NAVIDAD 2015 (2)

Nuevo especial con recomendaciones de algunos de los redactores de Bloodstab en el que hemos seleccionado peliculas cuyo argumento suceda en epoca navideña y donde la tematica principal no es la Navidad en si.

The Family Man -  Brett Ratner - Estados Unidos

7/10

Una película que no presenta nada nuevo, es cierto. Que un personaje principal solitario y pedante, nadando en éxito profesional, despierte un día y se vea a sí mismo viviendo en una nueva realidad, un nuevo presente, que le muestra de lleno cómo habría sido su vida si las decisiones que tuvo que tomar cuando joven hubiesen sido diferentes, es algo que se ha visto una y mil veces. ¿Acaso de eso no se tratan las películas navideñas más conocidas? Entonces, ¿por qué recomiendo esta película? Porque, a pesar de tratar un tema repetido, 'The Family Man' resulta ser una película que sí queda en la memoria, que sí sobresale dentro de este mar de películas del estilo. Sumamente dulce y exquisitamente lograda, la cinta se sustenta con las actuaciones de Nicolas Cage y Téa Leoni, quienes se encargan de dar una sensación de familiaridad y de cercanía bastante emotiva e inusual, pero no por ello menos funcional. Es gran parte por esto que 'The Family Man' no termina siendo una cursilería barata, sino un film algo más inteligente, pero sin intentar tampoco ser la gran película dramática del año. 'The Family Man' se presenta simplemente como lo que es: una película honesta, familiar y bonita. Como la Navidad. Y por eso, hay que verla. Duración: 125 minutos. Año: 2000

 

Bad Santa - Terry Zwigof - Estados Unidos

7/10 

De pequeño la Navidad me encantaba, supongo que a como todos los niños, pero a medida que he crecido cada vez me gustan menos estas fiestas cristiano-consumistas en que se han convertido estos días, por eso me parece ideal para estas fechas una película como 'Bad Santa'. Billy Bob Thornton se mueve como pez en el agua interpretando a un hombre amargado en horas muy bajas que trabaja como Santa Claus en centros comerciales. Un Papa Noel que se emborracha, fuma, roba, se mea encima (literalmente), se folla a mujeres de 'tallas grandes' y que se comporta como un completo gilipollas. Su socio, que le ayuda en los robos, es un enano negro (Tony Cox) que trabaja con él como elfo. Una comedia agria y decadente, con dosis de humor negro, con un lenguaje soez y vulgar, ideal para contrarrestar estos días en que todo es (falsa) felicidad y (hipócrita) alegría. Una película anti-navideña perfecta. También nos puede servir para recuperar a dos actores que nos dejaron en la década pasada, el carismático Bernie Mac ('Ocean's Eleven') y John Ritter ('Este chico es un demonio') que realiza aquí su ultima aparición antes de fallecer. Por cierto, recopilando datos para esta pequeña reseña, he visto que se esta preparando la secuela con los mismos protagonistas para el 2016. Inesperada y quizás innecesaria, veremos. Duración: 93 minutos. Año: 2003

12 Monkeys - Terry Gilliam - Estados Unidos

10/10  

Science fiction film that brews multiple themes, 'Twelve Monkeys', through a tribute to cinema, is both a radical rethinking of our modern societies and the evocation of a nightmarish future, nuanced by a hymn to love presented as the only hope of happiness in a tragic human condition. A dark time traveling story, portrayed by Bruce Willis - as the time traveller who tries to save the world -and Brad Pitt - as the troubled insane who might be the cause for the plague release.  I know, maybe it's not a conventional choice for a Christmas film but many scenes are in December when future James comes back to 1990  and will try to save the world with Kathryn (the psychiatrist that treated him when he got back)  from the mysterious virus that will kill millions of people. December 12, 1996. An epidemic demolishes the world’s population. Viewer is transported and totalitarian prisons (in 2035) in agonizing hospitals (in 1990 and 1996) and immersed in a suffocating underworld, amid extensive ruined Metropolis (2035). 'Twelve Monkeys' offers only closed sets, without perspective, dark colors, designed to lock us in a claustrophobic world - but of vivid visions come through sumptuous cinematic plans unusual beauty (eg a lion perched on the roofs of building such a surreal animated gargoyle, or giraffes browsing majestically lonely, urban space). The result is a gloomy universe born from a motley mix of interlaced and, sordid scrap (metal conduits, pipes,tubes, fences, trellises, etc.,,) and towering devastated monumental architectures. Duración: 130 minutos. Año: 1995

