EX MACHINA

Ex Machina - Alex Garland - Reino Unido

8/10

Comenzamos con las sorpresas de este año. 'Ex Machina' es una película de Reino Unido estrenada a principios del 2015, dirigida por Alex Garland, un británico conocido por ser el escritor de películas como '28 Days Later...' en 2002, 'Sunshine' en 2007, 'Never Let Me go' en 2010 y 'Dreed' en 2012, siendo además productor ejecutivo de la película del 2002 y la del 2010. Es por producciones así que notamos que este guonista está claramente interesado en películas de corte más apocalíptico, donde nos enseñan presentes y futuros no tan bonitos. Y bueno, siempre a través del lente de la ciencia ficción. Es por esto que al enterarnos de que Garland iba a dirigir por primera vez una película, que a propósito él mismo escribió, uno ya iba teniendo claro que probablemente no nos íbamos a encontrar en presencia de una comedia romántica. Y era claro, pues la ópera prima de este británico no podía ser nada menos que un thriller psicológico, sin dejar atrás el elemento de ciencia ficción, en el que logra que nos posicionemos nuevamente en el escenario de 'yo hombre, yo creo, yo destruyo' (sí, con Jurassic Park no bastaba). Pero decir sólo eso de la película es haber entendido nada. 'Ex Machina' te plantea tantas interrogantes y tantas aristas en una situación que, si se piensa bien, podría estar no tan alejada a nosotros temporalmente hablando. Es claro que la tecnología y el desarrollo de inteligencias artificiales no dan marcha atrás, y que si bien ahora estamos todos felices jugando con Siri, preguntándole estupideces, en algún momento quizás lleguemos a un punto en el que lo mismo que hemos creado nos supere. 'Ex Machina' nos muestra uno de esos posible escenarios.

Tenemos a Caleb, interpretado por Domhnall Gleeson, un joven programador que es elegido para ir de viaje a la casa del dueño de la compañía en la que trabaja, una compañía informática claramente, y trabajar directamente con él en un proyecto especial, en un proyecto secreto. Entonces ya, llega al lugar, y como sería la casa de cualquier científico loco pero ultra millonario, se encuentra con que es casi una fortaleza en medio del bosque a la que nadie está autorizado a entrar. Es más, a él lo va a dejar un helicóptero que sólo lo 'acerca' hasta cierto punto a este lugar -como para que se vayan haciendo la idea sobre lo que va viviendo nuestro pelirrojo programador-. Al llegar a este establecimiento, se encuentra con Nathan, el dueño de la compañía. Interpretado por Oscar Isaac, el personaje resulta un tanto abrumador. Muchos elementos que procesar. Por un lado pareciese ser cercano, con un look de barba larga, ropa deportiva, tomando cerveza, como si quisiera hacer sentir a Caleb cómodo, pero al mismo tiempo va quedando claro que no es tan así. Con una mirada de 'te estoy estudiando', y con todas las reglas sobre el lugar y sobre el proyecto, uno entiende que no te está contando todo. Las cosas que dice suenan lógicas, pero es claro que hay algo más allá de todo eso. Hay algo que hace que ni el protagonista ni el espectador confíen plenamente en él, lo que luego se hace más evidente al conocer el proyecto del que tanto se ha hablado. Resulta que Nathan desarrolló una máquina, un robot con aspecto de mujer, al que llaman Eva (interpretada por la hermosa Alicia Vikander), que posiblemente corresponda a un hito en lo que es la inteligencia artificial. Esa es básicamente la trama del film.

 Hablemos de el casting de la película. Tenemos a dos actores jóvenes que despacito por las piedras se han ido abriendo paso en el mundo del cine, y que ya con sus últimas producciones han dado que hablar. Hablo del maravillosamente latino (como su escritora) Oscar Isaac y al tiernísimo irlandés, Domhnall Gleeson. A Oscar Isaac lo conocemos por películas espectaculares como 'Drive' de 2011, 'Inside Llewyn Davis' en 2013 y 'A Most Violent Year' el año pasado. Por otro lado, Domhnall Gleeson, al que ya nadie puede conocer sólo por ser el hijo de Brendan Gleeson, porque de todas formas ha demostrado saber valerse por sí mismo, se ha ganado nuestro corazón con su participación en películas como 'About Time' en 2013, 'Frank' en 2014 o su participación en 'Be Right Back', uno de los mejores capítulos de la serie 'Black Mirror'. Estos dos actores se lucen como nunca en esta película, pero el papel que se roba toda la atención y que hay que destacar sí o sí, es a nuestra robot, Alicia Vikander. Un papel impecable, siempre sobria, sólo jugando con las facciones de su cara. Esperamos que sea un salto mayor en su carrera. Probablemente escuchemos mucho de ella pronto, porque protagoniza junto con el maravilloso Eddie Redmayne, una de las cintas más esperadas por todos, 'The Danish Girl'. Así que definitivamente sabremos de ella en el corto plazo. Ahora bien, la película visualmente es hermosa. Es elegante. El mismo diseño del cuerpo de Eva es pulcro. Todo es claro, los paisajes del lugar, el mismo lugar, los laboratorios. Toda la ambientación logra que te sientas completamente aislado, y más que eso, observado. Hay tensión en el ambiente, hay misterio. La música en los momentos de tensión. Ese juego con los cortes de luz repentinos que hay. Sabes que hay algo que está ocurriendo detrás, pero tampoco está tan claro qué es. ¿Nos ponemos de lado de Nathan o nos ponemos de lado de Eva? ¿En quién debe confiar Caleb? Como dije, la película plantea el tema de si podemos jugar libremente a ser los dueños del mundo, y hacer y deshacer como se nos de la gana. Y no se queda sólo ahí, sino que también juega con elementos como el machismo, la lealtad, la empatía. En unos módicos 108 minutos de duración. Bueno, y todo esto ligado a todo el asunto del desarrollo desenfrenado de la tecnología.
 

