UNDER THE SHADOW

Under the Shadow - Babak Anvari - Reino Unido

Teheran. Años 80. En medio de la guerra entre Irán e Irak una familia sufre la visita de un ente paranormal tras un ataque de misiles. 'Under the Shadow' tiene algo que la hace distinta, la fusión del cine de autor mas austero y dramático al estilo del iraní Asghar Farhadi ('A Separation') (o de algunos films de Faith Akin) con la sobriedad comercial que James Wan aplicó en la primera entrega de 'The Conjuring'. Babak Anvari, debutante en largometraje, escribe, dirige y nos plantea una cinta de terror tanto real como paranormal, bastante sencilla y bien dirigida, intentando alejarse de los manidos y odiados clichés en este tipo de subgénero. A 'Under the Shadow' le falta terror, o mas metraje quizás. Kubrick necesito de 146 minutos para reflejar su visión del terror en 'The Shining', de ella a dia de hoy rescatamos muchas escenas en nuestra mente cinéfaga para la posteridad, no solo una o dos, sino varias, Anvari usa 83 minutos con dos o tres escenas para recordar y, de las tres solo una funciona realmente como sobresalto al uso, la de la ventana. Sin embargo, no es esta la tópica película de terror psicológico que muchos creen, la historia esta inteligentemente construida, Shideh (Narges Rashidi) es una madre vetada de continuar sus estudios de medicina por su participación en regímenes opositores años antes a la que además del drama que supone este rechazo intelectual a su independencia se le une la constante ausencia de Iraj (Bobby Naderi), su marido y también medico, enviado a la zona del conflicto bélico actual.  En esta situación se suceden las constantes carreras al sótano del edificio por todos los vecinos tras oír las alarmas antiaéreas, vemos las ventanas de algunos pisos con cinta aislante y cristales repuestos día si y día también o la presión de la policía que patrulla cada esquina, es decir,  la sensación de amenaza es constante y esta ejerce un poderoso efecto en unos personajes, incluidos los vecinos, a los que solo les queda una opción, marcharse. Vecinos y edificio con aires a 'Le Locataire' de Polansky que acrecentan la opresión ya de por si reinante en el ambiente. Shideh y su hija Dorsa (Avin Manshadi) se quedan solas en dicho edificio progresivamente debido a la marcha del resto del resto de vecinos tras uno de los ataques con misiles que no solo deja secuelas físicas irreversibles en la fachada y en algunos pisos sino también paranormales.  Y entonces el guión de Anvari recuerda que se trata de un film de terror y todo empieza a cambiar, el terror tangible da paso al fantasmal, donde antes se insinuaba ahora se deja ver, algo menos sutil pero efectivo, las sombras empiezan a tomar forma y 'Under the Shadow' se convierte, tarde, en una buena cinta de terror psicológico. Además del tono ocre y austero de la fotografía de Kit Fraser, de esta opera prima de Babak Anvari rescataría entre otras cosas, el personaje de Shideh, de la rebelde Shideh, una mujer de ideas y comportamientos totalmente occidentales reflejados en su forma de vestir y de hablar con sus vecinos, Jane Fonda en Beta, su impotencia y resignación cuando le dicen que no puede continuar estudiando, la pasividad de su marido ante ello y su reacción ante el, la rabia con la que lanza el burka tras regresar de la comisaria...son detalles que pulen un personaje a la perfección, como cuando se pone a apilar los vasos en la cocina y Dorsa no para de preguntarle por la muñeca, la ansiedad y los nervios de Shideh en aumento y hasta eso se ve reflejado. La sensación final con 'Under the Shadow' es que se trata de un film de terror bien construido al que cuando le llega el turno de retorcer la madeja o dejar en segundo plano el drama y dar paso al festival oscuro de lo etéreo, es cuando el final hace acto de presencia. Lo mas parecido a 'Under the Shadow' bien podria ser 'El espinazo del diablo' o la reciente 'The Babadook'.

DOUBLE TROUBLE

Double Trouble - Fer Zaragoza Carbonell - España

Entre las miles de cosas gratificantes que tiene escribir sobre cine existe la de ver como alguien disfruta con lo que hace, con su hobby o con su trabajo, ver y comprobar que lleva adelante proyectos sin darle ningún tipo de importancia a la repercusión mediática o monetaria como fin. 'Double Trouble' es el segundo trabajo 'oficial' de un ex compañero de esta casa, Fer Zaragoza. El valenciano repite formato, cortometraje, para regalarnos una nueva idea que evoca directamente al cine fantástico mas misterioso de los años 80 y 90 o a series míticas como 'The Twilight Zone'. Después de 'El teléfono de mamá', Fer bajo su productora amateur El Bigotito Films, escribe y dirige 'Double Trouble' con un claro enfoque retro, su música, su historia y su puesta en escena así lo indican. Ambos trabajos hasta la fecha de Fer son grandes ideas que dan para mucho mas pero pecan de algo en concreto, mas detalles o datos que ayuden a crear una imagen mas amplia del personaje central. En 'El teléfono de mamá', la idea nos atraía pero se nos quedaba algo corto el desarrollo, era muy difícil ahondar en las vidas de sus dos protagonistas mas allá de lo debido, en parte por su breve duración y en parte por la inexperiencia de su director obviamente pero, aquella idea tan chispeante dotaba de magia a ese corto, era su alma. En 'Double Trouble', con mucho mas tiempo en el aire vuelve a pasar igual, lo único que sabemos de nuestro protagonista, el guionista alter ego del propio Fer Zaragoza interpretado por Borja Adrián, es que se encuentra escribiendo un guión y por lo tanto, es guionista o trabaja en el medio. Lo mejor que tiene 'Double Trouble' es la idea, exactamente igual que ocurría en 'El teléfono de mamá', el jovencisimo director levantino vive por y para el cine y su mente no deja de trabajar en ideas originales o al menos ingeniosas para llevar a cabo sus proyectos como demuestra de nuevo en esta ocasión. He visto en 'Double Trouble' ramalazos de los Observers de 'Fringe', del cine mas primerizo de Carpenter, he visto ese homenaje en toda regla a 'Old Boy' con el martillo de Mineranova y he disfrutado con el momento: 'ojo cuidado que se quita las gafas y baja...cuidado que va....,' enorme, no os metáis nunca con alguien con gafas y un martillo, es un consejo. La parte técnica ha aumentado de calidad y se puede comprobar en el trabajo realizado por Facundo Báez y Jaume Agües en la fotografía, edición y sonido así como en la banda sonora original de Rodrigo Caro, un toque retro que le va como anillo al dedo a 'Double Trouble' y que lo dota de un estilo determinado y muy concreto. Jorge Valdés es The Stranger Man y la canción de los créditos finales corresponde a un tema de Eli & Fur titulado 'You´re So High' del álbum Illusions. En lineas generales se pude comprobar perfectamente el aumento de calidad en este segundo trabajo de Fer Zaragoza, hay una mejoría evidente y eso solo es indicador de que se están haciendo las cosas bien, 'Double Trouble' es un corto sencillo, de corte fantástico y con un estilo muy marcado, un bocado ligero que llevarse a la boca, una historia sin pretensiones que no chantajea al espectador con su evocación a la nostalgia. Al igual que con otros jóvenes realizadores nacionales o internacionales que recién empiezan en este duro mundo cinematográfico, en Bloodstab seguimos apostando por ellos, por valores como Fer Zaragoza.

MR. DENTONN

Mr. Dentonn - Ivan Villamel Sanchez - España

7/10

Una de las muchas cosas buenas de dirigir este blog es la posibilidad u oportunidad que surge en ocasiones para poder visionar algunos de los cortometrajes realizados por futuras promesas del cine de genero de este país o de fuera de el. Así llegó a mis manos 'Mr. Dentonn', segundo cortometraje del barcelonés Ivan Villamel Sanchez estrenado en 2014 después de hacer lo propio en 2011 con 'Refugio 115', una opera prima que termino recogiendo mas de una treintena de premios. 'Mr. Dentonn' abre con Laura (Irene Aguilar) leyéndole un cuento a David (Kaiet Rodríguez) antes de irse a la cama. Cuando Laura advierte que dicho cuento no es para niños y decide parar de leer ya es tarde y...Mr.Dentonn (Ander Pardo) ha llegado. El segundo trabajo de Ivan Villamel llama mucho la atención porque tiene un empaque visual tremendamente efectivo, es una historia, cuento o fabula que ya hemos visto antes, por aquello del hombre del saco quiero decir o enfocado de distintas maneras y que quizás recuerde de alguna manera a la excelente 'The Babadook' u otras menos agraciadas como 'Darkness Falls' pero lejos de eso, lo bueno del corto de Villamel y lo que realmente saca uno en claro después de verlo es que, ni se pretende imitar, copiar u homenajear un film en especial sino nada mas un tipo de cine muy concreto y que todos conocen. 'Mr. Dentonn' rezuma amor por aquellas historias de terror de los 80 y principios de los 90 como demuestran su música, su ambientación de pesadilla, ese tono azulado, oscuro y siniestro que recuerda al mundo de los sueños donde Freddy hacia y deshacía de 'A Nightmare on Elm Street' o 'The Lost Boys', 'Hellraiser', 'Fright Night' y hasta 'Brainscan' por ejemplo, esto en cuanto atmósfera, y además la historia da detalles suficientes para generar un feedback mas que grande si se quisiera convertir este en un largometraje como son los receptáculos con las caras de los niños de Mr. Dentonn, la foto en el recibidor sin el padre o el efecto de los espejos al romperse. Al igual que en su primer corto, Ivan Villamel Sanchez dirige y escribe este 'Mr. Dentonn' pero varía en cuanto al reparto de roles en los aspectos técnicos: Ignacio Aguilar en la fotografía, Tomas Esteras en el montaje y el prometedor Luis Hernaiz en la banda sonora, un Luis Hernaiz que dentro de poco se estrenara con su primera partitura para un largo titulado 'Sant Martí'. La de 'Mr. Dentonn' es una historia sencilla, que no simple, nostálgicamente bien ejecutada, se nota que su director no es un aficionado mas al cine y que cuenta con muchas tablas en este mundo, tanto el guión como la dirección son notables y el resultado final es como el de ver un extracto de siete minutos de una película de terror, deja con muchisimas ganas de mas, de conocer ese vecindario nocturno y solitario, el porqué ese niño tiene un poster de 'In the Mouht of Darkness' en su habitación y como no, de conocer al terrorífico Mr. Dentonn y la mas que segura historia tras de si. Personaje genialmente diseñado, por su porte alto, su delgadez embutida en un traje negro, sus dedos extra largos, ese sombrero de copa roído y esa boca tan escalofriantemente grande, el gran trabajo de maquillaje y caracterización se puede apreciar en un par o tres de escenas pero son mas que suficientes para comprobar el gran esfuerzo de esa dupla formada por Víctor Javier Bernardos y Antonio Pérez Cabrera por crear un nuevo engendro de la noche, ese nuevo hombre del saco. En definitiva, el toque nostálgico bien aprovechado y ejecutado hacen que el corto de Ivan Villamel Sanchez no sea uno mas dentro de la masiva producción de cortos en este genero sino que sea un trabajo mas que referenciable en su carrera y admirado por otros jóvenes talentos, un claro homenaje a los clásicos de terror de los años 80 que, como indica la foto en la parte alta del articulo, cuenta con mas de 300 selecciones en festivales de todo el mundo y 80 premios en su currículum. Si tenéis la oportunidad de verlo en algún festival no os lo perdáis porque merece mucho la pena, por historia, por su particular universo y su mimada atmósfera y por que además de todo cierra con unos títulos de crédito finales dignos de cualquier super producción que se precie, impresionante 'Mr. Dentonn'.

