Me considero un gran fan de la ciencia-ficción, y sobre todo de ese gran sub-género que son los viajes en el tiempo. Esas películas que invitan a pensar, a divagar largas horas con tus amigos sobre posibles interpretaciones, romperse la cabeza con las paradojas temporales. Argumentos locos que conforme pasan los años van convirtiéndose en más y más acertados. La posibilidad de viajar en el tiempo es el gran reto del ser humano como especie, la evolución de la raza humana ha de ser poder viajar al futuro, o al pasado dentro de no muchos miles de años. El poder de manejar la historia a tu antojo es algo que muchos querrían, como cuando te preguntan que superpoder te gustaría tener y eliges ser invisible por el simple hecho de poder hacer lo que quieras sin que nadie te diga absolutamente nada. Poder viajar en el tiempo es algo que el hombre ha deseado toda la vida. Y la afirmación de que jamás se creará una máquina del tiempo porque de hacerlo, ya nos habría visitado a nosotros mismos o cambiado algo aquí un servidor no la cree en su totalidad. Si tuviéramos cada uno nuestra máquina del tiempo, ¿no intentaríamos hacernos la vida mas fácil sin hacernos sospechar nada porque de hacerlo dicha maquina ya no se construiría en ese futuro? En fin...divagaciones y pensamientos fruto de una mente algo ajetreada y alocada. ¡Espero disfrutéis de uno de los rankings que he hecho con más gusto!
1 - 12 Monkeys - Terry Gilliam - Estados Unidos 8.5/10
Este film, considerado hoy en día una obra de culto, no fue tan valorado en el momento de su estreno. Basada en el mediometraje francés de obligado visionado, 'La Jetee', la historia que se nos cuenta nos lleva a un futuro apocalíptico y oscuro. Corre el año 2035 y la mayor parte de la población mundial ha sido extinguida por un virus mortal relegando a la raza humana a vivir en lugares y comunidades subterráneas cuales ratas de ciudad. Un prisionero, James Cole (Bruce Willis), se ofrecerá como voluntario para viajar al pasado, tomar una muestra del virus y regresar al futuro con ella para poder fabricar un antídoto. En el pasado conocerá a (Brad Pitt) Jeffrey Goines un enfermo mental que le ayudará a descubrir el secreto de 'el ejército de los 12 monos', un grupo radical relacionado directamente con el virus mortal. Pitt fue nominado al Oscar como mejor actor secundario por este papel. Roger Pratt (encargado de la fotografía y frecuente colaborador de Gilliam) ayuda muy mucho a crear ese ambiente lúgubre y desértico de un futuro oscuro y apocalíptico y convierte a '12 Monkeys', junto todo lo contado, en una película altamente recomendable para todos los fans de la ciencia-ficción, un 'must see' en toda regla.
2 - Back to the Future Trilogy - Robert Zemeckis - Estados Unidos 8.5/10
Su primera parte nos llego en pleno apogeo del cine ochentero y cuando su director, Robert Zemeckis, empezaba a despuntar en Hollywood tras la buena acogida en la taquilla de 'Romancing the Stone ('Tras el corazón verde')'. 'Back to the Future' es sin duda el clásico sobre viajes en el tiempo mejor valorado de los años 80. Zemeckis fue el principal impulsor de la carrera de Michael J. Fox (que venía de cosechar gran éxito con la serie Family Ties y la película Teen Wolf) al darle el papel protagónico de Marty McFly: 'Back to the Future' fue para él el inicio de una larguísima carrera en los años 80 acaparando más de la mitad de las comedias que se realizaron en USA. Fue el récord de taquilla en 1985, y su banda sonora pasó a la historia del cine al igual que lo hicieron la película y su creador Alan Silvestri, cuya pegadiza melodía le sirvió para fraguarse una fama a tono con su calidad como compositor. Su última gran aportación, la banda sonora de 'The Avengers', un ejemplo más de su talento. El argumento es conocido por todos y abarca lugares tan pintorescos como el lejano oeste, los años 60 o futuros alternativos a cada cual más imaginativo, todos llenos de detalles que son ya parte de la historia del cine. El Delorean, el condensador de fluzo, el aerodeslizador, el almanaque deportivo, los camareros robots, el microondas turbo, el chubasquero de Doc o el calzado de Marty son símbolos de esta gran saga imperecedera y que siempre apetece revisar de vez en cuando. Mi favorita es la segunda entrega.
3 - Terminator Saga -James Cameron, Jonathan Mostow, McG, Alan Taylor - Estados Unidos 8/10
Año 1984. La ciencia ficción, en auge tras los éxitos de obras magnas del género como 'Alien', 'Blade Runner' y 'The Thing', vuelve a sufrir un inesperado revés luego de que un joven director (que venía de rodar la secuela de Piraña), era el encargado de dirigir un film que a posteriori sería considerado como uno de los mejores largometrajes de ciencia-ficción de la historia. Sin contar con un gran presupuesto, un jovencísimo Cameron supo arreglárselas para traernos una historia apasionante y creadora de innumerables debates a lo largo de los años. Un cyborg es enviado desde el futuro para eliminar a la mujer que dará a luz a un niño que en el futuro liderará la guerra de los humanos contra las máquinas. Con esta disparatada sinopsis (recordemos, 1984), James Cameron vio despegar su carrera con un enorme éxito de taquilla, y su protagonista, Arnold Schwarzenegger se confirmó como un grande del cine de acción made in Hollywood y dio el pistoletazo de salida a una carrera fulgurante llena de multitud de papeles de héroe de acción que aprovechaban su físico. Y además, los efectos especiales contaron con el prestigioso Stan Winston (encargado de los de The Thing). Considero a la saga 'Terminator' un peldaño por debajo de la de 'Back in time' por que esta supo o la dejaron (en el mundo del cine nunca es seguro afirmar una de las dos) cerrar un trilogía que nadie se ha atrevido a seguir: es algo mucho más redondo y compacto. No obstante las deleznables 'Terminator: Rise of the Machines' y 'Terminator Salvation' (incluso se hizo una olvidable serie de TV), 'Terminator' es uno de los mejores thrillers de acción futurista sobre viajes en el tiempo que se ha hecho nunca, donde la propia acción es protagonista total dejando al lado paradojas temporales o explicaciones que la hubieran llevado al más claro aburrimiento. Además, para paradojas ya tenemos 'Back in time', ¿no? Mi favorita, al igulal que en la saga de Zemeckis, es también la segunda. Linda Hamilton frenética reminiscente de la mejor Weaver de 'Aliens', T10000, la melodía de Brad Fiedel. Hitos de una generación.
4 - Donnie Darko - Richard Kelly - Estados Unidos 8/10
Relegada a su estreno directo en formato doméstico al igual que otras películas de aquel año sufriendo el efecto del 11-S
antes de su estreno cine, 'Donnie Darko' no tardó en consagrarse como película de culto. Contiene
uno de los argumentos más sugerentes y sugestivos de la historia del
cine: Donnie (Jake Gyllenhaal), se despierta en mitad de la noche y es
conducido por una misteriosa voz hasta un campo de golf donde una
persona disfrazada como un terrorífico conejo le advierte que el fin
del mundo llegará en 28 días. Al regresar de nuevo a su casa, Donnie
descubre que la turbina de un avión se ha empotrado en su habitación. A
partir de ahí el film se convierte en un disfrute neuronal para el
espectador dónde las más descabelladas teorías surgen sin control
mientras se suceden escenas llenas de simbolismos y detalles. Tras
algunos trabajos nimios, Richard Kelly, su director, saltó a la palestra
de interesantes directores a seguir tras su gran trabajo al frente de
'Donnie Darko' pero quizás se espero demasiado...tanto que, su carrera
tras este gran éxito, lleva camino de quedarse en la nada. El siguiente
pelotazo -por llamarlo de alguna manera- del realizador americano fue en
2009 (8 años después) con la controvertida 'The Box', otro thriller de
ciencia-ficción que obtuvo criticas muy dispares entre espectadores y críticos y
que acabó por confirmar que 'Donnie Darko' fue una bella flor en un páramo de
mediocridad. Quien sí empezó una exitosa carrera en el cine fue su
protagonista Jake Gyllenhaal, un joven de mirada perdida y una potencia actoral fuera de lo común.
Podríamos relegar 'Donnie Darko' fuera de este ranking porque no trata el
tema de los viajes en el tiempo de una manera tan directa ni tan
demostrativa o palpable como otras pero, en ella, se nos cita
constantemente el futuro de diferentes formas, los bucles temporales y
las visiones de un línea temporal adyacente a la del protagonista. Una
vez llegados al final...entenderemos el porqué definitivo de la
inclusión de 'Donnie Darko' en este top 10. Imprescindible. Única.
5 - Groundhog Day - Harold Ramis - Estados Unidos
7.5/10
Uno de los grandes clásicos en cuanto a películas sobre viajes en el tiempo se refiere. Dirigida por el tristemente fallecido Harold Ramis, quien fuera el mítico cazafantasmas Egon Spengler y director también de la infravalorada saga 'Analyze this', 'Groundhog Day' es una comedia romántica donde Phil Connors (Bill Murray),
un periodista cascarrabias y gruñón es enviado a Punxstawnwey, un
pequeño pueblo de Pennsylvanya, para cubrir el famoso día de la marmota.
