Segundo largometraje del joven frances Nathan Ambrosioni después de 'Hostile' en 2014 en el que vuelve a escribir, dirigir y actuar el mismo situando la historia nuevamente en el genero del thriller de terror con la introducción al policíaco mas oscuro de films como 'Seven'. Estrenada mundialmente hace escasas semanas en el Fantasía Fest de Montreal, 'Therapy' llegará por primera vez a España durante la próxima edición de Sitges Festival donde se proyectará en la sección Brigadoon de acceso gratuito para todo el mundo. Durante una investigación rutinaria, dos jovenes policias encuentran unas cintas de video en diferentes formatos dentro de una caja manchada de sangre en un lugar abandonado. En ellas descubriran que lo que parecían ser la simples vacaciones de una familia se convirtieron en algo mucho mas macabro y que aun quizás aún esten a tiempo de salvarlos. He tenido sensaciones encontradas con la nueva película de Ambrosioni, por un lado creo firmemente que tanto esta como sus anteriores trabajos serán con el tiempo mas reconocidos que actualmente siendo estos por ejemplo un duro entrenamiento para la mente y la capacidad del realizador francés y por otro, la apreciación de un estancamiento en las ideas que viene desde 'Hostile' ya que ambas cintas parecen practicamente iguales en su desarrollo siendo la de 2014 vencedora en todas las batallas por ser la primera. Lo dificil no es hacer una pelicula y tener exito, lo dificil es hacerlo con la segunda. Ambrosioni no solo incluye en esta ocasión el genero policíaco y deja de lado el paranormal sino que se atreve con el slasher mas despreocupado y sangriento, a veces surrealista, es decir, la variedad de subgéneros de terror vuelve a estar presente, así como el uso excesivo de un found footage muchas veces, injustificado, algo que no pasaba en 'Hostile', incluso ese doble de Myers porta una cámara encima. El found footage no se puede usar a la ligera, hay que darle un sentido y explicacion 'lógica' al porqué de estar grabando cuando las vidas de personas corren peligro, se capta un momento real grabado para siempre, lo que no se puede entender es que estos archivos found footage lleven incorporada una banda sonora de efectos de sonido estruendosos que desestabilizan totalmente la atmósfera creada en ese antiguo manicomio. Este es uno de los puntos que mas chirrían de la película, la edición de sonido es horrible y no ayuda en nada a la producción, es mas, perjudica y mucho a los silencios y voces lejanas que se oyen, no se aprecian bien. Al igual que en 'Hostile', Nathan juega con la variedad de subgéneros (hasta el giallo mas sangriento hace presencia) y tramas, subtramas, etc y desgraciadamente, se le vuelve a ir de las manos, su propósito en desviar la atención del giro final marca de la casa ya se convierte en previsible, es mas que eso, es desconcertante, hay cabos que no se cierran, y la sensacion de que lo único importante es ver como cierra la historia y el giro final quitan interés a todo lo demás. Si en algo ha mejorado en la dirección desde 'Hostile' es en el uso de un found footage mas calmado, sobre todo gracias a la inclusión de la Go Pro, pero el fin no justifica los medios en esta ocasión y se vuelve a abusar demasiado de este formato así como de una edición de sonido desastrosa. De lo bueno salvable de 'Therapy' es la historia en si, una idea para un guión bastante ingeniosa pero no tomada lo suficientemente en serio o simplemente mal ejecutada, y la actuación de Luna Belan, que vuelve a captar la atención de la cámara como en su anterior trabajo junto a Ambrosioni como no lo hace ningúno de los otros actores, algunos con mas tablas incluso ofrecen un registro impropio para el film en el que están. Influencias, que no guiños ni homenajes, de 'TBWP', el remake de 'Hosue on Haunted Hill', 'Halloween' por la mascara o el videojuego 'Silent Hill' por la sonora pesadilla que acompaña algunas escenas, a 'Therapy' le cuesta un mundo mantener el interés y se desvía constantemente de su linea argumental base pero sin duda es una mas que aceptable propuesta en la carrera del director Nathan Ambrosioni, al que el tiempo y estas películas/experiencias van a convertir en un realizador de referencia a seguir dentro de algunos años; el genero de terror en Francia siempre ha sido uno de los mas punteros en toda Europa tanto en los años 60 como en la no tan lejana nueva ola explicita que generaron las 'Martyrs' etc, es joven y tiene buena mano, ama el cine y presenta sus ideas sin esconder nada, Ambrosioni está labrando su camino de una manera quizás algo efectista e inocente pero sin tapujos. Nadie dijo que fuera fácil, cierto? Cabe apuntar que Nathan no solo dirige, escribe y participa como actor, tambien se encarga de la fotografia y el montaje, lo unico en lo que no participa es en la banda sonora, donde encontramos a Céline di Simone que ya colaboró anteriormente junto a Ambrosioni en el corto 'The Lake'. En Bloodstab seguimos apostando por este joven valor como uno de los realizadores europeos del genero de terror a tener en cuenta para los próximos años.
De 'Made in France', o 'Objetivo: París' como se conocera entre nosotros, se habló mucho después de los terribles y desgraciados atentados yihadistas de París del 13 de noviembre del pasado año. La similitud argumental con la triste realidad y sobretodo el llamativo cartel hicieron que se pospusiera por segunda vez su estreno en salas que iba a tener lugar tan solo cinco días después. Y digo por segunda vez, ya que también se retraso su estreno a principios del 2015 a causa de la matanza de la revista Charlie Hebdo. Unas coincidencias macabras que han hecho que la película se estrene directa en VOD y no llegara a ninguna sala francesa y dudo mucho que llegue a ninguna de aquí. Una película que fue rodada dos años antes de todos estos acontecimientos y que después de todos estos hechos, parecía maldita. La cinta nos cuenta la historia de un escritor que tiene en mente escribir un libro sobre yihadismo, que logra infiltrarse, gracias a su origen musulmán, en un grupo integrista de las afueras de París. Después de más de seis meses de asistir a las arengas y discursos de un imán extremista, consigue tener mucha afinidad con un pequeño grupo que se esta radicalizando y que decidirán crear una célula terrorista para atentar en el corazón de la capital francesa. Con este argumento aterrador que te deja los pelos de punta, sobre todo después de conocer lo que ocurrió en las calles de París el 13-N, el director Nicolas Boukhrief nos presenta un thriller bastante efectivo que tiene sus defectos pero que logra mantenerte pegado a la pantalla en la hora y media que dura. Su principal defecto radica en un guión un poco demasiado precipitado en el desarrollo de los personajes y previsible en su tramo final, cosa que a pesar de no favorecer a la película tampoco la destroza, al contrario, el buen hacer de Boukhrief tras la cámara consigue, al menos en mi caso, que estés en tensión hasta el final del metraje. También se apoya en las convincentes actuaciones de todo el elenco, absolutamente desconocido para mi, en especial del dúo protagonista Dimitri Storoge i Malik Zidi. La película también logra un buen y escalofriante retrato del entorno en que se mueven estos terroristas extremistas. Todos los componentes de la célula son de lo mas variado, un chico de casa buena, otro de un barrio marginal, gente normal y corriente como la que nos cruzamos a diario en la calle o en el trabajo, con sus dudas respecto a lo que están haciendo, y esto es lo mas espeluznante que nos transmite esta cinta, que en cualquier sitio, en cualquier momento podemos encontrarnos a un energúmeno de estos. Terrible, pero cierto. Para mi gusto es una buena película, y creo que de visión obligada, mas que para entender que lleva a estos tipos a realizar estos actos despreciables e inexplicables, para ver como llegan a ese estado de radicalización y a ese nivel de estupidez suprema que solo el ser humano es capaz de lograr. Por desgracia, una vez más, la realidad superó a la ficción.
El próximo día 27 de julio en el festival Fantasia de Montreal sera el elegido para la premiere mundial del segundo largometraje del joven realizador autodidácta de 16 años, Nathan Ambrosioni. Después de acercarse al terror paranormal en 'Hostile' en 2014, al slasher y la fantasía en los cortos 'The Lake' o 'Miss U' en 2015, Ambrosioni presentara de forma oficial su nuevo trabajo en la próxima edición del festival canadiense que se celebrara desde de el 14 julio al 2 de agosto. 'Therapy' sigue a Jane (Nathalie Couturier) y Simon (Rémy Jobert), dos jóvenes policías que descubren material de vídeo oculto en una casa abandonada. Las imagenes que verán les harán testigos de algo mas que unas simples vacaciones familiares. La película de 96 minutos aun siendo de bajo presupuesto esta producida por Light House Production, la compañía que creó y dirige su padre Fabrice Ambrosioni tras el éxito de 'Hostile'. Como viene siendo habitual, el pequeño Ambrosioni se encarga de practicamente todo, dirección, guión, fotografía, montaje, sonido y cámara relegando la composición de la banda sonora esta vez en la también novel como el, Céline di Simone. El trailer arroja una idea de thriller oscuro y un tono claro o mejor dicho, una influencia mas que patente a 'The Blair Witch Project' con el uso de nuevo del found footage o esas fotos colgadas en la pared de una caseron abandonado, también se pueden apreciar influencias del cine asiático de terror o muñecos que tanto gusta usar a Ambrosioni o ese tono seriamente escabroso que sigue manteniendo en todos sus trabajos la fotografia que consigue, la familia vuelve a ser el centro de los hechos extraños y se incluye una pareja de detectives para fortalecer la investigación de un thriller convencional, Ambrosioni disfruta mezclando y absorbiendo ideas de diferentes géneros para fabricar el suyo propio. En el reparto se puede encontrar a todos los participantes de sus anteriores trabajos entre los que se encuentra como no, la prometedora Luna Belan.