Anastasia - Don Bluth, Gary Goldman - Estados Unidos

8/10

Las Efe, hemos elegido 'Anastasia' como recomendación navideña. Es una película de animación estadounidense, emitida en 1997, producida por Fox Animation Studios, distribuida por 20th Century Fox y dirigida por Don Bluth y Gary Goldman. La película es una adaptación de la historia real sobre la familia Romanov, que murieron a manos de los Bolcheviques en plena Revolución Rusa, pero más concretamente de la leyenda de la Gran Duquesa Anastasia (hija pequeña del último zar de Rusia). El argumento gira en torno a una joven princesa que sobrevive al ataque de los bolcheviques y que termina con la vida de su familia, excepto con la de su abuela. Ella no recuerda nada de lo que sucedió y el único recuerdo que posee, es una cajita de música que le regaló su abuela cuando tenía 8 años y que lleva grabado 'Juntas en París'. Aquí es cuando aparecen Dimitri y Vladimir, dos amigos que han oído que la emperatriz Marie (abuela de Anastasia) ofrece una recompensa a quien encuentre a su nieta. Así que estos intentan convencer a 'Anya' (nombre con el que ella se ha criado en el orfanato) de que es la verdadera heredera de la corona. Pero como en toda película de animación, hay un malo malísimo en este caso llamado Rasputín, acompañado de un murciélago albino, que intentaran destruir con sus propias manos a la joven Anastasia y acabar de una vez por todas con el legado de los Romanov. Es cierto que el rigor histórico de la película deja mucho que desear en algunos momentos, puesto que no coinciden lugares, fechas y sucesos, pero creemos que en las películas de animación se pueden permitir el lujo de no ser totalmente fieles a la historia. Aun así os recomendamos que veáis esta película porque es muy bonita para verla en familia, transcurre en Navidad, donde la nieve pinta las calles y que además cuenta con infinitos números musicales (como nuestra preferida 'Una vez en diciembre') que no dejarás de cantar y bailar. Feliz Navidad. Duración: 94 minutos. Año: 1997

Trading Places - John Landis - Estados Unidos
5/10

Tras mucho rebuscar por la red una película adecuada para este especial de Navidad que no incumpliera ninguna de las normas dictadas en el prologo acabe seleccionando esta simple comedia de 1983 titulada 'Trading Places' por falta de tiempo. Realmente la tenia seleccionada en una variada lista pero como digo, por falta de tiempo terminé eligiendo esta porque a pesar de no ser la mejor ni en su genero ni en el cine en general si evoca a aquellas primeras buddy movies de los 80 que tanto estuvieron de moda. Su director, John Landis así como su trio protagonista formado por Eddie Murphy, Dan Aykroyd y Jamie Lee Curtis, también influyeron a la hora de elegir. 'Trading Places', o 'Entre pillos anda el juego' como se tituló penosamente aquí en España, esta inspirada en la pelicula britanica 'The Million Pound Note' dirigida por Ronald Neame en 1953 con Gregory Peck que a su vez se baso libremente en la novela que Mark Twain publico en 1881, 'The Prince and the Pauper (El principe y el mendigo)'. Los millonarios hermanos Randolph (Ralph Bellamy) y Mortimer Duke (Don Ameche) tienen diferentes puntos de vista sobre el progreso del ser humano, mientras uno cree que la vida de un hombre la marca su genética, el otro cree que se trata mas bien de educación y oportunidades. En su aburrimiento y para comprobar quien de los dos tiene razón deciden hacer una apuesta en la que involucran, sin saberlo, a Louis Winthorpe III (Dan Aykroyd) un eficiente empleado suyo y a un estafador de poca monta llamado Billy Ray Valentine (Eddie Murphy). Ambos verán de la noche a la mañana como sus vidas dan un giro de 180 grados. Esta fue la séptima película que dirigía Landis tras hacerlo con éxito anteriormente en 'The Blues Brothers' de 1980 o la mítica 'An American Werewolf in London' un año mas tarde. Para Aykroyd que salto a la fama tras su paso por el programa 'Saturday Night Live' unos pocos años antes que Murphy, esta era también su séptima película y la segunda que rodaba a las ordenes de Landis tras 'The Blues Brothers'. Eddie Murphy por su parte y tras salir de 'Saturday Night Live' coprotagonizo la mitica 'Limit: 48 hours' dando la replica cómica a Nolte para llegar en 1983 a hacer lo propio en esta cinta de Landis. Tanto Aykroyd como Murphy empezaban a ver despegar sus carreras en el cine en esta época. Pero si hay algo por lo que es recordada esta película es por el desnudo de Jamie Lee Curtis (Ophelia en la película, una prostituta), que por otro lado, era quien mas tablas tenia ya en el septimo arte con cintas muy reconocidas como 'Halloween', 'Prom Night', o 'The Fog' de Carpenter. Además de estos conocidos actores hay apariciones muy llamativas como la de Denholm Elliott (el mitico doctor Marcus de la saga 'Indiana Jones') aqui como mayordomo (intepretación que le valió un BAFTA) o a los veteranos John Gleason o John Belushi. Tambien un jovencisimo Giancarlo Esposito (Gus en 'Breaking Bad') como preso en la cárcel, también al director Frank Oz como uno de los policías corruptos,  a James Eckhouse (el padre de Brandon y Brenda en 'Beverly Hills 90210') como un simple guardia, al veterano Bill Cobbs haciendo de camarero (al que Murphy le tira los billetes en la barra), al cantante y guitarrista Bo Diddley en la escena final de la Bolsa en Wall Street como un broker mas o al alcalde del distrito 11 de 'The Hunger Games', Afemo Omilami. La película no deja de ser una comedia simple con cuatro gags y alguna que otra escena repetitiva pero conserva muy bien el espíritu ochentero de todas aquellas comedias en un ambiente navideño que le viene como anillo al dedo. El tiempo no ha pasado para esta cinta de Landis y aunque actualmente no funcionara igual que en su momento hay varias escenas rescatables que vale la pena visionar. El ritmo es ágil y sus casi 2 horas no llegan a hacerse aburridas, es una película impregnada de Navidad en cada plano, las calles adornadas, la banda sonora navideña casi perfecta y una narración simple, sin complicaciones. Siempre es un gusto recordar como fueron aquellos primeros años de cómicos con los que crecimos muchos de nosotros, películas así ya ni se hacen ni podrían hacerse porque no serian rentables así que, disfrutemos de los clásicos que nos quedan y demosles el valor que se merecen. En este caso, un 5, aprobado, pasable. Además del BAFTA a Denholm Elliott como mejor secundario, Jamie Lee tambien se hizo con uno asi como el guion escrito por Timothy Harris y Herschel Weingrod. En total, 3 BAFTAS y una nominación al Oscar a mejor banda sonora, obra de un grande como Elmer Bernstein que al final perdió ante Bill Conti y su composicion para 'The Right Stuff ('Elegidos para la gloria')'. Una curiosidad del filme es que, 5 años mas tarde, en 'Coming to America ('El principe de Zamunda')' tambien dirigida por Landis, la pareja de hermanos millonarios formada por Ralph Bellamy y Don Ameche aparecen de nuevo interpretando a los mismos personajes esta vez como indigentes a los que Murphy les da una limosna.