Una vez finalizado el trabajo, Phil y su equipo deciden volver a casa
cuando una tormenta les impide continuar y optan por volver a
Punxstawnwey para pasar la noche. Al despertar Phil deberá volver a
vivir el día de la marmota, una y otra vez. 'Groundhog Day' tiene
un guión tan original que desborda creatividad, y una dirección y un
montaje que ayudan al espectador a ser partícipe de lo que ve y a
empatizar con el personaje de Bill Murray constantemente. Una comedia clásica imperecedera al tiempo, una de esas joyas que no te cansas de ver jamás.
'Oasis' es, a día de hoy, la mejor película realizada por el director coreano Lee Chang-dong en toda su breve pero interesante filmografía. En ella encontramos grandes títulos como 'Peppermint Candy', cinta anterior a 'Oasis' e interpretada entre otros por Moon So-ri y Sol Kyung-gu, que son los mismos protagonistas de este drama romántico con toques surrealistas. De las 5 películas rodadas por Chang-dong, recomiendo, al margen de esta joya llamada 'Oasis' y la citada 'Peppermint Candy', el que de momento es su último trabajo, 'Poetry', una verdadera delicia de principio a fin. 'Oasis' fue el film que dio fama a este gran contador de historias coreano y por el que recibió innumerables premios, más de 20, siendo 6 de ellos para su actriz principal Moon So-ri. Dolorosa como la vida en ocasiones, 'Oasis' de Lee Chang-dong es un drama romántico repleto de surrealismo, ilusión e insensibilidad humana. La belleza está en el corazón del que ama. La trama nos lleva a conocer a Jong-du (Sol Kyung-gu), joven afectado de una leve discapacidad psíquica justo el día que sale de la cárcel tras haber sido encerrado por un atropello y fuga. Sus pensamientos, extrañas miradas, comportamientos y motivaciones le llevan a casa del señor que atropelló con la intención de pedir disculpas a los familiares. Una vez allí, el hijo mayor, alarmado y exaltado por la situación echa a Jong-du de la casa. En dicha casa también habita la hija pequeña, Gong-ju (Moon So-ri). Gong-ju también padece una enfermedad como el chico, salvo que la de ella es mucho más grave, sufre parálisis cerebral. Jong-du queda prendado de Gong-ju en cuanto la ve. Ella vive en un desordenado y sucio apartamento cuidada por una vecina a la que su hermano paga regularmente y, al margen de lo que sucede fuera de su bizarra historia de amor y de sus peculiares visiones del mundo, ambos son usados, literalmente, por sus familias para su propio beneficio. Aun así, esa inocencia que les otorga su enfermedad y ese amor que ambos viven, les servirá de barrera para afrontar cualquier contratiempo. Nada podrá conseguir que las ganas de vivir que los dos se han despertado mutuamente cesen jamás. En mayor o menor medida, todas, y cuando digo todas, es todas, todas las
películas tienen ese algo que las hace especiales o únicas, o
distintas, sea para bien o para mal. Por suerte en este caso, es para
bien. Si hay algo que uno no olvida al ver 'Oasis' es sin duda la tremebunda interpretación de Moon So-ri,
digna de Oscar y de cualquier premio o estatuilla que se le quiera
entregar, se las merece todas y cada una de ellas. Da igual que uno no
esté predispuesto, que haya visto miles de historias de amor dramáticas,
o miles de dramas románticos, cualquier actuación parecida a la de Moon So-ri
simplemente, no existe. Es capaz, no solo de hacerte dudar si de verdad
padece esa parálisis sino que usando nada más que sus ojos conoceréis
todos y cada uno de los sentimientos y pensamientos que corren por el
cuerpo maltrecho de Gonj-ju. Impresionante. El espectador queda encogido
en su asiento, perplejo, con el pensamiento de ¿estará realmente
actuando? Solo por su actuación ya vale la pena ver la película. Brutal.
El trabajo de Sol Kyung-gu como Jong-du es realmente admirable,
pensamientos infantiles, inconscientes, gestos nerviosos o tics
continuos que ponen al espectador nervioso al no saber cuál será su
próxima reacción respecto a Gong-ju cuando ambos están juntos y a ella
su parálisis cerebral la impide moverse como una persona normal. La
actuación de Moon So-ri lo eclipsa todo pero son, en esas escenas juntos, cuando vemos el mejor perfil interpretativo de Sol Kyung-gu y las verdaderas intenciones de su personaje. Chang-dong
nos muestra sin abusar de ello lo miserable que puede llegar a ser el
ser humano, incluso entre integrantes de una misma familia. Desprecios,
insultos, dejadez, ignorancia, prejuicios, el director coreano no se
centra únicamente en la enfermedad y sus desgracias sino que va mas
allá, no se excede mostrando a Moon So-ri y su parálisis, el
realizador está más empeñado en que el espectador entienda y comprenda
la historia de amor que tiene delante, una historia de amor pura, amor
en su estado más inocente. Chang-dong sabe aplicar humanidad a
sus películas y así lo ha demostrado a lo largo de su carrera, con
historias que en un principio pueden parecer extrañas o difíciles de
suceder pero que tratadas de una forma clara y sin engaños son capaces
de hacerte creer todo lo que pasa en ellas. Incluso el surrealismo se da
cita en 'Oasis', con escenas que bien podría haber firmado el propio David Lynch. El
final es una delicia, desprende ganas de sentir, de vivir, de amar,
ganas de querer con esa intensidad que ilusiona tanto. 130 minutos que
pasan sin dejar que el espectador parpadee: encantadora, sobrecogedora,
perfecta e ilusionante, 'Oasis' es dolorosa como la vida misma, como es el amor a veces. Imprescindible.
Ip Man (Yip Man) (Yi dai zong shi Ye Wen)(The Legend of Yip Man)(Grandmaster Yip Man) Wilson Yip - Japon 8.5/10
'IP Man' podría ser la mejor película de artes marciales de la historia de no ser porque este género en concreto abarca muchísimos puntos de vista, gustos y opiniones diversas. Cualquier fan de las artes marciales vistas en pantalla grande tiene su film preferido y especial, respetando eso si, al maestro Bruce Lee. A los fans de Jackie Chan no suele gustarles tanto Jet Li, esto ocurre al revés, quienes disfrutan de las multi-coreografiadas escenas de acción de Chan ven solamente como buenas y poco más las de Li. No siempre, pero suele ocurrir. Algo así como los fans de PES y FIFA, por poner una comparación rápida. Hay muchos más actores de artes marciales obviamente, Chow Yun-Fat, Michelle Yeoh, Yuen Biao, Sammo Hung, Tony Leung, Andy Lau, Zhang Ziyi o Angela Mao, pero quienes se repartían la mayor parte de fans fueron ellos dos. Ambos igualmente inexpresivos y cada uno de ellos en su estilo, el humor de Jackie y la eficiencia de Li. El paso del tiempo no perdona a nadie y las 2 estrellas asiáticas de acción internacionales ya no cuentan con la gran participación en películas con las que contaban antes, en parte también porque el publico general ya no consume el cine de acción como en la época dorada de ambos. Mientras que Chan ya solo aparece en un film al año y sin ser protagonista, Li goza de algo más de 'vida cinéfila' al verse incluido en la saga 'The Expendables', pero al margen de esta no se prodiga ya como antaño. Esto nos deja a nuevos grandes actores como el tailandés Tony Jaa de la saga 'Ong Bak', Iko Uwais de 'The Raid' y su secuela o el protagonista de esta cinta, el magnífico Donnie Yen. Donnie no es nuevo, algunos lo conoceréis por su personaje de Cielo en 'Hero' junto a Jet Li y Tony Leung, o también por sus otros papeles en producciones tan conocidas dentro de este mundo como 'Bodyguards and Assassins', '14 Blades' o la interesante 'Dragon (Wu xia)'. Se le podría incluir tranquilamente en la generación de Chan y Li aunque un peldaño más abajo (comenzó su carrera en 1984, en pleno auge del mono borracho de Chan), pero Yen no solo sigue activo y con proyectos (3 películas en 2014 y futuro protagonista de la segunda parte de 'Crouching Tiger Hidden Dragon')
sino que demuestra en cada oportunidad que tiene el buen hacer que
posee para no solo la ejecución en coreografías de artes marciales y su
puesta en escena sino también algo más de expresividad en sus
interpretaciones que la gran mayoría de actores de este género.
Actualmente y en mi humilde opinión, es el mejor actor de artes
marciales que hay, sin ninguna duda. Aquí da vida al famoso, y consumido
en los últimos tiempos por el séptimo arte, maestro Yip man, más conocido por ser el instructor del mítico Bruce Lee
en su edad mas temprana, la película se centra en su vida en Foshan,
durante los años 30 con epicentro el estallido de de la segunda guerra
sino-japonesa que provocaría la ocupación nipona de parte del sur de
China. No estamos ante un biopic clásico donde se nos cuente toda la
vida del maestro, más bien estamos ante una ventana que permite ver una parte importante de la vida (ficcionada) de uno de los genios de las artes marciales más importantes y respetados de la historia.
