza y que no aporta nada, es mas, la película podría haber funcionado sin el, o en este caso, ella, Kirsten Dunst. Su personaje, el de Sarah Tomlin, la madre (?) del 'ser', dudo mucho que tenga mas de 25 lineas en todo el film, la mayoría del tiempo callada, absorta, como drogada o sin saber que importancia tiene su papel, sus apariciones podrían haber sido suplantadas por el personaje de Joel Edgerton ('Warrior', 'The Gift') tranquilamente y nadie hubiera notado la diferencia. Buen personaje por cierto, con dos simples lineas en una conversación pasada la mitad del film Nichols lo define muy bien, hasta llegar a ese punto uno puede hasta llegar a pensar que es un amigo con algún tipo de deficiencia mental al que Shannon ha embaucado debido a sus pocas palabras. También aparece Adam Driver ('Star Wars VII'), para que entiendan algunos el porque en parte de su elección como Kylo Ren, su altura y su voz también fueron motivos para elegir en su momento a David Prowse como Vader, no?. Pues eso. Volviendo al tema de la madre de Alton, es importante que aparezca pero no que tenga mas protagonismo que por ejemplo el líder de la secta o los secuaces. Aun así esta diferencia se puede aceptar pero lo que no se puede pasar por alto es el gran desliz que tiene Nichols en una de las escenas, si me dices que se trata de una opera prima pues se lo puedo perdonar pero para un tipo con la trayectoria que tiene ya a sus espaldas este director, es un fallo tonto e imperdonable. Hablo de la escena del control en la carretera. Como es posible que Shannon no solo se recupere tan pronto de lo que le ha pasado en el hombro sino que lleva una gran mancha de sangre en la camiseta, visible a todas luces menos para las decenas de militares que pululan por el control. Si, es injusto menospreciar una película buena por un simple fallo o un detalle pero es que clama al cielo semejante incoherencia cuando nos estas vendiendo un thriller de ciencia ficción bajo el filtro de la realidad mas austera. No es creíble!. Comparándola con las dos anteriores películas que rodó con Shannon, esta es la mas comercial, por decirlo de alguna manera, las relaciones personales entre los protagonistas no importan tanto o no son tan 'reales' como resultan en 'TS' que es de todas la que tiene ese elemento 'fantastico' del apocalipsis pero a su vez funciona como el drama de un hombre al que su propia familia toma por loco. O también podemos verla como un homenaje a esa nostálgica ciencia ficción ochentera donde todo ser extraño y no humano era protegido contra el sistema a toda cosa, llamase E.T., llamase Willy o Nº5 o como se quiera. 'Midnight Special' es una buena película que sienta todas sus bases en esa primera media hora larga  inicial para luego poner el piloto automático y dejarse llevar hasta un climax final que tampoco termina de convencer lo suficiente como para haber aguantado todo el viaje. Se esta corrumpiendo el toque de Jeff Nichols conforme crece su fama y aumentan los presupuestos de sus producciones? Ahí lo dejo. 'Shotgun Stories' representaba un thriller rustico rodado en Arkansas (lugar donde nació Nichols), serio, de problemas comunes y auténticamente reales, una película con los pies en la tierra y una perfecta y bien encarada tensión, después llego 'Take Shelter' que seguía manteniendo este ambiente rural a lo 'Interstellar' y poco poblado usando el apocalipsis casi como protagonista principal pero siempre con problemas arraigados a la tierra aun como teniendo ese toque místico pero, en 'Midnight Special', la ficción toma completamente el control del guión de Nichols y la acción se mueve de lugar, los personajes rotan y los que se han de quedar salen y los que han de salir se quedan, la historia se corrompe y lo previsible no deja lugar a segundas interpretaciones ni tan siquiera a interesantes segundos visionados. Es como si el director hubiera decidido dar un homenaje a ese cine con el que se crió ya que nació en 1978. La banda sonora de 'Midnight Special' es del habitual de Nichols, David Wingo, y como en 'Take Shelter' marca todas y cada una de las escenas importantes de la película con una extraña melodía muy definida. No son creaciones que uno recuerde con el tiempo pero en ambas películas y sobre todo en esta que nos atañe, ese tono melancólico que emiten te mete de lleno en la historia. Otras cosas que he podido apreciar es que en la trilogía Nichols/Shannon todos los personajes clave son presentados al inicio salvo en 'Midnight Special', donde Sarah (Dunst) aparece pasada esa intensa primera media hora para detener todo el ritmo y la acción acumuladas. El conflicto en 'SS' y 'TS' es presentado al poco de arrancar, en una durante un entierro familiar y la otra mediante una visión de Shannon, pero en 'MS' Nichols empieza directamente con el conflicto, abre la puerta del coche para que nos subamos en marcha y vayamos encajando las piezas de un puzzle cuyas pistas clave van siendo reveladas poco a poco. Y para rematar, las 3 peliculas terminan con un plano similar, sobre todo 'SS' y 'TS', sino parecidos en el mensaje o interpretación si en la forma. En definitiva, como experimento homenaje aprobada con creces y como historia independiente funciona genial ese enfoque mas serio y menos fantasioso de una historia ya contada pero se le debe exigir mas a Jeff Nichols, mucho mas si su rango de producciones cada 4 años. De momento sigue siendo un director a seguir precisamente por estos tonteos de su cine con todo tipo de genero, desde el thriller a la ciencia ficción, siempre con su sello personal. Y como se que os gustan las comparaciones os dejo esta, 'Midnight Special' no es superior a 'Cloverfield Lane 10' pero si igual o algo mejor que 'Super 8'.