2001: LA ODISEA DEL CINE

2001: La Odisea del Cine - Alfonso Basallo - España

7/10

'2001: La odisea del cine' es un libro escrito por Alfonso Basallo y publicado por Espasa Calpe en el año 2000 en el que el escritor zaragozano recorre a lo largo de 232 paginas la progresiva conversión del cine clásico en cine 'fast food', como así lo denomina. Concretamente marca el principio del fin sobre primeros de los sesenta, donde, por diferentes causas que fundamenta correctamente el cine comenzó a consumirse en vez de disfrutarse. La mitomania del séptimo arte a través de su historia relatada por alguien nacido en 1957, uno de los fundadores del periódico 'El Mundo' critica el cine moderno en todos sus aspectos: directores, actores, actrices, películas, productores y espectadores. Nadie se libra de la quema que Basallo presenta en su libro, ni tan siquiera 'Star Wars' o Spielberg. No se puede ocultar, es un libro muy critico con la generación cinéfila nacida a partir de 1970, a la cual tilda de no importarle nada sobre la películas que ven. Lo curioso es que pese a que muchos de sus comentarios y apreciaciones son discutibles y huelen a rancio, a snob, a viejuno, a vieja guardia que no quiere salir de casa cuando llueve también tiene parte de razón. Que no toda, por supuesto. En mi humilde opinión y aunque al final del libro Alfonso Basallo deje abierto un hilo de esperanza sobre la reinvención del cine mediante la magia y el humanismo, comete el error de generalizar en muchas ocasiones cuando el mas que nadie, como gran aficionado al cine debería saber que generalizar en este arte, es un gran error. Que problema hay en disfrutar de 'Rambos', 'Terminators' y a su vez de la apasionante historia de amor de 'Jules et Jim'? Creo que ninguna, un espectador con suficiente amor por el cine puede sin duda disfrutar de ambas, tanto de la delicadeza y la narración de Truffaut como de la acción mas frenética de Stallone. En este sentido, Basallo generaliza muchisimo. Yo mismo soy de esa generación que el escritor cree incapacitada para disfrutar del cine como se debería, es decir, adorando los clásicos únicamente y salvando títulos contados del cine moderno. Debería estar en desacuerdo porque no se puede generalizar pero...cuando uno lee '2001: La odisea del cine' hasta el final y las reflexiones de Alfonso Basallo, interiormente sabe que tiene razón, en parte, pero la tiene. Hace 15 años que se escribió el libro y la producción de películas no ha hecho mas que aumentar y aumentar, pero al igual que el cine ha pasado de disfrutarse a consumirse como un simple Big Mac, dentro de todo ese gran abanico se abren numerosas oportunidades para muchos a la hora de mostrar su creatividad. Oportunidades que antes, hubiera sido imposible que tuvieran. Mas cantidad=menos calidad pero, dentro de esa poca calidad uno puede encontrar verdaderas joyas y a su vez, esa cantidad que puede considerarse tan negativa genera mas ganas de superarse en aquellos que están dispuestos a rodar e intentar transmitir sus ideas cinematográficas. De las 232 paginas solo 185 (13-98) ocupan el recorrido de Basallo a lo largo de 10 capítulos titulados a propósito como grandes clásicos del cine menos el capitulo 7, 'No debimos cruzar el Mississippi', que es una frase de 'Horizontes lejanos'. El libro contiene seis hojas con ilustraciones acompañadas de citas celebres de películas clásicas repartidas en dos bloques y termina con tres listas de títulos recogidos por Alfonso Basallo que componen su particular olimpo de obras maestras: '50 joyas del cine clásico' y 'Tesoros Perdidos' con producciones comprendidas entre 1895 y 1970 y, '30 obras interesantes del cine contemporáneo', con una selección de títulos que van desde 1970 hasta el año 2000. En lineas generales es un buen libro que se lee bastante rápido, contiene muchas citas y referencias tanto a películas clásicas como a directores, actores, productores o escritores. Su autor transmite a la perfección el amor que siente por el cine clásico, un cine con el que creció y se crió en sus años de juventud pero su critica constante al cine moderno en todas sus vertientes no es efectiva al 100% pues se ha demostrado con los años que el cine contemporáneo también puede ofrecernos joyas de incalculable valor sin tener que echar en falta a los clásicos.