Probablemente los últimos años hemos visto un resurgir del género de la ciencia ficción. O más que un resurgir, una democratización de ésta. Porque claro, existe dentro de la rama de la ciencia ficción todo un subgénero que responde al avance tecnológico (raro hubiese sido no tener un boom de películas con esta temática, si básicamente nuestra vida es un boom de ello), específicamente ligado a todo el tema cibernético, todo lo que es virtual, todo lo que es inteligencia artificial. Entonces vemos que ya no nos estamos limitando a criaturas extrañas o mundos externos, y a ese público característico que tan estereotipado se encuentra. Tampoco nos estamos limitando sólo a la acción o a películas tipo blockbuster. La ciencia ficción hoy en día se adapta a todo tipo de estilo y a todo tipo de público. Por ejemplo, tenemos la ciencia ficción ligada al romance con la película de 2009 'Her' de Spike Jonze, o incluso años atrás, con 'Eternal Sunshine of a Spotless Mind', películas tratadas con una delicadeza y poseedoras de un encanto especial, capaces de lograr que personas no muy interesadas en este género tan amplio como es el del sci-fi descubran un camino por el cual sí se pueden sentir cómodos. También tenemos en películas un poco más indie, acercamientos con 'I Origins' el año pasado o 'Another Earth' de 2011, suspense en películas como 'Coherence', y bueno, en un montón de películas más populares y conocidas, que para qué nombrar. Hablando ya de todo el avance tecnológico ligado a lo cibernético, es cosa de ver series como la polemica 'Black Mirror', o la tan famosa estos días, 'Mr. Robot'. Producciones que te muestran el lado oscuro de la tecnología. Te muestran lo limitado que está el ser humano con respecto al manejo de las mismas cosas que ha sido capaz de desarrollar, en comparación al alcance que podrían llegar a tener las cosas que desarrollamos. Claro, podemos vivir y abusar de la tecnología que nosotros creamos, podemos seguir viviendo en un sistema en el que todo es virtual, pero en algún momento eso nos va a pasar la cuenta. Y claro, más duro va a ser si más nos tapamos los ojos. Y de esto nos habla la película también. De hecho hay un intercambio entre Domhnall Gleeson y Oscar Isaac en el que hablan de estar jugando a ser Dios. Peligroso.

En fin, creo que 'Ex Machina' pega muy bien en toda esta avalancha de películas y series. Creo que es un acierto. Una película memorable, muy bien hecha, muy limpia. Acá con limpia me refiero a que no tiene partes basura, no sobran cosas. No te llenan de ruido o de tomas rápidas en las que te pierdes, o de diálogos extensos que hacen que tu interés se vaya a '¿cuánto le queda a la película?', no te llenan con explicaciones, o te muestran miles de elementos en cámara. No. Acá con lo mínimo hacen lo máximo, y por ello creo que es una película digna de ver. Sutil, limpia, elegante. Tensa.

INICIO SPOILERS: Nuestro inventor necesita ver qué tan lejos llegó con su programación, por lo que decide someterla al Test de Turing. El Test de Turing consiste en probar si una máquina puede demostrar un comportamiento inteligente, al punto en que sea imposible distinguirlo de un ser humano. El tema es que esta prueba necesita de dos elementos: la máquina en cuestión y un elemento humano. Es aquí donde entra Caleb. A través de encuentros con Eva, los cuales son monitoreados mediante cámaras por Nathan, Caleb comenzará a interactuar con ella, de modo que quede claro si están ante un invento que podría revolucionar para siempre el mundo de la tecnología o si todavía falta dar un paso más allá. El problema está en que luego de los primeros encuentros con Eva, que resulta ser encantadora y que logra generar sentimientos de empatía en Caleb (no sabemos si a propósito o no), junto con algunos sucesos extraños que ocurren en la casa y el comportamiento un tanto errático de Nathan, nuestro protagonista comienza a cuestionar el fondo del experimento. ¿Es correcto lo que están haciendo? ¿Si Eva realmente es un ser pensante, es ético mantenerla encerrada para experimentar con ella? ¿Qué es lo que Nathan planea hacer con Eva si resulta ser lo que él espera? ¿Y qué hará con ella si no pasa el test? :FIN SPOILERS

ICH SEH ICH SEH (GOODNIGHT MOMMY)