BLACK

Black - Adil El Arbi y Bilall Fallah - Belgica

Flojo drama suburbano esta 'Black' de Adil El Arbi y Bilall Fallah, segundo largometraje juntos antes de ponerse a las manos de la vuelta de Axel Foley en la cuarta entrega de 'Beverly Hills Cop'. Tras coincidir en una comisaria arrestados por diferentes motivos, Marwan (Aboubakr Bensaihi), un joven marroquí de la banda de los 1080 y Marvela (Martha Canga Antonio), miembro de los africanos Black Bronx empiezan una relación a escondidas de sus compañeros a sabiendas de lo que puede llegarles a ocurrir si cualquier se entera de ello. Una pseudo 'Romeo y Julieta' modernos situados en dos barrios de Bruselas, Molenbek para los marroquíes y Matonge para los africanos. 'Black' es una película convencional y sin apenas fuerza o interés, su mensaje denuncia a la actual sociedad adolescente carece de garra y determinación, ni los episodios violentos resultan efectivos porque no hay ninguna empatía con sus protagonistas, ni tan siquiera entre ellos, no hay química entre los actores principales y sobre ellos gira toda la historia. Los secundarios están de paso, ni la madre de Marvela tiene suficiente protagonismo ni el hermano de Marwan y mucho menos esa ristra pintoresca de matones y pintamonas que pueblan todo el metraje, ninguno tiene el suficiente peso como para importarnos lo que les ocurre. Este tipo de cine critica social de los bajos fondos de una ciudad ya lo hacia en la década de los 70 excelentemente José Antonio de La Loma y sus perros callejeros, aquí esta vez con el aderezo de esa comparación con 'Romeo y Julieta' (hasta se menciona a Shakespeare en la película), 'West Side Story', 'The Outsiders' de Coppola, la basada en hechos reales 'Alpha Dog', la española '7 Virgenes' o mas recientes como 'Dope'. A mi personalmente me recordó mucho a una miniserie británica que se realizo no hace mucho, 'Top Boy', de Channel 4, si os gusta este film belga no os perdáis dicha serie. Es entonces 'Black' un intento muy light si por ejemplo la comparamos con la italiana de Sollima 'Suburra', no la comparare con 'Gomorra' la serie porque esa ya raya a un nivel excelso y el formato televisivo permite un mejor desarrollo de secundarios pero es que en 'Suburra', en menos tiempo ocurre casi mecánicamente este desarrollo y en 'Black', por mucho que sus directores intentan e intentan que empatizemos con unos u otros, resulta imposible, tienen muy claro como son los personajes pero no les dan ni los minutos ni los diálogos necesarios para terminar de explotar su personalidad, todo ocurre deprisa y a veces sin lógica alguna. O bueno, quizás haya una lógica racista en según que y que no mostrar. Porque mostrar practicamente completa la violacion de una chica y no de la otra? Es por ser una marroquí y otra africana? Imagino que debe haber algún motivo para que esto no sea como yo estoy pensando aunque...si recuerdo...en la película los marroquíes son mostrados como ladrones de turistas y maleantes capaces de lanzar cócteles molotov a la policía mientras que los africanos son unos vendedores de droga pertenecientes a una organización mafiosa además de unos violadores sin escrúpulos...no quiero pensar mal pero las imagenes y el montaje que también es de los propios directores, esta ahí, no juzgo, solo os cuento lo que vi. Estrenada el pasado 12 de agosto en plataformas online y en España a través de Karma Films, la pelicula dirigida, montada por Adil El Arbi y Bilall Fallah y co escrita por ellos mismos junto a Hans Herbots y Nele Meirhaeghe es una adaptación de los libros 'Back & Black' del escritor belga Dirk Bracke y tiene una duración aproximada de 90 minutos; la banda sonora es practicamente no original y esta repleta de temas de hip hop con bases africanas y árabes. La fotografía si es uno de los puntos destacables de 'Black', compuesta por Robecht Heyvaert ('Baghdad Messi') y ofrece una visión magnifica de Bruselas y de los barrios conflictivos, de sus recovecos y de sus bellas puestas de sol reflejadas en sus empedradas calles. 'Black' es una película carente de interés y su mensaje se queda a medio camino como el propósito de la historia, ni drama romántico ni critica social alcanzan el nivel exigido. 

THANK U FOR BOMBING

Thank you for Bombing - Barbara Eder - Austria

Estructurada en tres relatos relacionados entre si por un hecho común, la quema de un Corán por parte de dos soldados norteamericanos, esta producción austriaca dirigida por Barbara Eder nos muestra la dificultad y también la decadencia del periodismo occidental desplazado a los numerosos conflictos de guerra esparcidos por todo Oriente Medio y demás territorios islamicos como Afganistán o Irak. La mayoría de las películas dividas en relatos, suelen ser irregulares, ya que siempre hay una parte mejor que la otra. 'Thank you for Bombing' no escapa de este problema. A pesar de estar dirigida con nervio por la directora austriaca, la cinta tiene pequeños altibajos. En su primer capitulo nos cuenta la historia de un veterano periodista que ha estado en numerosos conflictos, que cree reconocer en un aeropuerto, al hombre que asesino años atrás a su cámara. Esto le lleva a un estado de angustia y paranoia, que el buen hacer de la directora consigue dejarnos con la duda de si lo que le pasa al personaje es real o son secuelas de los muchos traumas vividos en zonas de guerra. En el segundo tramo, en mi opinión el mejor, se nos presenta a una joven y bella periodista destinada en Kabul que para demostrar su valía ante sus superiores y compañeros masculinos llegara hasta limites insospechados en los que incluso llegará a perder su dignidad, y todo por ser la primera en tener una exclusiva con los dos soldados norteamericanos mencionados al principio, y así poder labrarse una buena carrera. Aquí es donde Barbara Eder nos muestra lo mejor de la película, con algún que otro momento cruento en la parte final del relato, el mas intenso de los tres. A destacar la gran interpretación de Manon Kahle dando vida a una periodista dispuesta a todo y más para conseguir su objetivo. La historia final, quizá la mas floja, nos presenta a un periodista de mediana edad que haría cualquier cosa por tener un relato que contar. Puede que la sobreactuación del protagonista, Raphael von Bargen, le reste credibilidad, pero también es la parte peor dibujada y en la que el relato se pierde más. No obstante este tramo final nos proporciona una de las imágenes con más fuerza de la película, la que no enseña como después de un bombardeo decenas de periodistas salen a la calle en busca de imágenes, a cual más cruda, y ninguno hace nada por ayudar a las víctimas del bombardeo indiscriminado. Una película más que correcta, bien dirigida, y que es una crítica a los conflictos bélicos y sus secuelas, pero que la peor parte se la lleva el periodismo, que se ha convertido en una profesión, por desgracia en su mayoría, sin escrúpulos, dispuesta a todo por una imagen y que ha perdido todo sus valores por culpa de la inmediatez de la noticia y de ser el primero en darla. A pesar de su irregularidad, un producto recomendable.