REQUIEM FOR A DREAM

 Requiem For A Dream - Darren Aronofski - Estados Unidos

10/10

Réquiem es la misa de difuntos de la religión católica, un ruego por las almas de los muertos, reproducido justo antes del entierro o en las ceremonias de conmemoración o recuerdo. Encontrar un sello personal tras mas de 100 años de cine no era una tarea fácil. Tras un par de cortos y esa brillante rareza de opera prima llamada 'Pi; Faith in caos' en 1996, el americano Darren Aronofsky estrenaba en el año 2000 fuera de competición durante el festival de Cannes, una producción basada en la novela de mismo nombre publicada por Hubert Selby Jr. en 1978, 'Réquiem for a dream'. En el libro de Selby Jr. (que también participó en el guión junto a Aronofsky) se refleja su propia experiencia. Nacido en 1928, en 1943 con 15 años se enroló en el ejército para 4 años mas tarde ser enviado de vuelta a Estados Unidos debido a que había contraído tuberculosis y los médicos no le daban mas de un año de vida. Al no existir antibióticos fue tratado con un medicamento experimental, estreptomicina. Durante una operación, los cirujanos le retiraron varias costillas para poder acceder a sus pulmones con la mala suerte que uno de ellos se colapso. La cirugía salvo a Selby Jr. al estirparle la mitad de uno de sus pulmones que a cambio le dejaría con severos y graves problemas respiratorios de por vida. Postrado en la cama durante años fue en esta época cuando Selby Jr. se volvió adicto a los analgésicos y a la heroína que lastrarían su vida hasta llevarlo a la tumba. También fueron los años en los que inicio su carrera como escritor; sus dos grandes trabajos 'Last exit Brooklyn' en 1961 y 'Réquiem for a dream' han sido adaptados al cine en donde el novelista aparece en pequeños papeles. Seis años después de su primera novela en 1961, fue detenido por posesión de heroína y encerrado tres meses en la cárcel de Los Ángeles, donde se había mudado desde Brooklyn intentando dejar las drogas. A la salida de prisión con 39 años, Selby Jr. estaba completamente limpio y así permaneció hasta el día de su muerte donde incluso se negó a recibir morfina para suavizar los problemas que padecía. Hubert Selby Jr. murió en 2004 fruto de una obstrucción pulmonar crónica.

Sara Goldfarb (Ellen Burstyn) es una mujer mayor, viuda y con un hijo que esta a punto de abandonar el nido,  Harry (Jared Leto). Sola en la vida, y tras ser engañada con asistir a un programa de autoayuda al que es adicta, Sara empezara a tomara todo tipo de pastillas recetadas por el medico hasta adelgazar lo suficiente para cuando la llamen del programa. Harry es adicto a la cocaína y a Marion (Jennifer Connelly), su novia. Tyrone (Marlon Wayans), el mejor amigo de Harry y también adicto, le sugiere la idea de empezar a traficar y conseguir el suficiente dinero como para vivir tranquilamente y dejarlo a tiempo. El filme esta interpretado por Ellen Burstyn, una veterana actriz secundaria que en el año 2000 solo contaba con su papel como la madre de Linda Blair en 'The Exorcist' de 1979 como trabajo mas sonado. Hace poco la vimos en 'Interstellar'. También Jared Leto en su primer papel protagonista tras aparecer en 'Fight Club', 'Girl interrupted' o 'Urban Legend'. Jennifer Connelly, la eternamente joven actriz norteamericana conocida por sus éxitos  ochenteros 'Phenomena' o 'Labyrinth', venia de participar en 'Dark City' y 'Pollock' entre otras. Marlon Wayans, el pequeño de los Wayans, ese mismo año aparecía en dos cintas mas, 'Dungeons & Dragons' y la primera de la venida a menos saga, 'Scary Movie'. Marlon venia además de aparecer años antes en 'Don't Be a Menace to South Central While Drinking Your Juice in the Hood' (Los colegas del barrio) y 'The 6th Man', ambas comedias, el genero en el que siempre se movió. Su participación en el film de Aronofsky no deja de ser una sorpresa y su primer papel dramático. Producida por Artisan Entertainment y Thousand Words. La fotografía corre a cargo del habitual de Aronosfsky, también de Spike Lee y ocasionalmente de Joel Schumacher, Matthew Libatique, ganador de un Oscar y un BAFTA por 'Black Swan' en 2011. Su trabajo para 'Requiem for a dream' era el tercero en su carrera tras 'Pi: Faith in Chaos' y 'Tigerland'. La música es obra del grandioso Clint Mansell, compuesta por el e interpretada por Kronos Quartet convierten el tema principal casi en un himno mundialmente reconocido por todos, una banda sonora inolvidable y reversionada para la segunda parte de 'The lord of the rings'. Era el segundo trabajo de Mansell y ya se podía intuir en el un gran potencial que como no Aronofsky, supo aprovechar mas tarde haciéndolo su compositor fetiche.

