UNBROKEN

Unbroken - Angelina Jolie - Estados Unidos

6/10

 'Unbroken (Invencible)' de Angelina Jolie es una insulsa y aburrida sucesión de los hechos mas importantes en la vida de Louis Zamperini. El segundo trabajo como directora de la actriz norteamericana es una adaptación del libro escrito por Laura Hillenbrand en 2010 titulado, 'Unbroken: A World War II Story of Survival, Resilience, and Redemption' en el que narra la vida del atleta olímpico americano de ascendencia italiana nacido en 1917, Louis Zamperini. Segundo libro de la escritora que ya vió como su primera creación de 2001 (también historia real) fue adaptada al cine dos años después por Gary Ross ('Pleasantville', 'The Hunger Games') con 'Seabiscuit' protagonizada por Tobey Maguire y Jeff Bridges, una de las grandes cintas de aquel año y que pese a obtener 7 nominaciones a los Oscar no consiguió finalmente llevarse ninguna estatuilla. Los primeros borradores del guión fueron escritos por William Nicholson ('Gladiator') y Richard LaGravenese ('The fisher king', 'The Horse Whisperer' y 'The Secret Life Of Walter Mitty') e iba a estar dirigida por Francis Lawrence ('Constantine', 'I am a Legend' y las partes 2 y 3 de 'The Hunger Games') pero tras la elección de Angelina Jolie como nueva directora en septiembre de 2013, Nicholson dejó el proyecto que fue rescrito por los hermanos Coen junto a LaGravenese que sí se mantuvo en él. La banda sonora es obra del multipremiado y reconocido compositor francés Alexandre Desplat, que este año cuenta con 5 trabajos de gran altura. Al margen de banda sonora oficial, el grupo británico Coldplay es el autor del tema principal de la película llamado, 'Miracles'. Producida por Universal Pictures que se hizo con los derechos tan solo 1 año más tarde de la publicación del libro, también colaboran Jolie Pass, 3 Arts Entertainment y Legendary Pictures que se unió tras la baja de Walden Media. En el reparto tenemos al prometedor actor británico Jack O'Conell como protagonista absoluto dando vida a Louis Zamperini; Domhnall Gleeson y Finn Wittrock como Russell Allen 'Phil' Phillips y Francis 'Mac' McNamara; el novel Takamara Ishihara es Mutsushiro Watanabe, un oficial japonás; Jai Courtney es Hugh 'Cup' Cuppernell y Garret Hedlund es John Fitzgerald. Después del gran recibimiento, la enorme propaganda y el apoyo al régimen fascista que ganó Mussolini tras organizar el Mundial de fútbol en Italia en 1934, Hitler organizo con la misma idea, los Juegos Olímpicos de Berlín 1936 en los que participaría Louis Zamperini, un atleta norteamericano con un carácter muy particular. Tres años mas tarde, Zamperini se alistaría en el ejercito donde en mayo de 1943 el bombardero en el que volaba fue derribado y capturado por las tropas japonesas, tras mas de un mes a la deriva, junto a dos de sus compañeros, Russell Allen 'Phil' Phillips y Francis 'Mac' McNamara.

Esperemos que esta producción sirva para que Angelina Jolie se dé cuenta por fin que dirigir películas no es algo sencillo y así abandone su carrera como directora. Aunque me da que no va a ser así. Si os dirigis a la página de Zamperini en Wikipedia tras ver la película, podréis comprobar que lo visto en pantalla grande es exactamente lo que reza en dicha web sobre el atleta americano. Uno se espera algo mas teniendo a los Coen como guionistas pero su trabajo no se observa por ningun lado. Angelina dirige a un solo actor durante todo el film, a Jack O'Conell, el resto son meros espectadores, no se tiene en cuenta para nada al resto de personajes, esto no ayuda a empatizar con el protagonista ni a crear esa figura de invencible que se nos quiere vender. El montaje no es lineal en su primera parte, dejándonos ver y conocer a Zamperini de joven, en forma de flashes o momentos puntuales. Pero estos resultan escasos y demasiado tópicos. Del resto de personajes poco que añadir, apenas les conocemos, apenas sabemos nada de ellos mas que lo justo y necesario y pasan totalmente desapercibidos, ni siquiera Watanabe, el joven torturador infunde miedo, la inexperiencia actuando se nota. Algo que también pasa desapercibido es la banda sonora. Que una película de este tipo no tenga una música épica acorde a los grandiosos y milagrosos hechos que se relatan debería ser delito. No hay fanfarria, no hay siquiera una melodía reconocible. Con tremenda historia detrás, con un libro en el que fijarse y con 137 minutos de duración se ha de ser muy malo, o mala en este caso, dirigiendo para no lograr ni un momento de epica, ni de empatizamiento con alguien al que están torturando. Torturando por decir algo, quien quiera que vea esta película va a tener en mente todo el tiempo al enorme Alec Guinness de 'The bridge on the river kwai' sin ningún tipo de duda. Fallan cosas tan simples como la recreación de los Juegos Olímpicos de Berlín 1936 (solo 1 bandera nazi? Una?), que si por si la señora de Pitt no lo sabe, fue uno de los acontecimientos propagandisticos nazis mas importantes del regimen, sino el que más; el excesivo maquillaje de O'Conell en las escenas durante el vuelo en el bombardero y las cicatrizes inflgindas por sus torturadores al parecer desaparecen al pisar suelo estadounidense. En resumidas cuentas, 'Unbroken (Invencible)' es un intento interesante de Angelina Jolie por instalarse en el olimpo de los directores en Hollywoood y que, por suerte para algunos, no sera este año cuando lo consiga.

THE HOBBIT: THE BATTLE OF THE FIVE ARMIES

The Hobbit: The Battle of the Five Armies - Peter Jackson - Estados Unidos

7/10

Han pasado 13 años desde el estreno de la primera entrega de 'The lord of the rings'. Ha llovido mucho. Muchisimo. En total, Peter Jackson ha necesitado de 6 películas para llevar su visión de la obra de Tolkien al cine, 2 trilogias repletas de accion, aventuras y emociones que ya son parte de la historia del cine moderno. La ultima de ellas, 'The Hobbit: The Battle of the Five Armies', es un mas de lo mismo durante 144 minutos en los que se continua la historia de la segunda parte de 'The Hobbit' para unirla con la primera de 'The lord of the rings'. Hablaban los conocedores y sabios lectores de la obra de Tolkien que un libro como 'The Hobbit' no daba para tres películas. Y asi fue como se ha podido comprobar vistos los resultados finales. Esto en parte, ha lastrado su exito desde antes incluso de rodarse además ya se habia estrenado antes la trilogia de 'TLOFR', con lo que ese efecto epico innovador y diferente se habia desvanecido como el anillo en los fuegos del monte del Destino. Este adios a la Tierra Media, esta ultima entrega de los enanos y Bilbo esta centrada totalmente en un escenario, una unica y larga batalla. Arranca con el ataque de Smaug a ciudad del Lago en una voragine de llamas y destruccion arrasando todo a su paso, acto seguido la accion se calma y prepara gestando la batalla final, la batalla entre enanos, elfos, orcos, trasgos, gigantes, gusanos, etc, unos 40 minutos finales de trepidante accion sin descanso donde, como no podia ser de otra manera, todo esta cerrado con la moralina final y el enganche a la saga inicial que encumbro a su director, 'TLOFR'. Vale la pena el precio de su entrada y mas con la poca oferta de cine de entretenimiento que hay este año en la cartelera navideña. Funciona perfectamente como cinta de aventuras, con unos personajes carismaticos e hiper conocidos que dan lo que se espera de ellos, un disfrute para los ojos que no para la mente. Sus mas de dos horas se hacen largas realmente sobretodo por no cambiar la acción de lugar y centrarlo todo en su epico final belico, el cual uno ansia desde el inicio. No seria extraño que esta ultima entre recibiera nominacion a efectos especiales, o banda sonora, pues la partitura que se marca Howard Shore es magnifica, contribuyendo totalmente a aumentar la importancia de la gran batalla final en la historia de la Tierra Media ydotando de un tema principal a la saga tan reconocido como el que creo para la trilogia de 'TLOFR'. Buena cinta de aventuras, cierre perfecto a una de las sagas de la historia del cine, capaz de competir con la gran 'Star Wars', algo que nadie hubiera pensado que pasaria. Los fans de la saga no se la pueden perder porque disfrutaran mucho y los no fans pueden encontrar en ella una buena cinta de aventuras que da lo que promete, ni mas ni menos. 'The Hobbit: The Battle of the Five Armies' es una de las mejores opciones de la cartelera navideña.