Rodado en 2015, casi un año después de su opera prima 'Hostile', 'The Lake' es un cortometraje de terror slasher con una duración de once minutos aproximadamente que fue seleccionado para competir en las ultimas ediciones de festivales como Morbido Film Fest, FrighFest y en la sección 'Short Film Corner' del festival de Cannes. Claire (Ines Duhard) invita a su joven hermana Laura (Luna Belan) a pasear por el lago. Jeremy (Rémy Jobert) y Lucas (Jason Coubi), el novio de Claire, les acompañan. Cuando llegan a un claro cerca de la orilla del lago un pescador de aspecto extraño se sitúa cerca de ellos. A veces las prisas no son buenas y el segundo trabajo de Ambrosioni, primer corto en su carrera, es en comparación con 'Hostile' un flojo ejercicio de terror slasher sin ningún aliciente ni interés. Y no es que ahora el director francés haya relegado en otros las tareas principales dentro de la producción como son la dirección, guión, fotografía o montaje ya que lo único que ha cambiado respecto a su primer trabajo es el responsable de la banda sonora pero el resultado de 'The Lake' es muy flojo, ni tan siquiera el intento de giro final salvan los arrítmicos 10 minutos anteriores u 11, porque el giro final llega en los dos últimos fotogramas. Si en su anterior trabajo la narración y el guión sufrían un enfrentamiento en el tramo intermedio en 'The Lake' la historia es tan sencilla que no capta el interés, los silencios realentizan mucho el ritmo y hasta el final todo lo que ocurre se pudo haber relatado en la mitad de tiempo. Quizás sea que el novel director francés necesita de mas minutos para dar rienda suelta a sus ideas y el cortometraje no sea el formato ideal para ello ya que requiere de una condensación de ideas mas interesantes y potentes de las que se muestran en 'The Lake'. Me quedo con la actuación de Luna Belan, que tras 'Hostile' sigue demostrando muy buenas maneras para el terror y para encandilar a la cámara y la buena fotografía de contrastes que consigue Ambrosioni. Flojo trabajo de este joven prometedor que se encuentra muy lejos de su interesante e inquietante primer largo, 'Hostile'.
Navegando por Youtube me topé con el trailer de un film francés de terror de bajo presupuesto llamado 'Therapy'. Investigando un poco averigüé que aun no se había estrenado y que la premiere mundial sera el próximo 27 de julio en el festival Fantasía que se celebra en Montreal. 'Therapy' es el segundo largometraje escrito y dirigido por Nathan Ambrosioni. Hasta aquí todo normal si no decimos que ahora Nathan tiene tan solo 16 años. 16. 'Hostile', la película de la que os hablo hoy y su opera prima la rodó dos años antes, con 14, todo un reto que el jovencisimo creador francés supo afrontar y transformar en un producto decente con unos resultados mas que dignos para una película de genero. Anna (Luna Belan) y Emilie (Julie Venturelli) son dos adolescentes hermanas huerfanas que comienzan un nueva vida al lado de Meredith (Shelley Ward), su nueva madre adoptiva. Una serie de sucesos extraños coincidiendo con un cambio en el comportamiento de las chicas provocara que una pareja de presentadores de un programa de televisión llamado SOS Adopción (Anatolia Allieis y Morgan Hec) pasen con las niñas un tiempo para intentar averiguar algo mas sobre el origen de tan inexplicables hechos y conductas. 'Hostile' fue seleccionado para participar en FANTASIA IFF Montreal 2015, FRIGHFEST London 2015, MORBIDO Fest Mexico 2015, LEEDS IFF, Zinema Zombie Fest Bogotta, NYC Horror
festival 2015 y gano el premio a mejor opera prima en ToHorror Turin 2015, mejor director en SAMAIN festival Nice 2014 y mejor pelicula internacional en SPOOKY Empire Orlando.
Lo mejor de los 97 minutos de 'Hostile' son las buenas maneras que apunta su novel creador de cara a un futuro dentro del genero, la opera prima de este joven director francés se hospeda en el terror mas sencillo y libre de artificios visuales, en un terror que no da pie ni tan siquiera a una linea de respiro o a esbozar una simple sonrisa en algún momento. El primer tercio de la película esta rodado en un formato convencional, el segundo casi totalmente mediante found footage y el tercero es una mezcla de ambos. 'Hostile' juega con algunos trucos en el guión para desviar la atención que le funcionan bien al principio pero que se enmarañan solos en una narrativa tosca en un segundo tramo donde un found footage excesivo hace que la historia central quede afectada y desorientada rematando eso si, en un tercer final acto muy jugoso y rico en detalles que cierran la película de forma acertada. Nathan Ambrosioni deja claro en su primer largometraje su amor por el formato found footage y en especial por James Wan en su manera de acercarse a la forma de sugerir al espectador, en este sentido, ambas formas de rodar se parecen mucho, hay una utilización masiva de la luz natural imagino que debido al presupuesto y la mayoria de sustos son a plena luz del dia jugando con las sombras y recovecos del popio escenario: marcan mucho su estilo la utilización de esas dos hermanas vestidas con esos camisones blancos igual que las de la saga 'PA', tambien hay algún guiño a 'The Conjuring', a las asiaticas 'A tale of Two Sisters' o 'The Grudge' y a clásicos del found footage como 'TBWP' o la saga 'REC', todos ellos enmarcados en un cuadro que recuerda al Polanski de la trilogia del apartamento o al terror de los años 70. Incluso, para mas detalles curiosos, aparece un niño pequeño llamado Nolan, guiño a un compatriota, a la juventud de ambos? Quien sabe...desconozco cual es el bagaje cinematográfico que ha acumulado Ambrosioni desde que nació en 1999 y cuales han podido ser sus referentes a la hora de crear 'Hostile' pero lo que si me queda claro después de verla es que hay creatividad, imaginación y amor por el cine en su forma de rodar, de medir el ritmo, que 'Hostile' no es una película de sustos convencional aunque use muchos sonidos como acompañamiento de estos, que busca ofrecer algo mas, busca sorprender al espectador mediante un guión con giros inesperados y una mezcla de subgéneros distinta. El reparto, que es todo amateur menos Shelley Ward que ya contaba con alguna experiencia en el teatro esta sobradamente aceptable pero destacan obviamente Luna Belan reflejando acertadamente el desconcierto y el mido, la belleza inocente y diabolica de Julie Venturelli y tambien Magali Gouyon en el papel de la medium Jessica Flamisly. Salvo la banda
sonora que está compuesta por Erwan Coic, Nathan Ambrosioni se encarga de la dirección, del guión, la fotografía, el sonido, el montaje y hasta de interpretar el papel del poseído Jake, y todo sin un euro de
presupuesto, colaborando con amigos y conocidos para convertir su sueño en realidad, 'Hostile', un thriller paranormal con influencias asiaticas que usa un found footage excesivo pero justificado en su tramo intermedio, que toca el tema de las casas encantadas, de las posesiones, mediums, las sectas y hasta el terror psicológico sin abusar de la violencia o sangre gratuita, tomándose en serio su premisa del primer al ultimo minuto. Recalco esto porque hasta en los expedientes Warren de Wan hay escenas donde el humor se hace presente en alguna frase pero en 'Hostile' no, no hay ni una veta de comedia por ningún lado. Con un futuro prometedor Nathan Ambrosioni puede convertirse con los años y la adquisición de mas experiencia en un director a seguir si pule algunos detalles como la elaboración del guión y una narrativa menos confusa. 'Hostile' es un sorpresivo e inquietante debut para una mente tan joven, un ejemplo de como rodar una interesante película de terror sin un solo euro y con mucha imaginación. Un thriller que provoca mirar dentro de el con esa obsesión insana y morbosa que produce comprobar con nuestros
propios ojos como ha enfocado la direccion un 'niño' de 14 años, que cosas le producen terror y como las quiere mostrar e incluso tambie podemos tomar su cine como ejemplo sobre que influye en los mas jóvenes aficionados y cineastas a la hora de adentrarse en un cine de genero tan peculiar, en ese caso, el terror de 'Hostile' se convierte en algo mas que una simple película de terror creada por un de chico de 14 años, se convierte en una forma de ver como entienden el terror cinematográfico las nuevas generaciones y su forma de plasmarlo en una pantalla.