RETRO 80S

En la más profunda oscuridad de una sala a rebosar se proyecta un film del que poco o nada sabemos. Las únicas referencias son el póster, los fotogramas situados en el vestíbulo, el breve trailer (si hemos tenido la suerte de verlo) y algún comentario en periódicos o revistas. Prácticamente vírgenes de información y sin spoilers de por medio, nos entregamos en cuerpo y alma a la historia que se nos narra, sin distracciones de ningún tipo, sin smartphones ni internet, descubriendo esa magia especial del primer visionado en una experiencia totalmente desintoxicada de críticas o alabanzas ajenas.

Así eran los años 80. Una época dorada en la que muchos quedamos prendados de aquel encanto tan peculiar que poseían todas aquellas películas. Una década donde las colas en los cines daban la vuelta a la manzana; donde abundaban las salas de reestreno con modalidad sesión doble en las que podíamos repetir cuantas veces quisiéramos o empezar viendo la primera película por la mitad y completar luego esos minutos que nos habíamos perdido; donde nos pasábamos horas y horas en los videoclubs mirando carátulas, charlando y decidiendo qué cinta alquilar;  donde un simple rebobinado generaba alta expectación; donde esperábamos ansiosos a un pase televisivo para poder grabar la película en una cinta VHS o Beta; donde nació nuestro amor absoluto por el cine.

La exhibición cinematográfica por aquel entonces era indudablemente mucho más rica, estimulante y variada que la actual. Echabas un vistazo a la cartelera y el mosaico de opciones daba gusto. Todo se vivía de otra forma y la proyección representaba todavía una experiencia colectiva. Y aunque la llegada del vídeo, como en su día la televisión, había perjudicado un poco al sector, las salas de barrio seguían siendo las reinas gracias a las generosas ventanas (tanto de alquiler como de venta) y a la –por lo general- baja calidad audiovisual que ofrecían las cintas en comparación con la espectacularidad de los cines y teatros.

Por el contrario, hoy en día se ha perdido gran parte del carisma y la personalidad en los cines. Hay demasiadas multisalas clónicas, carentes de ambiente y que más bien podrían definirse como una extensión de nuestro salón particular. Además, en la era de Internet, se peca de exceso de información, de trailers que destripan películas, de noticias y fotos constantes, de filtraciones (sobre todo desde convenciones especializadas) e incluso de revistas y programas de radio que bordean constantemente el spoiler. Todo ello degenera notablemente la experiencia primigenia que el espectador pueda tener con un film. Por suerte en los últimos años han surgido proyectos como Phenomena que intentan recuperar el ambiente añejo y potenciar la experiencia colectiva con valor añadido, y a la vez también han resucitado salas como el mítico cine Texas que apuesta por una oferta que combina títulos de calidad a precios populares con algunas sesiones esporádicas en modalidad maratón.

Desde Bloodstab queremos rendir tributo a una época irrepetible con una serie de películas que merecen ser reivindicadas y revisadas desde el cariño aunque también desde el criterio. Algunas habrán envejecido peor que otras, de eso no cabe duda, pero es innegable que siguen conservando aquel encanto especial. Dentro de Retro 80 encontramos un poco de todo: viajes temporales que ya forman parte del imaginario colectivo en la obra maestra de Robert Zemeckis y Bob Gale ('Regreso al futuro'); la particular cinta de aventuras claramente inspirada en El Hobbit a cargo de Ron Howard y George Lucas ('Willow'); la comedia sci-fi con robot plasteta que arrasó en los videoclubs ('Cortocircuito'); el policíaco futurista ácido y violento ('Robocop'); la magnífica opera prima de los Coen ('Sangre fácil'); la estéticamente fascinante incursión en el género de espada y brujería por parte de Ridley Scott ('Legend'); la comedia de enredos y aventuras juveniles que -debido a su éxito- sirvió de hoja de ruta para la posterior y no menos genial 'Solo en casa 2', también de Columbus ('Aventuras en la gran ciudad'); y un Walter Hill en estado de gracia que convierte a los pantanos de Lousiana en una especie de Vietnam ('La presa').

Una pequeña e interesante selección de lo mucho que ofrecieron al espectador aquellos inolvidables 80.

Robocop - Paul Verhoeven - Estados Unidos

8/10

Como cambian los tiempos, cuando era pequeño, en los ochenta, cualquiera podía ver una película no recomendada a menores de 18 años, era algo más normalizado, muestra de ello es cuando fui a ver 'Robocop' con mi padre. Por aquella época todavía había sesión continua, en el cartel estaban 'Robocop' y 'Los señores del acero' (Flesh and Blood) echándolas continuamente y alternando una con la otra. Nos vimos las dos del tirón, probablemente todos los problemas de inestabilidad mental/afectiva que tengo vengan de estas cosas, eso sí, la mayoría de los compis de clase también la vieron, porque recuerdo hablar de la película con ellos en los recreos. Pero bueno, que yo he venido aquí a hablar de mi Robocop. El filme de Paul Verhoeven es una muestra de como la hiperviolencia bien tratada puede dar auténticas obras maestras, que sí, que es un blockbuster más o menos al uso pero en el se tratan temas económicos, éticos y sociales que hoy día están de plena actualidad como por ejemplo la privatización de los servicios públicos (hay que tener en cuenta que Robocop es un producto de la empresa OCP que controla los recursos de la policía). Alex Murphy (Peter Weller) es un policía brutalmente asesinado nada más llegar al departamento de Detroit por una banda de delincuentes, su cuerpo es utilizado para el proyecto Robocop, un policía mitad máquina mitad humano capaz de encargarse de cosas que otros no podrían, pero aunque han borrado la memoria de Murphy, Robocop al encontrarse casualmente con uno de sus asesinos irá recobrando esta poco a poco y perseguirá a la banda que lo mató. La película es un clásico instantáneo, ya solo el diseño de Robocop me parece una pasada, esa imagen de él saliendo del coche es imponente, esa manera de sacar la pistola de la cartuchera, la forma de moverse e incluso el sonido de sus pasos, la expresividad que muestra el actor teniendo en cuenta que solo se le ve la parte baja de la cara, labios y barbilla: todo de 10. Luego tenemos una historia bien hilada, nada excesivamente complejo, pero salpicada de esos toques de humor negro que tanto gustan al director holandés, como los anuncios de la tele que vamos viendo a lo largo de la película, que enmarcan perfectamente el tipo de sociedad decadente que habita este futurista Detroit. Y volvemos al tema de la violencia, porque 'Robocop' tiene escenas brutales en este aspecto, la de la muerte de Murphy es eso, brutal en su más amplio espectro, u otra en la que a un tipo se le cae un contenedor de ácido encima y va por ahí con la piel cayéndosele y pidiendo ayuda y de repente un coche le atropella haciéndole puré (escena inolvidable) o incluso el aspecto del propio Robocop cuando se quita el casco es bastante perturbador. En cuanto a efectos especiales, para la época eran una pasada y a día de hoy aunque se nota el paso del tiempo, no están nada mal, por ejemplo el robopolícia antagonista, el 'ED-209', un robot bípedo grandote está hecho con técnicas de stop motion no canta excesivamente a pesar de estar hecho con una técnica ya obsoleta, por cierto me encantan las dos escenas que protagoniza este engendro mecánico, otra muestra de lo que le gusta al bueno de Verhoeven el humor negro. Y esa es la  receta ochentera que os recomiendo: hiperviolencia futurista de toque ciberpunk aderezado con crítica social, un poco de western y sazonado con humor negro.