THE CHILDHOOD OF A LEADER

The Childhood of a Leader - Brady Corbet - Reino Unido

Si uno repasa brevemente la carrera de Brady Corbet como actor antes que esta su opera prima es mas que posible llegar entender el porque del tono y forma final que ha logrado cuajar en 'The Childhood of a Leader'. Empezó su carrera con los problemas del alcohol, las drogas y la autolesión en la impactante 'Thirteen' y luego las relaciones homosexuales en 'Mysterious Skin' junto a Joseph Gordon-Levitt para continuar interpretando bajo las ordenes de directores como Haneke, Von Trier o Assayas entre otros. Con 30 años en la actualidad, Brady Corbet firma un debut serio, lleno de calidad y con un empaque propio de cineastas mas experimentados, 'The Childhood of a Leader' narra la infancia de un futuro líder fascista sin concretar, no se trata ni de Hitler, ni Mussolini, ni Franco sino de un ejemplo base de cualquiera de ellos o de los tres a la vez, quien sabe, separado narrativamente en tres momentos puntuales y significativos de los primeros años de vida de este supuesto futuro líder fascista. Al final de la I Guerra Mundial, una familia americana (Liam Cunningham y Bérénice Bejo) se instala en Francia. El benjamín (Tom Sweet) no termina de adaptarse a su nueva vida en el viejo continente y expresa su incoformismo con rabietas cada vez mas vergonzosas. 'The Childhood of a Leader' cuece su interés despacio pero con mucho saber hacer, la oscuridad y la sensación de que algo maléfico se esta produciendo es constante, el tono oscuro constante y los silencios en el guión dejan paso a poder saborear esa puesta en escena tan austera y todo a un ritmo que a simple vista puede resultar lento o falto de frescura pero sus continuas referencias y similitudes con esa figura demoniaca que representaba por ejemplo Damien en 'The Omen' o el Johan de 'Monster' hacen que la cinta vaya ganando enteros de una manera desmesurada, con fueras de campo brillantes o escenas llamativamente visuales. La fotografía de Lol Crawley, el diseño de producción de Jean-Vincent Puzos, la dirección de arte de Nóra Takács así como la decoración de sets por parte de Panni Lutter ('Extintion', 'White God') conforman sin buscarlo un estilo parecido al de películas de terror victoriano o gótico como 'The Others',  'The Woman in Black' o la reciente 'The Witch' transformando toda la producción y potencia dramática sobre la infancia de un niño en un casi  thriller de terror con homenajes evidentes a 'The Shining' como es el plano secuencia tras la espalda del niño mientras este anda por toda la casa. Para terminar de conjugar a la perfección esa unión entre el drama y el terror, Corbet cuenta con la banda sonora de Scott Walker que crea una partitura similar a la que hizo Levi para 'Under the Skin', menos estridente y constante pero igual de hipnótica acústicamente cuando aparece, todo un disfrute para los oídos y para los ojos las escenas en que lo místico o surreal se ve abrazado por la composición de Walker, sin duda, uno de los puntos mas destacados de la película. Otro de esos puntos seria es, al margen de la grandísima y primera interpretación en su vida de Tom Sweet como el niño, la casi ausencia de diálogos en el guión y el especial montaje atemporal de la película al que prestar mucha atención desde el inicio, divido en tres actos cuyo segundo a su vez se separa en tres momentos que marcaran la vida del joven aspirante a dictador en su mas tierna infancia, donde aprenderá y será educado gracias a las conductas y actos de sus padres. Sin duda 'The Childhood of a Leader' puede resultar pretenciosa o lenta para aquellos que busquen otro tipo de cine pero siendo una opera prima como es y perdonándole algunos errores que sinceramente no se donde están, la primera película dirigida y escrita por Brady Corbet junto a Mona Fastvold resulta fascinante, sublime, el manejo en la dirección es acertado y el novel cineasta denota una experiencia inusitada para alguien que se atreve con una película de este tipo en su primera andadura como director, sorprende el resultado final que le da a su producción gracias también a un pequeño gran reparto donde destacan en sobre manera Bérénice Bejo como la madre y el niño Tom Sweet, también aparecen Liam Cunningham y Robert Pattison en un papel que es mejor descubrir al ver la película y Stacy Martin ('Nymphomaniac') como una de las profesoras del futuro líder. Muy recomendable.

IN THE CROSSWIND

In the Crosswind (Risttuules) - Martti Helde - Estonia

Alguna vez has visto una fotografía y has deseado entrar en ella para poder verla desde otro ángulo o para poder vivir ese instante? Pues eso es lo que hace 'In the Crosswind', una película diferente, bellísima y terrible a la vez, en definitiva y para definirla en una palabra, una película única. Entiendo que disponerte a ver una película estoniana en blanco y negro requiere de una gran voluntad y si encima en la mayoría del metraje te dicen que los actores no mueven ni una pestaña, ya el acto de fe se agiganta. Muchos dirán que es una locura, una perdida de tiempo o simplemente un acto de pedantería. Yo lo he enfocado como una manera diferente de que me cuenten una historia y a pesar de mi escepticismo inicial, la verdad es que la película me ha capturado desde el minuto inicial. Tiene un magnetismo especial que te sumerge en ella y ya no puedes salir. No soy amante del cine experimental, de autor o similares. Me gusta el cine normal, convencional, pero en contadas ocasiones arriesgo y normalmente me acabo comiendo algún que otro marrón. No es el caso de 'In the Crosswind' o 'Risttuules' como se titula en estoniano, una película que nos narra parte del a veces olvidado holocausto soviético perpetrado por Joseph Stalin. Basada en las cartas reales que escribió la deportada Erna Tamn a su marido Heldur. En ellas se nos relata como durante el año 1941, y sin previo aviso miles de ciudadanos de Estonia, Letonia y Lituania son expulsados de sus hogares, separados de sus familias y conducidos hacia Siberia. Mediante estas cartas, Erna, nos describirá los abusos, la perdida de humanidad, el dolor y la desesperanza que padecerán estas cientos de miles de personas. Sorprendentemente es la primera película de su director, Martti Helde. Y es sorprendente, porque la maestría con la que mueve la cámara no es normal en una opera prima, además de la valentía de elegir narrar la historia mediante 'tableux vivants', es decir los actores están inmóviles y la cámara pasea por estos cuadros con maravillosos planos secuencia. Por momentos la película consigue tener una belleza atroz. Personalmente el tramo de la ejecución me dejo boquiabierto y con los pelos de punta. La dureza del relato contrasta con la preciosa y poderosa fotografía en blanco y negro a cargo de Erik Põllumaa. Martti Helde, además de la portentosa imagen, también se apoya en la voz en off de Erna, fantásticamente interpretada por Laura Peterson, que nos lee con una gran sensibilidad las cartas que envió a su marido. El director también utiliza el sonido de manera adecuada para que la historia fluya y consiga tener vida propia. Una película arriesgada, muy diferente a todo y que tiene algún punto en común con la excelente 'El Hijo de Saul', la ganadora del Oscar de habla no inglesa de este año, porque ambas han escogido una técnica muy particular para narrar la historia del holocausto, tantas veces contadas en el cine. No la recomendaría a la gran mayoría del publico, pero si disfrutasteis con por ejemplo la 'Blancanieves' (2012) de Pablo Berger o con 'La Novia' (2015) de Paula Ortíz, creo que podréis apreciar esta fantástica cinta. Una película única.