 Ich Seh, Ich Seh (Goodnight Mommy) - Severin Fiala y Veronika Franz - Austria

 9/10

Cuando se me confirmó la posibilidad de poder escribir en este blog estuve un tiempo pensando con que película podría estrenarme y pensé: '¿qué mejor que empezar con una crítica de alguna película de terror reciente?' Pues bien, justo unos días antes tuve la oportunidad de ver uno de esos filmes que con que tan sólo una persona hable bien de él, ya tienes un mínimo de curiosidad por saber, al menos, de qué trata, cuál es la premisa. De eso hace ya casi un año, cuando Sergio Morcillo, un buen amigo y gran cineasta, me habló sobre esta película, la cual había visto en la pasada edición del Festival de Sitges. Al día siguiente ya estaba empapándome de comentarios y críticas que había recibido esta gran cinta. Lamentablemente, no pude verla hasta hace poco más de una semana. Y sí, todo lo que dicen de ella es totalmente cierto. 'Goodnight Mommy' es una película de terror independiente dirigida por los austríacos Severin Fiala y Veronika Franz, que nos cuenta la historia de dos hermanos gemelos, Lukas y Elías, que viven solos con su madre, la cual está en plena recuperación debido a una operación de cirugía estética. Las cosas comienzan a ponerse feas cuando los niños empiezan a sospechar de que la mujer que vive con ellos no es su madre, sino otra persona intentando hacerse pasar por ella. Hay que decir que la cinta ha sido descrita como la mejor película de terror desde 'The Babadook' o 'It Follows', e incluso ha sido comparada con una obra maestra como lo es 'El Resplandor' de Stanley Kubrick. Aquí, las expectativas ya están por las nubes. ¿Mejor que 'The Babadook' e 'It Follows'? Para mi, sí. ¿Y tan buena como 'El Resplandor'? Ni hablar, pero no importa, porque tampoco pretende serlo. En mi opinión, 'Goodnight Mommy' es una mezcla entre la magistral 'Funny Games' de Michael Haneke, la coreana '2 Hermanas' de Kim Jee-woon y 'Anticristo' del siempre polémico Lars Von Trier. A partir de aquí, encontramos cosas muy interesantes. Lo primero que me llamó la atención fue que desde el principio me di cuenta de que no estaba ante una película de terror convencional. Al tener ese toque tan independiente y naturalista el espectador se siente atraído por ese aura de misterio que envuelve toda la película, desde que empieza hasta que acaba. Y es que el no saber por donde te puede salir una película es algo verdaderamente mágico, aunque realmente al final te das cuenta que es algo más simple que todo eso, lo cual le hace ganar puntos. Otra de las cosas que me gustó y disgustó al mismo tiempo es su parte onírica e incluso sobrenatural. Digo que me disgustó porque creo que se debería de haber aprovechado más ese punto, ya que hubiese incrementado más si cabe ese aura misterioso del que hablábamos antes. También se hubiera podido trabajar o elaborar mejor algunas de las situaciones que resultan algo típicas, pero que aún así mantienen la tensión de manera portentosa. La violencia presente en este filme está usada de una manera muy inteligente, siendo explícita cuando tiene que serlo y llegando a ser, en sus momentos de máximo esplendor, bastante perturbadora. Técnicamente es impecable, buena fotografía, planos interesantes y una banda sonora más que correcta. Mención especial para todo el reparto, los dos hermanos Lukas y Elías Schwarz que, casualmente (o no), se llaman igual que sus personajes y la ya experimentada actriz Susanne Wuest. Impecables. En definitiva, 'Goodnight Mommy' es una película mucho más que recomendable, sobretodo si tenéis ganas de ver algo diferente dentro del género y que se convierte, a su vez, en la mejor película de terror que he visto en este año 2015.

EL SOMBRERON

El Somberón - Guillermo Andreu, Eduardo Fleischman - Guatemala
5/10

Si hay una forma de advertir mediante el cine a los pequeños, y a los no tanto, sobre los peligros de ciertas acciones en la vida o en determinados momentos de la misma, esa es la formula del terror. No hagas esto, no hagas aquello, las drogas malas, no tengas sexo o...tenlo para sobrevivir, como en la reciente 'It follows'. Myers, Jason, Freddy son la primera división de este tipo de terror slasher con mensaje pero un peldaño mas abajo encontramos a uno que esta presente en casi todas las culturas de una manera o de otra, hablo del hombre del saco, de la llorona, de la vieja de la curva, de Boogeyman, de Babadook si me apuráis. El Sombrerón, formaría parte de este segundo grupo, un mito similar en influencia sobre su pueblo, con una manera de actuar parecida y que ha sobrevivido a lo largo de los años, generación tras generación. La prueba mas fehaciente de lo dicho es que esta leyenda guatemalteca también tiene un homónimo parecido en países vecinos como México o Colombia. Mientras que el de los mexicanos viste totalmente de blanco, toca una harmónica para recoger el ganado perdido y es descrito como una especie de Damián Alcázar en 'El infierno', espuelas de oro incluidas, el de los colombianos viaja en caballo acompañado por dos grandes perros negros y pasa por ser mas tranquilo y menos tétrico que los otros dos, apareciéndose solo sin ninguna intención de molestar o dañar a nadie salvo a los borrachos y jugadores a los que grita cuando ve solos: 'Si te agarro, te lo pongo!'. Del que habla la película es del Sombreron de Guatemala, un tipo bajo de estatura que viste de negro y cubre su cabeza con un inmenso sombrero también negro que impide se le vea la cara; viaja en una mula cargada de carbón, le gustan las mujeres de ojos grandes y pelo largo a las que acostumbra a hacer trenzas en su cabello para luego enloquecerlas y engatusarlas con palabras y serenatas hasta el punto que pierden la cabeza por el y no atienden a nada ni a nadie mas. Este hecho genero una corriente curiosa y es que a las muchachas jóvenes de buen aspecto se les corta el pelo para que no caigan en manos del Sombreron. Otra de las cosas que le gustan a este mito latino es la de hacer trenzas a los animales de cuadras y cabalgarlos durante toda la noche llevando a las bestias a la extenuación física, haciéndolas inservibles y reacias a trabajar para el campesino durante la mañana siguiente. Se dice que si una animal se comporta extraño a la hora de trabajar y en su crin se encuentra alguna trenza o coleta hecha, dicho animal queda inservible para ayudar al campesino de por vida. Cito el texto inicial que abre la película y que viene muy al caso: 'Todos los países están circundados por la aureola de sus leyendas, hechos reales o ficticios que se han trasmitido de generación en generación. Guatemala es rica en leyendas. De una de ellas, 'El Sombreron', ha salido el tema de esta película cuya trama lleva en si buena dosis de fantasía pero conservando el ambiente de la época en que se desarrolla en el siglo pasado y contado en la época presente'. 