Difícil año en los Oscar para 'Requiem for a dream' ya que había otra película en cartel con el tema de las drogas como telón de fondo, 'Traffic', además esta, con grandes estrellas en los papeles principales. Pero no solo en el apartado de mejor película lo tuvo difícil para obtener la nominación sino también en uno donde a priori debería haberlo estado, el premio a la mejor banda sonora. En dicha categoría ese año terminaron nominados nombres tan importantes como Hans Zimmer, Ennio Morricone o John Williams, casi nada. Lo sorprendente es que fuera Tan Dun por 'Crouching Tiger Hidden Dragon' quien se llevara la estatuílla finalmente. Tampoco se entiende que Julia Roberts se llevara el galardón a mejor actriz por su papel en 'Erin Brokovich' antes que Ellen Burstyn, incomprensible. Esta fue la única nominación a los Oscar que obtuvo 'Réquiem for a dream'. Al margen de estar nominada en la misma categoría para los Globos de Oro que tampoco ganaría, la película si consiguió hacerse con premios en otros festivales entre los que se encuentran la espiga de oro de la SEMINCI en Valladolid a mejor película o mejor fotografía y actriz en los Independent Spirit. No creo que haya otra película para hacer sesión doble con 'Trainspotting' que 'Réquiem for a dream'. Ciertamente la cinta de Aronofsky se adentra muchísimo mas en el drama, pero ambas son igual de crudas y desgraciadamente realistas. Pocas producciones consiguen dejar tan mal cuerpo en el espectador como lo hace esta, un drama cruel y sombrío tejido desde el inicio con un ritmo frenético y un montaje trepidantemente minucioso. Técnicamente es impecable, la fotografía lúgubre y oscura que aporta Libatique junto a las variaciones del tema principal de la película de Mansell crean en el espectador la misma sensación que tienen los protagonistas respecto a la creencia de que es posible cumplir sus sueños. Las notas del tema 'Lux Aeterna' son calmadas en su inicio creando un malrollismo horrible al que la velocidad y las cada vez mas repetidas notas altas van creando esa falsa espectativa de que el sueño americano se puede conseguir, empezar de 0 y hacerse rico para unos o salir en la televisión y sentirse viva para otra. Olvidense de moralinas y de finales edulcorados porque al igual que en la vida real, en 'Réquiem for a dream', no los hay. Cuatro personajes que en realidad son dos pero realmente es uno, la adicción. Adicción a los programas de TV, a las pastillas, a los analgésicos, a las anfetaminas, a la heroína, a la cocaina, al café, a la comida, a todo, todo se convierte en adicción cuando no controlamos su consumo o su uso. 'Réquiem for a dream' contiene un montaje vibrante y un increscendo vertiginoso, innumerables planos subjetivos, planos detalle, todo se acelera y no hay vuelta atras. En este apartado, la cinta de Aronofsky es tremenda efectiva, no hay duda que su estrambotico montaje deja en constante sacudida la mente del espectador. Increíble el papel de Ellen Burstyn, magnifica, superlativa, la mejor de todo el film. Su personaje Sara Goldfarb es apaleado por la soledad y usado por un sistema que no entiende de personas y si de números. Inconscientemente crueles y llamativas son sus amigas/vecinas que parecen salidas de una producción de Tim Burton y que empujan definitivamente a Sara. Las féminas protagonistas son las que peor llevan su adicción y quienes acaban siendo carne de cañón o de oveja mejor dicho, en un mundo de lobos. La adicción del personaje de Jennifer Connelly es la que peor cuerpo pone. Marion es la unica que no termina con secuelas exteriores, sino interiores, las peores, ya que su adicción solo acaba de empezar a crecer y no hay vuelta atrás. Jared Leto y Wayans me parecen aceptables, ambos estaban empezando y se nota, el peso de las escenas grandes recae en las veteranas Burstyn y Connelly. Son Sara, Harry, Marion y Tyrone, cuatro personas que bajaran a los infiernos para conocer la realidad del sueño americano y los peligros de las adicciones incontroladas.  Un mundo oscuro en el que fácilmente se puede caer como le pasa a Sara, quien cree estar haciendo lo correcto en todo momento. Impactante, distinta y realista, el primer gran trabajo a nivel de critica y publico de Darren Aronofsky confirmaba que había un nuevo director en el barrio, y que su mierda, era buena.

TOP 5 - CINE ARGENTINO

Lo reconozco, tengo debilidad por el cine sudamericano. Me apasionan sus maneras de ver la vida y porque no decirlo, sus acentos tan eróticos. Salvo los films de Cantinflas y alguno que otro mas que pudiera ver durante mi vida no me había interesado por el cine latino en ningún momento. Eso cambio el día que descubrí 'Nueve reinas'. Mexicanas, colombianas, venezolanas, he visto a día de hoy casi de todos los países, incluso peruanas y ninguna de ellas salvo las argentinas, han sabido cautivarme de tal manera. Sera su acento como dije? Su manera de enfocar la vida? El espíritu porteño? Su buen hacer para el cine? Cualesquieran que sean los motivos que hicieron reaccionar al cinéfilo que llevo dentro para adentrarme en su cine, les estoy muy agradecido. En este top encontrareis que todas son relativamente films modernos, no hay nada de los años 90 hacia atrás, por el momento claro esta. Dadme tiempo. Tengo pendientes muchas y no crean que va a pasar mucho tiempo para que pueda hacerlo. Amo a Argentina y su cine. Con pasión. Aquí tenéis mi TOP 5 de las mejores películas argentinas vistas en mi vida, espero lo disfruten y dejen algún comentario, saludos!