Adventures in Babysitting - Chris Columbus - Estados Unidos
6.5/10

Chris (Elisabeth Shue), tras quedarse compuesta y sin novio, acepta pasar la noche ejerciendo labores de canguro. Así, se tendrá que encargar de vigilar a Sara (Maia Brewton) y a su hermano adolescente Brad (Keith Coogan) y, de rebote, a Daryl (Anthony Rapp) amigo de éste último. Tras recibir una llamada de su amiga Brenda, perdida sin gafas en Chicago tras fugarse del hogar, deberá acudir en su ayuda. Así comienza esta simpática película de aventuras urbanas dirigida por Chris Columbus ('Home Alone', 'Bicentennial Man', 'Harry Potter and the Sorcerer's Stone' o la reciente 'Pixels'). Será su ópera prima y establecerá las bases de este cine infantil 'columbiano' que elevaría a su máxima expresión en 'Solo en Casa'. Elisabeth Shue, a la que ya conocíamos de 'Karate Kid' y de la terrorífica 'Link', debuta, y se luce, como protagonista. Es la primera, y casi la única vez, que lleva la voz cantante, canalizando toda la acción del film, y no haciendo la veces de mero adorno del macho alpha del film (véase las secuelas de 'Back to the Future' o incluso 'Cocktail'). No será hasta 'Leaving Las Vegas' donde, aunque en un rol totalmente distinto, la veremos volver a brillar. Del resto del reparto cabe destacar a  Maia Brewton, la joven Sara, a la que años más tarde la vimos interpretando a la odiosa hermana de Parker Lewis ('Parker Lewis Can't Lose'). Será por Sara por lo que guardo tan buen recuerdo de este film, pues siendo lector de cómics como lo soy, fue toda una revelación descubrir que el personaje en cuestión era toda una fan del Thor de Marvel (algo que aunque parezca muy común hoy en día, no lo era tanto en los años '80). De hecho el propio Thor, o un trasunto de él, hará su aparición en la película encarnado por… ¡Vincent D'onofrio!  En fin, entrañable película ochentera de aventuras sin mayores pretensiones que hacernos pasar un buen rato (cosa que consigue con creces) y de la que se prepara un remake, en versión televisiva, para este mismo año.
 

Legend - Ridley Scott - Estados Unidos
6/10

'Legend' fue la 5ª película de Ridley Scott, algo atípico después de filmar de manera seguida 'Alien' y 'Blade Runner'. Dicen que la realizó buscando algo mas relajante y tranquilo después de aquello. Es muy parecida a otras de la época. Los 80 estuvieron llenos de películas maravillosas de fantasía como 'The Princess Bride', 'Labyrinth' o 'Willow'. Tiene una ambientación increíble y una estética preciosa y apabullante para la época. Junto a esto, podemos encontrar a un jovencísimo Tom Cruise y al más malvado de todos, Tim Curry. No fue tan productiva como se esperaba, costo más de lo que se recaudo en total por ella. Los actores, a excepción de Cruise y Mia Sara, llegaron a pasar toda la mañana en maquillaje llevando hasta 12 piezas de prótesis y Curry llegaba a 6 horas diarias al ser el cuerpo entero. La historia comienza con Lili (Sara) una joven princesa a la que le gusta pasear por el bosque encantado junto a Jack (Cruise). Mientras, el Señor de las Tinieblas (Curry) ordena al duende más malvado de todos, Blix (Alice Playten), que debe acabar con los dos seres que representan la inocencia y la pureza para poder sumir el mundo entero en la completa oscuridad. Después el Señor de las Tinieblas, secuestra a Lili para que sea su reina. Cuando parece que todo se ha acabado y que el Señor de las Tinieblas va a salirse con la suya, Jack, se une a sus amigos los duendes para acabar con la oscuridad que empieza a rodear todo. El papel de Jack, fue ofrecido a Jhonny Depp, Robert Downey Jr. y Jim Carrey antes de que llegara a manos de Tom Cruise. Scott redujo la película de 150 a 98 minutos tras los primeros visionados privados, se sospecha que la razón era que inducida al consumo de drogas. Scott también confeso que se había inspirado en el vídeojuego de Zelda y en famosas películas de Disney como 'Blancanieves', 'Fantasía' o 'Bambi'. Los efectos especiales de la película y la caracterización están realizados de la mano de Rob Bottin que ya tenia contrato para realizar 'The Thing' de Carpenter. Bonita película de fantasía, de historia plana y sin mucha vida, pero que recomiendo fervientemente a los nostálgicos de la época.

Short Circuit - John Badham - Estados Unidos
5.5/10

De la mano del polifacético John Badham, director de pelis tan dispares como 'Saturday Night Fever', 'Dracula' o 'War Games', nos llegó en pleno 1986 esta simpática comedia de ciencia ficción llamada 'Short Circuit' (Cortocircuito). La película nos cuenta la historia de Número 5, un prototipo de robot creado en una fábrica de electrónica experimental donde ha sido construido con fines militares, de la cual logra escapar tras haber sido impactado por un rayo alterándole todo su programa. En su huida acabará conociendo a los personajes de Stephanie (Ally Sheedy) y Newton (un insoportable Steve Guttenberg), que acogerán al robot y lo protegerán frente a las garras del militar Skroeder (G.W. Bailey). Nos encontramos con una de las películas más populares y queridas de la década de los 80, dentro del género juvenil, la cual en su momento llegó a cosechar un gran éxito entre el público, tanto que solo dos años después apareció su secuela 'Short Circuit 2' (Cortocircuito 2). Como ya se puede imaginar por su argumento, estamos ante una película totalmente blanca y apta para todos los públicos, hasta el punto de que por momentos puede parecer una película enteramente infantil, sobre todo con escenas como la del primer encuentro entre Número 5 y Stephanie, en la que esta cree que el simpático robot es un extraterrestre venido del espacio. Con una historia de lo más simple, unas interpretaciones bastante irregulares y un acabado técnico de lo más olvidable, ¿cómo pudo en su momento esta película causar tanto furor?, pues la respuesta está en Número 5 (o Johnny 5 como más adelante se bautizaría), que es el alma de la cinta, un robot con un carisma arrollador y un diseño de lo más acertado, diseño que por cierto fue fuente de inspiración para los de Pixar y su 'Wall.E' años más tarde. Y es que la gracia de la película está en ver al sofisticado robot en situaciones de la vida diaria para las que no está preparado, ya que como buen robot militar que es, no entiende para qué sirven la mitad de cosas cotidianas que hay en una casa, por lo que podemos verle trastear con todo ante su continuo asombro, hasta intentando cocinar mientras sigue las instrucciones de un programa de televisión, y que decir de la escena en la que el robot ve desnuda a la protagonista, uno de los momentos más divertidos de la película. En definitiva, todo el encanto de la película radica en el entrañable robot y todo lo que tiene que ver con él: sus situaciones disparatadas, el enfrentamiento con sus 'hermanos', su búsqueda de datos..., siendo la trama de los militares la menos conseguida y la que despierta menos interés en el espectador. Cine familiar ochentero, que combina la ciencia ficción, la comedia y la aventura con más o menos acierto, con un protagonista mecánico que harás las delicias de los más pequeños y que a día de hoy sigue siendo muy recordado.



Willow - Ron Howard - Estados Unidos
7.5/10

'Willow' es una de las muestras del buen cine de aventuras y fantasía que se hizo en la década de los 80. Hoy en día se ha perdido la autenticidad que desprendían estas cintas. Las pantallas verdes y los efectos digitales, muchas veces de mala calidad y excesivos, han matado el buen sabor de boca que te dejaba este tipo de cine al salir de una sala. La mayoría de las producciones actuales ya no están rodadas en escenarios naturales, hoy casi todo se rueda en estudio y con la ayuda de la tecnología, y pierde todo el encanto y la personalidad que transmitían las películas de los 80. Junto con 'Lady Halcon', 'Legend', los Conan de Schwarzenegger, 'Highlander', 'The Princess Bride'  o la maravillosa 'Excalibur', entre otras, 'Willow' esta en este selecto grupo de cine medieval de aventuras con toques fantásticos que tanto nos hizo disfrutar en los 80, y que en mi caso coincidió con mi infancia/adolescencia y de las que guardo un recuerdo magnífico. 'Willow' nos cuenta como la malvada reina Bavmorda (Jeanne Marsh) intenta eliminar a una niña que una prisionera ha dado a luz en sus mazmorras y que según una antigua profecía acabara con su reinado. La comadrona intentara salvarla, pero en el último momento no tendrá mas remedio que dejar a la niña en el río y que a esta se la lleve la corriente hasta un poblado de enanos, donde el valiente Willow (Warwick Davis) decidirá protegerla. Y aquí empieza la aventura. En esta película se unen tres de los grandes nombres del cine de final del siglo XX, Ron Howard en la dirección, George Lucas en el argumento (el guión es de Bob Dolman) y el recientemente fallecido James Horner en la partitura. No es su mejor trabajo porque es muy difícil que los sea, ya que estos tres señores han hecho autenticas maravillas,pero el conjunto funciono muy bien en su momento, y 'Willow' fue  éxito que catapulto al entonces sex-symbol Val Kilmer (como han cambiado las cosas) a ser un de los actores de moda en Hollywood. A pesar de no ser su cinta mejor dirigida, Ron Howard consigue que esta divertida y heroica aventura tenga esa magia especial que destilaba este tipo de películas ochenteras. El ritmo es trepidante durante todo el metraje y la historia es realmente muy imaginativa, no en vano salio de la mente del creador de 'Star Wars', George Lucas, todo manido con la gran banda sonora de Horner y unos actores que encajan a la perfección en sus papeles, hacen de 'Willow', un clásico de los 80 y del cine de aventuras y fantasia. A la película solo se le nota el paso de los años en lo que a los efectos digitales se refiere, a pesar de que en ese año, 1988, estuvo nominada al Oscar a los mejores efectos visuales. En este aspecto el cine evoluciona muy rápido. 'Willow' no es una película perfecta, ni lo pretende, es para disfrutarla con nostalgia de nuestra adolescencia y de un cine que tristemente creo que no volverá, y en eso espero equivocarme.