Tras esta primera visión dirigida por Wilson Yip le han seguido 5 más, incluida una serie de televisión. 'Yip Man II' llegó en 2010 con mismo protagonista y director, Donnie Yen y Wilson Yip. Si bien no es tan espléndida y satisfactoria como la primera se deja ver bastante bien y fija en la acción su motor principal. Además, cuenta con un némesis como el clásico actor en estos lares, Sammo Hung, que a sus años seguía manteniendo una forma y unas maneras envidiables. Ese mismo año llegaría la primera de las 2 dirigidas por Herman Yau, 'Ip man: the legend is born', interesante pero más floja que las anteriores, tiene el aliciente de contar la vida de Yip man desde su más tierna infancia hasta la adolescencia, haciéndonos comprender el porqué de muchas de sus reglas sobre el comportamiento y la educación. El segundo trabajo de Herman fue en 2013 con 'Ip man: the final fight', este film está considerado la tercera parte de la saga de entregas realizada por Wilson Yip. Herman hizo dos películas complemento a las de Yip, una precuela y una secuela, y a ellas se le une también la versión/visión de Wong Kar Wai, 'The Grandmaster' con Tony Leung como protagonista, un film que técnicamente es soberbio pero que falla en contar de forma interesante una trama que debería serlo. Las producciones sobre el gran maestro finalizan con una serie de televisión con 50 capítulos titulada 'Ip Man (Yip man)' a finales de 2013. Wilson Yip y Donnie Yen habían trabajado juntos antes en 3 grandes films de acción como 'Kill Zone' (aquí junto a Sammo), 'Dragon Tiger Gate' y 'Flash Point', todo producciones made in Hong Kong. Y es que Donnie, no se ha prodigado en el país norteamericano salvo en 1 ocasión, en 'Blade 2', con un papel muy secundario. Una de las curiosidades de esta película es que uno de los secundarios es nada más y nada menos que el que fuera protagonista de la mítica cinta de los años 80, 'History of Ricky', Siu-Wong Fan aka Louis Fan. Desde aquel papel tan solo contaba con 4 películas en su haber, desde su aparición en 'Yip man', ya ha participado en 5 películas mas. Fan también aparece en la segunda parte de Wilson Yip y en la primera de Herman Yau en otro papel distinto. El némesis de Yip Man en la película es un actor japonés perfecto en su papel, haciendo tan suyo un personaje con tan elegancia y sobriedad como lo hace el propio Yen, se trata de Hiroyuki Ikeuchi. Considerada por la crítica como una de las mejores películas de artes marciales de la historia, codeándose con títulos como 'Kill Bill', 'The Raid', 'Crouching Tiger, Hidden Dragon', o clásicos como 'Return of the Dragon' o 'Drunken Master', en 'Yip Man' la verdadera inteligencia es tratar las artes marciales lo más realistas posibles. Se dan cabida en momentos puntuales a los efectos especiales pero solo para intentar hacer las escenas de lucha lo más cercanas a la realidad. No se abusa de ellas, no es un machaque de 106 minutos con constantes entradas y salidas de extras que nunca mueren. Aquí en 'Yip Man', cualquier escena de acción está integrada perfectamente en el metraje, sin calzador. Unas escenas donde se puede saborear el arte como tal que es, donde poder admirar el estilo Wing Chun que hizo tan famoso a este maestro. Conoceréis su forma de ver y entender la vida con respeto y educación, esa filosofía de la cual, y está más que demostrado, quedó impregnado otro genio como Bruce Lee. Cinta de corte clásico, con inicio donde todo es muy bonito, varapalo en la mitad y desenlace duro porque no es el esperado por todos. Final épico y que funciona perfectamente porque todo lo visto antes justifica precisamente dicho final. El enfrentamiento de China contra Japón, el respeto mutuo entre dos maestros en sus estilos al que la historia, y la guerra, ha puesto uno delante del otro. Todo ello con el trasfondo de la ocupación japonesa y las penurias que comportó dicho conflicto, donde los chinos eran tratados como simples animales. Puede gustar tanto a los fans más viejos de este tipo de cine como a los que no les gusta o lo suelen criticar por repetitivo y poco original ya que la propia historia, sonido, actores y fotografía así como el enfoque final que se da a toda la película la hacen un producto muy agradable de consumir para todos. Si Donnie Yen consigue convenceros como héroe de acción no dejéis pasar la secuela de este film y echadle un ojo a titulos como 'Kill Zone' y 'Flash Point', no os defraudará.
Goal of the Dead - Benjamin Rocher y Thierry Poiraud - Francia 6/10
Nueva incursión en el cine de zombies de la mano de dos directores noveles franceses, Benjamin Rocher y Thierry Poiraud. Los hermanos Rocher (Benjamin - director y Raphael - productor ) regresan a las pantallas de cine con una nueva película sobre zombies tras la simpática acogida de su 'The Horde' en 2009, pero esta vez, unida al fútbol. Rememorando las viejas sesiones dobles grindhouse de los años 70, la película esta divida en dos partes de 70 minutos de duración aproximadamente coincidiendo cada una de ellas con la primera y segunda parte de un partido de fútbol convencional. 'Goal of the dead' es la compañera, la amiga, la telonera perfecta para una noche zombie-cómica aderezada con el visionado final de 'Zombies party', 'Zombieland' o 'What We Do In The Shadows'.
Lo mas importante es que esta si tiene a cuales envidiar como las antes
citadas y superarlas es una tarea mas que complicada, pues ambas son ya
películas de culto y fueron un soplo de aire fresco en su momento a un
genero tan violado como el de los zombies donde actualmente ya hasta se
enamoran y sienten y padecen. Así que por ese lado no cuenta algo
novedoso, humor plano y zombies ha sido y es una buena combinación pero
añadir estos dos grandes géneros al deportivo y mas concretamente al
fútbol es digno de mención y de ser visto por todos aquellos fans,
groupies, hypers de la escuela de Simon Pegg. De que va? Un
equipo muy muy amateur de fútbol, el FC Caplonge, consigue clasificarse
para la final de la Copa en Francia contra el todopoderoso equipo de la
capital, el Olympic de Paris. En dicho equipo juega Sam Lorit,
ex-jugador del FC Caplonge y al que todos odian despues de haber
abandonado al equipo en un momento importante en su historia. Por un
error de reparto, el doctor del FC Caplonge inyecta una substancia
desconocida en el nuevo delantero estrella y ex-mejor amigo de Lorit,
Jeannot, quien totalmente convertido en una bestia asesina ira
contagiando a diestro y siniestro la enfermedad mientras busca a Lorit
para matarlo. 'Goal of the dead' es un claro producto de serie B sin mas
intención que darle al público lo que espera, ni mas ni menos, ni
apocalipsis zombies encriptadas en antiguos manuscritos ni virus humanos
descontrolados que valgan. Dos partes de 70 minutos cada una al estilo
Grindhouse, sobretodo el inicio de la 2a, son el mas claro indicativo
que este es un producto de serie B sin mas intencion que ser de serie B y
en ello se recrea. La primera parte dirigida por el hermano del
productor, B. Rocher, esta enfocada a mostrarnos a los personajes,
algunos muy interesantes como el grupo de ultras, Diago o el entrenador
Coubert, curiosamente son los que aportan mas humor a la cinta. La
historia del prota-vieja leyenda que regresa a casa, Sam Lorit, da ese
punto de respiro entre las escenas de mayor acción, además cuenta con un
secreto familiar que se ira descubriendo a medida que la trama avance.
Esta primera parte esta como digo, a los personajes y al estallido del
brote en si. La iluminación del campo de fútbol entendemos que es pobre
dado lo amateur del equipo de Caplonge pero no me terminó de encajar
bien, una iluminación mas alegre durante las escenas futboleras hubiera
dado un realismo mucho mayor a la explosión del brote y la entrada de
Jeannot en el terreno de juego. La segunda parte dirigida por T.Poiraud empieza muy grindhouse
con una especie de corto precuela donde vemos la infancia de Lorit y
Jeannot, tras ella, empieza la acción, la sangre a correr por las calles
de Caplonge y es donde podemos ver la parte mas ruidosa del film, con
grandes escenas cómicas como las de Diago bailando ante un zombie o la
del entrenador Coubert sacando a relucir ese gran entrenador que lleva
dentro. Cinta palomitera a todas luces que se presenta interesante y
termina dejando un buen sabor de boca gracias principalmente a que no se
toma en serio a ella misma en ningún momento y que aprovecha la mas
mínima ocasión para incrustar en el argumento una escena de humor como
un ataque zombie a gran escala. Final muy llamativo y una fotografía mas
que aceptable hacen del tramo final un buen conjunto para ver sin darle
mucho al cerebro. Si que es cierto que estos zombies no son del todo
inconscientes de lo que hacen (incluso vemos a uno jugando a una recreativa) pero...ese final, no parece del todo lógico...en fin, película disfrutable, no es 'Juan de los muertos' ni una 'Zombies party' pero esta apañada. Curioso pero no parece que dure mas de 2h. Otro punto a su favor.
Lo primero, mi crítica está hecha sin haber leído la novela, a partir de aquí, continuo. Irvine Welsh escribió la nombrada en la que se basó 'Trainspotting' de Danny Boyle en 1993, después llegarían 'Marabou Stork Nightmares' en el 95 y 'Filth' en el 98. 'Trainspotting' sólo tardó tres años en ser adaptada al cine con gran maestría por Boyle mientras que esta adaptación de Jon S. Baird llega 16 años después. Con esto quiero remarcar además del tiempo transcurrido y lo cambiante de esta sociedad lo fuera de lugar que pueden quedar algunos de los temas expuestos. Estos temas, personajes o situaciones por aquel entonces hubieran causado un gran impacto en la sociedad cinéfila pero a día de hoy y tras varios otros filmes sino iguales pero si parecidos en ciertos puntos el impacto no es tal, y queda como algo desfasado. Puedo afirmar tranquilamente que de no ser por la impecable actuación de su protagonista James McAvoy y el ritmo fluido, que no intenso, que posee la cinta, estaríamos ante una película más dentro del género 'policía pasado de vueltas'. El más claro ejemplo lo tenemos con nuestro querido Torrente. Las comparaciones son odiosas, de acuerdo, pero existen. ¿Porqué tenemos que desmerecer a infravalorar un personaje como Torrente y alabar a uno escocés? No lo entenderé nunca. Si tras ver 'Filth' pensáis que del personaje que interpreta McAvoy se pueden llegar a hacer 4 secuelas con gran afluencia de público, es que no hemos visto la misma película. Y no sólo está 'Torrente', también tenemos a Jean Reno en 'Wasabi', o a Willis en 'The Last Boy Scout' por decir una, quiero decir, que lo del policía pasado de rosca en sus está demasiado visto, demasiado gastado como para que llegue a interesar lo suficiente. Ni digo que es peor que las citadas antes ni mejor, simplemente
olvidable, más de lo mismo pero con el agregado dramático, imaginaros
una versión de Torrente con mucha carga dramática, un final interesante y
una banda sonora, o mejor dicho selección de temas, ramplona y vaga.