MONEY MONSTER

Money Monster - Jodie Foster - Estados Unidos

Ya sabemos como les gusta en Estados Unidos hacer un espectáculo televisivo de de cualquier cosa: concurso de belleza de perros, lo que ocurre dentro de una pastelería, cualquier tipo de deporte por muy descabellado que sea... son incluso capaces de hacer un programa de televisión sobre el mundo bursátil, consejos sobre bolsa a ritmo de música dance y bailarinas todo ello aderezado con chistes malos y vídeos chorras. Pues en uno de estos programas es donde transcurre casi toda la acción de 'Money Monster'. ¿Pero que pasaría si en uno de esos programas entra un tipo con una pistola y le dice al presentador que se ponga un chaleco lleno de explosivos porque con sus consejos ha perdido una gran cantidad de dinero? pues esa es la premisa de esta película. Como presentador delprograma en cuestión tenemos a George Clooney en el papel de Lee Gates haciendo el papel de George Clooney, es el mismo de siempre, ese atractivo embaucador que en el fondo es un pobre diablo. Lo hemos visto mil veces, desde que hacia de Dr Carter en Urgencias hasta en los anuncios de café. Aquí quizás un pelín más exagerado de lo normal y la verdad es que queda genial ¿como no lo va a hacer bien si es "su papel"? apoyándole detrás de las cámaras tenemos a la directora del programa (Patty Fenn) una Julia Roberts con la que Clooney tiene una química especial (algo que también habíamos visto antes) pero que en más de una ocasión es capaz de robarle el protagonismo. El principio del film funciona, las escenas de presentación de personajes, como se relacionan entre ellos, lo que es la rutina del programa y como se ve de repente interrumpida por la entrada al programa de Kyle Budwell (Jack O'Connell) para secuestrarlo, esto dará momentos de gran tensión. Cómo reaccionan estos personajes, cómo intentan los protagonistas salir de la situación con la labia de Gates y la inteligencia de Fenn nos dejará muy buenos momentos, los dialogos son geniales y con ellos pasaremos de la tensión a momentos cómicos casi sin darnos cuenta, estos alivios cómicos siempre son muy de agradecer y acentúan más, si cabe, la tensión ya que consiguen que sea menos monótona. Todo lo que ocurre en el plató nos interesa y nos tiene en vilo. No se puede decir lo mismo de lo que pasa en el exterior, lo que es la trama financiera, el porqué el tal Kyle la lía de esta manera y como lo van a solucionar no solo no interesa tanto si no que además se va resolviendo de manera muy floja hasta llegar a un final que es un poco flojo. No creo que sea culpa de la directora la (archiconocida Jodie Foster) más bien lo que falla es el guión que no nos da carnaza. Además lo que se supone que es una crítica al sistema financiero actual, las megacorporaciones, Wall Street y esos berenjenales a mí se me queda en casi nada, en algo de andar por casa por los carteles y el trailer parece que va a haber una megaconspiración de la leche pero luego... meh. Bueno, a lo mejor es que como aquí estamos tan acostumbrados a la corrupción esto no me parece nada del otro mundo. He de decir que he empatizado bastante poco con el personaje interpretado por O'Connell desde el principio no me he creido sus motivaciones y casi al personaje en sí. No como Lee, el personaje de Clooney que debe ser el tipo con más tendencia al síndrome de Estocolmo que haya visto en un film. En resumen, como film de rehenes funciona, y que sea en un programa de estos (aunque a nosotros pueda queda un poco lejos) y que la gente pueda verlo por la televisión le da un punto de originalidad importante, pero cuando quiere profundizar más la película hace aguas, buen entretenimiento veraniego que tal como están las cosas no es poco

MADE IN FRANCE

Made in France - Nicolas Boukhrief - Francia

7/10

De 'Made in France', o 'Objetivo: París' como se conocera entre nosotros, se habló mucho después de los terribles y desgraciados atentados yihadistas de París del 13 de noviembre del pasado año. La similitud argumental con la triste realidad y sobretodo el llamativo cartel hicieron que se pospusiera por segunda vez su estreno en salas que iba a tener lugar tan solo cinco días después. Y digo por segunda vez, ya que también se retraso su estreno a principios del 2015 a causa de la matanza de la revista Charlie Hebdo. Unas coincidencias macabras que han hecho que la película se estrene directa en VOD y no llegara a ninguna sala francesa y dudo mucho que llegue a ninguna de aquí. Una película que fue rodada dos años antes de todos estos acontecimientos y que después de todos estos hechos, parecía maldita. La cinta nos cuenta la historia de un escritor que tiene en mente escribir un libro sobre yihadismo, que logra infiltrarse, gracias a su origen musulmán, en un grupo integrista de las afueras de París. Después de más de seis meses de asistir a las arengas y discursos de un imán extremista, consigue tener mucha afinidad con un pequeño grupo que se esta radicalizando y que decidirán crear una célula terrorista para atentar en el corazón de la capital francesa. Con este argumento aterrador que te deja los pelos de punta, sobre todo después de conocer lo que ocurrió en las calles de París el 13-N, el director Nicolas Boukhrief nos presenta un thriller bastante efectivo que tiene sus defectos pero que logra mantenerte pegado a la pantalla en la hora y media que dura. Su principal defecto radica en un guión un poco demasiado precipitado en el desarrollo de los personajes y previsible en su tramo final, cosa que a pesar de no favorecer a la película tampoco la destroza, al contrario, el buen hacer de Boukhrief tras la cámara consigue, al menos en mi caso, que estés en tensión hasta el final del metraje. También se apoya en las convincentes actuaciones de todo el elenco, absolutamente desconocido para mi, en especial del dúo protagonista Dimitri Storoge i Malik Zidi. La película también logra un buen y escalofriante retrato del entorno en que se mueven estos terroristas extremistas. Todos los componentes de la célula son de lo mas variado, un chico de casa buena, otro de un barrio marginal, gente normal y corriente como la que nos cruzamos a diario en la calle o en el trabajo, con sus dudas respecto a lo que están haciendo, y esto es lo mas espeluznante que nos transmite esta cinta, que en cualquier sitio, en cualquier momento podemos encontrarnos a un energúmeno de estos. Terrible, pero cierto. Para mi gusto es una buena película, y creo que de visión obligada, mas que para entender que lleva a estos tipos a realizar estos actos despreciables e inexplicables, para ver como llegan a ese estado de radicalización y a ese nivel de estupidez suprema que solo el ser humano es capaz de lograr. Por desgracia, una vez más, la realidad superó a la ficción.