Back to the Future - Robert Zemeckis - Estados Unidos
9/10

Con los años, y con los repetidos visionados de ciertas películas predilectas,empiezas a preguntarte que parte de su argumento consigue constantemente atraer tu atención o que elemento de ella te es mas afín emocionalmente. Cuando vi 'Back to the future' la primera vez lo intuí, y pasados los años lo tuve muy claro,por descontado no puedo negar que viajar en el tiempo no sea un recurso narrativo lo suficientemente atractivo para cualquier espectador, sin embargo, he llegado a la conclusión que el centro gravitatorio por el que esta película me gusta tanto es por la posibilidad que tiene su protagonista de conocer a sus padres 30 años antes cuando eran jóvenes. Supongo que es algo que todos hemos pensado alguna vez...¿como eran mis padres en sus juventud? ¿nos llevaríamos bien? ¿en que me parezco a ellos?, pero la cuestión no terminaba ahí. Los guionistas practicaron la premisa de ¿y si...? y si además de conocer a tus padres se la circunstancia de que tu propia madre se sienta atraída por ti antes que por tu padre debido a un accidente que pondría en peligro tu propia existencia, entonces aquello se convertía en una excitante carrera contrarreloj. Por supuesto que no veo nada en los padres de Marty que sea un reflejo de los mios en lo que a personalidad o carácter se refiere, pero mi imaginación se dejo llevar por la propuesta. Aún así, no puedo dejar de reconocer que una persecución en monopatín que acaba enterrando en estiércol al matón de Biff Tannen, o que interpretar a Chuck Berry como si fueras Angus Young antes de que el rock and roll hiciera su aparición frente a una juventud que se preparaba para una explosión de cultura popular, no dejaran a un niño como yo realmente alucinado, y para quien las producciones de Spielberg ya eran cita obligada y empezaba a formar parte de mi ADN emocional. Y por supuesto están Marty Mcfly y Doc Brown, ellos son 'Back to the future' y su razón de ser, pocas veces una pareja tan heterodoxa nos hizo creer a todos nosotros que un tipo de cine como este, al único lugar a donde nos pueden llevar...no necesita carreteras.

Southern Comfort - Walter Hill - Estados Unidos

7/10

'Southern Comfort' nos traslada a 1973 y nos enseña como unas aburridas maniobras de la Guardia Nacional en los pantanos de Louisiana pueden derivar en una pesadilla terrorífica cuando una unidad de soldados toma prestadas unas canoas a unos lugareños y descarga una ráfaga de balas de fogueo sobre ellos para rematar la broma. Con este motivo aparentemente tan trivial comienza un conflicto entre los militares y los nativos del lugar, una guerra que no pinta nada bien para los militares que se encuentran en terrenos desconocido, perdidos y con todo en su contra. A nadie se le escapa que la analogía con el conflicto de Vietnam es más que evidente, tropas americanas desplazadas a un lugar que no conocen, soldados poco motivados con ganas de volver a casa y nativos hostiles, habituados a su entorno que sin necesidad de armas de última generación son capaces de ser la pesadilla de cualquier estratega. Pero detrás de esta primera analogía se encuentra otra mucha más rotunda y más básica, la lucha del hombre por la supervivencia y un olor a testosterona que tira de espaldas, algo a lo que Walter Hill estaba muy acostumbrado e enseñarnos en todas sus películas y guiones como buen fan de John Ford que era. Los hombres que componen este pelotón están más motivados por llegar a la zona de recogida a que se encuentra a 38 kilometros donde les esperan unas chicas donde descargar su ardor guerrero, de hecho este es el motivo por el que deciden robarles las canoas a los cajuns lugareños y así llegar lo antes posible a su objetivo. Un claro ejemplo de que al final tiran más dos tetas que dos carretas, no contentos con esto a uno de ellos se le ocurre gastarles una broma y disparar sobre ellos su M60 cargada de balas de fogueo. Sin saberlo les ha declarado la guerra y no va a pintar nada bien para el equipo visitante. Este pelotón tan variopinto está mandado por el excelente y siempre efectivo Peter Coyote, un jefe que aunque sabe hacerse respetar tiene tendencia a ser convencido por el resto de sus hombres en cuanto a decisiones malas se refiere. Sus hombres son de todo tipo social, nada les une ni les hace parecidos sin contar su necesidad de terminar cuanto antes las maniobras. Algunos de ellos esconden héroes bajo su aspecto cotidiano y su vida rutinaria, otros son supervivientes todoterreno, algunos pese a su aspecto duro se quebraran y entraran en un estado de locura del que ya no serán capaces de salir. Son los representantes del modo de vida americano en todas sus facetas y aspectos sociales. En el bando contrario no hay rostros, es lo que se puede llamar  un enemigo anónimo, nadie tiene una cara definida salvo el prisionero manco interpretado por Brian James que les acompaña forzosamente para guiarles fuera de la zona de guerra. No sabremos nada de las vidas de estos cajuns hasta el final cuando los supervivientes ven que este pueblo que puede llegar a ser tan hostil en realidad tiene una vida normal y corriente, donde celebran fiestas y cantan canciones. Esta película tiene una atmósfera especial, algo que te hace sentirte mal, un ambiente sucio y viciado es el se que destila de ese pantano donde parece que hemos retrocedido cien años en el tiempo, la ausencia de cualquier elemento de civilización no existe, y lo único que hay es barro, agua y animales. El titulo original,  'Southern Comfort' es un chiste en si, haciendo referencia a la popular hospitalidad sureña, una pena que aquí se cambiara por uno tan manido y poco original como la presa pero es algo que era costumbre hacer en aquel entonces y que nos ha acompañado hasta hoy en muchas ocasiones. En el reparto de esta contundente película además del mencionado Peter Coyote encontramos a Keith Carradine, Fred Ward, Powers Boothe (del cual me declaro fan hasta la medula desde la brutal 'Traición sin límite' también de Walter Hill). Hoy en día quizá se extreme el hecho de que el cine de los ochenta fuera todo genialidad e imaginación, es cierto que durante esos años se hicieron grandes películas pero también grandes truños, mucho cine de entretenimiento con disparos, acción y protagonistas que llamaran la atención era lo que el publico de entonces exigía ver en las salas, meter 'Southern Comfort' en esa categoría seria infravalorarla injustamente, Walter Hill era un director que no solo daba acción y buenas historias además sabia contarlas y no quedarse en la superficie de estas, el mensaje siempre estaba ahí presente solo había que saber leerlo para darte cuenta de que esto no era una simple película donde el protagonista debía resolver a tiros un problema. Naturalmente como todos los directores tiene obras menos acertadas pero para mí fue el mejor descubrimiento que hice en las salas de cine durante esa década. Sería una atrocidad saltarse una década tan marcada como la de los ochenta sin mencionar al hombre que hizo de la violencia y de sus historias un arte y que no solo nos hizo comer palomitas con sus películas sino que además hizo que nos alimentasen un poco, al menos intelectualmente.