Pues eso es 'Filth'. Querría hacer hincapié en la música. Clint Mansell
a los mandos: caída de un mito. Admiro a este compositor, mucho, pero
su selección de temas para la película me parece horrorosa, no por la
calidad de las canciones elegidas sino porque parece que la única
función que tienen, al margen de ir su letra acorde con lo que vemos, es
la de ayudar al espectador a no dormirse del aburrimiento mientras
llega otro momento exaltado de McAvoy. Creo sinceramente que una banda sonora creada exclusivamente para el film, con ese toque tan oscuro que sabe darle Mansell hubiera
dotado a éste de más seriedad, empaque o consistencia que es lo que
parece más escasea. Entras al cine teniendo algo que te ronda la cabeza
sobre cualquier otro tema y en cuanto salgas volverás a ese tema como si
nada de lo visto hubiera trastocado algo dentro. No cuenta nada que no
hayamos visto antes.
Su tono dramático y oscuro en ocasiones la hacen distinta al resto (que no única) y el final anti-Hollywood es tan original como previsible. Si me ha gustado ese mundo surrealista que aparece en momentos puntuales donde McAvoy ve a ciertas personas como animales, algo lejanamente parecido a lo que vi en los créditos iniciales de 'Relatos Salvajes'. Desconozco como se ve ese Edimburgo en la novela de Welsh pero desde luego en la película no tiene presencia en absoluto. No voy a negar que tiene un gran toque de comedia negra, pero en ocasiones se excede o simplemente, no hace gracia. La escena con la menor me parece grosera a más no poder y no, no es que me escandalice por todo ni sea un beato, es que no hace gracia. No hace mucho vi 'The world of Kanako' y su crítica es igual o más cruda que la de ésta, y en ella se destilan buenas maneras, aquí su director pretende que le cojamos asco al personaje, que lo veamos como se ve él, como un cerdo. Y lo consigue, sobradamente. Ese toque retorcido, negro y oscuro se mantiene hasta el final, aquí no hay moralinas que valgan. La película fluye a su ritmo, apoyada en las oportunas canciones seleccionadas hasta su final crudo. Detalles frikis: aparece en un papel secundario el doctor Fitz de 'Agents of S.H.I.E.L.D.', el actor Iain De Caestecker; curiosos también los créditos finales, no os los perdáis, mejores que los insulsos iniciales. En definitiva, el segundo trabajo de Jon S. Baird es una comedia muy negra con tintes dramáticos, surrealistas y un final digno de thriller pero nada más, totalmente olvidable en su conjunto salvo por la actuación de McAvoy.
Kreuzweg (Stations of the Cross) - Dietrich Brüggemann - Alemania
5/10
'Kreuzweg (Stations of the Cross)' o como la han titulado en España, 'Camino de la cruz' es un drama religioso dirigido por el aleman Dietrich Brüggemann que también participa en el guión junto a su hermana Anna, la cual a su vez también tiene un papel en el film como Ärztin. Producida por UFA Cinema y Camino Films fue estrenada hace unos meses en el Festival de Berlin donde consiguió el galardón al mejor guión logro hacerse no hace mucho con la espiga de plata y el FIPRESCI del Festival de Valladolid (SEMINCI). La novel Lea van Acken como María y la veterana Franziska Weisz como su madre son los personajes principales de un drama que nos muestra los peligros de la religión si se toma demasiado en serio. María es una tímida adolescente de 14 años que vive con su familia la cual forma parte de la comunidad católica de San Pío XII. María, desea al igual que otros niños de su edad que están en dicha comunidad, seguir a Jesús, convertirse en santo e ir al cielo. Pero cuando la pubertad sale a flote en la tímida María empezaran los conflictos con su madre, una severa manipuladora con la mente totalmente dedicada a Jesús y a la comunidad de San Pío XII. Imaginaros que os ponéis un lingotazo de whisky on the rocks en pleno
verano tras haber estado unos meses sin beber. El primer trago es muy
duro, difícil intentarlo con un segundo aunque...sabes que tarde o
temprano llegara. El calor derrite el hielo hasta que ambos líquidos se
mezclan en uno solo sin dejarte disfrutar ni del alcohol de uno ni del
frío que produce el otro. Esto es exactamente lo que ocurre con 'Camino a la cruz',
un drama? religioso divido en 14 segmentos compuestos por planos
secuencia fijos en cada uno de ellos. Estas 14 partes representan el
camino de Jesús hacia el Golgota, el monte donde fue crucificado. El
primer acto nos sitúa en una clase de catequesis dentro de la comunidad
católica de San Pío XII donde María aprende la doctrina acompañada de
otros niños mientras un profesor les explica que se han de convertir en
soldados de Jesús para luchar contra el mal. Además esta secuencia es
larga y la mas larga de todas. Un duro golpe para el espectador que no
entra concienciado de lo que va a ver. Parecida o similar a 'Camino' de Javier Feser, la cinta
alemana diluye sus intenciones con el paso de los minutos sin dejar
claro que rumbo toma. Se convierte María en martir? Es lo que nos quiere
dar a entender su director con ese ultimo segmento donde la cámara sube
al cielo o por el contrario la obsesión hacia cualquier tipo de
religión suele acabar mal como en este caso con lo que le ocurre a
María? Que su hermano se recupere de la enfermedad justo en ese preciso
momento es la confirmación que pretende mostrarnos el director sobre que
la fe con medida es buena? Que quiere mostrarnos Dietrich Brüggemann?
Como digo, siendo parecidas o similares en su contenido, la española 'Camino'
deja mas claro, valga la redundancia, que camino toma y lo que quiere
mostrar. No hay duda que el guión es bastante original por estar
separado en las 14 etapas que sufrió Jesús en su recorrido y su
comparación con las cosas que le suceden a María. De ahí su premio en la
Berlinale obviamente, pero no es nada del otro mundo, es un sistema que
ya se ha usado de otra manera y en otro tipo de genero alguna vez.
Banda sonora inexistente como el propio padre de Maria, hacia tiempo no
veia un personaje tan inutil. Su previsibilidad y diluido enfoque
conforme se acerca el final es lo peor de 'Camino de la cruz' de largo. Bueno, eso y el sopor. Pasable..
4 - Låt den rätte komma in (Let The Right One In) - Tomas Alfredson - Suecia 9/10
Al borde del suicidio. Ahí se encontraba el genero de vampiros antes de llegar la película dirigida por Tomas Alfredson. Mientras que la temática zombie se regeneraba poco a poco con films como 'Zombies Party', la saga britanica '28 days later' y series como 'The Walking Dead' o la francesa 'Les revenants', los vampiros sufrían el fenómeno 'Crepúsculo' en silencio (sólo series como 'True blood' o 'The vampire diaries' se tomaban a los chupasangres de una manera 'digna'). Va por temporadas, años 60 y la infinidad de versiones de Dracula de Christopher Lee, años 70 los zombies de Romero, años 80-90 el vampirismo se une a la comedia y también llegan cintas como 'Dracula' de Bram Stoker o 'Entrevista con el vampiro' sin olvidar 'Queen of the damned'
mientras que los zombies seguían de retiro. Principios del 2000 en
adelante los vampiros sufren el arrollador fenómeno teen fan con la saga
'Crepúsculo' y los zombies toman el control. Llegados a este punto aparece la fábula de Tomas Alfredson
en 2008. Un cuento sutil sobre vampiros ambientado en Estocolmo a
principios de los años 80. Ciertamente hay películas que cambian la
progresión de un genero, 'Let the right one in' es la 'Matrix'
del género de vampiros, es la prueba visible de que hasta un personaje
surgido de la imaginación del hombre y tratado con la seriedad necesaria
puede llegar a ser tan real como nosotros mismos. Oskar, un niño de 12
años que pasaría por hijo de alguno de los miembros del grupo Abba vive
acosado por los matones de su colegio y en su propio hogar no encuentra
el consuelo necesario afrontar la situación gracias a una madre
totalmente ausente y divorciada del alcohólico de su padre. Oskar pasa
las noches soñando con vengarse de los niños de su colegio. Durante una
de esas salidas nocturnas conoce a Eli, una niña que hace poco se ha
mudado junto a un hombre mayor al edificio donde el vive. Entre ambos
surgirá algo mas que amistad, algo mas que amor. Basada en la novela de John Ajvide Lindqvist que también escribió el guión y con la portentosa fotografia de Hoyte van Hoytema, 'Let the right one in' es la mejor película sobre vampiros desde 'Dracula' de Bram Stoker o 'Entrevista con el vampiro'
y, curiosamente, ambas también son adaptaciones de grandes novelas. El
hecho que esté ambientada en una fría Estocolmo llena de nieve como el
gran telón de fondo la hace aún más perfecta si cabe. El vampirismo
incrustado de esa manera en la sociedad es tan escalofriantemente real
que hace olvidar por completo que estamos ante un personaje salido de la
fantasía del ser humano. Diálogos medidos, justos y necesarios que
transcurren a un ritmo preciso, que no lento, que es muy distinto. Se
deja respirar al protagonista, podemos acercarnos a él y sentir lo que
Oskar siente por Eli, amor, curiosidad, confianza. A esto ayuda la
brillante interpretación de Kåre Hedebrant con esa mirada
perdida, esos gestos ante las continuas vejaciones de sus compañeros y
como con su mirada nos transmite que su miedo hacia ellos ya es algo
contra lo que no puede luchar. INICIO PSEUDOSPOILERS - A quien debería tenérselo en teoría y en
cambio es quien le suministra el valor necesario para revolverse, es
Eli. Pero... ¿se lo suministra o se lo impone? Ella tiene unas
necesidades que Hakan ya no puede solucionar y ha fijado sus ojos en
Oskar, se podria entender así, que Eli quiere un nuevo esclavo que la
alimente pero su relación con Oskar empieza antes que a Hakan le ocurra
lo inevitable. No digo que Eli se enamore de Oskar nada mas verlo pero
si distingue en él una inocencia pura, capacidad de sumisión inmediata y
por ende altamente manipulable. Oskar, pasa a convertirse en objetivo
claro de Eli cuando al poco de mudarse Hakan, no consigue realizar los
trabajos que antes realizaba, no antes, antes solo era alguien que Eli
esta testando por decirlo de alguna manera. ¿Hakan fue el anterior
Oskar? Posiblemente. Cuando una historia tan sencilla se torna tan
intensa, interesante y llena de escenas que ya son míticas como son las
de Hakan 'cazando', Oskar revolviéndose contra uno de los
matones, Eli subiendo a ver a Hakan en el hospital, la de la piscina o
la del tren, esta termina convirtiéndose en película de culto
irremediablemente.- FIN PSEUDO SPOILERS. Y ante eso estamos, un must see por excelencia, sin
peros. Una de las mejores películas de terror de la última década.