5 - Moebius - Gustavo Mosquera - 1996

7/10

Film de intriga creado a partir de un relato de 1950 escrito por Armin Joseph Deutsch, 'A subway named Moebius' producido, adaptado e interpretado por estudiantes de la Universidad del cine de Buenos Aires en 1996. Un tren completo lleno de pasajeros del metro en la ciudad argentina desaparece sin dejar rastro desencadenando así un misterioso e incomprensible error en los paneles de control donde en vías supuestamente vacías estos siguen mostrando el paso del tren volatilizado. Simple y efectivo. No da para un largo de dos horas ni mucho menos, por ello su duración de 88 minutos es algo que la hace más llamativa, atractiva y jugosa para muchos a la hora de elegir qué película ver. Ciencia ficción provocadora y que plantea muchos caminos, incita al espectador a rebanarse los sesos intentando averiguar que ocurrió con el tren desaparecido. Moviéndose entre túneles y con un ambiente bizarro donde unos diálogos más que sencillos copan las primeras escenas el film se desarrolla a un buen ritmo, a los 20 minutos ya tenemos el pastel en la mesa con las velas sopladas. La música que acompaña todo el metraje potencia el efecto de estar encerrado y bajo tierra resolviendo un misterio que a priori parece increíble así que quitando esos 20 minutos iniciales nos resta casi 1 hora para sacarle todo el jugo a las teorías mas locas, muy recomendable para fans de la ciencia-ficción. Quizás su final sea algo confuso y difuminado pero no deja de ser interesante: el tramo final es muy atrapante, donde todo tiene una explicación, acepta un segundo visionado con más interés aun si cabe. Encaja a la perfección es una sesión doble con la cinta de reciente estreno que tuve la oportunidad de reseñar para este blog, 'Coherence': allí era el gato de Schrodinger y aquí es la cinta de Moebius. Incluso con 'Dark city', o las matemáticas 'Cube' o 'Pi'. Poco presupuesto pero bien invertido, estética años 80-90, una buena historia detrás, banda sonora y fotografía impecables son las mejores bazas de 'Moebius', un must see amateur argentino para todos los aficionados a la ciencia-ficción. Lo peor son sus actuaciones pero... ¿a quién le importa cuando hay un producto tan efectivo delante de sus ojos?

4 - Martín Hache - Adolfo Aristarain - 1997

7/10

Preparaos un buen sillón, vuestra bebida favorita doble, recostad los pies y disfrutad de dos horas que os dejaran perplejos. 'Martín Hache' es la primera de este top donde se cuenta una historia de no ficción tras la policial 'Nueve reinas', el thriller 'El secreto de sus ojos' y la comedia 'Relatos salvajes'. Un joven argentino llamado Hache (Juan Diego Botto) tras sufrir una sobredosis viaja a Madrid para pasar un tiempo con su padre, Martín Echenique (Federico Luppi) que se encuentra trabajando en el guión de su próxima película. Allí conocerá a Dante (Eusebio Poncela) el mejor amigo de su padre y a Alicia (Cecilia Roth), la nueva novia de este. Simplemente perfecta y perfectamente simple. Brillante y llena de chispazos que brotan en todos sus diálogos. Alcanza la perfección cuando estos provocan reflexiones y ganas de retener tantísimas grandes frases y la sencillez dentro de su historia tan básica, la relación de un padre y un hijo. Su director, Adolfo Aristarain supo encontrar el tema perfecto donde enfocar muchos de sus pensamientos y razonamientos, lo cual no le quita ni un ápice de interés sino todo lo contrario, nos da una visión diferente a la que pueda tener cada uno, buena, mala, peor o diferente lo que queda claro es que Aristarain está en espíritu dentro de cada dialogo y cada frase lapidaria. Cuatro actores y un guión, un gran guión. Botto, Luppi, Roth y Poncela están brillantes, Poncela y Roth parecen haber nacido para sus papeles, sobretodo la primera que está impresionante de verdad, de levantarse y aplaudir. He visto esta película más de una vez por la brillantez de sus diálogos, y hace poco pude ver 'Maps to the stars'. No digo que sean iguales, pero 'Martin Hache'  parece una versión latinoamericana trágica de la vida de un director de cine en pleno proceso de creación, con un hijo intentando dejar las drogas y una amante enganchado a ellas con el añadido de tener un mejor amigo gay. Pero más allá de eso tenemos a un chico que se llama igual que su padre y al que este le puso (H) entre paréntesis para diferenciarlo de él, de ahí el Martín Hache, un chico adentrado totalmente en la búsqueda de una motivación por la que empezar a entender su existencia, algo que encienda el interruptor de cuál es su fin en la vida pasando una temporada con su padre, un famoso director de cine que reniega de su pasado y no quiere volver a pisar su país natal, Argentina. Experto en todo, narcisista e insoportable hasta el punto de no querer convivir con nadie por miedo a que se pudra como bien le dice a Roth. Ella, la musa, la expresividad hecha mujer y su adicción a la cocaína, capaz de aguantar todos los sarcasmos, indirectas e insultos pasivos del director con tal de no dejarlo solo, de seguir junto a él porque lo ama y no puede vivir sin él. Como timón que ejerce de guía soltando frases envenenadas llenas de verdades que duelen, Dante, un amigo que a todos nos gustaría tener, alguien capaz de analizar por ti tu realidad y dártela masticada para que elijas, una barbaridad de personaje y de interpretación. Hace 17 años que se realizó  este filme y a día de hoy consigue mantener frescas toda y cada una de sus frases. Imprescindible.