Blood Simple - Cohen Brothers - Estados Unidos
8.5/10

El saco donde elegir una película para este especial es tan profundo que uno se puede perder entre la nostalgia y los recuerdos que les traen muchas cintas producidas en aquella mágica década. Sin ir mas lejos, me ha pasado a mi. Y en esa duda que suponía seleccionar tan solo una de ellas llegue al visionado de 'Blood Simple', la opera prima de los hermanos Cohen. Estrenada en 1984, esta película paso totalmente desapercibida de mi inocente radar cinéfago en su momento, tenía 5 años, y como muchos otros, mi idilio con Joel y Ethan llegó mucho mas tarde con 'The Big Lebowski' y 'Fargo'. Decidirme entre la nostalgia de un clásico retro o 'Blood Simple' no ha sido fácil os lo aseguro, pero finalmente ha pesado mas la fascinación que me ha transmitido la primera película de los Cohen. Fascinación porque 'Blood Simple' esta escrita y dirigida de manera magistral para ser una opera prima consiguiendo transformar totalmente y otorgándoles elecciones contradictorias a lo esperado a los personajes base del cine negro. La excelsa sencillez del guión, que no simpleza, es uno de los grandes puntos fuertes de 'Blood Simple', su sinopsis reza lo siguiente: Ray (John Getz) trabaja para Marty (Dan Hedaya) y a su vez es el amante de su mujer, Abby (Frances McDormand). Marty contrata un detective privado (M. Emmet Walsh) para que los asesine a ambos. Nada mas señores, un simple adulterio, este es el argumento base de la opera prima de los Cohen, con esto y cuatro personajes los directores norteamericanos hilan una historia de cine negro sumamente sencilla, muy física y...negra, valga la redundancia. Se puede preveer cuales serán las acciones de estos personajes leyendo la sinopsis pero jamas acertaríais a adivinar que elecciones tomaran llegado el momento, nadie controla el destino de los personajes, ni ellos mismos ni los propios espectadores, esta máxima de los Cohen se ha seguido repitiendo en todas y cada una de sus producciones, los espectadores convertidos en investigadores, el investigador convertido en asesino, el que encarga el asesinato...y las supuestas víctimas...Todo un desmembramiento de personajes básicos del cine negro de los 40 y 50 reconstruidos a medida que la trama avanza y destrozan el glamour que los protegía en aquellas décadas haciéndolos despreciables, lejanos, sucios. Y lo bueno de 'Blood Simple' no termina ahí, la película tiene sutíles pinceladas de humor negor y alcanza incluso hasta cotas de thriller de terror por momentos, esa pala arrastrándose por el asfalto con el plano a pie de suelo...el arduo y solitario entierro o el tramo final casi paranormal con la luz atravesando los agujeros de bala y el terror reflejado en la cara de Abby que evoca a la magnifica 'Les Diaboliques'. Los homenajes, guiños e influencias a Hitchcock son tan palpables como ese encendedor parecido al de 'Strangers on a train' que usa el detective Visser sin olvidar planos que remiten directamente a clásicos del maestro como 'Vertigo', 'Psicosis' o 'Turn Curtain'. 'Blood Simple' tiene tantas capas donde rascar y extraer algo bueno que no ha sido sino con el paso de los años donde la opera prima de los singulares hermanos Cohen ha ganado en robustez y presencia, una presencia oscura y enrarecida como la de la atmósfera que se respira en los 96 minutos que dura, siempre de noche y durante 6 días la visión amarga de un pueblo solitario de la Texas mas rural y profunda donde un adulterio y posterior asesinato romperán la tranquilidad de la noche. Mentiras, celos y personajes llevados al extremo bajo una madrugada fotografíada por Barry Sonnenfeld y aderezada esporádicamente con la música que sutilmente pone Carter Burwell donde la melodía traza seis notas inolvidables y reconocibles con el paso del tiempo, pocas bandas sonoras tan cortas tienen el don de perdurar con el paso de los años en la mente de sus espectadores como lo hace esta. Guión fabuloso, interpretes en estado de gracia, una historia anclada a único y gran escenario como ese pueblo nocturno y solitario de Texas, ese aire independiente que rezuma la cinta...como dije al inicio, 'Blood Simple' no es la película mas nostálgica para recomendar de la década de los 80 y prácticamente paso desapercibida por muchos aficionados, como el que suscribe estas palabras, en su momento así que, no creo que haya otro mejor momento para recomendar a todo el mundo cinefago su visionado y a los fans del cine negro, recomendarla encarecídamente ya que es una obra perfecta, con una historia simple para adentrarse al cine negro y al extraño mundo que llevan creando los Cohen desde hace mas de 30 años. Para terminar quiero cerrar la critica con unos datos técnicos como es el capitulo 20 de la revista Red Harvest escrito por Dashiell Hammett de donde los Cohen toman prestado el titulo, 'Blood Simple', y también 'Double Indemnity' en el 34 y 'The Postman Always Rings Twice' en el 36 que servirían de inspiración a la hora de dar forma al guión. Como muchos sabréis, ambos relatos fueron llevados al cine diez años mas tarde, primero fue Billy Wilder en el 44 con 'Double Indemnity' y posteriormente Tay Garnett en el 46 hizo lo propio con 'The Postman Always Rings Twice'. Un remake libre  de la película de los Cohen se estreno en 2009 dirigido por el asiatico Zang Yimou titulado 'San qiang pai an jing qi (A Woman, A Gun And A Noodle Shop)'.

DEAD AND BURIED

Dead and Buried – Gary Sherman - Estados Unidos

7/10 

Potters Bluff es, en apariencia, un tranquilo pueblo pesquero. Los lugareños se reúnen a charlar y emborracharse en la cafetería del pueblo y, de vez en cuando, a matar a algún que otro turista mientras le sacan fotos. ¿Spoiler? Tranquilos, lo que os acabo de narrar ocurre en los primeros minutos del film y no desvela secreto alguno. Todas y cada una de estas muertes serán enmascaradas como distintos tipos de accidentes. El sheriff Gillis (James Farentino) será el encargado de resolver las, cada vez más frecuentes, muertes acaecidas en el pueblo. Con guión de Ronald Shusett y Dan O'Bannon, el tandem responsable del guión de 'Alien', y dirección de Gary Sherman ('Raw Meat', 'Poltergeist 3'), en 1981 se estrenó 'Muertos y Enterrados'. Concebida por Sherman en un primer momento como una comedia negra, la película fue perdiendo su tono cómico en pos de uno más 'gore' debido a exigencias de parte de los productores. El mostrarnos desde el primer momento quienes son los asesinos no le resta ni ápice de interés a la película, es más nos coloca en una posición privilegiada respecto a su protagonista y nos dará la sensación de ir un paso por delante en la investigación. Esto no llega a ser del todo cierto, puesto que no podemos saber cuantos de los vecinos de Potters Bluff están metidos 'en el ajo', estableciéndose así un juego de sospechas con cada nuevo personaje que aparezca en pantalla. Destacar entre todo el reparto a Jack Albertson, el cual interpretará a un forense obsesionado con la tanatopraxia y que jugará un papel muy importante dentro del film. También contaremos con la presencia de un joven Robert Englund ('V', 'Pesadilla en Elm Street') que dará vida a uno de estos 'simpáticos' paisanos. La fama adquirida por el film en cuestión no le viene solo por su calidad cinematográfica, sino en gran parte por el hecho de haber sido catalogado como un video nasty por la administración Tatcher. En definitiva, la película, aunque más sangrienta, goza de un estilo de producción similar al de títulos como 'Amityville', 'El misterio de Salem's Lot' o 'Pesadilla Diabólica', que tantas buenos/malos ratos nos hicieron pasar en sus múltiples pases en la pequeña pantalla. Adolece de cierta factura televisiva, dicho esto sin ningún tipo de acritud, que junto con sus giros de guión nos puede recordar a producciones de la pequeña pantalla como 'Twilight Zone' o 'Hammer House of Horror' entre otras. Pequeño clásico, desconocido por muchos, que hará las delicias de los amantes del género. Pasen y disfruten, si pueden, de su estancia en Potters Bluff.

CREEPSHOW 2

Creepshow 2 - Michael Gornick - Estados Unidos

9/10

En 1982 se estrenó el clásico 'Creepshow', nada menos que con el padre de los zombies George A. Romero bajo la dirección. La película se realizó como un homenaje a la revista 'Creepy' y a los cómics de terror de la época, resultando ser del género llamado 'películas de episodios', en este caso la formaban cinco historias de terror creadas por Stephen King, que casi al momento del estreno se proclamó como obra de culto. Cinco años más tarde llegaría su secuela 'Creepshow 2', esta vez con Michael Gornick en la dirección y Romero encargándose del guión. Mis primeros recuerdos con esta secuela (que vi antes que la original) se retornan a principios de los 90, con ese entrañable y mítico programa de A3 titulado 'Noche de lobos', en el que periódicamente emitían películas de terror, centrándose sobre todo en la década de los 80. Y es ahí cuando descubrí esta maravilla por primera vez y me cautivó hasta el día de hoy. A diferencia de la original, esta entrega consta de tres historias, todas ellas enlazadas por una carismática y divertida historia que combina animación e imagen real, destacando en esta la intervención de Tom Savini con una caracterización que realmente llega a dar bastante repelús.

La primera historia que nos encontramos (y que más me alucinó la primera vez que la vi) es 'El viejo jefe Cabeza de Madera', en la que se nos presenta a una pareja de ancianos intentando mantener económicamente su tienda en mitad de la nada, con la única compañía de una estatua de un indio de madera en la entrada. Este primer acto de la historia es realmente entrañable, ya que la película nos describe a la pareja tomándose su tiempo y haciendo que te encariñes con ellos poco a poco, ayudando mucho en este aspecto la química lograda por George Kennedy y Dorothy Lamour. En su segundo acto la historia se torna mucho más oscura, ya que al anochecer irrumpen en la tienda tres delincuentes con intenciones nada amigables, todo ello bajo la atenta mirada del indio de madera. Y es en el tercer acto cuando la historia coge su razón de ser y tras un episodio dramático vivido en el interior de la tienda, el indio de madera (en una escena muy potente acompañada de la sublime banda sonora de Les Reed) cobra vida para buscar venganza. Si ya de por si el planteamiento suena genial, visto en pantalla no decepciona para nada, ya que podemos ver al indio de madera físicamente ir tras los delincuentes, rememorando incluso al cine slasher. Entrañable, mágica, trágica, tensa, terrorífica... sin duda una grandiosa historia para abrir este show de los horrores. Y ahora lanzo una pregunta, ¿por qué diablos aún no se ha hecho una única película con la trama de esta historia?, ¡ES BESTIAL!. La segunda historia es quizá la favorita para la mayoría de aficionados y sin embargo la más simple en cuanto a narración, se titula 'La balsa' y en ella nos encontramos con un grupo de cuatro adolescentes que deciden pasar el día en un lago abandonado. Aquí nos encontramos con una presentación de personajes algo estereotipada: el guaperas, el sensible, la observadora, la inconsciente..., pero de una forma bastante divertida que hace que conectes con el tono de la historia, solo hay que recordar una de las frases que suelta una de los chicos cuando entra en el lago por primera vez: 'Ay la puta... esto esta helado, somos unos imbéciles y solo por presumir delante de Raquel, y encima no me la voy a poder tirar porque se me van a quedar los huevos congelados', inevitable no reír con tales diálogos. La historia una vez presentados los personajes nos introduce el peligro en cuestión, en este caso una extraña mancha que avanza por el agua (una mancha de petróleo a primera vista), con no muy buenas intenciones ya que tiene hambre y los querrá devorar uno a uno. Divertida, original en parte, entretenida y tensa en su parte final, una historia que mantiene en cierta medida el nivel de la primera historia.