Una vez hechas las presentaciones, toca hablar de la película guatemalteca, 'El Sombreron', dirigida en 1950 por Guillermo Andreu Corzo. Rodada en 16 mm blanco y negro, esta considerada la primera producción cinematográfica enteramente hecha en Guatemala ya que un año antes José Giaccardi estreno 'Cuatro vidas', una coproducción dramática entre México y Guatemala. Guillermo Andreu nació en 1900 y se formó en la radio siendo un pilar de esta en la historia guatemalteca durante muchos años, compositor, pianista y actor es el único que figura en los títulos de crédito como director y guionista. En muchas webs he leído que incluyen a Eduardo Fleischmann y Alberto Serra como directores, es cierto que participaron en la fotografía y el montaje de la misma pero según los créditos iniciales de esa pequeña introducción hecha por el equipo de restauración, no los originales que vienen después, ni Fleischmann ni Serra aparecen como directores. Producida por Guatemala Films, compañía propiedad de Andreu, Fleischmann y Serra, 'El Sombreron' esta basada principalmente en la obra de radio-teatro de mismo nombre escrita y patrocinada por el propio hermano de Guillermo, José Luis Andreu Corzo, y recoge también algunas escenas del Padre Miguel (en la película Padre Juan) pertenecientes al libro 'Han de estar y estarán...' escrito por Francisco Barnoya Gálvez. El reparto lo forman: Antonio Almorza Alpirez, Paco Pérez, Guillermo Andreu Corzo (si, el director), Sally Polantinos, Mario Mendoza Hidalgo (su hermana Olga también aparece en un papel menor), Julio Urruela Vazquez, Armando Moreno, German Bayer Santacoloma, Octavio Paiz, María Luisa Aragón, Virginia Aguirre, Luis Rivera, Carlos Talavera y Murga, María Teresa de Andreu y María Luisa Spillari de Andreu (hija y cuñada del director). Es difícil decir con exactitud a quien pertenece la banda sonora original pero en los créditos figura un tal Carlos Silva como encargado de los 'puentes musicales', seguramente se refiera a las melodías de transición entre escenas o por ejemplo en la que acompaña el arranque de la película. La banda sonora no original esta compuesta por temas muy típicos de la región de Guatemala interpretados por los grupos Trio Quetzal, Trio Melódico, Trio Los Latinos, Marimba Olimpia y la Orquesta Maya. A finales de 1988, principios de 1989, Fleischmann donó una copia original para su restauración mediante un intercambio académico, científico y cultural entre la Universidad Nacional Autónoma de México y la Universidad de San Carlos de Guatemala. El proceso que duraría mas de medio año finalizando en enero de 1990 fue realizado en los laboratorios de la filmoteca de la UNAM en México. El filme abre con una música melodiosa acompañando las imagenes de los bosques de Guatemala para presentarnos a Damian (Antonio Almorza) y un chico muy 'cantinflero' en sus gestos y tono de voz llamado Ciriaco (Paco Pérez), dos jornaleros que trabajan para Ramón (Guillermo Andreu), su patrón. Tras contarle la extraña desaparición de parte del ganado en los últimos días, Ramón recibe la visita del párroco Juan (Julio Urrela). Durante una amistosa comida entre ambos, el cura comienza a relatarle a Ramón un extraño hecho que le fue relatado por un desconocido hace mucho tiempo. Aquí entra el flashback dentro del flashback como recurso perfecto para relatar la historia, que es a posterior, lo que le da algo de vida a este film latino. 'El Sombreron' es una película clásica bastante bien hecha para ser del que país que proviene, Guatemala, una nación que espera con muchas ganas la aprobación de su ley del cine, la famosa 3728 que lleva desde hace unos años en espera. Una cosa no quita la otra, quiero decir, que sea un país sin ley del cine y una producción mínima de películas anuales no quiere decir que no haya calidad como se puede comprobar en la recientemente estrenada 'Ixcanul', galardonada con el premio Alfred Bauer en el Festival de cine de Berlin.

La película de Andreu Corzo peca de ser un envoltorio demasiado atrayente para lo que luego uno se encuentra, no es un cuento de terror al estilo 'El ladrón de cadaveres' o 'Dr Jekyll & Mr Hyde', es mas bien un acercamiento realista a la creación del mito del Sombreron, un intento de mostrar las características que definían la leyenda del enano con la guitarra lo mas natural posible. La dirección es bastante simple y se notan las carencias del que era hasta ese momento compositor y locutor mas que nada, se aprecia un intento de mezclar la cultura, costumbres e idiosincrasia del pueblo guatemalteco con un personaje místico y misterioso. Su arranque es bastante pausado y la primera media hora hasta que la historia llega a los dominios del padre Juan es pura paja, bonita y entretenida si, pero pura paja. Contada mediante un extenso flashback y un final interesante que forma en si toda esa aura mística y de terror o de fantasmas, la cinta pasa ante los ojos de una manera curiosa en casi todas las escenas salvo claro...las canciones, los bailes. Hay rancheras, serenatas, bailes de pueblo...demasiada musica que realmente no aporta nada y hablo de canciones completas de mas de 5 minutos. Esto interrumpe muchisimo el ritmo de la película que una vez se mete en ese gran flashback cobra el interés máximo y esperado en todo su desarrollo, con unos actores que hacen buenamente lo que pueden y con un guión que mueve bien las fichas para dar el desenlace mas redondo posible. 'El Sombreron' pasa por ser mas un documento histórico que puede ser visto y examinado por la gran comunidad cinéfila, contiene grandes detalles y el uso del flashback del mismo modo que en 'Des Kabinett Des Dr. Kaligari' le da un toque original y diferente, realmente se parece mucho al clásico de Wiene. Andreu, Fleischmann y Serra plasmaron una ficción sin apenas conocimientos y eso hay que valorarlo, hay una gran intención de acercar ese cine comercial al publico guatemalteco apoyado en la introducción de elementos y costumbres del pueblo de Guatemala. Para mas inri y por si no fuera suficiente ser la primera película rodada en la historia del país también existe un hecho trágico que esta solapado a ella casi desde su estreno. El 27 de octubre 1951, un año después del estreno de la película morían en un accidente aéreo a su regreso de un concierto entre otros artistas 3 protagonistas de la película, Paco Pérez (Ciriaco), Luis Rivera (Santiago) y Germán Bayer Santacoloma (Chema). Lilly Andreu Spillari, sobrina del director, también perdió la vida en dicha tragedia. Antonio Almorza, Chema en la película, sobrevivió. Desde 1981, el 27 de octubre de cada año se celebra el Día del Artista Nacional en Guatemala, conmemorando a los caídos y la creatividad, talento y dotes artísticas de la nación.