 

3 - Relatos Salvajes - Damián Szifron - 2014

7.5/10

La mas actual de este top 5 es la reciente producción de estreno mundial dirigida por Damián Szifrón, 'Relatos salvajes'. A estas alturas habréis oído o leído maravillas de ella: todas son ciertas. Difícil top este argentino puesto que para mi cualquiera de las tres citadas de momento puede ser sin problemas top 1. Relegarla al top 3 se debe a la madurez que ya tiene la cinta de Campanella, un film visto por bastantes más personas que esta y que sigue siendo un referente a nivel mundial como lo pudo ser 'Seven' en su momento y no, no exagero. En 'Relatos salvajes' tenemos 6 historias a cual más negra y retorcida que la anterior, capaces de sacarte esa sonrisa cómplice y culpable a la vez. Curiosamente también aparece Ricardo Darín protagonizando la que para mí es la mejor historia de las que hay, 'Bombita'. Hablé de ella hace poco en las crónicas de la 47 edición del festival de Sitges el día que la pasaron en Auditori y al igual que lo comenté en aquella ocasión, lo vuelvo a hacer ahora porque creo que es algo remarcable y que cabe destacar antes que contar las excelencias de la película. Me refiero a la banda sonora de Gustavo Santaolalla, que vuelve a mostrar una vez más el gran compositor que es. En serio, prestad mucha atención a sus composiciones exclusivas para el film, no tienen desperdicio. En concreto en la historia de Darín podréis oír notas muy particulares oídas en otras de sus composiciones para películas como 'Amores perros' o 'Babel'. Las 6 historias son las siguientes: 1. PASTERNAK: La más corta e impactante, como una gran bofetada para que no te acomodes en la butaca y prestes mucha atención a lo que está por venir. 2. LAS RATAS: La mas irónica y retorcida. Oscura. Negra. Aquí es donde Szifrón te saca esa sonrisa cómplice y a la vez culpable que decía antes. 3. EL MAS FUERTE: Sbaraglia al mando. La explosión del hombre tranquilo. Una vez en situación vistas las 2 anteriores la tercera historia además de ser algo más larga produce una sensación en el espectador como la de un engranaje mecánico, intuyendo que va a pasar y disfrutando de ello, queriendo más y más. 4. BOMBITA: La mencionada historia de Darín. Un tipo correcto al que le hinchan las pelotas de mala manera y en el cual nos vemos reflejados muchos. La mejor historia con la mejor canción del film. 5. LA PROPUESTA: La más cruel sin duda. Si 'Ratas' es retorcida y graciosa, aquí la crueldad y cinismo sobrepasan límites insospechados. La reacción del padre al final es de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Con un par. 6: HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE: La historia de cierre es quizás la más floja ya que después de ver tan magnificas historias a cual más delirante y con un in crescendo fantástico se nos presenta como la menos radical pero igual de 'simpática'. No os podéis perder esta brillante comedia argentina que sin duda dará que hablar a lo largo del año. Un must see sin peros. 100% culpable y 100% disfrutable.