WE NEED TO TALK ABOUT KEVIN

We Need To Talk About Kevin - Lynne Ramsay - Reino Unido

Basada en la novela 'We Need to Talk About Kevin' escrita por Lionel Shriver en el año 2003, este thriller psicológico narra la historia de Eva Khatchadourian (Tilda Swinton), una mujer felizmente casada, culta, cosmopolita, de espíritu libre y apasianada de su trabajo (la cual escribe guías de viaje), pero cuya vida cambia drásticamente al quedar embarazada en plena madurez. Kevin no es el niño que toda madre soñaría tener, ya que desde muy pequeño desarrolla una personalidad extremadamente fria y distante, como de una patología cercana al autismo o al síndrome de Asperger, el cual rechaza cualquier sentimiento de afecto y muestra cero empatía por los demás, hasta más tarde adquirir rasgos de un auténtico psicópata, haciendo totalmente insoportable la relación madre e hijo. Kevin podría pertenecer a ese grupo de 'niños psicópatas' que han sido especialmente explotados en el cine de terror, desde los extraterrestres de 'El pueblo de los malditos' (Village of the Damned, 1960), pasando por el Damien de 'La profecía' (The Omen, 1976), la comunidad de 'Los chicos del maíz' (Children of the Corn, 1984), hasta el Henry de 'El buen hijo' (The Good Son, 1993), pero con la doble lectura que le da la directora Lynne Ramsay a este enfermizo personaje, haciendo que nos hagamos una serie de preguntas: ¿es Kevin un psicópata/antisocial?, ¿ha nacido así o ha fallado su educación?, ¿qué es lo que han hecho mal sus padres?, ¿existe el mal?, ¿está en nosotros desde que nacemos?...,  encontrándonos sin duda ante una de esas películas de libre pensamiento.

La película arranca con una secuencia visualmente impactante, en la que nos muestra a Swinton siendo alzada entre el gentío en la fiesta de La Tomatina de Buñol, donde todo se tiñe de color rojo y la alegría alcanza el éxtasis en la protagonista, ofreciendo ya de entrada un gran contraste con el infierno que vivirá en el resto de la historia. La narración en general peca de ser algo confusa, en la que por momentos los personajes y algunos tramos de la historia pueden llegar a parecernos demasiado frios, esto se debe a que la película va alternando mediante flashbacks escenas del presente y pasado, de una forma no demasiado satisfactoria, ya que tiene un guión desestructurado que va cobrando sentido a medida que la protagonista va superando el miedo que le provocan los recuerdos de su hijo, haciendo que la película cambie rapidamente de tono de una escena a otra, como en las que vemos la complicidad del personaje de Swinton con su marido (un discreto John C. Reilly), o los momentos que comparten con su otra hija pequeña, cambiando a otras bastante tensas, como las de la protagonsita limpiando su casa de pintura roja (de nuevo ese ronjo intenso que estará muy presente en toda la historia), o su desquicidada relación con su hijo intentando educarle. No obstante una vez familiarizado con esta forma de narrarnos la historia la seguimos sin mayor problema, sobre todo gracias a la gran labor de una Tilda Swinton que lo da absolutamente todo, transmitiendo ese dolor, rabia e impotancia que desprende su personaje desde el primer momento, y es que su personaje es un ser condenado a la soledad más cruel y despiadada, a la que todos le dan de lado y hacen notar su desprecio, por causas ajenas a su voluntad. Quizá el punto de vista más interesante de la película, es que la directora Ramsay rápidamente construye un enigma ambiguo: Kevin muestra un rechazo casi instintivo a su madre, pero su madre lo rechaza inicialmente. El amor a un hijo en ocasiones es algo que no ocurre con su mero nacimiento, y en esta película lo vemos claramente, ella pasando del odio al amor casi por oblicación, mientras que Kevin se queda instalado en ese odio/indiferencia desde el principio. El papel del perturbado Kevin esta reservado para el enigmático Ezra Miller, que sin apenas diálogo y a través de miradas y gestos, logra crear un personaje que lleva la palabra maldad escrito en la frente (se llega a sentir impotencia en ver el trato que tiene con su hermana pequeña), de hecho las escenas donde Swinton y Miller comparten escena son las más disfrutables de todas. Técnicamente la película es bastante discreta, con un aspecto algo amateur por momentos, con otros que rozan lo notable, como las escenas de La Tomatina o la reverencia final de Miller con arco en mano. Sin duda una película más que interesante, oscura, tensa, reflexiba, que sugiera más que muestra y nunca cae en el morbo, con unas grandes interpretaciones por parte de Swinton y Miller, y que consigue crear un ambiente malsano, lástima de esos bajones en el desarrollo que hacen que la narración sea algo confusa, pero que gracias al buen hacer de la directora al final la película consigue su propósito. No dejará indeferente a nadie.