Trois souvenirs de ma jeunesse - Arnaud Desplechin - Francia
5/10
Mi primer acercamiento al cine de Arnaud Desplechin llega tarde. Quizás por ello no haya logrado con 'Trois souvenirs de ma jeunesse' conectar en su totalidad con esta nueva propuesta del cineasta francés resultándome intrascendente e indiferente en lineas generales. Extrañamente la historia empieza muy interesante y distinta a lo que cualquiera pudiera esperar presentándonos a Paul Dedalus (Mathieu Amalric), un antropólogo que de regreso a París tras años de trabajo en Tajikistan es detenido e interrogado en la aduana debido a la aparición de otra persona con sus mismos datos en Australia. Este es el punto de partido del drama romántico europeo dirigido por Arnaud Desplechin y la justificación para que su protagonista, un adulto Paul, nos narre tres recuerdos de su juventud que al mismo tiempo que estos dividen la película en tres secciones tituladas: Infancia, Rusia y Esther. En la primera de ellas se relata muy brevemente, casi como una pincelada, la dura infancia de Paul, los malos tratos que sufrió por parte de su padre, la muerte de su madre y la relación con sus hermanos, en la segunda, Rusia, se nos muestra con un tramo mas extenso la razón de la aparición del 'doble' de Paul, la perdida de la virginidad y su carácter en la adolescencia mientras que el tercero y mas extenso e importante, Esther, narra su complicada historia de amor junto a la joven de dicho nombre que interpreta Lou Roy-Lecollinet.
Desplechin maneja mal el ritmo del fim pero bien algunas formas de narración para hacer la historia mas dinámica como por ejemplo el uso del ojo de iris propio del cine mudo para enfatizar la nostalgia y el pasado, un ritmo ágil durante la primera media hora, una banda sonora potente y realmente buena, la voz en off de Paul en todo el film salvo en en ultimo tramo donde Esther también narra algunas escenas o aquellas en las que ambos recitan a cámara las cartas recibidas. Todo ello, por desgracia, termina siendo un mero adorno para ocultar una enorme carencia de emotividad que se hace mas que patente si cabe en el ultimo acto. Realmente 'Trois souvenirs de ma jeunesse' no necesita de estos artificios, su puesta en escena remite a clásicos de la Nouvelle Vague y gana muchos enteros con ello pero la historia adolece de una falta de emotividad progresiva mas que evidente conforme pasan los minutos y la trama avanza separando a sus protagonistas en la distancia y al espectador de ellos provocando el descenso irremediable de un interés que se diluye totalmente, el film se torna aburrido y repetitivo en un romance de idas y venidas entre dos personajes que realmente ni se aman ni se necesitan como el tiempo acaba demostrando. El guión del propio Desplechin y Julie Peyr me parece bueno en tanto en cuanto parte de una buena idea pero el tratamiento de la historia de amor entre ambos me parece insulso, no creíble y la película cerrada de manera simple. Eso sin contar que la película se podría haber titulado tranquilamente 'Esther' y en ella mediante un par de diálogos sustituir esos dos primeros recuerdos que solo hacen que engrosar el metraje hasta llegar a lo verdaderamente importante para su director, la historia de amor entre Paul y Esther desde su génesis. No obstante, extraigo cosas buenas como un interés extraño en ver mas cine de Desplechin o la interpretación y el desparpajo de Quentin Dolmaire como el adolescente Paul, lo mejor de toda la película sin duda junto a algunos de los diálogos; ella no, Lou Roy-Lecollinet, ni su interpretación ni su personaje aséptico y extraño han conseguido que sienta un mínimo de empatía por Esther.
Thriller mas que correcto y de corte clásico que goza de un estupendo arranque y un primer tramo bastante interesante pero al que la falta de nervio y la incoherencia de algunas escenas en el segundo acto la dejan en un correcto nivel ligera y unicamente salvado por ese diferente postfinal. Tras rodar en 2010 'Captifs', un film de terror sobre el trafico de órganos, Yann Gozlan se adentra en el suspense mas clásico con el actor Pierre Niney al frente, un joven talento francés ganador del Cesar a mejor actor el año pasado por su papel en 'Yves Saint Laurent'. Mathieu Vasseur (Pierre Niney), es un joven vienteañero que compagina su trabajo para una compañía de mudanzas con su hobbie, la escritura. Tras recibir la noticia del rechazo de la editorial respecto a su primera novela, la suerte del joven escritor cambiara y ante el aparecerá la oportunidad de cumplir por fin el sueño de convertirse en escritor de éxito. Las presiones de la editorial sobre la entrega de la próxima novela mellaran psicologicamente al joven Mathieu de tal manera que no le quedará otra salida que tomar medidas desesperadas. No se le pueden pedir peras al olmo dice el refrán y para ser su segunda incursión en el cine, la factura final de 'Un homme idéal' no es del todo mala, estamos ante un 'Stoker' menos perverso y oscuro, una pseudo versión francesa de 'The Talented Mr. Ripley' donde empatizar y sentirnos cómplices de la maquiavélica mente de un protagonista que sabemos no actúa correctamente y por el cual no podemos dejar de sentir sus mismas sensaciones cuando se encuentra bajo presión. Pero, con quien guarda un extraño parecido es con la estadounidense de 2012, 'The Words', interpretada por un Bradley Cooper escritor que se apropia de unos textos no publicados por un novelista fallecido para hacerlos suyos, en 'Un homme idéal' es el diario de un soldado en Argel y en 'The Words' es un soldado de la Segunda Guerra Mundial. Demasiadas coincidencias? Que cada cual saque su conclusión. Poco mas que añadir de esta cinta francesa, destacar sobre todo a su protagonista Pierre Niney y el registro hithcockiano de su tez atormentada, la buena banda sonora de Cyrylle Aufort ('Hostage', 'Splice') y el arranque fulgurante que tiene el film, después se mantiene en la linea y solo despierta el interés ver cual será el siguiente giro de guión. Estamos ante un thriller practico, un bonito ejercicio de estilo y guion con una puesta en escena de situaciones llenas de tension tangible, palpable, como las que creaba el maestro Hitchcock, véase la presión de la editorial en la primera llamada tras la elipsis temporal exigiendo a Mathieu una nueva novela, la escena del baño y posterior pesadilla de un Mathieu atormentado por la cantidad de problemas que se le acumula o la aparición de ese miembro ajeno a la familia (ahijado) que parece vaya a trastocar todos los planes puede llegar a recordaros vagamente a la de George Sanders en 'Rebecca'. 'Un homme idéal' esta un poco por debajo del nivel de otras producciones francesas como bien pudieran ser 'Ne le dis à personne' en 2006 interpretada por el protagonista de la maravillosa 'Intocable' o la carrera contrarreloj que es 'A bout portan' donde Guillaume Lemans hace de guionista como aquí en 'Un homme idéal' o por ejemplola opresiva 'The Incident'; personalmente la incluiría en un nivel similar al de las recientes 'The Connection' o 'Enragés'.
Les Yeux Sans Visage - Georges Franju - Francia 8/10
Hammer fue la principal productora de cine de terror británico durante los años 50 llevando a los monstruos clásicos a la gran pantalla. Precisamente debido a ese gran éxito llegaron films como 'The Innocents' en un intento por desmarcarse del terror clásico hacia el psicológico contando para ello con un gran presupuesto. El cine de terror moderno no llegó a Francia hasta que el productor Jules Borkon decidió aventurarse en dicho mercado otorgando al director Georges Franju , la realización de 'Les Yeux Sans Visage'. Criado en el cine mudo junto a George Melies, Franju aceptó no sin ser antes advertido por Borkon en cuanto a la censura reinante en Europa, debía haber poca sangre, ningún animal podía sufrir daños y tampoco podía existir la figura del científico enajenado. Franju para semejante tarea se alió con los escritores Pierre Boileau y Thomas Narcejac, novelistas con trabajos que ya habían sido adaptados al cine con grandisimo éxito como 'Les Diaboliques' en 1955 de Clouzot y 'Vertigo' en 1958 de Hitchcock. 'Les Yeux Sans Visage' es una adaptación de la novela popular escrita por Jean Redon, seudónimo de Frédéric Dard, para una serie de publicaciones de la editorial Fleuve Noir en marzo de 1959, concretamente la número 56 de la colección 'Angoisse'. Definitivamente, 1960 es uno de los años mas prolíficos para el thriller donde se llegaron a estrenar junto a esta maravillosa 'Les Yeux Sans Visage' otras obras de culto como la americana 'Psicosis' de Hitchcock y la británica 'Peeping Tom' de Michael Powell. Gran año para el cine.