DUMB AND DUMBER TRILOGY

Dumb And Dumber Peter Farrelli y Fobby Farrelly - Estados Unidos

7/10

Hace poco más de dos semanas se estrenaba lo nuevo de los hermanos Farrelly, la secuela de su éxito en los años 90, 'Dumb and Dumber To'. Protagonizada por la pareja de actores que hizo de aquella cinta un clásico de la comedia en el año 94, Jim Carrey y Jeff Daniels, esta propagación del humor absurdo del que hicieron bandera sus directores con otros títulos también como 'There's Something About Mary' o 'Me, Myself & Irene', no sólo no está a la altura de trabajos anteriores, sino que infunde un grandioso sentimiento de lástima por todos ellos, actores y directores. El éxito de 'Dumb & Dumber' tras su estreno en 1994 se debió mayormente a su éxito comercial y sobretodo al boca a boca generado por aquellos a los que gustó la película y no paraban de recordar la gran cantidad de escenas y momentos absurdos que acababan de ver. Este tipo de comedia tiene sus detractores pero también una gran masa de fans de todas las edades como se ha podido comprobar con otras grandes cintas cargadas de ese tipo de humor tan concreto y absurdo que el tiempo ha convertido en films de culto como son ya 'Monty Python and the Holy Grail' o 'Brian´s Life' en los años 70, 'Top Secret', 'Spaceballs' o la saga 'Airplane!' en la década de los 80 y las dos partes de 'Hot Shots' a principios de los 90. Los Farrelly junto a Bennett Yellin (tercer guionista) estrenaban tan sólo un año mas tarde que la secuela de 'Hot Shots' su opera prima, 'Dumb & Dumber'. Jim Carrey venía de su primer exitazo con 'The Mask' en pleno despegue en su carrera y tenía en cartelera otra comedia absurda como era 'Ace Ventura'. Daniels por su parte venía de ser el amigo enrollado de Keanu Reeves en 'Speed' y al que aparte de 'Aracnofobia' o 'Grand Tour: Disaster in Time' no se le conocían más que papeles de secundario. Ambos se vieron respaldados por el tremendo éxito comercial de 'Dumb & Dumber' y su repercusión a nivel mundial los consagró como una de las parejas cómicas mas famosas dentro de la comedia, Lloyd y Harry. Raro fue que no se hicieran secuelas en su momento, imagino que Carrey declinaría cualquier oferta para realizarlas dado que su carrera empezaba a consolidarse con mas papeles protagonistas ('The Truman Show', 'Man on the moon') mientras que Daniels ha seguido en papeles secundarios hasta consagrarse en el olimpo de las series con su personaje de Will McAvoy en la producción de HBO, 'The Newsroom'.

Dumb And Dumberer, When Harry Meets Lloyd - Troy Miller - Estados Unidos

1/10

Antes que la secuela llegó la precuela, lo hizo 7 años después y cuando el humor absurdo ya no gozaba de tanto éxito en el publico. Es más, ya se encargaron de explotarlo al máximo los propios hermanos Farrelly durante toda su carrera y en especial durante la década de los 90 con títulos 'Vaya par de idiotas', 'There's Something About Mary', 'Me, Myself & Irene' u 'Osmosis Jones'. Troy Miller, un veteranisimo productor, guionista y director norteamericano curtido en televisión fue el encargado o mejor dicho, el culpable, de la horrible precuela hecha en 2003. La primera media hora de 'Jay & Silent Bob strikes back' en 2001 es lo mismo que se puede ver en los casi 80 minutos que dura 'Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd' con muchísima menos gracia y buen gusto. ¿Qué diferencia una copia de escenas a un homenaje? Supongo que el resultado final de las mismas desvía la balanza hacia una opinión u otra. En 'Dumb and Dumberer: When Harry Met Lloyd', Miller demostró que vió la dirigida por los Farrelly y le gustó tanto que no supo encontrar nuevos gags que superaran los mitificados por Carrey y Daniels. Historia made in Disney, infantil a más no poder, sin ese humor gamberro tan característico de su predecesora y con una pareja protagonista pésima. Película enfocada a justificar los carácteres absurdos de sus protagonistas en la cinta noventera.

Dumb And Dumber To - Peter Farrely y Bobby Farrelly - Estados Unidos
3.5/10

Veinte años mas tarde de que New Line Cinema produjera aquella locura escrita por tres amigos, Bobby Farrely, Peter Farrely y Bennett Yellin (guionista de la serie de dibujos) llega su secuela a nuestras pantallas. En esta ocasión los hermanos no participan en el guión, puesto que éste está escrito por Yellin junto a Sean Anders, John Morris y Mike Cerrone (dato a tener en cuenta), pero sí participan en la producción junto a la citada New Line Cinema y Warner Bros con su empresa Cunundrum Entertainment. También regresa la pareja protagonista, Jim Carrey y Jeff Daniels. Innecesaria. Así la definiría. No hay nada salvable en esta reunión de viejos amigos dos décadas después. Si la falta de originalidad y gamberrismo entre otros factores lastraron a la precuela, en esta 'Dumb and Dumber To' lo que ocurre es similar. Una pecaba de corta y esta de excesivamente larga pese a no llegar a los 100 minutos. Esto, en una comedia de este tipo que vive del ritmo y la concatenación de gags absurdos en forma creciente es algo que destroza cualquier atisbo de ser recordada con el tiempo. La repetición de la mayoría de buenos gags llevan a esta secuela a recordar una y otra vez la cinta que originó que esta fuera creada. La nostalgia juegan en contra de ella desde su inicio: mismo argumento prácticamente cambiando unos personajes por otros. La aparición de una secuela después de tanto tiempo por enganchar a las nuevas generaciones con este tipo de humor es fallida a todos sus niveles y sus chistes de caca-culo-pedo-pis no provocan risas sino repulsión. Sus protagonistas acusan el paso del tiempo en sus caras por mucho maquillaje que se les ponga. Sus muecas parece forzadas y solo Carrey (al que se le ven las costuras, literalmente) aguanta el tipo en algunos momentos. Daniels ha olvidado totalmente lo que hizo grande a un personaje como Harry, lo ha olvidado completamente. Una imagen vale mas que mil palabras. Hay un primer plano de Daniels cuando éste imagina como hubiera sido ser padre en el que se puede comprobar de lo que hablo cuando me refiero a que Jeff Daniels ha olvidado como era Harry, su cara totalmente forzada da lástima. Nostalgia, añoranza, lástima, uno no para de recordar aquella gran comedia de 1994 cuyos gags tras 20 años siguen sacándome alguna carcajada. Tuve la oportunidad de volver a verla hace escasos días y puedo decir con total seguridad que sigue siendo igual de buena que cuando la vi por primera vez. Ni siquiera el hecho de conocer todos los gags o diálogos absurdos le restan complicidad y humor. Fue la opera prima de unos amigos que coincidieron con el despegue de una de la estrellas cómicas norteamericanas mas reconocidas de las ultimas décadas, algo que no pasa habitualmente. Ahora, tras 20 años, todo, y todos, han cambiado. Quizás los Farrelly debieron darse cuenta cuando estrenaron la nefasta 'Movie 43' pero no, siguieron, y siguieron mal. Una lástima. El reclamo (20 años después) fue bueno pero el sabor del pienso nos ha hecho recordar lo bien que cocinaba la abuela.