KAZE TACHINU (THE WIND RISES)

Kaze tachinu (The Wind Rises) - Hayao Miyazaki - Japon 

7.5/10

El genio Hayao Miyazaki dice adiós. Con la esplendida  'Kaze tachinu (The Wind Rises)', el artista japonés da por terminada su carrera como director.  Miyazaki abandona la sala por la puerta grande entre vítores y gritos. camina despacio, marcando cada paso, con la cabeza alta, se detiene en la puerta, se gira y nos regala esa sonrisa bajo sus gafas. Nos saluda levantando levemente su sombrero blanco y desaparece fundiéndose con la luz. El anuncio de la retirada en la dirección de Hayao Miyazaki el 1 de septiembre de 2013 llegaba mediante comunicado oficial tras el estreno de esta película en el pasado Festival de Venecia. A sus 72 años el artista japones reconoció que sus energías ya no eran las mismas: 'Pasaron cinco años entre mis dos últimas películas. La siguiente no la podría estrenar hasta dentro de seis o siete años, yo ya tendría casi 79 años y estaría agotado.' Hace cinco años se estrenó 'Ponyo en el acantilado', y ha tardado lo mismo en crear esta nueva gran película. 'The Wind Rises' es un cierre magnifico y esplendido a toda una carrera dentro del cine de animación. Hay secuencias y planos que justifican todo el precio de la entrada, algunos de ellos tan impresionantes que no querrás ni parpadear para no perderte ni un solo fotograma de tan brillante muestra de talento. Se despide el director más grande que este genero ha podido dar. Un artista capaz de contar todas sus obras por buenas o muy buenas, sin excepción. Desde 'Nausicaa del Valle del Viento' hasta 'El castillo ambulante' pasando por 'La Princesa Mononoke' o 'El viaje de Chihiro'. Todas y cada una de ellas son tributos a la belleza dentro del cine, a la animación hecha sentimiento, por ese motivo consideramos que le debemos estar profundamente agradecidos al señor Miyazaki. Este largometraje posee dos claras fuentes de inspiración. La primera es el manga homónimo creado por Miyazaki y la segunda es el relato corto del mismo titulo escrito por Tatsuo Hori en 1937, a quien por cierto se homenajea en el filme. Hori asumió una línea del poema de Paul Valéry: 'Le vent se lève, il faut tantrer de vivre.' que traducida al japonés quiere decir: 'Kaze tachinu, ikimeyamo iza (El viento se levanta, debemos tratar de vivir).' Este pasado 2013 estuvo nominada al Oscar a mejor largometraje de animación donde fue derrotada por la americana 'Frozen' y en los Globos de oro a mejor película extranjera donde corrió la misma suerte frente a 'La gran belleza' de Paolo Sorrentino. Nominaciones y premios a partes iguales en todo tipo de festivales, Círculo de Críticos de Nueva York, Críticos de Chicago, Asociación de críticos de Los Angeles, Critics Choice, Premios Annie, Japan Academy Prize for Animation of the Year, Satellite Awards o el citado antes, Festival de Venecia. Fue la película más taquillera de Japón en 2013. Se estrenó junto a 'The tale of princess Kaguya' que es otra producción Ghibli dirigida por Isao Takahata; algo extraño ya que el hecho de estrenar dos films a la vez no pasaba desde el año 1988 con 'Mi vecino Totoro' y 'La tumba de las luciérnagas'.

'The Wind Rises' es un biopic clásico y ficticio sobre Jiro Horikoshi, el hombre que diseño los aviones japoneses que terminarian por atacar la base norteamericana de Pearl Harbor durante la segunda Guerra Mundial. Miyazaki se despide con una película algo más adulta y madura-con momentos de humor contados-que de costumbre, más realista y dramática, donde esos grandes toques de fantasía vistos en anteriores trabajos aparecen sólo en los sueños del protagonista y en donde el director japones da rienda suelta a su poderosa imaginación y buen hacer. El mundo de los sueños y obsesiones de Jiro acompañados de la figura de Caproni (diseñador italiano al que idolatra Jiro) son muestras de ese gran mundo de fantasía que aun tiene este autor en su mente. Curiosamente y al igual que el director, Jiro también padece problemas de visión, mas concretamente, miopía. Esto le impedirá cumplir el sueño de ser piloto para terminar convirtiéndose en diseñador aeronáutico. Es realmente increíble y asombroso la capacidad de este genio para construir y sorprendernos una vez tras otra con esas escenas tan sencillamente detalladas y que quedan grabadas en la retina del espectador. Miyazaki recorre la vida de este chico de campo, amable, generoso y soñador llamado Jiro a través de los hitos históricos nipones contemporáneos, concretamente desde la Era Taisho en 1912 hacia adelante como: la epidemia de tuberculosis, el terremoto de Kanto, el desempleo, la gran depresión, la entrada del país en guerra, pobreza, revoluciones, fascismo o la supresión de la libertad de expresión. Una guerra tras otra. Su alejamiento político refuerza las acciones del protagonista y no se posiciona a favor de nadie dejando al espectador libre de pensamiento. Esa misma lejanía fue motivo de críticas tanto positivas como negativas en su país. Esa famosa línea entre el bien y el mal que tantas veces hemos visto en otras producciones del artista de Ghibli aquí se llama política. Miyazaki vuelve a dejar que su protagonista surque los cielos como lo hiciera el maldecido Marco Pagot en 'Porco Rosso', vuelven los aviones y la pasión por la aviación, vuelven esos personajes tan bien matizados que muchos llevamos 5 años esperando.'The Wind Rises' es Miyazaki puro, a pesar de que es algo más realista si cabe, y menos fantasioso también, pero no deja de ser igual de emotivo y sorprendente que en otras ocasiones. Es el perfecto broche para cerrar una carrera repleta de éxitos. 