88 minutos para contarnos la historia del doctor Génessier (Pierre Brasseur), un cirujano parisino de mediana edad, serio y profesional que trabaja en una distinguida clínica de la capital francesa. Mientras, su fría y manipuladora ayudante Louise (Alida Valli), se dedica a raptar chicas con aspecto similar a Christiane (Edith Scob), la hija del doctor, que vive recluida en la habitación mas alta de la mansión, Christiane tiene el rostro cubierto por una mascara debido a un accidente de trafico que le desfiguró la cara por completo y del que acusa directamente a su padre, quién no sólo acepta la culpa sino que intenta redimirse tratando de devolverle un aspecto normal. A ratos bellamente pausada, a ratos bellamente explícita y todo sin perder un ápice de interés. Un terror generado a fuego lento y con pocos personajes donde se sugiere mas que se nos cuenta. Algunos planos y escenas son puro lirismo, puro arte, sobretodo en las que aparece Christianne, al inicio en la cama de espaldas mientras conversa con su padre al que odia por dejarla en ese estado y también por los métodos que usa para intentar curarla o cuando vaga por la mansión tras esa máscara tan inexpresiva. Edith Scob era una novata por aquel entonces pero supo aprovechar al máximo las únicas dos ventanas por las que podía transmitir al publico los deseos y sensaciones de Christiane. Pierre Brasseur como el doctor Génessier ofrece un registro que invita a empatizar con su personaje hasta lo mas profundo. Su semblante serio y su voz grave y directa así como el trato con todos los otros personajes que nada saben sobre lo que ocurre (el padre de la primera chica, los miembros del hospital, el niño enfermo) nos confirma que no estamos ante un doctor desquiciado y psicótico, no es un psicópata y mucho menos alguien que mata por placer. Su único propósito es curar a su hija para así poder seguir viviendo sin ese sentimiento de culpa que lo tiente totalmente frustrado y capaz de concentrarse en nada más.
Una fábula paterno-familiar con alto contenido dramático y algunos momentos realmente escabrosos como la escena de la operación donde no sólo se nos detalla minuciosamente la misma sino que todo lo relacionado a esta y a sus resultados son tratados casi como un documental al uso. La operación es la pedrada en el coche del espectador un jueves por la noche de camino a casa. Ese momento en que uno abre los ojos para no perder detalle de lo que esta ocurriendo. Hay tanto en 88 minutos que desde luego su disfrute aumenta con cada visionado. La idea de poner el quirófano clandestino pasando la habitación que custodian las diferentes jaulas de perros con las que el doctor practica es brillante así como la de acompañar a Louise en sus batidas de caras con la música del veterano y triplemente oscarizado Maurice Jarre, un genio de las bandas sonoras como demuestran sus trabajos en películas tan conocidas como 'Lawrence de Arabia', 'The Longest Day', 'Jacob's Ladder', 'Top Secret', 'Ghost', 'A Passage to India', 'Doctor Zhivago' o 'The professionals'. Y al mando de la fotografía, otro monstruo, Eugen Schüfftan. Schüfftan inició su carrera con Fritz Lang, casi nada, y fue un habitual de directores como Robert Siodmak y Marcel Carné. Además, inventó una técnica con la que mediante espejos era capaz de miniaturizar cualquier personaje dentro de una película (usada en 'Metropolis' en 1927). 'Les Yeux Sans Visage' es toda una película de culto de la que han bebido muchas producciones. En 1961 fue la italiana 'Atom Age Vampire', en 1962 la española 'Gritos en la noche', en 1968 'Corruption' y en 1988 'Faceless' incluso si solo nos ceñimos al hecho de transplante de caras tenemos en 1997 'Face off' y 'Abre los ojos', sin olvidarnos claro, del referente más actual, la brillante producción de Pedro Almodóvar, 'La piel que habito' con una superlativa banda sonora de Alberto Iglesias.
Thriller noir de acción francés basado en el clásico de culto de 1974 dirigido por Mario Bava, 'Rabid Dogs'. Tras asaltar un banco, Sabri (Guillaume Gouix), Manu (Franck Gastambide) y Vincent (François Arnaud), secuestran en plena huida a una mujer (Virginie Ledoyen) y a un padre soltero (Lambert Wilson, Merovingio en la saga 'Matrix') que viaja acompañado por su hija enferma, convirtiendolos en rehenes con el objetivo de llegar a la frontera y escapar con el dinero. Opera prima de Eric Hannezo que también participa en el guión junto a uno de los directores/escritores de 'The Horde’s', Yannick Dahan, y Benjamin Rataud. Antes de dejaros mis impresiones sobre este remake me gustaría contaros la historia que rodea a la original de Bava. Tres años después de estrenar 'Reazione a catena' en 1971, una de sus películas mas famosas y a la postre precursora de un subgénero como el slasher, Bava filmaba en 1974, 'Rabid Dogs' (Cani arrabbiati). Cuando el principal productor de la película falleció, se dejo de rodar y la idea de Bava para el filme, se perdió. El proyecto no se retomo y tristemente el director italiano falleció sin finalizarlo pero, su hijo Lamberto, lo re-edito y distribuyo nuevamente a mediados de los 90 convirtiéndolo en un thriller minimalista de culto altamente valorado por la critica internacional. Ambas cintas contienen pequeñas diferencias como el numero de atracadores o que en la versión de Bava se trataba de un niño y no de una niña, pero para esta ocasión Hannezo decidió
aportar su firma personal a modo de giro final. Curiosamente, lo único
que salva a la película de ser tachada de vacía por la mayor parte de la
critica. Y es que ese es uno de los grandes problemas que estamos
viendo en el cine actual, la proliferación de remakes, versiones u
homenajes que se quedan en un simple regalo bonito lleno de colores y
música que puede transportarnos a la época del original pero vacíos
totalmente en su contenido. En 'Enrages', ocurre exactamente esto. El robo, huida y secuestro de los protagonistas (ladrones y víctimas)
esta bastante mal enfocado; durante el viaje en cochedonde transcurre
la granparte del filme apenas hay tensión o suspense mas allá del que
que vemos sufrir a Ledoyen sentada en la parte de atrás del coche
mientras Vincent la viola con la mirada. Y eso que hay una niña enferma
con ellos. Si a esto le sumamos un desarrollo aburrido donde lo mejor
son la fotografía puntual de Kamal Derkaoui y la banda sonora noir de Laurent Eyquem
muy conseguida, tenemos lo que dije al principio, un bonito regalo pero
vació de historia y segundas lecturas. No es una mala película ni mucho
menos pero lo único que la hace diferente al resto y por lo que puede o
podrá seguramente, ser recordada, es por su giro final. A unos gustara y
a otros les parecerá algo tramposa.
Aunque esta película se estrene en nuestro país en unos días, ya vio la luz en su ciudad natal, Francia, en 2013. Es una adaptación de la novela de Stefan Zweig, ‘Un viaje al pasado’ y la acción se lleva a cabo en la Alemania de 1912, dónde un jóven, Friedrich Zeitz (Richard Madden) encuentra un nuevo trabajo en el que coge una gran confianza con su jefe, Karl Hoffmeister (Alan Rickman) (Severus Snape en la saga de Harry Potter) llegando incluso a sustituirle dado el avance de su enfermedad y a adentrarse en la vida privada del mismo, viviendo entre su familia e incluso enamorándose de su esposa, Lotte Hoffmeister (Rebecca Hall), con la que comenzará una historia de amor complicada ya que se verán obigados a separase por trabajo y a reunirse años después. Este drama romántico en cuanto a la trama no tiene mucho peso. En primer lugar, si tan claro vamos a tener desde el primer momento que
se ven, que entre este joven y la esposa del jefe, va a ocurrir algo, no
creo que fuera necesario alargar tanto el supuesto enamoramiento.
Aparte que deja bastante que desear porque ni si quiera hay mucha pasión
entre ellos, falta química por su parte cómo para que el espectador
pudiera creer que fueran a esperarse durante tanto tiempo, aunque vaya a
suceder porque es lo que sucede en las películas con este tipo de
romances. Por otra parte, haciendo hincapié al título de la película,
desde el principio esperas que ocurra cierta promesa por parte de algún
personaje que sea la que denote la trama, que obviamente está (sino qué sentido tendría) pero te hace pensar que no existiera, ya que a mi parecer tarda demasiado en llegar. Es más, si se va a tardar tanto en denotar algo tan importante al menos
debería crearse expectación y sin embargo la promesa que se hacen y su
cumplimiento (volver a encontrarse) se desarrolla tan rápido que
apenas se acepta que realmente haya pasado tanto tiempo desde que los
enamorados se hicieron la promesa y él vuelva.. Por tanto, apenas
sientes empatía hacia estos dos personajes cuando sufren por no poder
verse, ni cuando él vuelve que ocurre sin emoción alguna. En cuanto a la
manera de narrar me parece acertada, con la que gana mucho más. El
director nos dice muchas cosas con la cámara. Utiliza muchos planos
detalle de manos, platos de comida que nos dicen lo que están sintiendo
los personajes sin necesidad de mostrar sus expresiones faciales. Y los
movimientos de cámara repentinos que hace en algunas ocasiones se
integran bastante bien, se nota que se dan por la mirada del personaje.