TOP 5 - CINE ARGENTINO

Lo reconozco, tengo debilidad por el cine sudamericano. Me apasionan sus maneras de ver la vida y porque no decirlo, sus acentos tan eróticos. Salvo los films de Cantinflas y alguno que otro mas que pudiera ver durante mi vida no me había interesado por el cine latino en ningún momento. Eso cambio el día que descubrí 'Nueve reinas'. Mexicanas, colombianas, venezolanas, he visto a día de hoy casi de todos los países, incluso peruanas y ninguna de ellas salvo las argentinas, han sabido cautivarme de tal manera. Sera su acento como dije? Su manera de enfocar la vida? El espíritu porteño? Su buen hacer para el cine? Cualesquieran que sean los motivos que hicieron reaccionar al cinéfilo que llevo dentro para adentrarme en su cine, les estoy muy agradecido. En este top encontrareis que todas son relativamente films modernos, no hay nada de los años 90 hacia atrás, por el momento claro esta. Dadme tiempo. Tengo pendientes muchas y no crean que va a pasar mucho tiempo para que pueda hacerlo. Amo a Argentina y su cine. Con pasión. Aquí tenéis mi TOP 5 de las mejores películas argentinas vistas en mi vida, espero lo disfruten y dejen algún comentario, saludos!

5 - Moebius - Gustavo Mosquera - 1996

7/10

Film de intriga creado a partir de un relato de 1950 escrito por Armin Joseph Deutsch, 'A subway named Moebius' producido, adaptado e interpretado por estudiantes de la Universidad del cine de Buenos Aires en 1996. Un tren completo lleno de pasajeros del metro en la ciudad argentina desaparece sin dejar rastro desencadenando así un misterioso e incomprensible error en los paneles de control donde en vías supuestamente vacías estos siguen mostrando el paso del tren volatilizado. Simple y efectivo. No da para un largo de dos horas ni mucho menos, por ello su duración de 88 minutos es algo que la hace más llamativa, atractiva y jugosa para muchos a la hora de elegir qué película ver. Ciencia ficción provocadora y que plantea muchos caminos, incita al espectador a rebanarse los sesos intentando averiguar que ocurrió con el tren desaparecido. Moviéndose entre túneles y con un ambiente bizarro donde unos diálogos más que sencillos copan las primeras escenas el film se desarrolla a un buen ritmo, a los 20 minutos ya tenemos el pastel en la mesa con las velas sopladas. La música que acompaña todo el metraje potencia el efecto de estar encerrado y bajo tierra resolviendo un misterio que a priori parece increíble así que quitando esos 20 minutos iniciales nos resta casi 1 hora para sacarle todo el jugo a las teorías mas locas, muy recomendable para fans de la ciencia-ficción. Quizás su final sea algo confuso y difuminado pero no deja de ser interesante: el tramo final es muy atrapante, donde todo tiene una explicación, acepta un segundo visionado con más interés aun si cabe. Encaja a la perfección es una sesión doble con la cinta de reciente estreno que tuve la oportunidad de reseñar para este blog, 'Coherence': allí era el gato de Schrodinger y aquí es la cinta de Moebius. Incluso con 'Dark city', o las matemáticas 'Cube' o 'Pi'. Poco presupuesto pero bien invertido, estética años 80-90, una buena historia detrás, banda sonora y fotografía impecables son las mejores bazas de 'Moebius', un must see amateur argentino para todos los aficionados a la ciencia-ficción. Lo peor son sus actuaciones pero... ¿a quién le importa cuando hay un producto tan efectivo delante de sus ojos?

4 - Martín Hache - Adolfo Aristarain - 1997

7/10

Preparaos un buen sillón, vuestra bebida favorita doble, recostad los pies y disfrutad de dos horas que os dejaran perplejos. 'Martín Hache' es la primera de este top donde se cuenta una historia de no ficción tras la policial 'Nueve reinas', el thriller 'El secreto de sus ojos' y la comedia 'Relatos salvajes'. Un joven argentino llamado Hache (Juan Diego Botto) tras sufrir una sobredosis viaja a Madrid para pasar un tiempo con su padre, Martín Echenique (Federico Luppi) que se encuentra trabajando en el guión de su próxima película. Allí conocerá a Dante (Eusebio Poncela) el mejor amigo de su padre y a Alicia (Cecilia Roth), la nueva novia de este. Simplemente perfecta y perfectamente simple. Brillante y llena de chispazos que brotan en todos sus diálogos. Alcanza la perfección cuando estos provocan reflexiones y ganas de retener tantísimas grandes frases y la sencillez dentro de su historia tan básica, la relación de un padre y un hijo. Su director, Adolfo Aristarain supo encontrar el tema perfecto donde enfocar muchos de sus pensamientos y razonamientos, lo cual no le quita ni un ápice de interés sino todo lo contrario, nos da una visión diferente a la que pueda tener cada uno, buena, mala, peor o diferente lo que queda claro es que Aristarain está en espíritu dentro de cada dialogo y cada frase lapidaria. Cuatro actores y un guión, un gran guión. Botto, Luppi, Roth y Poncela están brillantes, Poncela y Roth parecen haber nacido para sus papeles, sobretodo la primera que está impresionante de verdad, de levantarse y aplaudir. He visto esta película más de una vez por la brillantez de sus diálogos, y hace poco pude ver 'Maps to the stars'. No digo que sean iguales, pero 'Martin Hache'  parece una versión latinoamericana trágica de la vida de un director de cine en pleno proceso de creación, con un hijo intentando dejar las drogas y una amante enganchado a ellas con el añadido de tener un mejor amigo gay. Pero más allá de eso tenemos a un chico que se llama igual que su padre y al que este le puso (H) entre paréntesis para diferenciarlo de él, de ahí el Martín Hache, un chico adentrado totalmente en la búsqueda de una motivación por la que empezar a entender su existencia, algo que encienda el interruptor de cuál es su fin en la vida pasando una temporada con su padre, un famoso director de cine que reniega de su pasado y no quiere volver a pisar su país natal, Argentina. Experto en todo, narcisista e insoportable hasta el punto de no querer convivir con nadie por miedo a que se pudra como bien le dice a Roth. Ella, la musa, la expresividad hecha mujer y su adicción a la cocaína, capaz de aguantar todos los sarcasmos, indirectas e insultos pasivos del director con tal de no dejarlo solo, de seguir junto a él porque lo ama y no puede vivir sin él. Como timón que ejerce de guía soltando frases envenenadas llenas de verdades que duelen, Dante, un amigo que a todos nos gustaría tener, alguien capaz de analizar por ti tu realidad y dártela masticada para que elijas, una barbaridad de personaje y de interpretación. Hace 17 años que se realizó  este filme y a día de hoy consigue mantener frescas toda y cada una de sus frases. Imprescindible.