Podría haber sido una película mucho más cruel de no ser por el estilizado dibujo al que nos tiene acostumbrados el director nipón que siempre intenta mostrarnos el lado bueno de las cosas antes que el visceral y ordinario. Paralelamente al tratamiento historicista nipón desarrolla otra línea dramática centrada en una bellísima historia romántica, como nunca habíamos visto. El amor que nace entre Jiro y Nahoko es de aquellos tan bonitos que puede resultar empalagoso si se trata de explicar, pero es enternecedor si se tiene la oportunidad de visualizar. La escena cuando ella lo arropa es de una tremenda ternura. El amor siempre ha sido uno de los matices que gustan a ese Miyazaki tan humano, y aquí es palpable desde que se inicia el romance entre los protagonistas cuando el viento los une por casualidad en el tren donde se cruzan sus primeras miradas hasta que termina la película. Lo peor o menos agradable es ese toque melancólico que tiene este último trabajo del director japones, ese aire a despedida, a fin de fiesta, ese aire que bien podría ser utilizado como frase secundaria del titulo principal, 'The Wind Rises', el adiós de un genio. La banda sonora es una maravilla dotada de vida propia. Las composiciones creadas por Joe Hisaishi te envuelven totalmente. Este compositor japones es el habitual del maestro nipón, con el que ha trabajado en más de 10 ocasiones, y también de Takeshi Kitano con el que cuenta hasta 7 colaboraciones. El piano es el verdadero protagonista de casi todas las partituras de Hisaishi, aunque para esta ocasión en concreto usa mucho en el arranque las mandolinas y guitarras en las apariciones de Caproni, dejando el piano para los momentos de más emoción o tensión, para finalmente descargarse con una suite de violines maravillosa. También se pueden apreciar toques de distintos instrumentos-mucho acordeón-dependiendo en que país (mundo de los sueños, Japón, Alemania) se encuentre la acción, unas melodías agradables y temáticas nada repetitivas. Un grande en pocas palabras, un compositor capaz de elevar el disfrute del espectador que presencia las imágenes que Miyazaki pone delante de él y envolverlo por completo para terminar emocionándole con cada una de las líneas de sus composiciones musicales, como pasa en la impresionante e inesperada escena del terremoto de Kanto. El tema principal de la película-y que aparece en los créditos finales- está compuesto e interpretado por Yumi Arai y se llama 'Hikoukigumo'. Pianista, letrista, cantante y compositora, Arai lleva en la música desde que era muy joven y prueba de ello es que el tema principal de 'The Wind Rises' fue escrito y compuesto cuando tenía 18 años, en 1972. Tampoco es la primera vez que trabaja para Ghibli dado que ya lo hizo en 1989 con la canción 'Rouge no den’gon' en la película 'Nicky, la aprendiz de bruja'.

LA VENDEDORA DE ROSAS

La vendedora de rosas - Victor Gaviria - Colombia

7/10

'La vendedora de rosas' es una película colombiana estrenada en 1998 y dirigida por el también colombiano, Victor Gaviria. Con un reparto totalmente novel salido de las propias calles del país cafetero como es habitual en los films de Gaviria como son Lady Tabares, Marta Correa, Mileider Gil, Diana Murillo, Liliana Giraldo y Giovanni Quiroz en los papeles principales. 'La vendedora de rosas' esta basada en el cuento publicado en 1845 de Hans Christian Andersen titulado 'Den Lille Pige med Svovlstikkerne' (La pequeña cerillera) y en la vida de Mónica Rodríguez. Con una duración de 120 minutos y producida por Producciones Filmamento la película del director antioqueño es lo que podríamos considerar un filme maldito. La gran mayoría de sus actores principales han muerto asesinados bajo extrañas circunstancias o encerrados por algún delito durante o después del rodaje de la producción. Esto solo hace que alimentar la leyenda y engrandecer lo que a modo casi de documental se nos relata en 'La vendedora de rosas', un filme crudo, visceral, autentico y real envuelto en un manto de cuento de hadas como el original de H.C. Andersen en el que se basa. 14 premios y una nominación a la palma de oro en el Festival de Cannes de 1998 avalan el gran trabajo de Victor Gaviria que, tras 9 de ausencia vuelve en 2014 con 'La mujer del animal', una historia basada en hechos reales. La acción nos sitúa la noche del 23 de diciembre, en Medellin, mas concretamente en los suburbios de la metrópolis. Durante nochebuena y Navidad seremos testigos de lo que le ocurre a Mónica (Lady Tabares) de 13 años, una joven vendedora de rosas que junto a otras chicas de su edad sobreviven por las calles de la ciudad colombiana en la mas absoluta pobreza, entre la droga y la violencia, lejos de sus padres. Unas por decisión propia y otras como la propia Mónica porque todos sus familiares están muertos. 