En otras ocasiones nos marea más. Como conclusión, es aceptable.
Mejoraría los aspectos del principio para darle mayor emoción y que no
fuera todo tan predecible.
La prochaine fois je viserai le coeur - Cédric Anger - Francia
7/10
Thriller basado en hechos reales, ambiguo, atípico y en donde el asesino es el protagonista total y absoluto. Los sucesos reales en los que se basa ocurrieron entre mayo de 1978 y abril 1979, en la localidad de Oisen (Picardie) al norte de Francia. Alli, Alain Lamare, asesinó a varias mujeres mientras a su vez servía de ayudante a la policía como gendarme en el propio caso que investigaba dichos crímenes. El ambiente enrarecido o el clima que existía en la localidad de Oise es fruto de haber vivido también no hacia mucho en sus tierras, el caso de Marcel Barbeault, considerado el primer asesino en serie francés al matar a 5 mujeres pocos años antes de que Lamare empezara los suyos. 'La prochaine fois je viserai le coeur' está dirigida por el francés Cédric Anger ('Le teur', 'L´avocat') y el guión es en parte una adaptación de la novela escrita por Yvan Stefanovitch en 2001,'Un assassin au-dessus de tout soupçon'. El cast principal lo forman Guillaume Canet commo Franck Neuhart, Anna Girardot (Sophie), Jean-Yves Berteloot (Lacombe), Patrick Azam (Tonton), Arnaud Henriet (Locray), Douglas Attal (Nono), Pierick Tournier (Carpentier), Alexandre Carrière (Ossart), François-Dominique Blin (Niel), Franck Andrieux (Auzier), Arthur Dujardin (Bruno), Alice de Lencquesaing (Melissa), Hélène Vauquois, Jean-Paul Comart y Michel Cassgne. La introducción de todos los nombres y personajes en esta critica no es otra que la de hacer ver a quien decida visionar la película la grandisima importancia del papel interpretado por Canet, capaz de hacer olvidar a casi 20 actores mas con un registro de serial killer impecable, expresando en todo momento el punto de vista del director respecto al personaje y a la película en si, pues el director francés no emite juicio alguno, sitúa la cámara en ese espacio de tiempo y sigue a Neuhart, simplemente, ni se centra en la investigación ni en darnos masticadas las explicaciones a las motivaciones que llevan al tímido gendarme a cometer esos actos.
Que gran motivo llevaba a Neuhart a cometer semejantes crímenes? Estaba totalmente loco? Era un psicópata muy inteligente? Porqué trataba a Sophie y al resto de su familia de esa manera? Porque ese mal humor? Y el trato a Bruno? Porque? De donde provenian esa especie de brotes psicóticos repentinos que tenia? Porque disfruta con el dolor físico ajeno y también el propio? Su moral y su ética pueden ser los detonantes de tal comportamiento, le gusta el orden, la autoridad, no le gustan las imprudencias, es pulcro y cuidadoso con su imagen, pero todas sus 'leyes' las lleva hasta el limite mas radical sin consentir que nadie las traspase. Tambien hay escenas en las que es él mismo quien busca sentirse 'sucio' y va a lugares donde encontrar víctimas fáciles que encajen con su perfil, en otras escenas lo vemos flagelarse, en definitiva, buscaba sentirse limpio y en paz con Dios? Son muchas las preguntas que uno se hace viendo esta película y la sensación continua de que no van a ser resueltas ya queda patente desde el inicio con esa frase que aparece a los 15 minutos: 'Soy un asesino y por lo tanto, mataré'. No hay nada mas que explicar. Con marcados momentos de extraño humor generado por la búsqueda del asesino por parte del propio asesino en Oise, la película consigue salvar el vacío del melodrama mas rancio y somnífero por el que navega. Su primera parte acumula una tensión rara, imposible de definir pero que esta ahí, impasible y perfectamente trasladada a la pantalla por un personaje como Neuhart. Sin una actuación similar a la de Canet, capaz de aguantar esa pose tanto como asesino y como gendarme, esta película no se sostendría de ninguna manera. Dada la posición en que su director pone al espectador y el marco en que la encierra necesita soberanamente de un punto de fuga magnánimo, algo o alguien que resalte entre todo ese ruido de fondo y guíe a los demás, ese alguien es Guillaume Canet. Solamente por su actuación merece la pena ver esta película. Una de las cosas negativas de la cinta, además de estar jugando en la cuerda del melodrama barato con suerte de salir airosa es que si esa primera parte o primer acto aprovecha bastante bien el enfoque de su director y la poca incursión en el thriller convencional, a partir de un poco antes de la mitad del filme su tensión parece estancarse y no aumenta debido principalmente a que el espectador no se siente impresionado con escenas que no aportan nada, la previsibilidad obvia e inicial de saber quien es el asesino hace que uno espere algo y cuando la película no va pasa de ahí en ese sentido lo único importante es disfrutar de la gran interpretación de Canet. La banda sonora de Grégoire Hetzel completa este clima enrarecido con unos acordes alargados y melodiosos interrumpidos por secos silencios llenos de sonidos agudos que permiten viajar lentamente a la mente de Neuhart e intentar discernir que diablos le llevo no solo a cometer los asesinatos sino a continuar la investigación de ellos como gendarme. Estamos ante un thriller sencillo, para visionar sin pretensión alguna y dejarse embaucar por la fría y profunda mirada de su protagonista y la brillante interpretación de Guillaume Canet, fuera de eso, el resultado es un ejercicio cinematográfico simple, llano y efectista.
Goal of the Dead - Benjamin Rocher y Thierry Poiraud - Francia 6/10
Nueva incursión en el cine de zombies de la mano de dos directores noveles franceses, Benjamin Rocher y Thierry Poiraud. Los hermanos Rocher (Benjamin - director y Raphael - productor ) regresan a las pantallas de cine con una nueva película sobre zombies tras la simpática acogida de su 'The Horde' en 2009, pero esta vez, unida al fútbol. Rememorando las viejas sesiones dobles grindhouse de los años 70, la película esta divida en dos partes de 70 minutos de duración aproximadamente coincidiendo cada una de ellas con la primera y segunda parte de un partido de fútbol convencional. 'Goal of the dead' es la compañera, la amiga, la telonera perfecta para una noche zombie-cómica aderezada con el visionado final de 'Zombies party', 'Zombieland' o 'What We Do In The Shadows'.
Lo mas importante es que esta si tiene a cuales envidiar como las antes
citadas y superarlas es una tarea mas que complicada, pues ambas son ya
películas de culto y fueron un soplo de aire fresco en su momento a un
genero tan violado como el de los zombies donde actualmente ya hasta se
enamoran y sienten y padecen. Así que por ese lado no cuenta algo
novedoso, humor plano y zombies ha sido y es una buena combinación pero
añadir estos dos grandes géneros al deportivo y mas concretamente al
fútbol es digno de mención y de ser visto por todos aquellos fans,
groupies, hypers de la escuela de Simon Pegg. De que va? Un
equipo muy muy amateur de fútbol, el FC Caplonge, consigue clasificarse
para la final de la Copa en Francia contra el todopoderoso equipo de la
capital, el Olympic de Paris. En dicho equipo juega Sam Lorit,
ex-jugador del FC Caplonge y al que todos odian despues de haber
abandonado al equipo en un momento importante en su historia. Por un
error de reparto, el doctor del FC Caplonge inyecta una substancia
desconocida en el nuevo delantero estrella y ex-mejor amigo de Lorit,
Jeannot, quien totalmente convertido en una bestia asesina ira
contagiando a diestro y siniestro la enfermedad mientras busca a Lorit
para matarlo. 'Goal of the dead' es un claro producto de serie B sin mas
intención que darle al público lo que espera, ni mas ni menos, ni
apocalipsis zombies encriptadas en antiguos manuscritos ni virus humanos
descontrolados que valgan. Dos partes de 70 minutos cada una al estilo
Grindhouse, sobretodo el inicio de la 2a, son el mas claro indicativo
que este es un producto de serie B sin mas intencion que ser de serie B y
en ello se recrea. La primera parte dirigida por el hermano del
productor, B. Rocher, esta enfocada a mostrarnos a los personajes,
algunos muy interesantes como el grupo de ultras, Diago o el entrenador
Coubert, curiosamente son los que aportan mas humor a la cinta. La
historia del prota-vieja leyenda que regresa a casa, Sam Lorit, da ese
punto de respiro entre las escenas de mayor acción, además cuenta con un
secreto familiar que se ira descubriendo a medida que la trama avance.