 

3 - Relatos Salvajes - Damián Szifron - 2014

7.5/10

La mas actual de este top 5 es la reciente producción de estreno mundial dirigida por Damián Szifrón, 'Relatos salvajes'. A estas alturas habréis oído o leído maravillas de ella: todas son ciertas. Difícil top este argentino puesto que para mi cualquiera de las tres citadas de momento puede ser sin problemas top 1. Relegarla al top 3 se debe a la madurez que ya tiene la cinta de Campanella, un film visto por bastantes más personas que esta y que sigue siendo un referente a nivel mundial como lo pudo ser 'Seven' en su momento y no, no exagero. En 'Relatos salvajes' tenemos 6 historias a cual más negra y retorcida que la anterior, capaces de sacarte esa sonrisa cómplice y culpable a la vez. Curiosamente también aparece Ricardo Darín protagonizando la que para mí es la mejor historia de las que hay, 'Bombita'. Hablé de ella hace poco en las crónicas de la 47 edición del festival de Sitges el día que la pasaron en Auditori y al igual que lo comenté en aquella ocasión, lo vuelvo a hacer ahora porque creo que es algo remarcable y que cabe destacar antes que contar las excelencias de la película. Me refiero a la banda sonora de Gustavo Santaolalla, que vuelve a mostrar una vez más el gran compositor que es. En serio, prestad mucha atención a sus composiciones exclusivas para el film, no tienen desperdicio. En concreto en la historia de Darín podréis oír notas muy particulares oídas en otras de sus composiciones para películas como 'Amores perros' o 'Babel'. Las 6 historias son las siguientes: 1. PASTERNAK: La más corta e impactante, como una gran bofetada para que no te acomodes en la butaca y prestes mucha atención a lo que está por venir. 2. LAS RATAS: La mas irónica y retorcida. Oscura. Negra. Aquí es donde Szifrón te saca esa sonrisa cómplice y a la vez culpable que decía antes. 3. EL MAS FUERTE: Sbaraglia al mando. La explosión del hombre tranquilo. Una vez en situación vistas las 2 anteriores la tercera historia además de ser algo más larga produce una sensación en el espectador como la de un engranaje mecánico, intuyendo que va a pasar y disfrutando de ello, queriendo más y más. 4. BOMBITA: La mencionada historia de Darín. Un tipo correcto al que le hinchan las pelotas de mala manera y en el cual nos vemos reflejados muchos. La mejor historia con la mejor canción del film. 5. LA PROPUESTA: La más cruel sin duda. Si 'Ratas' es retorcida y graciosa, aquí la crueldad y cinismo sobrepasan límites insospechados. La reacción del padre al final es de lo mejor que he visto en mucho tiempo. Con un par. 6: HASTA QUE LA MUERTE NOS SEPARE: La historia de cierre es quizás la más floja ya que después de ver tan magnificas historias a cual más delirante y con un in crescendo fantástico se nos presenta como la menos radical pero igual de 'simpática'. No os podéis perder esta brillante comedia argentina que sin duda dará que hablar a lo largo del año. Un must see sin peros. 100% culpable y 100% disfrutable.

2 - El secreto de sus ojos - Juan José Campanella - 2009

8.5/10

Si Bielinsky aún viviera, sería el 'rival' más duro para Campanella en cuanto a directores argentinos, de eso estoy más que seguro. Solo dos films argentinos se han llevado el Oscar en la historia del cine y 'El secreto de sus ojos' es el último en hacerlo, compitiendo con 'The White Ribbon' de Haneke o 'Un prophète' de Jacques Audiard. Estamos ante un thriller brillante factura con elipsis temporales situado a mediados de los años 70. En ella se nos cuenta la historia de Benjamín Esposito (Ricardo Darin), un retirado oficial de juzgado ahora escritor y obsesionado con un crimen que investigó hace 25 años, el cual intenta reflejar en su próxima novela. Esta se podría considerar la trama principal pero difiero mucho de ello. 'El secreto de sus ojos' es mucho más que un simple asesinato, considero a este el motor principal que hace tomar decisiones al resto de personajes, la válvula que enseña tanto a Esposito como a los demás las consecuencias de tomar el camino erróneo, de no atreverse a decidir cuando el tren, y nunca mejor dicho, se está marchando. La escena final es una muestra de ello. Siendo el asesinato una subtrama, importante y esencial eso sí, conoceremos el amor en silencio que vive Esposito hacia a una compañera de trabajo, Irene (Soledad Villamil, Goya actriz revelación 2010). Ella ansía enamorarse de alguien que sea capaz de entender el amor como algo más, algo que traspase todas las barreras de la comunicación y se pueda comprender tan sólo con la mirada. Esto lo encuentra en Esposito pero, al igual que él es incapaz de tomar la decisión adecuada por más que el destino lo ponga en el lugar correcto en el momento indicado, ella mantiene el tipo sin dar más de lo que su mente le deja porque pasado ese limite el amor que encuentre no será ese que ansía ella. Las miradas en este filme conforman otro protagonista, invisible, indescriptible pero presente en todos los minutos. Las miradas de Esposito a Irene y viceversa, las fotos donde Gómez mira a Liliana, el interrogatorio de Gómez por parte de Irene, las de Morales incluso las de Sandoval (Guillermo Francella), todas y cada una forman un personaje nuevo al que tener muy en cuenta, alguien a quien observar detalladamente en cada escena. Hablando sobre detalles y otra vicisitudes del film, el nivel de detalle en las dos líneas temporales y el apoyo que ofrecen objetos en concreto es básicamente perfecto, vestuario, música, decoración de interiores e imágenes de TV, todo luce con un gusto abrumador. No, no me olvido del plano secuencia del campo de fútbol de Huracán (Estadio Tomás Adolfo Ducó) situado en Buenos Aires, una escena que ya es parte de la historia mundial del cine. Todo en ella es espectacular reralmente, es sin duda una de las mejores escenas del filme. INICIO PSEUDOSPOILERS: ¿Qué pinta el fútbol en esta película? Es muy sencillo, el fútbol es pasión y esto es lo que activa el asesinato de Liliana, la pasión. No por el fútbol, sino por lo que hacen en sus vidas como bien explica Sandoval a mitad del film. Esposito busca con pasión al asesino de la chica mientras sigue amando en secreto a Irene, esta al mismo tiempo desea con toda su alma que Esposito le confiese su amor (el cabreo de ella en la escena de cerrar la puerta por no estar a solas con él), la pasión de Morales (Pablo Rago) el marido destrozado yendo cada día a la estación con esos ojos vacíos incluso hasta la del propio Sandoval acudiendo al bar para terminar borracho y en peleas. Todos siguen su destino y aunque a veces tengan pruebas o el camino claro a tomar prefieren seguir siendo fieles a su pasión. FIN PSEUDOSPOILERS. Tranquilamente podría ser la número 1 en este top y lo merece sobradamente, pero mi afecto por la película de Bielinsky y lo que produjo en mi fue tan grande que no puedo más que relegar al top 2 a esta 'El secreto de sus ojos'.