3 - Les Diaboliques - Henri Georges Clouzot - Francia 9/10
Ne soyez pas DIABOLIQUES! Ne detruisez pas l´intérêt que pourraient prendre vos amis à ce film. Ne leur racontez pas ce que vous avez vu. Merci pour eux. (¡No sean diabólicos! No destruyan el interés que puedan sentir sus amigos por esta película. No les cuenten lo que han visto. Gracias en su nombre.)
Con este texto finaliza 'Les diaboliques', mi TOP 3. 'Celle qui n'était plus', la novela en la que esta basada esta película fue escrita por los novelistas Pierre Boileau y Thomas Narcejac, autores más tarde de otro gran título, 'D'entre les morts', adaptada al cine en 1958 por Hitchcok con el sobrenombre de 'Vertigo'; en 1960 ayudaron a Georges Franju en la adaptación cinematográfica de 'Les yeux sans visage' (que también encontraréis en este TOP). Co-escrita (con Jerome Geronimi, Rene Masson y Frederic Grendel), dirigida, producida y estrenada por el talentoso Henri Georges Clouzot en 1955, autor entre otras magnificas películas de 'Le salaire de la peur', 'Quai des Orfèvres' o 'Le Corbeau', 'Les diaboliques' supuso otra muesca más en la carrera del brillante director francés. En un colegio internado alejado de Paris junto a decenas de niños conviven, el director Michel Delassalle (Paul Meurisse), su mujer Christina (Véra Clouzot), los profesores Nicole Horner (Simone Signoret), Drain (Pierre Larquey), Raymond (Michel Serrault) y el personal de servicio. Todos allí conocen el triangulo amoroso que forman el director, su mujer y la profesora Nicole, una rubia de lengua cortante. Y cuando digo todos, es todos, hasta los niños. Este triángulo que desde el inicio ya conocemos, tanto nosotros como el resto de personajes, es el primer aviso del director para que estemos muy atentos a cada escena y no perdamos detalle. El director, el machista y autoritario Michel, hace y deshace a su antojo tanto con su mujer, su amante, los empleados y hasta la propia institución infantil, la cual regenta con mano dura descarada. Mujer y amante, hartas ambas de sus continuos desprecios buscaran la forma de acabar con la situación a cualquier precio. Algunos datos curiosos proporcionan un valor añadido a esta cinta como que la productora asociada (Filmsonor era la principal) es Vera Films, llamada así en honor a su mujer Vera Clouzot
que interpreta el papel de Christina Delassalle. Lo todavía mas
curioso, extraño y que forma parte de la leyenda que acompaña la
película es que al igual que Christina, su personaje, Vera Clouzot también sufría del corazón y murió fruto de un ataque tan solo 5 años después del estreno de 'Les diaboliques'. Otro detalle menos escabroso es que este fue el film que ayudó a Hitchcock (quien llego tarde a la compra de los derechos para rodar 'Les diaboliques') a adaptar finalmente la novela de Robert Bloch, 'Psycho'.
Además, el escritor confesó en una entrevista que el film francés era
su película de terror favorita. Estamos ante un perfecto thriller
psicológico, una maravilla de principio a fin. Clouzot va
mezclando todas las piezas compuestas por los personajes, los carácteres
tan exquisitamente perfilados y lugares u objetos clave (colegio, apartamento, piscina, tintorería, baúl, mechero, figura porcelana, llave con forma de estrella) aumentado el suspense hasta un final apoteósico que ya es parte de la historia del cine.
Nunca más volverás a ver una piscina de la misma manera después de visionar 'Les diaboliques'. Ni tan siquiera una bañera. Posee tantos momentos brillantes que si la primera vez que se ve se disfruta más por no conocer el giro final, en posteriores ocasiones uno saborea toda esa esencia de Clouzot, entendiendo el porqué de muchos de los planos con los que el realizador francés intentaba decirnos más cosas de las mostradas a simple vista (esos planos de mujer y amante separados por un árbol o una columna, la inocencia y la maldad, el bien y el mal (?)). La fotografía del habitual de Clouzot, el veterano con mas de 200 películas Armand Thirard, es otro de los aciertos de este thriller aportando un enfoque casi victoriano a ese internado ya desde el arranque mostrándonos en contrapicado su nombre grabado en la valla metálica. Su banda sonora solo aparece en los títulos de crédito iniciales y finales, firmada por Georges Van Parys y compuesta principalmente por violines, pianos y unos diabólicos coros de voces infantiles casi al final donde aparece el siguiente texto: 'Une peinture est toujours assez morale quand elle est tragique et qu´ele donne l´horreur des choses qu´elle retrace - Barbey D´Aurevilly' (Una pintura siempre es lo suficientemente moral cuando es trágica y refleja el horror de las cosas que describe). Thriller psicológico con unas pinceladas dramáticas, pues obviamente las tiene como son esa mujer inocente, católica, enferma y ninguneada por su propio marido quién la ama sólo por su dinero y es capaz de flirtear con su amante delante de ella, la propia amante maltratada fisicamente, la pobreza patente en la gestión del internado con un director rácano y violento (cuando manda a Drain callar a los niños lo levanta del brazo y lo obliga literalmente o el mismo Drain suplicando por un vaso de vino) que no se ocupa de los deberes que un cargo así exige. Pinceladas dramáticas porque aquí lo que premia no es el drama sino el ir sumando factores para el shock final. El guión es ágil, sin profundizar en el drama y sin engaños consigue mantener el interés hasta su tensionado final. Película que serviría de pauta para muchos otros directores en el futuro y al que su aire hitchcockiano y su particular natural fotografía en blanco y negro no conducían a crear una atmósfera oscura y oprimente sino mas bien un clima de suspense y tensión palpable en cada escena. Solo me queda remarcar las actuaciones en las que ninguna destaca más que otra siendo todas de gran talante. Clásico imperecedero de potente dirección y puesta en escena. Thriller impecable, de principio a fin.
2 - The Innocents - Jack Clayton - Reino Unido 9/10
Estrenada en 1961 y dirigida por Jack Clayton se trata de una adaptación de la novela escrita por Henry James en 1898, 'The Turn of the Screw'. Una historia gótica de fantasmas mezclada con un potentísimo drama psicológico donde guión, interpretaciones, fotografía y música se unen junto a un nítido blanco y negro de altísima calidad para ofrecernos como resultado una de las mejores películas de terror europeas de toda la historia. A principios de los 60 el tema casas encantadas despuntaba ya como la nueva gallina de los huevos de oro con grandes éxitos como 'House on haunted hill' o '13 ghosts' y dos años mas tarde con 'The Innocents' llegaría otro clásico británico de idéntica temática, la brillante 'The Haunting' de Robert Wise. Su argumento os sonará mucho ya que es el paciente 0 en cuanto a casas encantadas se refiere: Miss Giddens (Debora Kerr) es una recatada institutriz que acepta el trabajo de cuidar a dos hermanos Flora y Miles (Pamela Franklin y Martin Stephens) en una mansión victoriana apartada en las montañas mientras su único tutor, su tío (Michael Redgrave), se ocupa de unos asuntos en la gran ciudad. En la mansión conoce a la encantadora ama de llaves Mr.Grose (Megs Jenkins), que le ayuda a instalarse y a conocer a los niños. A los pocos días Miss Giddens empieza a observar comportamientos extraños en los pequeños y a sufrir alucinaciones en las que ve a la antigua institutriz muerta un año antes. Lo mejor que se puede decir sobre 'The Innocents' es que a pesar de haber servido de inspiración para otras películas como 'The Changeling' o 'The Others' incluso la propia 'The haunting' es que, a día de hoy sigue la mejor de todas ellas. ¿Historia de fantasmas con trasfondo dramático o al revés? Es una película tan ambigua y con un final tan instigador que soporta segundos y terceros visionados en los que encontrar nuevos detalles y formas de entender su final. Que aún pasando más de 50 años conserve su esencia no es algo casual.