RUMBOS

Rumbos - Manuela Burló Moreno - España

6.5/10

Drama y comedia coral de pequeñas historias que ocurren en tiempo real bajo la noche barcelonesa. Manuela Burló Moreno le pone cara y corazón a esos fragmentos de vida que recorren la madrugada al son de las ondas radiofónicas para hablarnos sobre la importancia de las decisiones tomadas, de tener a ese alguien cercano capaz de abrirnos los ojos en algún momento de nuestras vidas, de las vueltas de la vida y del amor, que nada es para siempre, un film que evoca irremediablemente a la maravillosa 'Night on Earth' de Jim Jarmusch. Producida y distribuida por Sony Pictures en colaboración con Atresmedia la realizadora murciana estrenara el próximo día 10 de junio, 'Rumbos', su segundo largometraje después de 'Como sobrevivir a una despedida' en 2015. Es curioso como se hilvanan todas las pequeñas historias en 'Rumbos', como su directora sabe aplicar la dosis justa de comedia y drama para que ni su buen guión ni su dirección pasen desapercibidos en ningún momento otorgando así una importancia igualitaria a todos sus personajes. 'El tiempo tiene prisa' responde un taxista a la llamada de un camionero a un programa de radio pidiendo consejo para declararse a la mujer que ama. La noche marca el tempo y conduce a estos personajes durante hora y media como ellos conducen sus vidas y Manuela Burló los muestra, en diferentes vehículos, todos en un mismo circulo y cada uno en un punto distinto del mismo unidos a veces por un simple detalle o frase: 'Si vienes conmigo, nunca te faltaran besos'. El reparto, como no podría ser de otra manera tratándose de historias de amores y desamores, lo forman parejas. Lucia (Pilar López de Ayala) y Iván (Miki Esparbé) arrancan la película a las 4:30 de la madrugada dentro de su coche aparcado tras regresar de la boda de la hermana de ella, continua Pedro (Karra Elejalde), el taxista optimista enamoradisimo de María (Nora Navas), su mujer, después conocemos a un par de conductores de ambulancia, Alberto (Ernesto Alterio), enamorado de la vida en su ultimo día de trabajo y Manu (Rafael Ordorika), un tipo introvertido cuyo pasado no le permite seguir adelante. El siguiente tramo de la historia nos lleva a conocer a Paco (Fernando Albizu), un camionero solterón enamorado de Lupe (Carmen Machi) y a dos adolescentes como Koke (Emilio Palacios) y Luisito (Christopher Torres) con su perro mientras navegan en un descapotable rojo bebiendo alcohol y fumando marihuana acompañados por las amarillentas y anaranjadas luces de las calles de una Barcelona, extrañamente vacía y solitaria. Desde las 4:30 hasta las 6 de la madrugada aproximadamente es cuando transcurre 'Rumbos', la voz de Julia Otero a través de la radio de todos y cada uno de los vehículos sera el hilo indirecto que una sus historias en una sola conducida meritoriamente por una directora que entre otras cosas ha sabido captar la esencia de esas noches que raramente a veces se dan en las grandes ciudades, noches solitarias, de calles vacías, despobladas de almas y sonidos para mostrar unos personajes que solo en esas noches tan concretas aparecen. El trabajo de fotografía es realmente notable e impecable mostrando magníficamente una madrugada en la noche de Barcelona, quizá por vivir en dicha ciudad mi valoración sea exagerada pero cualquiera que haya estado una sola madrugada en ella pensará igual que yo, que el trabajo que hace Unax Mendia es de 10 sacando el máximo partido posible a cada uno de los planos. En 'Rumbos' hay amor y desamor, drama y humor a partes iguales como demuestran los primeros veinte minutos hasta que Lucia entra en el taxi de Pedro y le cuenta lo sucedido, su drama se torna comedia e incluso mas adelante se puede ver a Pedro esbozando una sonrisa al ver 'Sueños' en la marquesina de una tienda al recordar dicha conversación con Lucia. Todos los personajes tienen su propio drama en 'Rumbos', nadie se escapa, las solitarias calles hacen que estos parezcan pequeños o nimios, sin solución, encapsulados tras los cristales del coche, del taxi, de la ambulancia, del descapotable, dramas urbanos, reales, pero también hay liberación, redención, honestidad y algo que no sabría explicar pero que todos conocemos, el impredecible destino. A cada personaje literalmente le cambia la vida lo que ocurre durante esos noventa minutos, a todos sin excepción. 'Y tu que tomas para ser tan feliz? Decisiones.'. Frase que aparece en el trailer y que cobra un sentido casi zen dentro del guión de Manuela Burló ya que todas y cada una de las decisiones tomadas esa madrugada son las que precisamente les cambian la vida para siempre. Fresca, liviana y sin pretensiones esta dramedia goza de un reparto coral mas que notable que aumenta la calidad final del film; Carmen Machi que borda los pequeños papeles secundarios femeninos como pocas en este país, Karra esta muy contenido en un personaje que no sabe como reaccionar incluso cuando el drama le toca de cerca, Miki Esparbé de verdad que me ha sorprendido (de nuevo), su papel no es el que mas frases tiene pero hace poco pude verlo en 'El Rei Borni' y su personaje es practicamente lo contrario al de 'Rumbos', su interpretación aquí es corta pero radicalmente opuesta, sin duda uno de los actores españoles en estado de gracia; Pilar López de Ayala, Fernando Albizu, Ernesto Alterio, Rafael Ordorika, Emilio Palacios y Christopher Torres también están a un gran nivel, sus interpretaciones consiguen que la historia no se tambalee y conserve el ritmo hasta el final mas o menos acertadamente. Como dije antes, el guión escrito por Manuela Burló es mas que bueno y una de las potencias claras del film, de todas las frases que me han gustado no quiero olvidarme de esta: '...que un hijo se muera antes que sus padres es antinatura...no tiene ni nombre...no existe, si tu pareja fallece eres viuda, si unos padres abandonan a sus hijos, son huerfanos, pero cuando se muere un hijo que? Eso como se llama...'.Obviamente no diré quien ni cuando se dice esta frase pero me resultó muy curiosa como para compartirla con vosotros por la veracidad de la misma y lo difícil que debe ser el sentir algo siquiera parecido a la perdida de un hijo. No penséis que 'Rumbos' es un dramón o un melodrama barato, sus dosis de comedia aparecen también por ejemplo en esa señora metomentodo que interroga a María en el autobús, en Jenny y su chiste sobre pollas, en lo surreal de la explicación de Lucia a Pedro, en el ramo de la novia, en ese borracho dueño de las calles que cruza sin mirar o en los bombones derretidos que Paco le lleva a Lupe. 'Rumbos' es una historia hecha de historias detalladas, de decisiones y caminos libres para elegir, de personas y opciones, de optimismo pese a su drama coral, un viaje que muestra lo impredecible de nuestras vidas.