1 - Nueve Reinas - Fabián Bielinsky - 2000

9/10

Esta es la película/razón por la que me enganché al cine argentino. Un cine al que admiro y tengo valorado más que el resto de producciones sudamericanas. Fabián Bielinsky fue el encargado de llevar el cine argentino a un nuevo nivel. Con Ricardo Darín y Gaston Pauls en los papeles principales, cuenta la historia de un estafador experto y otro novato que por cuestiones muy distintas deberán unir fuerzas para conseguir venderle a un alto cargo español unas famosas estampillas llamadas las 9 Reinas. Una plancha de sellos valiosísimos con un defecto de impresión que las hace únicas. Con un arranque que seguro repetiréis otra vez al terminar de verla la cinta se mueve a un ritmo trepidante usando como mayor baza, el tiempo. Todo transcurre en pocos días. El juego del gato y el ratón se vuelve cada vez más difícil de seguir. ¿Quién juega con quién? Sólo el final y los giros constantes de guión revolverá todas las dudas. Papelón de Darín, que borda su interpretación hasta puntos inimaginables y que antes de esta película, no era ni la mitad de conocido que lo es actualmente. El filme de Bielinsky supuso la confirmación del buen hacer de Darín para el cine, pese a contar antes con una extensa carrera en Argentina. El resto del plantel también brilla a un gran nivel, tanto Pauls como la bellísima Leticia Bredice, incluso Fonzi nos ofrecen un registro más que creíble y aceptable de sus personajes. Pero claro, todo queda oscurecido ligeramente por la excelente actuación de Ricardo Darín. Y hablando de su director Fabián Bielinsky, un tipo que dijo no a la creación de un remake americano (el cual terminó haciéndose en 2004 dirigido por Gregory Jacobs bajo el nombre de 'Criminal', que no llegó ni a la suela del zapato a la original), tras 'Nueve reinas' en el año 2000 rodaría 'El aura' cinco años después también junto a Darín en el papel de un taxidermista epiléptico obsesionado con robos y atracos. 'El aura' es una producción muy recomendable, un thriller diferente e interesante que a posteriori fue el último trabajo del director que murió de un infarto al corazón un año después en Sao Paulo, una gran pérdida para el cine en general y más concretamente para el argentino.

Fuera quedan títulos como las citadas antes, 'El aura', 'Hombre mirando al sudeste' (se hizo un remake americano con Kevin Spacey llamado 'K-Pax') y 'Diarios de motocicleta', pero también otras como 'Sin retorno' (que recuerda a la historia de 'Relatos salvajes' de 'La propuesta') o la adrenalitica accion y el erotismo de 'Plata Quemada' (con participacion la española de Eduardo Noriega), 'Un cuento chino' (con Ricardo Darín haciendo de ferretero al estilo 'Amelie'), 'Metegol' (animación dirigida por Campanella), 'Tesis sobre un homicidio', 'La antena' (todo un derroche de originalidad expresionista con estilo comic), 'Roma', 'Días de pesca en Patagonia' y la más reciente 'El ardor', un western minimalista con un final algo flojo y Gael Garcia Bernal de protagonista.

THE GAME

 The Game - David Fincher - 1997

7/10

Difícil empresa a la que se enfrentó David Fincher tras reinventar el género thriller cuando dirigió en 1995, 'Seven'. Aunque la historia que precede a 'The Game' viene de antes: concretamente casi 4 años antes que el film protagonizado por Pitt y Freeman viera la luz. En 1991, John Brancato y Michael Ferris ('Terminator 3 y 4', 'Surrogates') escribieron el guión original de la película que terminó comprando Metro Goldwyn Mayer para posteriormente ser usado por la productora Propaganda Films. En ella, Kyle MacLachlan y Bridget Fonda iban a ser los protagonistas, dirigidos por Jonhatan Mostow, pero el rodaje que supuestamente iba a comenzar a principios de 1993 sufrió un nuevo cambio unos meses antes ya que, en 1992 el proyecto pasó a manos de Polygram Filmed Entertaiment sin Mostow al mando en la dirección y convertido en productor ejecutivo de la misma. Fue Steve Golin (productor de 'Being John Malkovich', 'Eternal sunshine of the spotless mind', 'Babel') quien compró el guión a MGM y se lo entregó a un Fincher que venía de rodar 'Alien 3'. La experiencia al frente de la tercera entrega de la famosa saga de ciencia-ficción se resume en esta frase que el director dijo: 'I thought I'd rather die of colon cancer than do another movie.' En su mesa estaban ambas propuestas y el realizador americano decidió empezar con 'The Game' antes que con 'Seven', pero cuando Brad Pitt dio el ok a protagonizar la película, esta obtuvo prioridad. Este hecho le fue de perlas a 'The Game', pues el éxito de 'Seven' ayudó a incrementar el presupuesto que la productora le tenía asignado inicialmente. El director solicitó la ayuda de Andrew Kevin Walker con quien terminaba de trabajar para adaptar y pulir detalles del guión original de 'The Game' en el que, entre otras cosas, ambos dieron al personaje de Nicholas Van Orton el matiz perfecto para crear un hombre totalmente apático, cínico y odioso a más no poder. La elección y visto bueno de Michael Douglas para el papel protagonista fue el pistoletazo de salida para empezar a rodar la producción pese a que este al principio se mostrara un poco reticente debido a la escasa fama de la distribuidora por aquel entonces. Un año antes de su estreno, en el Festival de Cannes de 1996, Polygram anunció que Jodie Foster sería la coprotagonista junto a Douglas, pero Fincher se sentía incómodo poniendo a una estrella de su calibre en un rol secundario e incluso pensó en reescribir el papel de Conrad Van Orton y convertirlo en la hija del mismo para que Foster pudiera interpretarlo. Tras hablar con ella se descubrió un problema de fechas ya que la actriz norteamericana iba a rodar próximamente la adaptación de la novela de Carl Sagan, 'Contact', con Zemeckis y le era imposible participar en la película. Tras el no de Foster se preguntó a Jeff Bridges, pero este no aceptó, quizás porque se acababa de estrenar su último trabajo a finales de 1996, 'The love has two faces', y tenía en su mano el papel de The Dude en 'The Big Lebowski'. Finalmente sería Sean Penn quien daría vida a Conrad Van Orton. El film se estrenó el 12 de septiembre de 1997. Habían pasado ya seis años desde que Brancato y Ferris escribieran aquel primer guión. Un inversor económico millonario, irascible, cínico y lleno de manías llamado Nicholas Van Orton (Michael Douglas) recibe durante una reunión con su hermano Conrad (Sean Penn), una invitación exclusiva para participar en CRS, una empresa dedicada al entretenimiento capaz de ofrecer la experiencia definitiva a clientes en busca de sensaciones nuevas. Aunque al principio Nicholas se muestra reacio termina aceptando la invitación de Conrad y se inscribe en el CRS. A partir de ese momento una serie de sucesos extraños empezaran a ocurrir en la vida del arisco millonario donde nada ni nadie es lo que parece ser. Tras parir 'Alien 3', Fincher tuvo gemelas. Dos bellas y hermosas cintas a las que el realizador americano crió y aplicó todos sus conocimientos, aunque no de manera equitativa. Con la llegada de la pubertad y tras ello la madurez, la más joven de ambas rápidamente encontró pareja estable en detrimento de la mayor, que seguía soltera y sin tener claro que hacer con su vida. El éxito personal y sobretodo profesional de 'Seven' sobrevino en una inyección de moral y ánimo para su hermana mayor ayudándole por fin a salir de esa depresión en la parecía estar a punto de abocarse. Una vez la vida de 'The Game' se estabilizó tanto a nivel sentimental como profesional pudo al fin, sentirse libre, sentirse película.