Hay una unión de factores, en este caso personas, que hacen de ella una
joya muy admirable. Seguramente el factor mas importante de estos sea la
adaptación del guión por el mismísimo Truman Capote, sinónimo de calidad. La puesta en escena y la impecable fotografía en un pulido blanco y negro de Freddie Francis ('The elephant man','The Straight Story') son algo maravillosas, inolvidables me atrevería a decir. Francis saca todo el partido a una espléndida Debora Kerr,
y como esta lo da todo, fijaos en sus ojos cuando habla con Miles, el
movimiento de sus pupilas vibrantes, está totalmente metida en su papel,
es algo bárbaro. Y si ella esta perfecta, los niños... los niños son
algo extraordinario, para llevarlos al mismo colegio que Damien vaya. Si
Pamela Franklin como Flora está brillante lo de Martin Stephens como Miles es algo que bordea la perfección, impresionante el registro de este niño que venía de rodar 'Village of the damned' y ya tenia experiencia en poner esas miradas que le dedica a Miss Giddens, esos aires de superioridad.
Debora Kerr está magnifica pero Martin Stephens hizo el papel de su vida. Cuando uno decide ver 'The Innocents' sabe, mas o menos a los 2 minutos, que está a punto de ver una muy buena película. Fondo negro, suena una melodiosa canción infantil durante unos 45 segundos en los que solo vemos el fondo oscuro, tras este, aparecen las manos de Debora Kerr a la izquierda junto a los primeros títulos de crédito que van unidos al sonido de unos pájaros, brillante. Sólo los títulos de crédito ya nos avisan que no estamos ante un producto cualquiera, que no se ha hecho deprisa y corriendo, que esta cocinado a fuego lento, donde cada escena contiene más de lo que muestra, que podemos divagar sobre los diálogos que sus personajes interpretan, que vamos a tener que leer entre lineas durante muchas ocasiones. La canción en cuestión es 'O Willow Wally' y da un mal rollo espeluznante cada vez que Flora la tararea. El film de Clayton lleva al espectador a dictaminar tras su final la opción que más sienta acertada sin dejar de pensar en que la no elegida, la que consideramos imposible o absurda también exista. INICIO PSEUDOSPOILERS - ¿Son reales las visiones de Miss Giddens o por el contrario somos embaucados por su histrionismo y excitación? ¿Está Miss Gidens siendo invadida por un cúmulo de sentimientos y sensaciones que en su vida anterior donde era tan inocente y puritana no conocía? ¿Qué hay oculto en ese beso de buenas noches a Miles? Como veis, es un film al que se le puede sacar una buenísima tertulia cinéfila, sus diversas interpretaciones partiendo siempre que lo que vemos es lo que la propia Miss Giddens ve ya que es su punto de vista lo que siempre se nos muestra dejan abiertos varios caminos. ¿Creemos a la nueva institutriz? ¿Creemos a los niños? ¿Se aprovechan los niños de la mente paranoide de Giddens o es Giddens quien manipula y se hace con el control tanto de los niños como de la mansión? ¿Flora termina desquiciada y Miles muerto o la pequeña finge al ver que alguien más ve esos fantasmas y Miles simplemente se desmaya?- FIN PSEUDOSPOILERS. Sea como fuere este TOP 2 del ránking es un clásico del terror psicológico europeo que nadie puede dejar pasar.
1 - Nosferatu - F.W. Murnau - Alemania 9/10
Schreck en alemán significa ‘terror’. Schreck es el apellido del actor que dio vida al más famoso vampiro europeo de la historia del cine. Como no podía ser de otra manera, 'Nosferatu' de Murnau, es la elegida para ocupar el primer puesto del TOP. Esta grandiosa película muda alemana está basada en la novela escrita por Bram Stoker en 1897, 'Dracula'. La misma en la que se basó Coppola para su versión de 1992. ¿Porqué llamarlo Nosferatu y no Dracula? Murnau quiso adaptar la novela de Stoker pero el estudio para el que trabajaba no consiguió hacerse con los derechos de la obra con lo que el realizador alemán decidió rodar su propia versión. La muerte le llegó a Stoker 10 años antes de que Murnau dirigiera su 'Nosferatu' y fue la viuda del escritor quien denuncio la película por infracción de los derechos de autor. Florence Balcombe (ex-mujer de Oscar Wilde) ganó el juicio y se empezaron a destruir todas las copias existentes de la película pero esta había llegado ya a tantas partes del mundo que fue imposible acabar con todas. Con el tiempo y la muerte de Florence, la gran mayoría de copias que permanecieron escondidas salieron a la luz. Esa es la razón de que hoy podamos disfrutar de esta versión del personaje de Dracula que Murnau trasladó a esa nueva creciente corriente artística llamada, cine. También es la razón por la que existen diferentes montajes o ediciones de la misma las encontradas en Inglaterra, Francia o Alemania. La más completa fue la emitida en el festival de cine de Berlin en 1984. Estamos en la ciudad de Wisborg durante el año 1838. Hutter y Ellen (Gustav von Wangenheim y Greta Schroeder) son un matrimonio bien avenido que vive tranquilo hasta que un día, el jefe de Hutter, Knock (Alexander Granach) decide enviarlo a Transylvania para cerrar la venta de una casa con el conde Orlok (Max Schreck). De camino para en una posada donde tras comentar que se dirige a ver al conde todos los presentes le aconsejan aterrorizados que no lo haga. Al llegar al castillo y después de cenar junto a Orlok se acuesta y pasa la noche allí. Al despertar se dará cuenta que tiene dos pequeñas heridas en el cuello. El conde Orlok firma los papeles para la adquisición de la casa y su llegada a Wisborg conllevará terribles consecuencias. Noventa minutos de puro arte alemán, de puro Murnau. Décima película del realizador bávaro que no solo adapto maravillosa y libremente la novela de Stoker sino
que supo insuflar a su nueva versión un aire tan o mas aterrador que el
que el novelista imprimió a su Dracula. De hecho y a lo largo de la
historia el personaje de Dracula ha sufrido, y digo bien lo de sufrido,
todo tipo de versiones y variaciones mientras que Nosferatu ha sido
tratado con mucha delicadeza por todos aquellos directores que se han
atrevido a inmiscuirse en su camino. Este film es ya un documento
histórico, un clásico que todos, absolutamente todos, deberíamos ver una
vez cada cierto tiempo para que no olvidemos como fueron los inicios
del cine. La interpretación de Max Schreck como Nosferatu es
brillante, talmente parece un maldito vampiro, ¡por el amor de Dios! Han
pasado más de 90 años desde esta película y su pose tétrica, su cara
decrépita, sus uñas y su mirada perversa siguen siendo tan potentes como
el primer día.
La iluminación y la fotografía son el actor que le hace sombra y nunca mejor dicho, al propio Schreck, pues destilan una innovadora inteligencia capaz de transmitir sensaciones realmente aterradoras. El encargado de ese toque artístico es Fritz Arno Wagner, un genio que trabajó habitualmente con Murnau, Georg Wilhelm Pabst y Fritz Lang. La banda sonora quizás sea su parte más endeble pues no está a la altura en ningún momento debido principalmente a los sonidos extraños de los que se compone. No es la historia, son sus imágenes, su increíble y arrolladora inteligencia para el año en que se rodó, no se trata de vampiros, se trata de la liberación de un alma encerrada, de cómo hasta la más aterradora de las criaturas puede desear algo que no ha podido ver nunca. 'Nosferatu' es arte, una sucesión de imágenes sugerentes e innovadoras. Un número uno sin duda alguna. Si el mito de 'Nosferatu' os atrapa no dejéis de ver 'The shadow of the vampire', cinta británica donde se relata de un modo ficcionado como fue el rodaje de la película con Murnau interpretado por John Malkovich y William Dafoe dando vida a Max Schreck.