EDDIE THE EAGLE

Eddie The Eagle - Dexter Fletcher - Reino Unido

4/10

Difícil sacar alguna lectura mas de las que el director de 'Eddie The Eagle' quiere que saquemos de su film. El británico Dexter Fletcher en su tercer largometraje después del drama mafioso 'Wild Bill' en 2011 y el musical 'Sunshine on Leith' de 2013 vuelve a probar con un nuevo subgénero como es el basado en hechos reales para relatarnos a modo de fabula edulcorada la historia de Eddie Edwards, el saltador de esquí británico mas famoso de todos los tiempos, su gran fuerza de voluntad y el espíritu perseverante que lo llevo a conseguir su sueño desde pequeño, participar en uno Juegos Olímpicos Invernales. Eliminemos una etiqueta. 'Eddie The Eagle' no es un biopic al uso ya que no relata toda la vida del personaje sino tan solo la etapa que concierne a su salto, y nunca mejor dicho, a la fama. Fletcher usa unos créditos iniciales extensos para entrelazar varias escenas sobre la infancia de un torpe Eddie (Taron Egerton) a base de gags splastick hasta su llegada a Alemania donde conoce a Roberto Sedinho...perdón, a Bronson Peary (Hugh Jackman), un ex esquiador aficionado a la bebida que se encarga del quitanieves en las pistas de entrenamiento. Aquí comienza una buddy movie convencional llena de optimismo y buen rollo a partes iguales donde el drama solo hace acto de presencia a modo de frases cortantes y crueles. Ni siquiera los típicos 'matones', en este caso compañeros de equipo o el propio finlandés volador, Matti Nykänen (Edvin Endre), llegan a ser todo lo crueles que se podría esperar. A su lado Cartman es el anticristo. Lo mejor de 'Eddie The Eagle' es la falta de complejos que tiene, una pareja de protagonistas mas que acertada mostrando una complicidad que va mas alla de la pantalla aunque a veces el personaje de Eddie resulte un tanto caricaturizado, la simplicidad evocadora de aquellas comedias de los 80 o su clara determinacion en hacer gala de un humor básico, en ese sentido es muy honesta y agradecida con el publico pero la sensación constante de estar viendo algo que ya has visto le resta mucho interés a una  historia que analizada desde otro punto quizás hubiera disfrutado de un mejor resultado final. Estamos pues ante una extraña versión simpatica y cargante de buen rollismo de 'Rocky', 'Karate Kid' o la mítica serie de anime 'Campeones', 'Ganes o pierdas siempre apunta alto', asi reza una de las leyendas en los carteles promocionales que junto a la lucha diaria como esencia del deporte olímpico acrecentan esta sensación de mareante felicidad con escenas que rozan un surrealismo de lo mas curioso sirviendo como ejemplo la comprobación del estado de la nieve de Peary cual indio salvaje con tan solo el tacto de sus dedos o el salto desde el trampolín de 70 metros que Hugh Jackman realiza, en tejanos, fumando y de noche, solo le faltó como broche final sacar sus garras de Wolverine al aterrizar. La película esta apadrinada por Matthew Vaugh, director de 'Kick Ass', 'X-Men: First Class' o el actioner bondiano británico 'Kingsman' que arrasó en taquillas de todo el mundo el año anterior, de hecho en alguno de los carteles promocionales reza la frase: 'De los productores de Kingsman'. Esto creo que ha repercutido a la hora por ejemplo de elegir a los protagonistas ya que en las dos primeras películas dirigidas por Dexter Fletcher sus protagonistas eran mayormente actores jóvenes y algún veterano provinientes sobre todo de la televisión o con muchas tablas en la pequeña pantalla mientras que en 'Eddie The Eagle' los dos protagonistas principales son estrellas de cine, Hugh Jackman y Taron Egerton, a uno lo tenemos hasta en la sopa y el otro recién esta viendo despegar su carrera tras protagonizar la citada antes 'Kingsman'. Al margen de que esta sea una imposición o no de la productora, el resto del casting que aparece en 'Eddie The Eagle' se ha formado en series de televisión británicas de mas o menos prestigio como por ejemplo Jo Hartley, la actriz que interpreta a la madre de Eddie que, curiosamente, ya hizo lo pripio siendo la madre de otro niño inglés en la película y saga de miniseries posteriores dirigida por Shane Meadows, 'This is England'. La utilización de profesionales 'criados' en la televisión es una constante en la filmografía de este director incluso en muchos de los aspectos técnicos de sus producciones. El realizador del país del té cuenta esta vez con un compositor mas experimentado que otras veces para la banda sonora, Matthew Margeson, entre cuyos trabajos encontramos como no, 'Kingsman', o 'Kick Ass 2'. Dentro de dicha banda sonora encontramos temas originales clasicos de aquella epoca como 'Two Tribes' (Annihilation Mix)' de Frankie Goes To Hollywod, 'Hero in Your Eyes', 'Eagle Will Fly Again' de Howard Jones, 'The Sky´s the Limit' de Nik Kershaw, 'The Cowboy Song' de Thin Lizzy, 'Bolero' de Maurice Ravel, 'Real Gone Kid' de Deacon Blue, 'You Make my Dreams' de Daryl Hall y John Oates, 'Moment' de Tony Hayley, 'Jump' de Van Halen, 'Out of the Sky' de Marc Almond, 'Ascension' de Holly Johnson y 'Thrill Me' interpretada por Jackman y Egerton junto a la orquesta Manoeuvres in the Dark que podeis escuchar aquí: https://www.youtube.com/watch?v=XyOrhDiMSPs. Fletcher también cambia de guionistas como ya hiciera en sus anteriores dos trabajos y para la ocasión se vale de Simon Kelton, creador de la historia, y Sean Macaulay. El único que repite en toda la filmografia de Fletcher es el director de fotografía George Richmond que mira tu como son las cosas en la vida, también realizó la fotografía en 'Kingsman'. 'Eddie the Eagle' es la pelicula que el Cholo Simeone proyectará en breve a sus jugadores, donde su director nos muestra que no hay que dejar de luchar por nuestros sueños sea cuales fueren, en ningún momento, y que por mas difícil que se presenten las situaciones hay que perseverar y dedicar todos nuestros esfuerzos en aquello que nos hace sentirnos completos y realizados aunque el resto del mundo no entienda el porqué nos produce tanta felicidad.