La sensación que siempre me produce ver este tercer trabajo de Fincher es la de que 'Seven' se llevó todas las buenas ideas o mejor dicho, se benefició de todas las grandes ideas que tanto Fincher como su guionista Andrew Kevin Walker fueron capaces de aplicarle. Para muestra un botón, el giro final, en una es la pieza comercial que la elevó a lo más alto y en la otra es, de largo, la parte menos creíble y el estorbo más grande del film. Ni comparo ni afirmo que sean similares, iguales o que ambas me transmitan las mismas sensaciones. 'Seven' es una obra maestra de principio a fin y 'The Game'...es la hermana fea. No hay más. 'The Game' es Danny de Vito en 'Twins'. Esta pieza de relojería fabricada con esmero por Fincher basa todo su potencial en el despiste, en mostrar la cantidad justa y necesaria de información para que el espectador no sepa más de lo debido hasta llegar a la escena final. El realizador americano no trata en ningún momento de que empaticemos con Nicholas, al contrario, en ciertos momentos nos causa hasta molestia algunos de su comportamientos. Fincher quiere que acompañemos y nos sintamos tan desorientados como él, que no sepamos más que lo que el propio Van Orton sabe de lo que está pasando. 'The Game' es un thriller que no aspiraba a otra cosa que a estar en la lista de los mejores thrillers de la historia aportando un nuevo giro de tuerca con su final, un simple juego, valga la redundancia, que Fincher rodó como tal. Una vez la maquinaria de situaciones extrañas se pone a funcionar, el personaje de Michael Douglas entra en una espiral donde el tiempo parece no pasar, el drama viene fijado por la relación con su hermano Conrad, extrovertido, despreocupado y al que Nicholas ayudó en el pasado sumado al suicidio de su padre que por desgracia presenció. Todos los factores dramáticos incrementan esa soledad arisca de Van Orton, su trato con todo el mundo sin excepción es de lo mas repulsivo, seco y antipático. Las escenas con la camarera, con su ama de llaves, con su ex-mujer, con el mendigo del callejón, con el hombre que le pide papel en el baño. Típico triunfador que no acepta la derrota, inmerso en su propios pensamientos. El final es la parte más floja aunque todo en la película este enfocado a él, las pocas situaciones y diálogos que se dan en los 20 minutos finales están más que cogidos por los pelos, los 'y si...' se multiplican en cualquier conversación cinéfila que salga este film nombrado. El suspense hasta ese punto esta generado más por la potencia de sus imágenes visuales y su banda sonora que por la historia en cuestión y donde el espectador, llegado a ese punto, anda ya más que desorientado, anda agotado. Verdaderamente hay quien la considera la peor película de David Fincher, quizás estén en lo cierto, desde luego las tiene mejores como fueron 'Seven', 'Fight Club' o la actual 'Gone Girl', pero si todas las películas malas tuvieran la elegancia y atención al detalle que tiene esta 'The Game' o mismamente 'Panic Room', yo, me doy por satisfecho. Tramposamente entretenida o entretenidamente tramposa. En cualquier caso, hay que reconocer que el primer visionado es el mejor, los siguientes son inútiles, los pocos detalles nuevos que se descubren son inservibles para renovar la valoración. La banda sonora está firmada por el ganador de 3 Oscar de la academia y habitual de Fincher, Howard Shore. Sus oscuras composiciones para 'The Game' son geniales aunque algo repetitivas, el piano pausado incrementa ese mundo solitario de Nicholas Van Orton en las escenas que este se encuentra sólo en la mansión y es el mismo piano con esas notas continuas y alejadas del resto las que en los momentos de suspense lo aísla dejándolo a merced de las circunstancias. Nada estridente y con un pulso firme es una de las piezas de la balanza para que 'The Game' mantenga un tono general que acompañado de la fotografía potente de un primerizo Harry Savides, que venía de estrenarse con 'Heaven´s Prisoners', lleven a muchos de los detractores de este film a despreciarla como les gustaría. Un thriller pulido y perfeccionado durante años como si de un reloj suizo se tratara y quizás sea esto mismo lo que le resta interés, quiero decir, un reloj clásico por muy perfecto que sea no pasa de dar la hora y poco mas, quizás cuando la alarma suene salga un pájaro, o una princesa, o un caballero armado, pero de ahí, no pasa, es un reloj y su función es dar la hora, como la de 'The Game' es embaucar al espectador con un guión donde 2+2 no son 4 sino 25, donde la suma de los factores sí altera el producto. Un simple juego, un juego de transición que Fincher matizó tanto como le fue posible y del que sinceramente nadie podría haber sacado más jugo.

EL CAÑONERO DE GILES

El cañonero de Giles - Manuel Romero - Argentina

3/10

El fútbol, como otros deportes, llego al cine por medio de cortos y documentales sobre eventos deportivos hasta la primera década de 1900. La primera película de ficción con el fútbol como telón de fondo llegaría en 1911 con la cinta muda del británico Lewin Fitzhamon, 'Harry the footballer'. En 1930, otro compatriota suyo, Jack Raymond, filmo con la llegada del cine sonoro, 'The great game'. Dos años mas tarde, en 1932, Alejandro del Conte estrenaba 'La barra del taponazo' siendo esta la primera película latina donde el fútbol era usado como tema principal para explicar los mejores momentos de la carrera de Bernabé Ferreyra, el primer crack de River Plate que también jugo en Club Atletico Tigre. En 1933 otra cinta argentina llevaba el fútbol a la gran pantalla, 'Los 3 berretines', aunque la película lo usaba solamente como tema recurrente. Para 1936 llego '!Goal!' dirigida por Luis Jose Moglia Barth pero no fue hasta 1937, con el filme dirigido por Manuel Romero,  cuando el fútbol se aplico como medio para contar una historia de ficción. Provinientes de Buenos Aires, un par de ojeadores del Medrano F.C. que recorren las provincias en busca de un crack para su equipo llegan sin quererlo a un pequeño pueblo llamado Giles cuando ya habían desistido en su búsqueda. Allí descubren (nada difícil pues es el único que lleva sombrero de playa) mientras juega a Lorenzo aka patada de burro (Luis Sandrini), un magnifico jugador dotado de un don especial en las filas del Giles F.C.. Debido a un trágico suceso en su infancia, Lorenzo es capaz de aumentar su potencia de tiro a oír ladrar a un perro destrozando a cualquier rival, red o poste que se ponga por delante. 'El cañonero de Giles' es una simple comedia de una hora de duración interpretada por el actor de comedia Luis Sandrini, que también hizo lo propio en 'Los 3 berretines' citada anteriormente. Comedia de corte mecánico y puesta en escena teatral que va de mas a menos en todos sus aspectos. Sandrini sobreactúa en todas sus escenas, algo que el resto no hace para nada. Mas que un futbolista parece un clon extraño de Cantinflas o del Chespirito, horrible. Y no hablemos ya de su movimiento de ojos, por favor, si es que parece que se le vayan a salir de las órbitas. El resto de personajes lo forman la uruguaya Luisa Vehil como Anita, hija y novia de Lorenzo, también su padre, el sargento Morales (Marcos Caplan), Lola (Sussy Derqui), Roncoroni (Hector Quintanilla), doctor Garcia (Hector Calcagno), Zelaya (Juan Mangiante), Mr.Wall (Roberto Blanco), Gorostiaga (Mario Fortuna) y Manfredi (Fernando Campos). La canción que suena en los títulos de crédito iniciales es la marcha de Alberto Soifer cantada por Jorge Del Prado. Al inicio se agradece la facilitación de instalaciones y jugadores de River Plate para la producción así como el apoyo de la Policia Nacional.