7 - Das Kabinett des Dr. Caligari - Robert Wiene - Alemania 7/10
Antes que Nosferatu, Dracula o Frankenstein existió Cesare. 'Das Kabinett des Dr. Caligari' abre el telón mostrándonos a un preocupado Francis (Feher) conversando con un amigo al que relata unos hechos que vivió no hace mucho. A modo de flashback durante todo el metraje practicamente Francis nos cuenta la llegada de una feria ambulante a Holstenwall, un pequeño pueblo al noroeste de Alemania. Uno de los feriantes, el extravagante doctor Caligari (Werner Krauss), presenta a su máxima estrella, Cesare (Conrad Veidt), un sonámbulo que lleva 25 años en hipnosis y es capaz de predecir el futuro. Extrañas y misteriosas muertes se sucederán en los días siguientes a la llegada de la feria. La obra cumbre del expresionismo cinematográfico la dirigió el checo Robert Wiene en 1920, dos años antes que 'Nosferatu' de F.W. Murnau. En principio, iba a ser otro gran director como Fritz Lang el encargado de dirigir el film pero este se encontraba rodando la segunda parte de 'Die Spinnen'. El guión corre a cargo del también checo Hans Janowitz ('The Janus Head', 'Marizza, genannt die Schmuggler-Madonna') y el austriaco Carl Mayer ('Der Letzte Mann', 'Sunrise') basándose en historias personales de ambos. Os aconsejo que indaguéis, sobretodo en el aporte de la historia personal de Janowitwz al guión. El mítico nombre del doctor viene dado por un libro escrito por Stendhal, 'Cartas desconocidas', donde el escritor relata un encuentro que tuvo con un oficial en la Scala de Milán llamado Caligari. El pintor e ilustrador Alfred Kubin iba a ser el diseñador de los decorados por petición de Janowitz, el guionista, pero fueron los pintores expresionistas Walter Reinmann, Walter Röhrig y Hermann Warm
quienes crearon finalmente esos fondos pintados en telas llenos de
formas geométricas, esas calles retorcidas, sillas enormes en diminutos
espacios, ventanas con marcos puntiagudos y un sinfín de ambientes
totalmente opresivos y oscuros que la fotografía e iluminación de Willy Hameister ('Hintertreppe ', 'Genuine') supo plasmar a la perfección en cada escena y cada plano de la película. En cuanto a su banda sonora, fue creada por Giuseppe Becce ('Der Letzte Mann', 'Das blaue Licht'),
pero no existe ninguna versión con la partitura original del compositor
italiano ya que esta está totalmente perdida. En las futuras
restauraciones que la obra de Robert Wiene sufrió el acompañamiento musical fue totalmente reescrito usando algunos trazos de otras composiciones de Becce para el cine mudo por autores como Lothar Prox en 1985, Richard Marriott en 1987, Rainer Viertelboeck en 1993, Timothy Brock en 1996 (aquí además se añadieron filtros de color dependiendo de la localización de la escena) y la ultima en 2014 por el neoyorquino John Zorn
durante el Festival de Berlin. También pululan por cierta red social de
vídeos una decena de versiones con imaginativas bandas sonoras, algunas
muy logradas e incluso existe una en la que canta David Bowie.
Una gran película de poco mas de una hora llena de detalles a los que prestar atención, varios símiles políticos e ideologicos puede salir de ella después de verla. Han pasado mas de 90 años y sigue siendo un claro referente del cine de terror donde además de teorías políticas o posicionamientos ideólogicos se disfruta del expresionismo alemán mas exaltado y por si esto no fuera suficiente contiene una narrativa brillante y caótica en los pocos textos que se nos muestran capaz de hacer que el espectador no solo que no se pierda en sus escasos diálogos sino que termine sorprendido con ese giro final, esa vuelta de tuerca que ha servido de inspiración a tantos y tantos directores. La unión de tantos buenos artistas trabajando a la vez crea una atmósfera y ambientación únicas, incluidos los actores con sus portentosos maquillajes y exageradas interpretaciones, rodeados de formas cubistas, gótica y altisimas puertas oblicuas que comprimen todos los recovecos de la puesta en escena donde nada se escapo al ojo de su director que supo captar siempre la atención del espectador hacia donde quiso. El uso del iris junto a esos fundidos a negro trasladan de manera impresionante a saborear esa angustia, ese miedo tan inquietante que por ejemplo infunde la escena en que Cesare abre los ojos, ese instante que parece no tener fin o la fuga del mismo por las callejuelas estrechas de Holstenwall tras el intento de rapto de Jane (Lil Dagover). Gran obra que influyo en otros magníficos directores como Hitchcock, David Lynch o Tim Burton, sobretodo en este ultimo, 'Edward Scissorhands' con Depp idéntico a Cesare, los decorados geométricos de 'Bettlejuice' o el Penguin que intepretó DeVito en 'Batman Returns'. Al igual que al 'Nosferatu' de Murnau, a 'Das Kabinett des Dr. Caligari' se la puede considerar También o mas que a esta, un documento histórico filmado por un director adelantado a su época capaz de añadir un extenso flashback y un giro final a su obra en busca de la sorpresa del espectador y a su vez llenar de mensajes entre lineas toda su obra. Algo que esta muy valorado a día de hoy y que Robert Wiene hizo hace casi 100 años. El cine sigue en pañales.
6 - ¿Quién puede matar a un niño? - Narciso Ibáñez Serrador - España 8/10
Posiblemente y limando algunos pequeños errores esta sea la mejor película española de terror que se haya realizado. 'El juego de los niños' fue una novela que Juan José Plans publicó en 1976 y que el eterno Chicho Ibañez Serrador adaptó para el cine ese mismo año. En pleno verano, un matrimonio de turistas extranjeros (no se deja claro su nacionalidad, aunque tienen una pinta de ingleses que tira para atrás) deciden pasar unos días a modo de luna de miel en la costa levantina, en Benavis. Su búsqueda de paz y tranquilidad los llevara a conocer la existencia de una pequeña isla a unos kilómetros de la costa, Almanzora. Una vez allí Tom (Lewis Fiander) y Evelyn (Prunella Ransome) comprobarán que la pequeña isla esconde un gran secreto. '¿Quién puede matar a un niño?' fue el titulo que finalmente Chicho le adjudicó creando así la duda en el espectador sin ni siquiera haber visto el film. ¿Seríamos capaces de matar a un niño? Este es el primer golpe que el realizador español daba con su película, el segundo sería el prólogo de la misma. Usando imágenes de archivo observamos el trato que se ha dado a los niños a lo largo de la historia, especialmente en aquellos que habitaban en zonas de guerra. Al igual que cuando un matrimonio con hijos se separa o divorcia, los niños son los que mayormente suelen pagar los platos rotos como se comenta en el film. En las guerras también hay dos bandos, incluso más, como sucede en los matrimonios, y los niños, tanto en la guerra, como en la separaciones conyugales y en general en la vida, siempre son los grandes damnificados. El uso de niños en películas de terror casi siempre ha llevado a estas al éxito, 'The Innocents', 'Village of the damned', 'The Omen', 'Poltergeist'. En '¿Quién puede matar a un niño?' Ibañez Serrador no esconde nada en la oscuridad, ni tras una cortina, el terror infantil inducido por esa masa de críos que pueblan Almanzora se muestra bajo el sol mas abrasador y sus blanquecinas casas veraniegas. La ambientación es magnífica: no todas las producciones de terror han de
ser oscuras, góticas o infestadas de sangre. Para infundir miedo en el
publico también puede crearse un clima malsano o viciado, con el
silencio de una isla y de unos niños que tan sólo te miran y sonríen en
silencio, un puñado de infantes que parecen versiones diabólicas de Tito
y Piraña, con sus pantalones cortos ceñidos de época, sus sombras
reflejadas en las paredes de las casas de cal donde el sol acelera cada
decisión que se toma debido a la angustia y la incredulidad ante las
reacciones de los pequeños. Chicho creó un mundo aterrador a
plena luz del día, sin posesiones, sin visiones, sin zombies, sin
Draculas ni sucedáneos, sin casi ninguno de los estereotipos más usados
para provocar terror, y eso amigos, es algo que a día de hoy es casi
imposible encontrar. A destacar y mucho la banda sonora del compositor
habitual de Chicho, Waldo de los Rios, un argentino
afincado en España que impulsa todos los momentos de clímax propuestos
por el director español a lo largo de las casi dos horas de duración. El
tema principal basado en una canción de cuna y sus variaciones durante
la película forman un conjunto de sinfonías perfecto. Un estupendo
thriller de terror al que perdonándole algunos fallos de guión y al que
limando un poco las decisiones de sus personajes conforme se acerca el
final se le podría considerar el mejor thriller psicológico que ha
parido este país en toda su historia.
5 - Les Yeux Sans Visage - Georges Franju - Francia 8/10
Hammer fue la principal productora de cine de terror británico durante los años 50 llevando a los monstruos clásicos a la gran pantalla. Precisamente debido a ese gran éxito llegaron films como 'The Innocents' en un intento por desmarcarse del terror clásico hacia el psicológico contando para ello con un gran presupuesto. El cine de terror moderno no llegó a Francia hasta que el productor Jules Borkon decidió aventurarse en dicho mercado otorgando al director Georges Franju , la realización de 'Les Yeux Sans Visage'. Criado en el cine mudo junto a George Melies, Franju aceptó no sin ser antes advertido por Borkon en cuanto a la censura reinante en Europa, debía haber poca sangre, ningún animal podía sufrir daños y tampoco podía existir la figura del científico enajenado. Franju para semejante tarea se alió con los escritores Pierre Boileau y Thomas Narcejac, novelistas con trabajos que ya habían sido adaptados al cine con grandisimo éxito como 'Les Diaboliques' en 1955 de Clouzot y 'Vertigo' en 1958 de Hitchcock. 'Les Yeux Sans Visage' es una adaptación de la novela popular escrita por Jean Redon, seudónimo de Frédéric Dard, para una serie de publicaciones de la editorial Fleuve Noir en marzo de 1959, concretamente la número 56 de la colección 'Angoisse'. Definitivamente, 1960 es uno de los años mas prolíficos para el thriller donde se llegaron a estrenar junto a esta maravillosa 'Les Yeux Sans Visage' otras obras de culto como la americana 'Psicosis' de Hitchcock y la británica 'Peeping Tom' de Michael Powell. Gran año para el cine. 88 minutos para contarnos la historia del doctor Génessier (Pierre Brasseur),
un cirujano parisino de mediana edad, serio y profesional que trabaja
en una distinguida clínica de la capital francesa. Mientras, su fría y
manipuladora ayudante Louise (Alida Valli), se dedica a raptar chicas con aspecto similar a Christiane (Edith Scob),
la hija del doctor, que vive recluida en la habitación mas alta de la
mansión, Christiane tiene el rostro cubierto por una mascara debido a un
accidente de trafico que le desfiguró la cara por completo y del que
acusa directamente a su padre, quién no sólo acepta la culpa sino que
intenta redimirse tratando de devolverle un aspecto normal. A ratos
bellamente pausada, a ratos bellamente explícita y todo sin perder un
ápice de interés. Un terror generado a fuego lento y con pocos
personajes donde se sugiere mas que se nos cuenta. Algunos planos y
escenas son puro lirismo, puro arte, sobretodo en las que aparece
Christianne, al inicio en la cama de espaldas mientras conversa con su
padre al que odia por dejarla en ese estado y también por los métodos
que usa para intentar curarla o cuando vaga por la mansión tras esa
máscara tan inexpresiva. Edith Scob era una novata por aquel
entonces pero supo aprovechar al máximo las únicas dos ventanas por las
que podía transmitir al publico los deseos y sensaciones de Christiane. Pierre Brasseur
como el doctor Génessier ofrece un registro que invita a empatizar con
su personaje hasta lo mas profundo. Su semblante serio y su voz grave y
directa así como el trato con todos los otros personajes que nada saben
sobre lo que ocurre (el padre de la primera chica, los miembros del hospital, el niño enfermo)
nos confirma que no estamos ante un doctor desquiciado y psicótico, no
es un psicópata y mucho menos alguien que mata por placer. Su único
propósito es curar a su hija para así poder seguir viviendo sin ese
sentimiento de culpa que lo tiente totalmente frustrado y capaz de
concentrarse en nada más.