Esta primera parte esta como digo, a los personajes y al estallido del
brote en si. La iluminación del campo de fútbol entendemos que es pobre
dado lo amateur del equipo de Caplonge pero no me terminó de encajar
bien, una iluminación mas alegre durante las escenas futboleras hubiera
dado un realismo mucho mayor a la explosión del brote y la entrada de
Jeannot en el terreno de juego. La segunda parte dirigida por T.Poiraud empieza muy grindhouse
con una especie de corto precuela donde vemos la infancia de Lorit y
Jeannot, tras ella, empieza la acción, la sangre a correr por las calles
de Caplonge y es donde podemos ver la parte mas ruidosa del film, con
grandes escenas cómicas como las de Diago bailando ante un zombie o la
del entrenador Coubert sacando a relucir ese gran entrenador que lleva
dentro. Cinta palomitera a todas luces que se presenta interesante y
termina dejando un buen sabor de boca gracias principalmente a que no se
toma en serio a ella misma en ningún momento y que aprovecha la mas
mínima ocasión para incrustar en el argumento una escena de humor como
un ataque zombie a gran escala. Final muy llamativo y una fotografía mas
que aceptable hacen del tramo final un buen conjunto para ver sin darle
mucho al cerebro. Si que es cierto que estos zombies no son del todo
inconscientes de lo que hacen (incluso vemos a uno jugando a una recreativa) pero...ese final, no parece del todo lógico...en fin, película disfrutable, no es 'Juan de los muertos' ni una 'Zombies party' pero esta apañada. Curioso pero no parece que dure mas de 2h. Otro punto a su favor.
4 - Låt den rätte komma in (Let The Right One In) - Tomas Alfredson - Suecia 9/10
Al borde del suicidio. Ahí se encontraba el genero de vampiros antes de llegar la película dirigida por Tomas Alfredson. Mientras que la temática zombie se regeneraba poco a poco con films como 'Zombies Party', la saga britanica '28 days later' y series como 'The Walking Dead' o la francesa 'Les revenants', los vampiros sufrían el fenómeno 'Crepúsculo' en silencio (sólo series como 'True blood' o 'The vampire diaries' se tomaban a los chupasangres de una manera 'digna'). Va por temporadas, años 60 y la infinidad de versiones de Dracula de Christopher Lee, años 70 los zombies de Romero, años 80-90 el vampirismo se une a la comedia y también llegan cintas como 'Dracula' de Bram Stoker o 'Entrevista con el vampiro' sin olvidar 'Queen of the damned'
mientras que los zombies seguían de retiro. Principios del 2000 en
adelante los vampiros sufren el arrollador fenómeno teen fan con la saga
'Crepúsculo' y los zombies toman el control. Llegados a este punto aparece la fábula de Tomas Alfredson
en 2008. Un cuento sutil sobre vampiros ambientado en Estocolmo a
principios de los años 80. Ciertamente hay películas que cambian la
progresión de un genero, 'Let the right one in' es la 'Matrix'
del género de vampiros, es la prueba visible de que hasta un personaje
surgido de la imaginación del hombre y tratado con la seriedad necesaria
puede llegar a ser tan real como nosotros mismos. Oskar, un niño de 12
años que pasaría por hijo de alguno de los miembros del grupo Abba vive
acosado por los matones de su colegio y en su propio hogar no encuentra
el consuelo necesario afrontar la situación gracias a una madre
totalmente ausente y divorciada del alcohólico de su padre. Oskar pasa
las noches soñando con vengarse de los niños de su colegio. Durante una
de esas salidas nocturnas conoce a Eli, una niña que hace poco se ha
mudado junto a un hombre mayor al edificio donde el vive. Entre ambos
surgirá algo mas que amistad, algo mas que amor. Basada en la novela de John Ajvide Lindqvist que también escribió el guión y con la portentosa fotografia de Hoyte van Hoytema, 'Let the right one in' es la mejor película sobre vampiros desde 'Dracula' de Bram Stoker o 'Entrevista con el vampiro'
y, curiosamente, ambas también son adaptaciones de grandes novelas. El
hecho que esté ambientada en una fría Estocolmo llena de nieve como el
gran telón de fondo la hace aún más perfecta si cabe. El vampirismo
incrustado de esa manera en la sociedad es tan escalofriantemente real
que hace olvidar por completo que estamos ante un personaje salido de la
fantasía del ser humano. Diálogos medidos, justos y necesarios que
transcurren a un ritmo preciso, que no lento, que es muy distinto. Se
deja respirar al protagonista, podemos acercarnos a él y sentir lo que
Oskar siente por Eli, amor, curiosidad, confianza. A esto ayuda la
brillante interpretación de Kåre Hedebrant con esa mirada
perdida, esos gestos ante las continuas vejaciones de sus compañeros y
como con su mirada nos transmite que su miedo hacia ellos ya es algo
contra lo que no puede luchar. INICIO PSEUDOSPOILERS - A quien debería tenérselo en teoría y en
cambio es quien le suministra el valor necesario para revolverse, es
Eli. Pero... ¿se lo suministra o se lo impone? Ella tiene unas
necesidades que Hakan ya no puede solucionar y ha fijado sus ojos en
Oskar, se podria entender así, que Eli quiere un nuevo esclavo que la
alimente pero su relación con Oskar empieza antes que a Hakan le ocurra
lo inevitable. No digo que Eli se enamore de Oskar nada mas verlo pero
si distingue en él una inocencia pura, capacidad de sumisión inmediata y
por ende altamente manipulable. Oskar, pasa a convertirse en objetivo
claro de Eli cuando al poco de mudarse Hakan, no consigue realizar los
trabajos que antes realizaba, no antes, antes solo era alguien que Eli
esta testando por decirlo de alguna manera. ¿Hakan fue el anterior
Oskar? Posiblemente. Cuando una historia tan sencilla se torna tan
intensa, interesante y llena de escenas que ya son míticas como son las
de Hakan 'cazando', Oskar revolviéndose contra uno de los
matones, Eli subiendo a ver a Hakan en el hospital, la de la piscina o
la del tren, esta termina convirtiéndose en película de culto
irremediablemente.- FIN PSEUDO SPOILERS. Y ante eso estamos, un must see por excelencia, sin
peros. Una de las mejores películas de terror de la última década.
3 - Les Diaboliques - Henri Georges Clouzot - Francia 9/10
Ne soyez pas DIABOLIQUES! Ne detruisez pas l´intérêt que pourraient prendre vos amis à ce film. Ne leur racontez pas ce que vous avez vu. Merci pour eux. (¡No sean diabólicos! No destruyan el interés que puedan sentir sus amigos por esta película. No les cuenten lo que han visto. Gracias en su nombre.)
Con este texto finaliza 'Les diaboliques', mi TOP 3. 'Celle qui n'était plus', la novela en la que esta basada esta película fue escrita por los novelistas Pierre Boileau y Thomas Narcejac, autores más tarde de otro gran título, 'D'entre les morts', adaptada al cine en 1958 por Hitchcok con el sobrenombre de 'Vertigo'; en 1960 ayudaron a Georges Franju en la adaptación cinematográfica de 'Les yeux sans visage' (que también encontraréis en este TOP). Co-escrita (con Jerome Geronimi, Rene Masson y Frederic Grendel), dirigida, producida y estrenada por el talentoso Henri Georges Clouzot en 1955, autor entre otras magnificas películas de 'Le salaire de la peur', 'Quai des Orfèvres' o 'Le Corbeau', 'Les diaboliques' supuso otra muesca más en la carrera del brillante director francés. En un colegio internado alejado de Paris junto a decenas de niños conviven, el director Michel Delassalle (Paul Meurisse), su mujer Christina (Véra Clouzot), los profesores Nicole Horner (Simone Signoret), Drain (Pierre Larquey), Raymond (Michel Serrault) y el personal de servicio. Todos allí conocen el triangulo amoroso que forman el director, su mujer y la profesora Nicole, una rubia de lengua cortante. Y cuando digo todos, es todos, hasta los niños. Este triángulo que desde el inicio ya conocemos, tanto nosotros como el resto de personajes, es el primer aviso del director para que estemos muy atentos a cada escena y no perdamos detalle. El director, el machista y autoritario Michel, hace y deshace a su antojo tanto con su mujer, su amante, los empleados y hasta la propia institución infantil, la cual regenta con mano dura descarada. Mujer y amante, hartas ambas de sus continuos desprecios buscaran la forma de acabar con la situación a cualquier precio. Algunos datos curiosos proporcionan un valor añadido a esta cinta como que la productora asociada (Filmsonor era la principal) es Vera Films, llamada así en honor a su mujer Vera Clouzot
que interpreta el papel de Christina Delassalle. Lo todavía mas
curioso, extraño y que forma parte de la leyenda que acompaña la
película es que al igual que Christina, su personaje, Vera Clouzot también sufría del corazón y murió fruto de un ataque tan solo 5 años después del estreno de 'Les diaboliques'. Otro detalle menos escabroso es que este fue el film que ayudó a Hitchcock (quien llego tarde a la compra de los derechos para rodar 'Les diaboliques') a adaptar finalmente la novela de Robert Bloch, 'Psycho'.