El argumento tampoco es original ya que la película de 1911 'Harry the footballer' es exactamente el mismo salvo por los ladridos de perros. Apenas hay material futbolero salvable en cuanto a escenas, son todas escasas y mal rodadas. Hay muchas ganas de aplicar conceptos cinematográficos, muchas cortinillas originales, muchos fundidos transparentes y el uso de periódicos o notas para mostrar el paso del tiempo. Por ese lado no hay nada que reprocharle a su director. Pero por otro si lo hay. Si bien la cinta transcurre a un ritmo normal llegado los 15 minutos finales todo se vuelve acelerado. Acelerado por llamarlo de alguna manera respetuosa y no decir que es una gran marranada estropear una producción que podría pasar por aceptable a ser algo muy flojo y mal finiquitado solo por ese final tan abrupto. Que las primeras películas sobre fútbol sean argentinas dice mucho de la pasión que sienten los porteños por este deporte. Esto se ve reflejado varias veces como en la escena que el sargento sale espada en alto mientras se lanza un corner como si de una guerra se trata, el reconocimiento físico a Lorenzo donde le sueltan frases como: 'Una guerra se puede perder, un match nunca!' entre otras o la de antes de salir al campo en su primer partido. Poco mas, Manuel Romero, su director va directo al grano y sus 60 minutos pasan rápido debido al buen ritmo que mantiene la cinta hasta que llega ese final tan aparatoso con ese fundido transparente. Floja.

TOP 10 - VIAJES EN EL TIEMPO (2)

Me considero un gran fan de la ciencia-ficción, y sobre todo de ese gran sub-género que son los viajes en el tiempo. Esas películas que invitan a pensar, a divagar largas horas con tus amigos sobre posibles interpretaciones, romperse la cabeza con las paradojas temporales. Argumentos locos que conforme pasan los años van convirtiéndose en más y más acertados. La posibilidad de viajar en el tiempo es el gran reto del ser humano como especie, la evolución de la raza humana ha de ser poder viajar al futuro, o al pasado dentro de no muchos miles de años. El poder de manejar la historia a tu antojo es algo que muchos querrían, como cuando te preguntan que superpoder te gustaría tener y eliges ser invisible por el simple hecho de poder hacer lo que quieras sin que nadie te diga absolutamente nada. Poder viajar en el tiempo es algo que el hombre ha deseado toda la vida. Y la afirmación de que jamás se creará una máquina del tiempo porque de hacerlo, ya nos habría visitado a nosotros mismos o cambiado algo aquí un servidor no la cree en su totalidad. Si tuviéramos cada uno nuestra máquina del tiempo, ¿no intentaríamos hacernos la vida mas fácil sin hacernos sospechar nada porque de hacerlo dicha maquina ya no se construiría en ese futuro? En fin...divagaciones y pensamientos fruto de una mente algo ajetreada y alocada. ¡Espero disfrutéis de uno de los rankings que he hecho con más gusto

6 - FAQ About Time Travel - Gareth Carrivick - Reino Unido
7.5/10

Tristemente desconocida para algunos, 'FAQ About Time Travel' es una simpática y brillante comedia sobre viajes en el tiempo se merece el quinto puesto en mi ranking. El mítico director de series británicas (como Little Britain o Beautiful People) Gareth Carrivick (tristemente fallecido al año siguiente de realizar esta gran obra) cumple no sólo los requisitos de este sub-género, sino que lo hace con mucha originalidad y dinamismo, haciendo que sus escasos 80 minutos pasen volando. Su argumento: Tres amigos muy, muy freaks (interpretados por el gran actor Chris O'Down, Dean Lennox Kelly y Marc Wotton) se reúnen en su bar habitual después de una jornada de trabajo. Uno de ellos, obsesionado con los viajes temporales y la ciencia-ficción, coincide en la barra con Cassie (Anna Faris), que le confiesa que viene del futuro. Cuando regreso a la mesa con sus amigos, los tres se verán envueltos en multitud de viajes temporales que van complicar las cosas de una manera increíble. Con un ritmo trepidante, humor cómplice, constantes referencias al sub-genero (paradojas, líneas temporales alternativas, agujeros de gusano, no interferir con tu otro yo...) y a la cultura pop en general (desde las películas de Star Trek a Paris Hilton), un solo decorado (el bar), unos buenos actores y una buena historia, 'FAQ About Time Travel' es otra prueba más de que no se necesitan millones sino inteligencia a la hora de realizar una gran película. Más que una comedia sobre viajes en el tiempo, es la comedia más recomendable que se ha hecho sobre viajes en el tiempo.

7 - Looper - Rian Johnson - Estados Unidos

7.5/10

Rian Johnson, el director y guionista (lo es de todas sus peliculas) en 2005 de la excelente 'Brick', volvía a la carga hace un par de años con un thriller de acción futurista. Su filmografía (de sólo tres películas, las dos antes nombradas y la algo floja comedia The Bloom Brothers) tiene sin duda el broche de oro en los tres capítulos de la obra maestra de serie que es 'Breaking Bad'. Y no 3 capítulos cualquiera no, Ozymandias, Fifty-One y Fly. Luego vino 'Looper' y tanto Hollywood como público y crítica se rindieron a Johnson hasta el punto de entregarle los mandos del futuro episodio VIII de la saga Star Wars para 2017. Un reto importante el que tiene por delante el director de Maryland. La mejor manera de disfrutar de 'Looper' es verla sin profundizar, como un film de acción más, con una historia interesante sobre las paradojas de los viajes en el tiempo. Es ahí donde está el peligro de esta película, en querer buscar los 3 pies al gato porque quizás el gato no existe, y ya está, es así. Esta producción haría que Doc implosionara. ¿De que va Looper? En un futuro no muy lejano, año 2072, asesinar o deshacerse de alguien será tremendamente complicado por no decir imposible (argumento inicial que es tirado por la borda por algún hecho en concreto). La solución es enviar al pasado a esas personas de las que quieras deshacerte para que los loopers (asesinos a sueldo que en algún momento deberán matar a su yo del futuro y cerrar el bucle -loop en inglés-) las eliminen. Joseph Gordon-Levitt es Joe, un looper que llegado el momento es incapaz de matarse a sí mismo y permite que su yo del futuro escape. El duelo interpretativo entre Bruce Willis (otro carismático héroe de acción de los ochenta, que hace de futuro Joe) y Gordon-Levitt (mimetizado con su personaje y que clava cada gesto, mirada y sonrisa de Willis) y la carrera por sobrevivir solo acaba de empezar. Perfectamente ambientada y llena de matices, la cinta de Rian Johnson es, después de la saga 'Terminator', la cinta de acción y viajes en el tiempo más lograda, gracias a ese toque de cine negro del que no quiere desprenderse su director y que le otorga un estilo inconfundible y muy acertado. No veo nada que me recuerde a ninguna de las partes de 'Terminator' ni de 'Blade Runner', creo a pies juntillas la originalidad del guion y lo disfruto. Reconozco que 'Looper' tiene muchas incongruencias a nivel de guion y que ciertas partes quedan obsoletas, pero como cinta de acción y viajes en el tiempo no hay otra igual.