 'Perros callejeros' meets 'Requiem for a dream'. Cine critica social, casi bajo un tono documental sino fuera por la historia personal de Mónica respecto a su abuela. Lo que sucede en este film podría suceder, y sucede lamentablemente, en los barrios mas pobres de las grandes ciudades, donde la droga y el dinero mandan. Mónica es la única de las chicas que esta en la calle por obligación casi se podría decir, su único familiar, su abuela, falleció. Esto la hace diferente al resto, al principio del film parece la mas cuerda (hasta que pierde el norte claro) y eso ayuda a empatizar con ella hasta el punto que llegada la escena con El Zarco (Giovanni Quiroz) uno siente pavor total ante este tipo y lo que pueda llegar a hacerle. Lady Tabares hace un grandisimo papel, seguramente ni ella se lo habría planteado. Bueno, ni ella, ni el resto, muchos de ellos por no decir todos no solo era el primer papel que hacían sino que eran personajes que ellos mismos conocían muy pero que muy bien ya que todos salieron de esos mismos suburbios de Medellin. En lineas generales el reparto esta perfecto, dando un registro totalmente natural porque no les hacia falta actuar para nada, tan solo ser lo que ya eran y recitar un texto. Texto que seguramente en muchas de las escenas era improvisado. 

Este es el gran problema que encuentran muchos a este filme, la vocalización o mala interpretación de los actores. No se les entiende. En la película se habla un colombiano muy cerrado, muy rápido, en algunas ocasiones es inteligible lo que dicen. Pese a que el mensaje se capta perfectamente, las palabras no fluyen con toda la claridad que deberían y eso lastra su calidad. Por otro lado pienso que esto la hace mas sucia, mas callejera, mas de barrio, mas amateur, natural, poniendo el contrapunto por ejemplo a las visiones de Mónica cuando esta se droga. 'La vendedora de rosas' es una gran película, considerada de las mejores latinoamericanas jamas realizadas y TOP 5 en su propio país. Cruel como la vida misma durante sus 120 minutos que fluyen a un ritmo asombroso sin decaer en ningún momento, posee momentos de gran tensión dramática y momentos surrealistas que ponen el contrapunto a una fabula real que nadie debería perderse.

¿QUE PASO CON LOS ACTORES DE 

'LA VENDEDORA DE ROSAS'?

 ***CONTIENE SPOILERS***

Ocho años después de rodar y estrenar 'Rodrigo D: No futuro', Víctor Gaviria una noche y tras conocer a un grupo de vendedoras de rosas se decidió a llevar a las pantallas de cine las vivencias y anécdotas de este grupo de chicas al mundo; la existencia de ese microcosmos que son los suburbios de Medellin, donde la droga hacia estragos y donde la urgencia por cubrir las necesidades básicas hacían de ellas juguetes para todo aquel con dinero en el bolsillo. Alcohol, droga, prostitución y muchísima violencia en las oscuras noches de los barrios mas pobres de Medellin se dan cita alrededor de un grupo de jóvenes que salieron de las calles para sentirse importantes una vez en su vida. Algunos sobreviven a día de hoy pero gran parte del reparto principal no lo consiguió terminando asesinados o encerrados.

Lady Tabares, invitada especial a la edición de 1998 del Festival de Cine de Cannes en Francia por su papel de Mónica estuvo prácticamente toda su infancia en la calle como vendedora de rosas. Con tan solo 3 años y medio salio un día a pedir limosna y no pudo encontrar el camino de vuelta. Fue recogida por unas monjas que cuidaron de ella durante 3 años hasta que un día paseando Lady reconoció la casa donde vivía y pudo volver con su familia. Tras un incidente que acabo con la muerte de uno de sus hermanos, las monjas decidieron instalarla en una casa acomodada que regentaba un señor anciano. Al morir este, Lady empezó a vender rosas con 10 años y no fue hasta que a los 13 Gaviria se fijaría en ella para el papel protagonista de 'La vendedora de rosas'. Casi un año mas tarde del estreno, volvería a las calles y a su labor habitual, la venta de rosas, justo cuando una gran tragedia azotaría su vida, el asesinato del padre de su hijo José Fernando delante de sus propios ojos. En 2002, con 19 años fue condenada a prisión por participar en el asesinato del taxista Oscar Galvis Osorio. En 2008 se la adjudicaría un total de 26 años de los cuales tras cumplir 12 de ellos en mayo de este mismo año 2014 se le fue concedido el arresto domiciliario. Tabares en su tiempo en prisión consiguió graduarse como esteticien y a día de hoy sigue viva y con otro hijo mas, Julian Esteban. A sus 32 años Lady padece hemorroides y lo que parece ser un cáncer de mama.

Giovanni Quiroz, el temido El Zarco, es el caso mas curioso pues año y medio después del estreno del filme moriría acribillado a balazos igual que su personaje. A Quiroz se le auguraba un brillante futuro y le prometieron un curso de actuación en España y trabajos para abandonar la delinquencia en la que se encontraba metido y que a la postre serian las causantes de su muerte. La propia Mónica Rodriguez en la que se basa la película fue asesinada de un balazo durante el rodaje de la película mientras que la sobrina de Giovanni Patiño que da vida a Giovanni (del grupo de Nestor y El Zarco) fue encontrada muerta flotando en el río días antes de empezar a rodar. Otros como 'Milton', el chiquito que vemos totalmente enganchado al pegamento al inicio, 'Anderson', el novio de Mónica, 'el enano' que va con el grupo de Néstor y El Zarco, o 'Don Hector', 'el Flaco' y 'el Botas', fueron asesinados también.