2 - El secreto de sus ojos - Juan José Campanella - 2009

8.5/10

Si Bielinsky aún viviera, sería el 'rival' más duro para Campanella en cuanto a directores argentinos, de eso estoy más que seguro. Solo dos films argentinos se han llevado el Oscar en la historia del cine y 'El secreto de sus ojos' es el último en hacerlo, compitiendo con 'The White Ribbon' de Haneke o 'Un prophète' de Jacques Audiard. Estamos ante un thriller brillante factura con elipsis temporales situado a mediados de los años 70. En ella se nos cuenta la historia de Benjamín Esposito (Ricardo Darin), un retirado oficial de juzgado ahora escritor y obsesionado con un crimen que investigó hace 25 años, el cual intenta reflejar en su próxima novela. Esta se podría considerar la trama principal pero difiero mucho de ello. 'El secreto de sus ojos' es mucho más que un simple asesinato, considero a este el motor principal que hace tomar decisiones al resto de personajes, la válvula que enseña tanto a Esposito como a los demás las consecuencias de tomar el camino erróneo, de no atreverse a decidir cuando el tren, y nunca mejor dicho, se está marchando. La escena final es una muestra de ello. Siendo el asesinato una subtrama, importante y esencial eso sí, conoceremos el amor en silencio que vive Esposito hacia a una compañera de trabajo, Irene (Soledad Villamil, Goya actriz revelación 2010). Ella ansía enamorarse de alguien que sea capaz de entender el amor como algo más, algo que traspase todas las barreras de la comunicación y se pueda comprender tan sólo con la mirada. Esto lo encuentra en Esposito pero, al igual que él es incapaz de tomar la decisión adecuada por más que el destino lo ponga en el lugar correcto en el momento indicado, ella mantiene el tipo sin dar más de lo que su mente le deja porque pasado ese limite el amor que encuentre no será ese que ansía ella. Las miradas en este filme conforman otro protagonista, invisible, indescriptible pero presente en todos los minutos. Las miradas de Esposito a Irene y viceversa, las fotos donde Gómez mira a Liliana, el interrogatorio de Gómez por parte de Irene, las de Morales incluso las de Sandoval (Guillermo Francella), todas y cada una forman un personaje nuevo al que tener muy en cuenta, alguien a quien observar detalladamente en cada escena. Hablando sobre detalles y otra vicisitudes del film, el nivel de detalle en las dos líneas temporales y el apoyo que ofrecen objetos en concreto es básicamente perfecto, vestuario, música, decoración de interiores e imágenes de TV, todo luce con un gusto abrumador. No, no me olvido del plano secuencia del campo de fútbol de Huracán (Estadio Tomás Adolfo Ducó) situado en Buenos Aires, una escena que ya es parte de la historia mundial del cine. Todo en ella es espectacular reralmente, es sin duda una de las mejores escenas del filme. INICIO PSEUDOSPOILERS: ¿Qué pinta el fútbol en esta película? Es muy sencillo, el fútbol es pasión y esto es lo que activa el asesinato de Liliana, la pasión. No por el fútbol, sino por lo que hacen en sus vidas como bien explica Sandoval a mitad del film. Esposito busca con pasión al asesino de la chica mientras sigue amando en secreto a Irene, esta al mismo tiempo desea con toda su alma que Esposito le confiese su amor (el cabreo de ella en la escena de cerrar la puerta por no estar a solas con él), la pasión de Morales (Pablo Rago) el marido destrozado yendo cada día a la estación con esos ojos vacíos incluso hasta la del propio Sandoval acudiendo al bar para terminar borracho y en peleas. Todos siguen su destino y aunque a veces tengan pruebas o el camino claro a tomar prefieren seguir siendo fieles a su pasión. FIN PSEUDOSPOILERS. Tranquilamente podría ser la número 1 en este top y lo merece sobradamente, pero mi afecto por la película de Bielinsky y lo que produjo en mi fue tan grande que no puedo más que relegar al top 2 a esta 'El secreto de sus ojos'.

1 - Nueve Reinas - Fabián Bielinsky - 2000

9/10

Esta es la película/razón por la que me enganché al cine argentino. Un cine al que admiro y tengo valorado más que el resto de producciones sudamericanas. Fabián Bielinsky fue el encargado de llevar el cine argentino a un nuevo nivel. Con Ricardo Darín y Gaston Pauls en los papeles principales, cuenta la historia de un estafador experto y otro novato que por cuestiones muy distintas deberán unir fuerzas para conseguir venderle a un alto cargo español unas famosas estampillas llamadas las 9 Reinas. Una plancha de sellos valiosísimos con un defecto de impresión que las hace únicas. Con un arranque que seguro repetiréis otra vez al terminar de verla la cinta se mueve a un ritmo trepidante usando como mayor baza, el tiempo. Todo transcurre en pocos días. El juego del gato y el ratón se vuelve cada vez más difícil de seguir. ¿Quién juega con quién? Sólo el final y los giros constantes de guión revolverá todas las dudas. Papelón de Darín, que borda su interpretación hasta puntos inimaginables y que antes de esta película, no era ni la mitad de conocido que lo es actualmente. El filme de Bielinsky supuso la confirmación del buen hacer de Darín para el cine, pese a contar antes con una extensa carrera en Argentina. El resto del plantel también brilla a un gran nivel, tanto Pauls como la bellísima Leticia Bredice, incluso Fonzi nos ofrecen un registro más que creíble y aceptable de sus personajes. Pero claro, todo queda oscurecido ligeramente por la excelente actuación de Ricardo Darín. Y hablando de su director Fabián Bielinsky, un tipo que dijo no a la creación de un remake americano (el cual terminó haciéndose en 2004 dirigido por Gregory Jacobs bajo el nombre de 'Criminal', que no llegó ni a la suela del zapato a la original), tras 'Nueve reinas' en el año 2000 rodaría 'El aura' cinco años después también junto a Darín en el papel de un taxidermista epiléptico obsesionado con robos y atracos. 'El aura' es una producción muy recomendable, un thriller diferente e interesante que a posteriori fue el último trabajo del director que murió de un infarto al corazón un año después en Sao Paulo, una gran pérdida para el cine en general y más concretamente para el argentino.

Fuera quedan títulos como las citadas antes, 'El aura', 'Hombre mirando al sudeste' (se hizo un remake americano con Kevin Spacey llamado 'K-Pax') y 'Diarios de motocicleta', pero también otras como 'Sin retorno' (que recuerda a la historia de 'Relatos salvajes' de 'La propuesta') o la adrenalitica accion y el erotismo de 'Plata Quemada' (con participacion la española de Eduardo Noriega), 'Un cuento chino' (con Ricardo Darín haciendo de ferretero al estilo 'Amelie'), 'Metegol' (animación dirigida por Campanella), 'Tesis sobre un homicidio', 'La antena' (todo un derroche de originalidad expresionista con estilo comic), 'Roma', 'Días de pesca en Patagonia' y la más reciente 'El ardor', un western minimalista con un final algo flojo y Gael Garcia Bernal de protagonista.