Una fábula paterno-familiar con alto contenido dramático y algunos momentos realmente escabrosos como la escena de la operación donde no sólo se nos detalla minuciosamente la misma sino que todo lo relacionado a esta y a sus resultados son tratados casi como un documental al uso. La operación es la pedrada en el coche del espectador un jueves por la noche de camino a casa. Ese momento en que uno abre los ojos para no perder detalle de lo que esta ocurriendo. Hay tanto en 88 minutos que desde luego su disfrute aumenta con cada visionado. La idea de poner el quirófano clandestino pasando la habitación que custodian las diferentes jaulas de perros con las que el doctor practica es brillante así como la de acompañar a Louise en sus batidas de caras con la música del veterano y triplemente oscarizado Maurice Jarre, un genio de las bandas sonoras como demuestran sus trabajos en películas tan conocidas como 'Lawrence de Arabia', 'The Longest Day', 'Jacob's Ladder', 'Top Secret', 'Ghost', 'A Passage to India', 'Doctor Zhivago' o 'The professionals'. Y al mando de la fotografía, otro monstruo, Eugen Schüfftan. Schüfftan inició su carrera con Fritz Lang, casi nada, y fue un habitual de directores como Robert Siodmak y Marcel Carné. Además, inventó una técnica con la que mediante espejos era capaz de miniaturizar cualquier personaje dentro de una película (usada en 'Metropolis' en 1927). 'Les Yeux Sans Visage' es toda una película de culto de la que han bebido muchas producciones. En 1961 fue la italiana 'Atom Age Vampire', en 1962 la española 'Gritos en la noche', en 1968 'Corruption' y en 1988 'Faceless' incluso si solo nos ceñimos al hecho de transplante de caras tenemos en 1997 'Face off' y 'Abre los ojos', sin olvidarnos claro, del referente más actual, la brillante producción de Pedro Almodóvar, 'La piel que habito' con una superlativa banda sonora de Alberto Iglesias.
Este film, considerado hoy en día una obra de culto, no fue tan valorado en el momento de su estreno. Basada en el mediometraje francés de obligado visionado, 'La Jetee', la historia que se nos cuenta nos lleva a un futuro apocalíptico y oscuro. Corre el año 2035 y la mayor parte de la población mundial ha sido extinguida por un virus mortal relegando a la raza humana a vivir en lugares y comunidades subterráneas cuales ratas de ciudad. Un prisionero, James Cole (Bruce Willis), se ofrecerá como voluntario para viajar al pasado, tomar una muestra del virus y regresar al futuro con ella para poder fabricar un antídoto. En el pasado conocerá a (Brad Pitt) Jeffrey Goines un enfermo mental que le ayudará a descubrir el secreto de 'el ejército de los 12 monos', un grupo radical relacionado directamente con el virus mortal. Pitt fue nominado al Oscar como mejor actor secundario por este papel. Roger Pratt (encargado de la fotografía y frecuente colaborador de Gilliam) ayuda muy mucho a crear ese ambiente lúgubre y desértico de un futuro oscuro y apocalíptico y convierte a '12 Monkeys', junto todo lo contado, en una película altamente recomendable para todos los fans de la ciencia-ficción, un 'must see' en toda regla.
Su primera parte nos llego en pleno apogeo del cine ochentero y cuando su director, Robert Zemeckis, empezaba a despuntar en Hollywood tras la buena acogida en la taquilla de 'Romancing the Stone ('Tras el corazón verde')'. 'Back to the Future' es sin duda el clásico sobre viajes en el tiempo mejor valorado de los años 80. Zemeckis fue el principal impulsor de la carrera de Michael J. Fox (que venía de cosechar gran éxito con la serie Family Ties y la película Teen Wolf) al darle el papel protagónico de Marty McFly: 'Back to the Future' fue para él el inicio de una larguísima carrera en los años 80 acaparando más de la mitad de las comedias que se realizaron en USA. Fue el récord de taquilla en 1985, y su banda sonora pasó a la historia del cine al igual que lo hicieron la película y su creador Alan Silvestri, cuya pegadiza melodía le sirvió para fraguarse una fama a tono con su calidad como compositor. Su última gran aportación, la banda sonora de 'The Avengers', un ejemplo más de su talento. El argumento es conocido por todos y abarca lugares tan pintorescos como el lejano oeste, los años 60 o futuros alternativos a cada cual más imaginativo, todos llenos de detalles que son ya parte de la historia del cine. El Delorean, el condensador de fluzo, el aerodeslizador, el almanaque deportivo, los camareros robots, el microondas turbo, el chubasquero de Doc o el calzado de Marty son símbolos de esta gran saga imperecedera y que siempre apetece revisar de vez en cuando. Mi favorita es la segunda entrega.
Relegada a su estreno directo en formato doméstico al igual que otras películas de aquel año sufriendo el efecto del 11-S
antes de su estreno cine, 'Donnie Darko' no tardó en consagrarse como película de culto. Contiene
uno de los argumentos más sugerentes y sugestivos de la historia del
cine: Donnie (Jake Gyllenhaal), se despierta en mitad de la noche y es
conducido por una misteriosa voz hasta un campo de golf donde una
persona disfrazada como un terrorífico conejo le advierte que el fin
del mundo llegará en 28 días. Al regresar de nuevo a su casa, Donnie
descubre que la turbina de un avión se ha empotrado en su habitación. A
partir de ahí el film se convierte en un disfrute neuronal para el
espectador dónde las más descabelladas teorías surgen sin control
mientras se suceden escenas llenas de simbolismos y detalles. Tras
algunos trabajos nimios, Richard Kelly, su director, saltó a la palestra
de interesantes directores a seguir tras su gran trabajo al frente de
'Donnie Darko' pero quizás se espero demasiado...tanto que, su carrera
tras este gran éxito, lleva camino de quedarse en la nada. El siguiente
pelotazo -por llamarlo de alguna manera- del realizador americano fue en
2009 (8 años después) con la controvertida 'The Box', otro thriller de
ciencia-ficción que obtuvo criticas muy dispares entre espectadores y críticos y
que acabó por confirmar que 'Donnie Darko' fue una bella flor en un páramo de
mediocridad. Quien sí empezó una exitosa carrera en el cine fue su
protagonista Jake Gyllenhaal, un joven de mirada perdida y una potencia actoral fuera de lo común.
Podríamos relegar 'Donnie Darko' fuera de este ranking porque no trata el
tema de los viajes en el tiempo de una manera tan directa ni tan
demostrativa o palpable como otras pero, en ella, se nos cita
constantemente el futuro de diferentes formas, los bucles temporales y
las visiones de un línea temporal adyacente a la del protagonista. Una
vez llegados al final...entenderemos el porqué definitivo de la
inclusión de 'Donnie Darko' en este top 10. Imprescindible. Única.
Uno de los grandes clásicos en cuanto a películas sobre viajes en el tiempo se refiere. Dirigida por el tristemente fallecido Harold Ramis, quien fuera el mítico cazafantasmas Egon Spengler y director también de la infravalorada saga 'Analyze this', 'Groundhog Day' es una comedia romántica donde Phil Connors (Bill Murray),
un periodista cascarrabias y gruñón es enviado a Punxstawnwey, un
pequeño pueblo de Pennsylvanya, para cubrir el famoso día de la marmota.
Una vez finalizado el trabajo, Phil y su equipo deciden volver a casa
cuando una tormenta les impide continuar y optan por volver a
Punxstawnwey para pasar la noche. Al despertar Phil deberá volver a
vivir el día de la marmota, una y otra vez. 'Groundhog Day' tiene
un guión tan original que desborda creatividad, y una dirección y un
montaje que ayudan al espectador a ser partícipe de lo que ve y a
empatizar con el personaje de Bill Murray constantemente. Una comedia clásica imperecedera al tiempo, una de esas joyas que no te cansas de ver jamás.