Además, el escritor confesó en una entrevista que el film francés era
su película de terror favorita. Estamos ante un perfecto thriller
psicológico, una maravilla de principio a fin. Clouzot va
mezclando todas las piezas compuestas por los personajes, los carácteres
tan exquisitamente perfilados y lugares u objetos clave (colegio, apartamento, piscina, tintorería, baúl, mechero, figura porcelana, llave con forma de estrella) aumentado el suspense hasta un final apoteósico que ya es parte de la historia del cine.
Nunca más volverás a ver una piscina de la misma manera después de visionar 'Les diaboliques'. Ni tan siquiera una bañera. Posee tantos momentos brillantes que si la primera vez que se ve se disfruta más por no conocer el giro final, en posteriores ocasiones uno saborea toda esa esencia de Clouzot, entendiendo el porqué de muchos de los planos con los que el realizador francés intentaba decirnos más cosas de las mostradas a simple vista (esos planos de mujer y amante separados por un árbol o una columna, la inocencia y la maldad, el bien y el mal (?)). La fotografía del habitual de Clouzot, el veterano con mas de 200 películas Armand Thirard, es otro de los aciertos de este thriller aportando un enfoque casi victoriano a ese internado ya desde el arranque mostrándonos en contrapicado su nombre grabado en la valla metálica. Su banda sonora solo aparece en los títulos de crédito iniciales y finales, firmada por Georges Van Parys y compuesta principalmente por violines, pianos y unos diabólicos coros de voces infantiles casi al final donde aparece el siguiente texto: 'Une peinture est toujours assez morale quand elle est tragique et qu´ele donne l´horreur des choses qu´elle retrace - Barbey D´Aurevilly' (Una pintura siempre es lo suficientemente moral cuando es trágica y refleja el horror de las cosas que describe). Thriller psicológico con unas pinceladas dramáticas, pues obviamente las tiene como son esa mujer inocente, católica, enferma y ninguneada por su propio marido quién la ama sólo por su dinero y es capaz de flirtear con su amante delante de ella, la propia amante maltratada fisicamente, la pobreza patente en la gestión del internado con un director rácano y violento (cuando manda a Drain callar a los niños lo levanta del brazo y lo obliga literalmente o el mismo Drain suplicando por un vaso de vino) que no se ocupa de los deberes que un cargo así exige. Pinceladas dramáticas porque aquí lo que premia no es el drama sino el ir sumando factores para el shock final. El guión es ágil, sin profundizar en el drama y sin engaños consigue mantener el interés hasta su tensionado final. Película que serviría de pauta para muchos otros directores en el futuro y al que su aire hitchcockiano y su particular natural fotografía en blanco y negro no conducían a crear una atmósfera oscura y oprimente sino mas bien un clima de suspense y tensión palpable en cada escena. Solo me queda remarcar las actuaciones en las que ninguna destaca más que otra siendo todas de gran talante. Clásico imperecedero de potente dirección y puesta en escena. Thriller impecable, de principio a fin.
2 - The Innocents - Jack Clayton - Reino Unido 9/10
Estrenada en 1961 y dirigida por Jack Clayton se trata de una adaptación de la novela escrita por Henry James en 1898, 'The Turn of the Screw'. Una historia gótica de fantasmas mezclada con un potentísimo drama psicológico donde guión, interpretaciones, fotografía y música se unen junto a un nítido blanco y negro de altísima calidad para ofrecernos como resultado una de las mejores películas de terror europeas de toda la historia. A principios de los 60 el tema casas encantadas despuntaba ya como la nueva gallina de los huevos de oro con grandes éxitos como 'House on haunted hill' o '13 ghosts' y dos años mas tarde con 'The Innocents' llegaría otro clásico británico de idéntica temática, la brillante 'The Haunting' de Robert Wise. Su argumento os sonará mucho ya que es el paciente 0 en cuanto a casas encantadas se refiere: Miss Giddens (Debora Kerr) es una recatada institutriz que acepta el trabajo de cuidar a dos hermanos Flora y Miles (Pamela Franklin y Martin Stephens) en una mansión victoriana apartada en las montañas mientras su único tutor, su tío (Michael Redgrave), se ocupa de unos asuntos en la gran ciudad. En la mansión conoce a la encantadora ama de llaves Mr.Grose (Megs Jenkins), que le ayuda a instalarse y a conocer a los niños. A los pocos días Miss Giddens empieza a observar comportamientos extraños en los pequeños y a sufrir alucinaciones en las que ve a la antigua institutriz muerta un año antes. Lo mejor que se puede decir sobre 'The Innocents' es que a pesar de haber servido de inspiración para otras películas como 'The Changeling' o 'The Others' incluso la propia 'The haunting' es que, a día de hoy sigue la mejor de todas ellas. ¿Historia de fantasmas con trasfondo dramático o al revés? Es una película tan ambigua y con un final tan instigador que soporta segundos y terceros visionados en los que encontrar nuevos detalles y formas de entender su final. Que aún pasando más de 50 años conserve su esencia no es algo casual.
Hay una unión de factores, en este caso personas, que hacen de ella una
joya muy admirable. Seguramente el factor mas importante de estos sea la
adaptación del guión por el mismísimo Truman Capote, sinónimo de calidad. La puesta en escena y la impecable fotografía en un pulido blanco y negro de Freddie Francis ('The elephant man','The Straight Story') son algo maravillosas, inolvidables me atrevería a decir. Francis saca todo el partido a una espléndida Debora Kerr,
y como esta lo da todo, fijaos en sus ojos cuando habla con Miles, el
movimiento de sus pupilas vibrantes, está totalmente metida en su papel,
es algo bárbaro. Y si ella esta perfecta, los niños... los niños son
algo extraordinario, para llevarlos al mismo colegio que Damien vaya. Si
Pamela Franklin como Flora está brillante lo de Martin Stephens como Miles es algo que bordea la perfección, impresionante el registro de este niño que venía de rodar 'Village of the damned' y ya tenia experiencia en poner esas miradas que le dedica a Miss Giddens, esos aires de superioridad.
Debora Kerr está magnifica pero Martin Stephens hizo el papel de su vida. Cuando uno decide ver 'The Innocents' sabe, mas o menos a los 2 minutos, que está a punto de ver una muy buena película. Fondo negro, suena una melodiosa canción infantil durante unos 45 segundos en los que solo vemos el fondo oscuro, tras este, aparecen las manos de Debora Kerr a la izquierda junto a los primeros títulos de crédito que van unidos al sonido de unos pájaros, brillante. Sólo los títulos de crédito ya nos avisan que no estamos ante un producto cualquiera, que no se ha hecho deprisa y corriendo, que esta cocinado a fuego lento, donde cada escena contiene más de lo que muestra, que podemos divagar sobre los diálogos que sus personajes interpretan, que vamos a tener que leer entre lineas durante muchas ocasiones. La canción en cuestión es 'O Willow Wally' y da un mal rollo espeluznante cada vez que Flora la tararea. El film de Clayton lleva al espectador a dictaminar tras su final la opción que más sienta acertada sin dejar de pensar en que la no elegida, la que consideramos imposible o absurda también exista. INICIO PSEUDOSPOILERS - ¿Son reales las visiones de Miss Giddens o por el contrario somos embaucados por su histrionismo y excitación? ¿Está Miss Gidens siendo invadida por un cúmulo de sentimientos y sensaciones que en su vida anterior donde era tan inocente y puritana no conocía? ¿Qué hay oculto en ese beso de buenas noches a Miles? Como veis, es un film al que se le puede sacar una buenísima tertulia cinéfila, sus diversas interpretaciones partiendo siempre que lo que vemos es lo que la propia Miss Giddens ve ya que es su punto de vista lo que siempre se nos muestra dejan abiertos varios caminos. ¿Creemos a la nueva institutriz? ¿Creemos a los niños? ¿Se aprovechan los niños de la mente paranoide de Giddens o es Giddens quien manipula y se hace con el control tanto de los niños como de la mansión? ¿Flora termina desquiciada y Miles muerto o la pequeña finge al ver que alguien más ve esos fantasmas y Miles simplemente se desmaya?- FIN PSEUDOSPOILERS. Sea como fuere este TOP 2 del ránking es un clásico del terror psicológico europeo que nadie puede dejar pasar.