8 - The Time Machine - George Pak - Estados Unidos
7.5/10

No, no hablo del remake del año 2002 con Guy Pearce. Al más puro estilo aventurero y de ciencia ficción made in Verne de 'La vuelta al mundo en 80 días' o 'Viaje al centro de la tierra', este clásico de 1960 basado en la novela de H. G. Wells constituyó el primer largometraje americano sobre viajes en el tiempo donde se podía ver por fin, una máquina del tiempo al uso. Claro que antes de 1960 el tema de los viajes en el tiempo se había visto en varias películas, y también americanas pero nunca se había podido contemplar una máquina del tiempo (se viajaba al futuro o al pasado con cohetes con súper velocidad, mediante hipnosis, debido a un accidente e incluso mediante sueños). En 'The Time Machine' se nos cuenta la historia de un científico e inventor llamado Alexander Hartdegen (Rod Taylor), obsesionado con demostrar la posibilidad de los viajes en el tiempo. Tras una breve e introductoria inicial charla con sus amigos culturetas y filósofos decide probar por su cuenta la máquina y demostrar que está en lo cierto. El paso a través de los años y la llegada a un futuro desconcertante habitado por dos únicos bandos harán que Alex observe de primera mano el peligro que conlleva jugar con el tiempo y la horrorosa evolución de la raza humana. Buena cinta de aventuras que no pretende entrar en paradojas temporales dramáticas ni hacernos pensar demasiado: simpática y llena de imágenes, detalles o personajes míticos como los Morlocks (que, junto a la máquina del tiempo, hacen su aparición estelar en el S01E14 de The Big Bang Theory), es el clásico antiguo (con cierto halo a serie B) sobre viajes en el tiempo más relevante, y la mejor película de su director, George Pak.

9 - Los cronocrímenes - Nacho Vigalondo - España
7.5/10

Este ranking no necesita ninguna española para hacer patria ni para quedar bien con nadie, las películas son películas, no tienen patria sino idioma original. Esa es la razón de incluir la cinta del director y guionista cántabro Nacho Vigalondo. Nacho es un cachondo, así, tal cual. Lo demuestra cada día en las redes sociales y en las películas que hace, con sello propio. Y no me refiero a que tenga su propia productora (que quizás sí, lo desconozco), sino a que sus películas llevan una seña de identidad propia inconfundible. Al igual que sabes cuando el rey Midas Spielberg ha metido la mano en algún proyecto con Nacho pasa exactamente igual. Es 2007 y Vigalondo, que viene de sacar y pasear su ch**** en Estados Unidos con su corto nominado al Oscar '7:35 de la mañana', dice: '¡eh! ¡Que voy a estrenar una película de viajes en el tiempo!'. Imagino la cara de más de uno ante semejante idea. Una pena, para ellos claro. Para Nacho Vigalondo fue dar el puñetazo en la mesa definitivo, el aviso al mundo, sobre todo al español, que una nueva ola de cine estaba llegando y el iba montando en la primera tabla en la cresta de la ola, eso sí, con la ch**** guardada esta vez. Polémica, criticada por muchos y defendida por bastantes más, a día de hoy, Los cronocrimenes es ya una cinta de culto muy bien valorada no solo en España sino en el resto del mundo, confirmando una vez más el gran savoir-faire de este original, dicharachero y simpático director. La película relata la historia de un hombre tranquilo y apacible, Héctor, que un día de vacaciones observa con sus prismáticos cómo una joven en la montaña es asesinada por un tipo cubierto por vendas y unas tijeras en la mano. Héctor decide investigar que es lo que acaba de ver. Mejor no contar mas para disfrutarla al 100% quienes no lo hayais hecho ya. Muchos dirán que el guión tiene lagunas o fallos, que no lo dudo, pero lo que también tiene y a muchos les molesta reconocerlo es, VALENTIA. Y Vigalondo está demostrando con sus proyectos que es un valiente y que se atreve a rodar películas distintas, como hizo Johnson con 'Looper'. Películas sin concesiones, que invitan a pensar, en las que no tiene porqué ganar el bueno o no hay un final masticado o feliz, películas por las que puedes perder hasta amistades según como se tuerza la discusión. Y al igual que nombro a Vigalondo, también a Karra, que es un monstruo actuando, una bestia parda que se come todos los papeles que le echen de una manera soberbia. Muy grande Karra Elejalde. Buenísimo thriller de ciencia-ficción con multitud de lecturas finales e interpretaciones. Bravo por el cine valiente, para todo lo demás ya está Michael Bay.

10. Primer - Shane Carruth - Estados Unidos
  7/10

Todos tenemos una prima o una amiga rara. 'Primer' es esa amiga, rara como ella sola. Un servidor no logró ni probablemente logrará desenmarañarla nunca. Un producto indie e independiente 100%, made in USA, dirigida por Shane Carruth que también se encarga del guión, la música, la fotografía y hasta se guarda un papel para él. 'Primer' es de esas películas que pasan desapercibidas para el gran público pero que acaban por ser consideradas de culto por losfans de la ciencia-ficción y viajes en el tiempo que ponen en ella los ojos. La cinta más amateur de este ránking ocupa el décimo puesto, no por menos buena que el resto ni por rellenar un puesto por aburrimiento sino por lo interesante que puede llegar a ser todo su planteamiento y puesta en escena. El film abre con unos amigos trabajando en una máquina en un taller. Dicha máquina tras un inesperado (quizás afortunado) accidente no termina funcionando como ellos quieren, pasándose a convertir en un hallazgo de un nivel tan importante que podría cambiar la historia del ser humano para siempre. Este hecho influirá en la vida de los 4 amigos, poniéndolos a prueba ante el futuro de tal invento. Obviamente el objeto inventado es, una máquina del tiempo. El director de la nueva y  altamente valorada 'Upstream Color' (en la que también se encarga prácticamente de todo), consiguió con Primer meterse en esa lista de directores interesantes a seguir que citábamos antes. Su carrera promete y hay estar al tanto de sus nuevos trabajos.




Otras películas que se quedaron atrás

Al margen de este top 10, no me gustaría irme sin citar algunas películas que a mi parecer hubieran podido ocupar los últimos puestos de este ranking. Si sois fan de la animación y del anime, es altamente recomendable la cinta del gran director japonés Mamoru Hosoda titulada 'Toki wo Kakeru Shôjo (The Girl Who Leapt Through Time)(La chica que saltaba a través del tiempo)'. Si lo que os va más son las series, es obligado el visionado de 'Doctor Who', sino entera, desde 2005. Si queréis disfrutar de algo relacionado con viajes en el tiempo y no disponéis, valga la redundancia, de mucho tiempo, os recomiendo el corto de 1962 en el que se inspira '12 Monkeys' llamado 'El muelle (La Jetée)'. Os apunto tros títulos sobre viajes en el tiempo que he visto de mayor a menor interes según mi valoración: 'Edge of Tomorrow', 'Midnight in Paris', 'The Butterfly Effect', 'Flight of the Navigator', 'Predestination', 'Source Code', 'Bill & Ted's Excellent Adventure', 'The Jacket', 'The One', 'Timecop', 'The Time Traveler's Wife' y 'Déjà Vu'.