La tercera y última historia es para un servidor la más gratificante en todos los sentidos, y eso que no llega al nivel argumental de la primera historia. En 'El autoestopista' nos cuentan la historia de Annie Lansing (Lois Chiles, de lejos la mejor interpretación de las tres historias), una mujer de clase alta que regresa a casa en coche después de un encuentro con su amante, y durante una distracción atropella a un autoestopista, pero pese a ello decide no parar y seguir adelante en su trayecto. Es en este instante cuando la película en sí alcanza el climax esperado y nos encontramos ante una combinación de entretenimiento y terror disfrutable al 100%, por un lado con la protagonista desorientada y hablando sola consigo misma, y por otro con las continuas visitas del cadáver del autoestopista dándole las gracias por el atropello una y otra vez: 'Gracias por el paseo, señora...', en un juego del gato y el ratón tan perverso como entretenido. Y es que en esta historia no falta la tensión, la diversión, los sustos...¡incluso hay algo de gore!, sin duda la más completa de las tres historias y la más disfrutable en todos los sentidos (¡ojo a su delirante final!). Hay que destacar que la película en general usa unas tonalidades de colores bastante oscuros, siendo en esta historia la más acentuada con tonos más apagados y lúgubres, dando a 'El autoestopista' una personalidad propia más marcada que en las anteriores, todo obra de Richard Hart y Tom Hurwitz, los directores de fotografía. En definitiva 'Creepshow 2' es todo un clásico de los años 80, que aunque para la mayoría de los aficionados esté a la sombra de la original, siempre habremos quienes la recomendemos por encima de la de obra de Romero, con unas historias que bien valdrían para hacer películas por separado y un encanto del que carecen muchas producciones. Cine de terror del que ya no se hace con el aroma de los mágicos 80's, para reivindicar siempre que se pueda.

PREDATOR

Predator - John Mctiernan - Estados Unidos
9/10

El año que viene se van a cumplir 30 años del estreno de 'Predator' y se me ha ocurrido que es un buen motivo para hablar de este modélico cruce de  ciencia ficción, terror y cine bélico. Inspirada en el clásico de 1932 dirigido por Ernest B.Schoedsack titulado 'The most dangerous game'  y donde la caza del hombre es la principal fuente de su argumento, 'Predator' contiene dos grandes aciertos como son su ritmo narrativo principalmente, y dos, una estupenda puesta en escena capaz de transformar su ultimo acto en una épica lucha a muerte en el mismísimo corazón de las tinieblas. Un comando de la fuerzas especiales es requerido en un país sudamericano para una operación militar secreta, el objetivo, la localización en plena jungla de un helicóptero estrellado donde viajaba un ministro y su posterior rescate de manos de la guerrilla. El equipo de rescate esta comandado por el mayor Dutch (Arnold Schwarzenegger) que es instado a delegar el mando en un superior de la CIA antiguo amigo suyo llamado Dillon (Carl Weathers) que le habla de la importancia de ese ministro para las operaciones en la zona. Al llegar al lugar descubren los restos del helicóptero accidentado,y poco después encuentran los cuerpos de unos soldados de las fuerzas especiales estadounidenses completamente despellejados alertando a Dutch sobre el porqué de la presencia de estos allí. Encuentran el campamento de la guerrilla fuertemente armado y después de acabar con todos y descubrir que los rehenes han sido asesinados Dutch se da cuenta de la autentica naturaleza de la misión, que era hacer el trabajo sucio de acabar con ese campamento donde existía la presencia de militares rusos. Después de enfrentarse y acusar del engaño a Dillon, asegurándole que su grupo es un equipo de rescate y no una banda de asesinos, deciden regresar al punto de extracción llevando consigo a una guerrillera como prisionera llamada Ana (Elpidia Carrillo). Desde su llegada a la jungla el grupo ha sido observado por un ser que usa técnicas de visión termográficas y adopta un camuflaje que lo mimetiza con el entorno selvático. A partir de el momento en el que el comando intenta regresar al helicóptero de rescate ,los cazadores se convierten en presa y la lucha por la supervivencia se convierte en prioridad ante una terrorífica criatura cuya máxima es la eliminación de todos y cada uno de los miembros del grupo, con el único objetivo de la diversión por la caza y la de convertir sus cuerpos en trofeos.

Vaya por delante que 'Predator' está encuadrada en ese tipo de películas tan populares en los años 80 denominadas 'muscles action', muy propias de la era Reagan iniciadas por otro eminente 'musculoso', Silvester Stallone y su película 'First Blood' de Ted Kotcheff en 1982, y definitivamente consagrada con su secuela de 1985, 'Rambo, First Blood Part II' de George P. Cosmato. Sin embargo, para un servidor, de entre todas ellas, 'Predator' me resulta mucho mas atractiva entre otras razones por su ingenioso planteamiento argumental. Dos partes bien definidas dan fe de ese ingenio,la primera se enmarca en los códigos propios del cine bélico y acción, tan de moda en la época, para a continuación convertirse en un genuino relato de horror en estado puro. Este esquema narrativo esta desarrollado de manera magistral por su director John Mctiernan ('The hunt for Red October', 'Die Hard', 'The 13th Warrior') dándole al espectador situaciones que le hacen mantener el interés constantemente (por supuesto ayudado por el estupendo guión escrito por John y Jim Thomas) y para ello solo tenemos que fijarnos en el comienzo del filme. Para el espectador de la época debió resultar extraño sentarse en la sala y prepararse a disfrutar de una película de acción pura y dura, y ver que esta se abre con un plano prácticamente similar al de la película 'The Thing' de John Carpenter en 1982, esa sensación de extrañeza también es provocada por la propia naturaleza de la criatura, hasta bien avanzada la trama no descubrimos el aspecto del cazador alienígena,solo hemos sabido de su presencia mediante su subjetivo punto de vista, una brillante idea de guión que provoca inquietud en el espectador y es uno de los mayores aciertos de esta historia, incluso Mctiernan y los guionistas se permiten la licencia de jugar un poco con la naturaleza diabólica, en un sentido místico-supersticioso, del alienigena, como por ejemplo ese simbólico plano insertado de una serpiente reptando por una rama sangrienta segundos antes de descubrir el cadáver de Hawkins colgado de un árbol boca abajo, o la historia que cuenta Ana acerca de un demonio cazador de hombres, que solo aparece en los años que hace mucho calor,incluso uno de los miembros del comando, Billy, un rastreador con un olfato impecable,tiene una terrible sensación cuasi-supersticiosa ante lo que van a  enfrentarse. Otros detalles a destacar y que hacen de 'Predator' la mejor película con diferencia de toda la saga, es su gran timing narrativo, su ritmo es frenético y cuando se toma su tiempo  lo hace para aportar información acerca de los personajes o de lo que se esta narrando. Pero donde creo sinceramente que se encuentra su punto fuerte es, sin duda, en el marco donde se desarrolla, esa selva que, como comenta uno de los personajes.-He visto selvas enmarañadas, pero como esta...-  va transformándose hacia su ultimo tramo en una especie de limbo salvaje donde solo aquel que consigue llegar a un estado de barbarie primitiva en el combate, consigue sobrevivir. Con el tiempo, después de varios visionados, no se si era intención o no de sus creadores, he tenido siempre la sensación de que esta película contenía cierto discurso critico con respecto a la intervención norteamericana en Vietnam, el hecho de enfrentarse a un enemigo que se camufla perfectamente con el entorno y se sabe mover por el me resulta cuanto menos curioso en ese aspecto. Para terminar reseñar que tres años después se estrenaba 'Predator 2' de Stephen Hopkinsen 1990 con resultados menos satisfactorios que no  negativos que la original, la no presencia de Schwarzenegger y llevar la acción a entornos mas urbanos jugo en su contra de cara a la taquilla, convirtiéndola sin mas en un entretenido relato de estilo policíaco quedando muy por debajo de su predecesora. Dos crossover mas con el personaje, y otra secuela a modo de homenaje de la original pero sin mucho que aportar a lo ya conocido, componen la antología de una de las mejores películas de acción de los años 80 para quien esto suscribe, y la constatación del talento de un gran cineasta, hoy lamentablemente fuera de Hollywood, como John Mctiernan.

NIGHT OF THE SLASHER

Night of the Slasher - Shant Hamassian - Estados Unidos

8/10

Satisfactoriamente inteligente y rebosante de personalidad, este corto mezcla de slasher y metacine pide a gritos su conversión en largo. Que en los últimos años el cine de terror esta ganando mas y mas adeptos es un hecho innegable pero que el metacine en subgéneros como el slasher esta viviendo un momento dulce, también. Pero no queda ahí todo, este 2015 esta repleto de homenajes retro a ese cine de los años 80 y 90 con películas como 'Turbo Kid', 'Scouts Guide to the Zombie Apocalypse', 'Cotties', 'Bunny the Killer Thing', la reciente 'Krampus' o la que mas se parece a 'Night of the Slasher', 'The Final Girls'. Lily Berlina as Janelle, una joven adolescente con un objetivo claro: beber, drogarse y tener sexo, es decir, cumplir todos los pecados que conducen a la muerte en las películas de terror y mas concretamente las pertenecientes al subgénero del slasher con la intención de atraer al asesino enmascarado y cobrarse su venganza. 'Night of the Slasher' se estrenó en el pasado festival de cine fantástico internacional de Bucheon (Corea del Sur) y tras pasar por casi 100 festivales ha recogido una veintena de premios. Con una duración de 12 minutos está producido, escrito y dirigido por Shant Hamassian ('Spaceman on Earth', 'Drain Desert Tanner') y protagonizado por Lily Berlina como la final girl Janelle, Scott Javore es la victima inocente, Adam Lesar es el asesino (y productor), David Swann y Eve Constance (también productora). Producido por We Make Movies en asociación con Erica Irby.