1 - Nosferatu - F.W. Murnau - Alemania 9/10
Schreck en alemán significa ‘terror’. Schreck es el apellido del actor que dio vida al más famoso vampiro europeo de la historia del cine. Como no podía ser de otra manera, 'Nosferatu' de Murnau, es la elegida para ocupar el primer puesto del TOP. Esta grandiosa película muda alemana está basada en la novela escrita por Bram Stoker en 1897, 'Dracula'. La misma en la que se basó Coppola para su versión de 1992. ¿Porqué llamarlo Nosferatu y no Dracula? Murnau quiso adaptar la novela de Stoker pero el estudio para el que trabajaba no consiguió hacerse con los derechos de la obra con lo que el realizador alemán decidió rodar su propia versión. La muerte le llegó a Stoker 10 años antes de que Murnau dirigiera su 'Nosferatu' y fue la viuda del escritor quien denuncio la película por infracción de los derechos de autor. Florence Balcombe (ex-mujer de Oscar Wilde) ganó el juicio y se empezaron a destruir todas las copias existentes de la película pero esta había llegado ya a tantas partes del mundo que fue imposible acabar con todas. Con el tiempo y la muerte de Florence, la gran mayoría de copias que permanecieron escondidas salieron a la luz. Esa es la razón de que hoy podamos disfrutar de esta versión del personaje de Dracula que Murnau trasladó a esa nueva creciente corriente artística llamada, cine. También es la razón por la que existen diferentes montajes o ediciones de la misma las encontradas en Inglaterra, Francia o Alemania. La más completa fue la emitida en el festival de cine de Berlin en 1984. Estamos en la ciudad de Wisborg durante el año 1838. Hutter y Ellen (Gustav von Wangenheim y Greta Schroeder) son un matrimonio bien avenido que vive tranquilo hasta que un día, el jefe de Hutter, Knock (Alexander Granach) decide enviarlo a Transylvania para cerrar la venta de una casa con el conde Orlok (Max Schreck). De camino para en una posada donde tras comentar que se dirige a ver al conde todos los presentes le aconsejan aterrorizados que no lo haga. Al llegar al castillo y después de cenar junto a Orlok se acuesta y pasa la noche allí. Al despertar se dará cuenta que tiene dos pequeñas heridas en el cuello. El conde Orlok firma los papeles para la adquisición de la casa y su llegada a Wisborg conllevará terribles consecuencias. Noventa minutos de puro arte alemán, de puro Murnau. Décima película del realizador bávaro que no solo adapto maravillosa y libremente la novela de Stoker sino
que supo insuflar a su nueva versión un aire tan o mas aterrador que el
que el novelista imprimió a su Dracula. De hecho y a lo largo de la
historia el personaje de Dracula ha sufrido, y digo bien lo de sufrido,
todo tipo de versiones y variaciones mientras que Nosferatu ha sido
tratado con mucha delicadeza por todos aquellos directores que se han
atrevido a inmiscuirse en su camino. Este film es ya un documento
histórico, un clásico que todos, absolutamente todos, deberíamos ver una
vez cada cierto tiempo para que no olvidemos como fueron los inicios
del cine. La interpretación de Max Schreck como Nosferatu es
brillante, talmente parece un maldito vampiro, ¡por el amor de Dios! Han
pasado más de 90 años desde esta película y su pose tétrica, su cara
decrépita, sus uñas y su mirada perversa siguen siendo tan potentes como
el primer día.
La iluminación y la fotografía son el actor que le hace sombra y nunca mejor dicho, al propio Schreck, pues destilan una innovadora inteligencia capaz de transmitir sensaciones realmente aterradoras. El encargado de ese toque artístico es Fritz Arno Wagner, un genio que trabajó habitualmente con Murnau, Georg Wilhelm Pabst y Fritz Lang. La banda sonora quizás sea su parte más endeble pues no está a la altura en ningún momento debido principalmente a los sonidos extraños de los que se compone. No es la historia, son sus imágenes, su increíble y arrolladora inteligencia para el año en que se rodó, no se trata de vampiros, se trata de la liberación de un alma encerrada, de cómo hasta la más aterradora de las criaturas puede desear algo que no ha podido ver nunca. 'Nosferatu' es arte, una sucesión de imágenes sugerentes e innovadoras. Un número uno sin duda alguna. Si el mito de 'Nosferatu' os atrapa no dejéis de ver 'The shadow of the vampire', cinta británica donde se relata de un modo ficcionado como fue el rodaje de la película con Murnau interpretado por John Malkovich y William Dafoe dando vida a Max Schreck.
Segundo largometraje del joven frances Nathan Ambrosioni después de 'Hostile' en 2014 en el que vuelve a escribir, dirigir y actuar el mismo situando la historia nuevamente en el genero del thriller de terror con la introducción al policíaco mas oscuro de films como 'Seven'. Estrenada mundialmente hace escasas semanas en el Fantasía Fest de Montreal, 'Therapy' llegará por primera vez a España durante la próxima edición de Sitges Festival donde se proyectará en la sección Brigadoon de acceso gratuito para todo el mundo. Durante una investigación rutinaria, dos jovenes policias encuentran unas cintas de video en diferentes formatos dentro de una caja manchada de sangre en un lugar abandonado. En ellas descubriran que lo que parecían ser la simples vacaciones de una familia se convirtieron en algo mucho mas macabro y que aun quizás aún esten a tiempo de salvarlos. He tenido sensaciones encontradas con la nueva película de Ambrosioni, por un lado creo firmemente que tanto esta como sus anteriores trabajos serán con el tiempo mas reconocidos que actualmente siendo estos por ejemplo un duro entrenamiento para la mente y la capacidad del realizador francés y por otro, la apreciación de un estancamiento en las ideas que viene desde 'Hostile' ya que ambas cintas parecen practicamente iguales en su desarrollo siendo la de 2014 vencedora en todas las batallas por ser la primera. Lo dificil no es hacer una pelicula y tener exito, lo dificil es hacerlo con la segunda. Ambrosioni no solo incluye en esta ocasión el genero policíaco y deja de lado el paranormal sino que se atreve con el slasher mas despreocupado y sangriento, a veces surrealista, es decir, la variedad de subgéneros de terror vuelve a estar presente, así como el uso excesivo de un found footage muchas veces, injustificado, algo que no pasaba en 'Hostile', incluso ese doble de Myers porta una cámara encima. El found footage no se puede usar a la ligera, hay que darle un sentido y explicacion 'lógica' al porqué de estar grabando cuando las vidas de personas corren peligro, se capta un momento real grabado para siempre, lo que no se puede entender es que estos archivos found footage lleven incorporada una banda sonora de efectos de sonido estruendosos que desestabilizan totalmente la atmósfera creada en ese antiguo manicomio. Este es uno de los puntos que mas chirrían de la película, la edición de sonido es horrible y no ayuda en nada a la producción, es mas, perjudica y mucho a los silencios y voces lejanas que se oyen, no se aprecian bien. Al igual que en 'Hostile', Nathan juega con la variedad de subgéneros (hasta el giallo mas sangriento hace presencia) y tramas, subtramas, etc y desgraciadamente, se le vuelve a ir de las manos, su propósito en desviar la atención del giro final marca de la casa ya se convierte en previsible, es mas que eso, es desconcertante, hay cabos que no se cierran, y la sensacion de que lo único importante es ver como cierra la historia y el giro final quitan interés a todo lo demás. Si en algo ha mejorado en la dirección desde 'Hostile' es en el uso de un found footage mas calmado, sobre todo gracias a la inclusión de la Go Pro, pero el fin no justifica los medios en esta ocasión y se vuelve a abusar demasiado de este formato así como de una edición de sonido desastrosa. De lo bueno salvable de 'Therapy' es la historia en si, una idea para un guión bastante ingeniosa pero no tomada lo suficientemente en serio o simplemente mal ejecutada, y la actuación de Luna Belan, que vuelve a captar la atención de la cámara como en su anterior trabajo junto a Ambrosioni como no lo hace ningúno de los otros actores, algunos con mas tablas incluso ofrecen un registro impropio para el film en el que están. Influencias, que no guiños ni homenajes, de 'TBWP', el remake de 'Hosue on Haunted Hill', 'Halloween' por la mascara o el videojuego 'Silent Hill' por la sonora pesadilla que acompaña algunas escenas, a 'Therapy' le cuesta un mundo mantener el interés y se desvía constantemente de su linea argumental base pero sin duda es una mas que aceptable propuesta en la carrera del director Nathan Ambrosioni, al que el tiempo y estas películas/experiencias van a convertir en un realizador de referencia a seguir dentro de algunos años; el genero de terror en Francia siempre ha sido uno de los mas punteros en toda Europa tanto en los años 60 como en la no tan lejana nueva ola explicita que generaron las 'Martyrs' etc, es joven y tiene buena mano, ama el cine y presenta sus ideas sin esconder nada, Ambrosioni está labrando su camino de una manera quizás algo efectista e inocente pero sin tapujos. Nadie dijo que fuera fácil, cierto? Cabe apuntar que Nathan no solo dirige, escribe y participa como actor, tambien se encarga de la fotografia y el montaje, lo unico en lo que no participa es en la banda sonora, donde encontramos a Céline di Simone que ya colaboró anteriormente junto a Ambrosioni en el corto 'The Lake'. En Bloodstab seguimos apostando por este joven valor como uno de los realizadores europeos del genero de terror a tener en cuenta para los próximos años.