MAGALLANES

Magallanes - Salvador del Solar - Perú

7/10

Historia de aparente inocencia que esconde tras de si bajo el telón de un falso thriller una sutil critica a los hechos que marcaron de por vida a la población peruana en los años ochenta durante la guerra de Sendero Luminoso en la región de Ayacucho y a su vez también funciona como un drama que muestra la imposibilidad total de redención o expiación de ciertos pecados. En su primer largometraje, el veterano actor peruano de cine y televisión, Salvador del Solar ('El elefante desaparecido', 'Narcos'), nos narra un hecho que trastoca la vida de Harvey Magallanes (Damián Alcázar), un tipo dejado que malvive como puede en la ciudad de Lima haciendo de chofer para un excoronel retirado (Federico Luppi) que padece Alzheimer y de taxista ilegal para Milton (Bruno Odar), un amigo de su etapa en el ejercito que ahora regenta un bar. Un día como otro cualquiera Harvey recoje con el taxi a la misteriosa y bella Celina (Magaly Solier), una joven a la que rápidamente reconoce y que terminara despertando parcialmente su conciencia de un letargo autoimpuesto. 'Magallanes' esta basada en la novela corta 'La Pasajera', escrita en 2015 por el también peruano Alonso Cueto es una historia nada enrevesada en su planteamiento, con actores contados y que puede recordarnos al reciente éxito español 'La isla mínima' por aquello de mezclar thriller y el drama con una critica a ciertos hechos ocurridos en el pasado de cada país respectivamente. Salvador del Solar dirige bien con la experiencia adquirida a lo largo de tantos años como actor y muestra su historia con una narrativa peculiar haciendo al publico participe de lo que Magallanes vive, siente y desea hasta que los secretos salen a la luz y nuestra visión sobre el personaje que interpreta Alcázar cambia radicalmente. Como bien dice Celina, hacemos como el coronel y seguimos viviendo. Olvidamos. Como había hecho Harvey hasta que Celina volvió a subir a su taxi o como esa otra frase que aparece en el film: 'Así es el fútbol!'. Así es la vida. 'Magallanes' es otra prueba mas de que el cine de genero en Sudamérica esta creciendo a un gran nivel, esta opera prima de Del Solar no solo tiene un guión bueno y fácil de seguir sino que invita a la reflexión posterior sobre si algunos hechos son imposibles de ser expiados, sobre si las malas acciones que hagamos en nuestra vida nos acompañaran por siempre y es inútil perder el tiempo en que el mundo nos perdone todas ellas. Curioso porque una de las mejores escenas de toda la película y seguramente la mas bellamente visual es cuando Celina corre de noche siendo su perfil una sombra por las montañas que rodean Lima, da la sensación de que le ocurre como a Harvey y que por mas que hizo por olvidar ese pasado, el ha vuelto a recordarle quien es ella realmente. Los personajes al inicio parecen vivir en ese letargo amnésico y continúan con sus vidas, tanto Harvey como Celina, el Coronel o Milton, todos, un hecho aleatorio los vuelve a unir y el mismo hecho los vuelve a separar, se supone que esta vez, definitivamente. Otras cosas que me han gustado de la dirección de Salvador del Solar es como sitúa a los personajes en los laterales del encuadre en mas de una ocasión para mostrar una Lima con tanta importancia casi como los propios protagonistas, el uso de la cámara en mano constante y también como sin un solo flashback consigue relatarnos un hecho tan cruel como el sufrido por Celina y las consecuencias tanto en ella como en el resto de personajes al mismo tiempo que apela a la memoria historica de su propio país. La banda sonora de Federíco Jusid ('Isabel', 'Carlos, Rey Emperador', 'Neruda') no juega un papel muy importante mientras que la acertada fotografía de una Lima nocturna, sucia y oscura por momentos de Diego Jiménez ('Todos tus muertos', 'Mateo') aporta un beneficioso grado de realismo a la película. 'Magallanes' es un interesante debut, un film serio, donde el humor no esta invitado ni se le espera, un drama tristemente autentico y real que añade un chantaje en forma de thriller para que la maquina funcione de principio a fin gracias sobre todo a unos enormes actores latinos como son el méxicano Alcazar, los peruanos Solier o Meier y un argentino como Luppi enfermo de Alzheimer capaz de hacerte sentir su personalidad y su pasado sin articular casi ni dos frases en toda la película.

TROIS SOUVENIRS DE MA JEUNESSE

Trois souvenirs de ma jeunesse - Arnaud Desplechin - Francia

5/10

Mi primer acercamiento al cine de Arnaud Desplechin llega tarde. Quizás por ello no haya logrado con 'Trois souvenirs de ma jeunesse' conectar en su totalidad con esta nueva propuesta del cineasta francés resultándome intrascendente e indiferente en lineas generales. Extrañamente la historia empieza muy interesante y distinta a lo que cualquiera pudiera esperar presentándonos a Paul Dedalus (Mathieu Amalric), un antropólogo que de regreso a París tras años de trabajo en Tajikistan es detenido e interrogado en la aduana debido a la aparición de otra persona con sus mismos datos en Australia. Este es el punto de partido del drama romántico europeo dirigido por Arnaud Desplechin y la justificación para que su protagonista, un adulto Paul, nos narre tres recuerdos de su juventud que al mismo tiempo que estos dividen la película en tres secciones tituladas: Infancia, Rusia y Esther. En la primera de ellas se relata muy brevemente, casi como una pincelada, la dura infancia de Paul, los malos tratos que sufrió por parte de su padre, la muerte de su madre y la relación con sus hermanos, en la segunda, Rusia, se nos muestra con un tramo mas extenso la razón de la aparición del 'doble' de Paul, la perdida de la virginidad y su carácter en la adolescencia mientras que el tercero y mas extenso e importante, Esther, narra su complicada historia de amor junto a la joven de dicho nombre que interpreta Lou Roy-Lecollinet. 

Desplechin maneja mal el ritmo del fim pero bien algunas formas de narración para hacer la historia mas dinámica como por ejemplo el uso del ojo de iris propio del cine mudo para enfatizar la nostalgia y el pasado, un ritmo ágil durante la primera media hora, una banda sonora potente y realmente buena, la voz en off de Paul en todo el film salvo en en ultimo tramo donde Esther también narra algunas escenas o aquellas en las que ambos recitan a cámara las cartas recibidas. Todo ello, por desgracia, termina siendo un mero adorno para ocultar una enorme carencia de emotividad que se hace mas que patente si cabe en el ultimo acto. Realmente 'Trois souvenirs de ma jeunesse' no necesita de estos artificios, su puesta en escena remite a clásicos de la Nouvelle Vague y gana muchos enteros con ello pero la historia adolece de una falta de emotividad progresiva mas que evidente conforme pasan los minutos y la trama avanza separando a sus protagonistas en la distancia y al espectador de ellos provocando el descenso irremediable de un  interés que se diluye totalmente, el film se torna aburrido y repetitivo en un romance de idas y venidas entre dos personajes que realmente ni se aman ni se necesitan como el tiempo acaba demostrando. El guión del propio Desplechin y Julie Peyr me parece bueno en tanto en cuanto parte de una buena idea pero el tratamiento de la historia de amor entre ambos me parece insulso, no creíble y la película cerrada de manera simple. Eso sin contar que la película se podría haber titulado tranquilamente 'Esther' y en ella mediante un par de diálogos sustituir esos dos primeros recuerdos que solo hacen que engrosar el metraje hasta llegar a lo verdaderamente importante para su director, la historia de amor entre Paul y Esther desde su génesis. No obstante, extraigo cosas buenas como un interés extraño en ver mas cine de Desplechin o la interpretación y el desparpajo de Quentin Dolmaire como el adolescente Paul, lo mejor de toda la película sin duda junto a algunos de los diálogos; ella no, Lou Roy-Lecollinet, ni su interpretación ni su personaje aséptico y extraño han conseguido que sienta un mínimo de empatía por Esther.