La forma en que 'Night of the Slasher' no solo capta toda nuestra atención desde el primer segundo sino que nos llena de preguntas es la mejor prueba de que no estamos ante un cortometraje realizado por un simple aficionado a este subgénero. Y no, no hablo del precioso culo de Lily Berlina, que también, sino de esa cicatriz de su cuello que vemos nada mas empezar. Toda una muestra de lo bien que esta escrito un guión que plantea preguntas al espectador ya desde su propio arranque y donde todo esta planeado al detalle para completar un grandioso ejercicio de estilo. En sus 12 minutos si llega, 'Night of the Slasher' muestra un tono de comicidad también, mayormente centrado en The Bait, el personaje al que da vida Scott Javore como se puede comprobar en el 'discurso' que recita ante Janelle o cuando esta saca su lista o engulle una cerveza tras otra sin respirar. Hay mucho bueno en este cortometraje, esta rodado en una falsa única toma al estilo de 'El secreto de sus ojos' de Campanella por ejemplo, es decir, realmente no esta rodada en una sola toma pero el montaje es tan bueno que apenas se puede apreciar con un solo visionado donde están los cortes. Otro detalle que aplaudir en 'Night of the Slasher' es que su protagonista, Lily Berlina, además de ser tremendamente sexy ofrece una inolvidable interpretación sin pronunciar ni una sola palabra, ni una. Como dije antes, ya desde su inicio con esa enfatización de la cicatriz en el cuello junto al titulo del corto y la escena siguiente donde vemos a Lily, o mejor dicho, vemos su precioso culo tras unas seductoras bragas rojas bailando a ritmo de una canción muy ochentera llamada Dying for Love de Grayce la historia no deja de crecer, de provocar nuevas preguntas y todo ello sin dejar de ser un producto dinámico y que prodiga amor por el slasher en todos sus planos. La idea nace de una experiencia traumática que vivió su director como se puede comprobar en la web oficial cuando dice: 'I chose to write this film on a deep and personal level because I personally had to deal with a traumatic moment in my life. Making this film was an exploration on how to cope with those painful memories and to tell a story on how to not let the past control our lives.'. Técnicamente impecable, la fotografía agobiante de primeros planos de Eli Tahan, los colores que aplica luego James Knott acompañando la enorme banda sonora que Simon Michel crea para este segmento son un pack tremendamente efectivo pero...en su contra también hay que decir que en ciertos momentos la cámara se mueve extremadamente rápida mostrándonos la vista subjetiva de Janelle. Digno de mención los efectos de Alessandro Schiassi y Michaelangelo Frisoni, que pese a ser pocos están realmente bien realizados no solo en la parte gore del corto sino por ejemplo también en la introducción del asesino, que además de estar bien y cómicamente enlazado el momento sofá con su aparición, las puñaladas  parecen totalmente reales y dolorosas. Del psycho killer puedo deciros que su mascara es una mezcla de la de Myers y una del capitán Spock, desconozco si significa algo para su director pero lo supongo. Otra cosa que supongo es la doble intención de la canción que baila Janelle al inicio titulada 'Dying for Love'. Nada en el séptimo arte se nos muestra sin un porque, los objetos están en el plano por alguna razón, entonces, si Janelle, a la que vemos en el segundo 1 con una cicatriz de lado a lado en el cuello entendemos que esta muerta el titulo de la canción puede que nos este insinuando algo que no forma parte del corto pero si lo podría hacer en la película. Que puede llevar a alguien a arriesgar su vida como lo hace Janelle sino es el amor? Quizás es una teoría extraña o mal expresada pero si atendemos a este texto de la web oficial: 'This short film is actually the middle of the feature film. I chose a scene that gave a clear tone for the overall feel of the picture. Some humor, some suspense, some sexuality, and some action and gore.,', significa que realmente ya existe todo un filme completo del que se ha extraído una breve parte para mostrarla a modo de cortometraje/prueba en los festivales y comprobar su aceptación a nivel mundial con lo que...mi teoría ya no es tan extraña o mal desarrollada. Me resulta difícil elegir una sola escena que me haya gustado porque en general todo el corto es una maravilla, incluido el giro final o la violencia de las muertes que se ven en los 12 minutos pero si tengo que elegir una sola y obviando el culo en movimiento de Lily Berlina me quedo con uno de los ataques que el psycho killer intenta sobre ella, agachado y corriendo de una manera extraña pero totalmente acojonante. 'Night of the Slasher' es un excelente, inteligente y divertido cortometraje que debe aprovechar, ya mismo, el buen momento del cine de terror, de los homenajes retro y del metacine en general antes de que la ola llegue la orilla y los fans se diluyan entre la arena.

THE GUEST

The Guest - Adam Wingard - Estados Unidos
8/10

Adam Wingard fue el director en 2011 del slasher contemporáneo 'You are next', filme que le catapultó al panorama cinéfilo de la noche a la mañana de manera inmediata. Al igual que para aquella ocasión, Wingard volvió a contar con la participación de Simon Barret en el guión de su nueva producción titulada, 'The Guest'. La premisa inicial no es novedosa, la llegada inesperada de un extraño o desconocido que trastoca toda la vida de una familia o matrimonio tambien lo pudimos ver con otro enfoque en el clásico de Hitchcock, 'Shadow of a Doubt' o en las noventeras 'Pacific Heights' con aquel vecino interpretado por Michael Keaton y 'Single White Female' o no hace mucho también en 'Stoker' de Chan-Wook, que si bien no tienen paralelismos entre ellas en conjunto, en sus argumentos si hay ciertas similitudes. Esta previsibilidad en el argumento de 'The Guest' no es algo peyorativo pues su director tampoco lo esconde. Desde su poster hasta su trailer oficial dejan claro el enfoque que Wingard ha querido enfatizar mas en su película que no es otro que el de un thriller de acción PERO, con unos sutiles matices de comedia negra y ciencia-ficción que le dan un toque especial. Laura (Sheila Kelley), Spencer (Leland Orser), Anna (Maika Monroe) y Luke (Brendan Meyer), los Peterson, aun no se han recuperado de la muerte de su hijo mayor Caleb en Afganistán cuando un compañero suyo de regimiento llamado David (Dan Stevens) aparece de repente un dia en sus vidas para cumplir la promesa que hizo a Caleb de ayudar a su familia si lo necesitaban. David es todo educación, amabilidad, simpático y respetuoso con toda la familia ante lo cual Laura no puede resistirse a dejar que se instale con ellos unos días.

Bajo el manto del thriller, Wingard combina a la perfección acción, ciencia ficción, humor, terror y casi hasta se podría decir que el musical a un ritmo brillante. 'The Guest' nace hace 10 años en una historia escrita por el propio Wingard y Simon Barret donde la idea del personaje de David ya estaba presente. Fue tras el éxito de 'You are Next' cuando encontraron las ganas, la motivación y el presupuesto necesario para llevar a cabo su proyecto. Viendo 'The Guest' uno siente el amor de su director por el cine de acción y terror de los años 80 y 90, no solo la excelente banda sonora transmite esa nostálgica sensación sino todo su diseño de producción y ese énfasis en los colores hiperrealistas que nos recuerdan al giallo mas clásico en el tercer acto. Las confesiones de Wingard en varias entrevistas no dejan lugar a dudas sobre las inspiraciones que tuvo para 'The Guest': 'Prometheus' + 'Halloween' + 'Terminator'. Toda una declaración de intenciones. En otras entrevistas el director americano hace mención a la similitud de su película con una joya infravalorada en su opinión como 'Halloween III' de 1983, a la que admira profundamente. Al margen de homenajes, guiños o estética, 'The Guest' brilla por ante todo por la carismática interpretación de su antagonista/protagonista Dan Stevens. Este portento físico de la naturaleza posee una mirada y una presencia arrolladora, el publico empatiza rápidamente con el aun sabiendo que no debe hacerlo, que esconde algo y que seguramente no nos va a gustar pero su magnetismo tal que es imposible no amar al personaje creado por Wingard y Barret y que tan magníficamente Dan Stevens da vida. Esta atracción no solo la sufren los espectadores sino también los Peterson, una familia inestable en el momento que David interrumpe en sus vidas y que aprovecha para manipular a su antojo en todos los sentidos. Antes de terminar y como dije antes, Wingard se acerca casi al musical. Esto es debido a la gran recopilación de temas electrónicos o con estilo ochentero que convierten a 'The Guest' en esa tarea finalizada con buen gusto y con un estilo propio e inconfundible otorgándole a su director la justa fama que le corresponde. Esta es la lista de temas oficial:

-'Haunted When the Minutes Drag' - Love and Rockets

-'Hourglass' - S U R V I V E

-'Anthonio (Berlin Breakdown Version)' - Annie

-'The Magician' - Mike Simonetti

-'Masquerade' - Clan of Xymox

-'Omniverse' - S U R V I V E

-'Because I Love You' - Stevie B

-'Storm Column' - Gatekeeper

-'A Day' - Clan of Xymox

-'Emma' - The Sisters of Mercy

-'Obsidian' - Gatekeeper

-'Cry in the Wind' - Clan of Xymox

Estos otros temas no aparecen en la banda sonora oficial pero si en la película en algún momento:

-'Sahara' - F.O.O.L.

-'Moldavia' - Front 242

-'Sacrifice' - Front 242

-'Der Mussolini' - Deutsch Amerikanische Freundschaft

-'Alles ist gut' - Deutsch Amerikanische Freundschaft

-'I want to go to hell' - Hocico

-'Vengeance (Return of the night driving Avenger)' - Perturbator

Adam Wingard no para de crecer con cada nueva película que rueda y estoy seguro que pronto lo veremos en proyectos con mayor presupuesto o en la lista de nominados para dirigir alguna película de gran renombre. Posee un particular estilo propio bastante bien definido, no olvida el humor ni como homenajear a los referentes con los que creció sin caer en el ridículo y, lo mejor de todo, es determinado a la hora de filmar, su pulso no titubea si tiene que mostrarnos escenas estereotipadas confiando siempre en que el resultado final sera del agrado del publico. Para cerrar la critica y por si no lo sabíais, la versión 0 de 'The Guest' era algo mas extensa y en ella se detallaban completamente algunos datos sobre David pero tras algunos pases previos a su estreno, Wingard y Barret se dieron cuenta que eliminando estas escenas y dejando al espectador elucubrar sus propias teorías, la película ganaba en todos los sentidos.

KUNG FURY

Kung Fury - David Sandberg - Suecia

7/10

'Kung Fury' es el cortometraje perfecto para esa generación crecida y criada en las largas esperas de los primeros videoclubs. Caminando entre pasillos repletos de cajas de VHS vacías y un profundo olor a ambientador barato, esta generación reaccionaba ante el ruido de las rectangulares cajas al cerrarse cuando el dependiente guardaba una devolución y le sobraba tiempo para dedicar disimuladas miradas hacia el mostrador central donde las etiquetas de los colores marcaba la importancia de la cinta devuelta. El primer videoclub llego a España en 1980, en plena apogeo del cine moderno de acción americano con claras influencias en las artes marciales. Bud Spencer, Terence Hill, Chuck Norris, Sylvester Stallone, Michael Dudikoff, Eddie Murphy, Arnold Schwarzenegger o Clint Eastwood eran quienes mandaban en aquellas estanterías con sus últimos estrenos llenos de acción y comedia a partes iguales. Esta corriente propicio un segundo mercado de bajo presupuesto en el que la gran mayoría de cintas era estrenadas directamente en formato domestico sin pasar por ninguna pantalla de cine antes. Es gracias a este sub-mercado donde está el origen de 'Kung Fury' y mas concretamente donde reside el porqué ha llegado a ganarse la buena fama que se ha ganado desde su estreno mundial y simultaneo en la quincena de los realizadores del ultimo festival de Cannes, Youtube, la plataforma de juego Steam PC, la cadena SVT2 en Suecia y la cadena El Rey Network en los Estados Unidos. Actualmente 'Kung Fury'  es exhibida en famosos festivales de cine de genero como un gran reclamo para atraer al publico. Esta producción sueca pertenece a una serie Z provocada, nada es casual, todo esta calculado al detalle, tanto los errores de guión como los efectos de desgaste del típico VHS. Todo en este cortometraje esta calculado milimetricamente para tocar  esa fibra nostálgica de los antiguos pobladores de videoclubs. Multitud de referencias a esa cultura ochentera del cine de acción abarrotada de policías que dejaban su placa y su pistola tras morir su eterno compañero en acto de servicio y ser reprimidos por el comisario dejando en su ultimo plano una frase lapidaria que lo consagrara al olimpo de Norris y compañía. Lo curioso de 'Kung Fury' es que sus situaciones son todas buscadas, esto no ocurría con aquel sub-mercado al que me refería antes, en las miles de películas que entraban directamente a formato vídeo estos hechos/errores/fantasmadas eran provocados por el bajo presupuesto o simplemente por la incapacidad de no saber rodar una película ya que solo se contaba con ideas y no aptitudes. Parodiando totalmente de este tipo de películas, 'Kung Fury' rescata también para situar su historia al inicio un Miami nocturno puramente ochentero, propio de la mítica serie 'Miame Vice (Corrupción en Miami)' o 'Magnum', con sus playas, sus palmeras, su estética, su música, etc. Pero no solo del cine de los años 80 vive 'Kung Fury', también hay clarisimas referencias a videojuegos 2D con los que muchos pasamos jugando horas y horas frente al cristal de una recreativa como 'Streets of Rage', 'Double Dragon' o 'Final Fight'; la forma en que Thor aparece de la nada como suspendido en el aire a escasos metros del suelo era típica en aquellos videojuegos cuando se llegaba al enemigo de final de fase.

'Kung Fury' nace de un trailer que David Sandberg realizó en diciembre de 2013. Su éxito provocó una campaña de crowfunding en Kickstarter con el objetivo de conseguir 200.000 dolares para la producción de un cortometraje de 30 minutos basado en el universo 'Kung Fury'. Se consiguieron mas de 600.000. Hasta ese momento Sandberg filmó varios anuncios y videoclips hasta que en el año 2012 se desvinculo totalmente de este tipo de trabajos y con 5000 dolares grabó algunas de las escenas que mas tarde formarian el famoso trailer. Laser Unicorns, compañía formada por Sandberg con este crowfunding también aparece referenciada en la película en la maquina recreativa inicial donde dos chicos están jugando a, Laser Unicorns. Dirigida, escrita e interpretada por el propio Sandberg como Kung Fury cuenta una historia situada en un 1985 de calles pobladas por punkys/deliquentes al estilo de 'The Warriors' o del videojuego 'Double Dragon'. Y...realmente es cierto que en aquella epoca, los punkys siempre eran los apartados de la sociedad, los maleantes, los peligrosos. Cualquier banda de aquellos tiempos tenia algun punky entre sus filas, siempre. Y si llevaban cresta de colores...mucho cuidado! En este Miami tan detallado, una noche, Dragon (Steven Chew), compañero de ronda de Kung Fury, es asesinado delante de sus ojos mientras a este le alcanza un rayo y le pica una cobra la a vez dotandolo de extraordinarios poderes. Brutal, no? Aún hay mas. Cuando el comisario jefe le anuncia que tendra un nuevo compañero, Kung Fury decide dejar de ser policía por miedo a que se repita de nuevo lo ocurrido con Dragon justo  en el preciso instante que, Hitler aka Kung Führer (Jorma Taccone), aparece en la linea temporal de 1985 y dispara a través de un teléfono fijo a todos los que se encuentran en la comisaria hiriendo de gravedad al comisario. Con la ayuda de un experto en informática llamado Hackerman (Leopold Nilsson), Kung Fury viajara en el tiempo para volver a la Alemania nazi y eliminar de una vez por todas a Kung Führer. Como os quedais con el argumento? De piedra, verdad? Si uno acepta el reto, esta ante un divertimento puro y frenético alimentado por la nostalgia y por referencias a una cultura cinéfilo/pop que dejo huellas profundas en muchos aficionados al cine y concretamente a las horas muertas en los videoclubs. Otros productos parecidos pero de diferente elaboracion y menos paródicos son la reciente y extraordinaria 'Turbo Kid', o la brillante serie cómica británica de hace 4 años, 'Garth Marenghi's Darkplace'. El humor absurdo y auto paródico que reinan en los 30 minutos son el transporte ideal para un montón de referencias tales como el año en que sucede todo, 1985, igual que en 'Back to the future' o 'Transformers', 'Conan', 'Rambo', 'Miami Vice', 'M.A.S.K.' (la parte animada), 'Tron', 'Knight Rider' (mas que una referencia, Michael Knight pasa de conductor a conducido), 'Terminator', 'Robocop', 'Streets of Rage', 'Double Dragon', 'Final Fight'. Hay detalles bastante rebuscados que de no ser por internet jamas hubiera reconocido pero este es uno de ellos: el numero de teléfono que Kung Fury da a una de las vikingas es el mismo numero de teléfono de Emmet Brown en 'Back to the future'. La música es una parte importante pero no tanto como en 'Turbo Kid' por ejemplo o en otro tipo de películas de mayor presupuesto donde esa banda sonora de sintetizadores si esta algo mas enfatizada. La de 'Kung Fury' esta realizada por Mitch Murder y Lost Years junto a Patrik Öberg, Christoffer Ling, Highway Superstar, y Betamaxx. Aparte de estar parodiado en la pelicula, David Hasselhoff interpreta la canción principal del cortometraje titulada 'True Survivor', para la que se realizo un videoclip siguiendo el mismo patrón ochentero del cortometraje, Lamborgini Countach incluido, que a día de hoy cuenta con casi 20 millones de visitas en Youtube.

Original Soundtrack Songs

-'Kung Fury' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'True Survivor' writed by Jörgen Elofsson & Mitch Murder perfomed by David Hasselhoff    

-'West Side Lane' writed and perfomed by Lost Years    

-'Redlining 6th' writed and perfomed by Betamaxx    

-'Face Puncher' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'The Final Stretch' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'Careful Shouting' writed and perfomed by Highway Superstar    

-'Enter the Fury' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'Power Move' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'Phoenix Rising' writed and perfomed by Lost Years    

-'From the Future' writed and perfomed by Mitch Murder    

-'Barbarianna' writed and perfomed by Christoffer Ling    

-'Nuclear' writed and perfomed by Lost Years

Kung Fury (Lost Tapes) es un disco que salió tiempo después también realizado por Mitch Murder con temas que no fueron usados en la edición final del cortometraje o que no fueron incluidos en el álbum original como: 'Moment of Clarity', 'Playing for Keeps', 'Revenge', 'Communication Device', 'Before the Storm', 'Street Brawler', 'Terminathor', 'Face Puncher (Alt. Take)', 'Arrival' y 'Action Tape'. Que futuro le depara al cortometraje estrella de Sandberg? Al parecer hay ya en marcha su transformación en largometraje pero sin usar ninguna de las imagenes del producto original. Uno de los productores interesados en ello es Seth Grahame-Smith, guionista de 'Dark Shadows', 'Abraham Lincolon: Vampire Hunter'o 'Pride & Prejudice & Zombies' y las futuras 'Beetlejuice 2', 'The Lego Batman Movie' y la película de 'The Flash' que será incluida en el plan 'Justice League' en la que además también figura como director. Como productor su carrera tampoco esta falta de sorpresas pues no solo se encargará de producir 'Beetlejuice 2' sino también vemos su nombre en los remakes de 'It' y 'Gremlins' junto al de David Katzenberg, el otro productor que suena para convertir a 'Kung Fury' en un largo. Para finalizar y a quien le interese, en Google Play hay un videojuego bastante sencillo llamado 'Kung Fury: Street Rage', que podéis bajar grauitamente y rememorar los grandes golpes de este nuevo héroe del cine de acción.