La fama jugo en contra de algunos de ellos y convirtieron una durísima critica social en una cinta maldita para todos los que actuaron en ella como bien ha reconocido Lady Tabares en alguna entrevista asegurando que su fama, dentro de la cárcel, se volvió contra ella misma. Existen otras producciones donde han ocurrido hechos similares como la brasileña 'Ciudade de Deus', el famoso cine kinki español con la saga 'Perros Callejeros', 'El pico' o 'Deprisa, deprisa' y la aclamada serie norteamericana 'The Wire' junto a su predecesora 'The corner'. Sin duda no os podéis perder el documental con escenas de rodaje y pruebas de cámara realizado a todos los participantes del filme llamado 'Como poner a actuar pajaros'.

GANGS OF WASSEYPUR II

Gangs of Wasseypur II - Anurag Kashyap - India 

10/10

Imprescindible. Mas intensa y violenta que en su primer acto, 'Gangs of Wasseypur II' es literalmente, una obra maestra del cine negro. 'Gangs of Wasseypur' fue confeccionada como una película de mas de 5h divida en 2 partes para su distribución comercial y mejor aceptación entre el publico, de la primera parte ya os hemos hablado en este artículo. Cada parte tiene su base, su protagonista central. Primer acto: 1940 – 1990, introducción a Wasseypur, a su historia, su política, sus gentes, sus leyendas y sobretodo a conocer el origen de la rivalidad entre los Khan y los Qureshi. Si aquellas primeras dos horas largas tenían un nombre, ese era el de Sardar Khan, sin ninguna duda. Segundo acto: 1990 – 2009, baile de piezas, traiciones, rencores, asesinatos, tiroteos, explosiones y venganzas sorprendentes e impactantes; los personajes se multiplican bajo la sombra de Faizal Khan, el hombre en el que se centra básicamente esta segunda parte. El hecho que este basada, aunque con muchas licencias, en hechos reales resulta un aliciente muy atractivo y ayuda a entrar mas en ese mundo que el director Anurag Kashyap nos relata a través de una extensión tan larga en años. Anurag usa muchos detalles como el busca, los diferentes tipos de ropa y accesorios (gafas,etc), el cine o carteles de películas para situar al espectador en el tiempo durante algunos tramos de la película. Combina perfectamente primeros planos de sus protagonistas en momentos delicados con grandes escenas de acción muy reales, llenas de dinamismo, coherencia y un ritmo que no decae en ningún momento, ni tan si quiera cuando llegan esos silencios incómodos donde solo se oye la noche o cuando la tragedia toca a algún miembro de la familia. Anurag consigue que simpatices con los Khan enseguida y que también quieras vengarte de Ramadir Singh tanto como Faizal. Los primeros 30 minutos están llenos de una espontaneidad y naturalidad difíciles de ver en la mayoría de producciones de acción recientes. 5 muertes en esa primera media hora a cual mas sorprendente e impactante. El director consigue así clavarte a la butaca, literal.

La actuación de Nawazuddin Siddiqui (Faizal Khan) es suficiente razón para ver esta película. Ya lo comenté en la reseña del primer acto que estaba brillante y eso que apenas tuvo minutos pero es que esta vez esta inmenso, incombustible, su mirada transmite tantas cosas a la vez que adoras cada vez que Anurag dedica un plano corto a su cara. Te perderás en unos ojos que expresan venganza mientras asesina sin escrupulos, ni si quiera parpadea al hacerlo, brutal el trabajo de Nawazuddin y como hace evolucionar su personaje, de ser un pusilanime al que parece no importarle nada de lo relacionado con el negocio de la familia a convertirse en el Don de Wasseypur y Dhanbad sin olvidarse de su gran objetivo, matar a Ramadhir Singh . También brilla mucho de nuevo la madre de Faizal Khan, Nagma, interpretada por Richa Chadda y que nos regala otro momento gracioso cuchillo en mano como ya hiciera en la primera parte además también del que aparece cantando durante la celebración de la boda para después aguantar las lágrimas hasta casi desmayarse y romper por fin a llorar, auténticamente real y conmovedora, emotivamente atrapante, son de esas escenas que te hacen tragar saliba, mirar hacia otro lado. Al margen de los ya conocidos personajes, Ramadhir Singh y su hijo J.P. Singh, Asgar, Nasir (el narrador), se añaden 'nuevos' como los dos hijos mas jóvenes de Sardar, Perpendicular (y su amigo Tangent) y Definite. En la película Ramadhir Singh dice cinco pero solo se sabe el nombre de 4, Danesh, Faizal, Perpendicular y Definite. El quinto hijo se supone que es el que esta en las escaleras en la escena que sirve de introducción para Perpendicular pero se desconoce el nombre. Curiosos los apodos de estos jóvenes tan extraños como peligrosos y que son, en parte, los que acaban consiguiendo que todo se tambalee mas de lo debido aprovechando que son hermanos de quien son. Aún con toda las violentas escenas que posee tales como degollamientos, un decapitamiento, muerte a pedrazos, disparos a bocajarro, ensañamientos multiples, aun asi, tiene varios momentos de humor genialmente incrustados en la trama como el 'accidente' en el salto con la moto, la parada a repostar con las motos en medio de una persecución, Perpendicular y Tangente atracando, la discusión sobre comida mientras están en una conversación a 3 bandas vía teléfono móvil cuando siguen a Sultan, el guiño a 'El Padrino' (Francis Ford Coppola, 1972) o ese momento en que nadie sabe el nombre real de Definite. La música esta igual de acertada que en la primera entrega, con letras explicitas y relacionadas con lo que se ve, sonidos mas fuertes en los momentos de acción, directos, composiciones algunas ligeramente alejadas de la música típica bollywodiense, digo ligeramente porque hay muchas canciones tradicionales cantadas por mujeres que son una verdadera delicia. Y NO, tampoco hay en esta segunda parte números musicales típicos de Bollywood. Y SI, vuelve a verse la inutilidad total de la polícia tanto al arrancar la pelicula como al terminar con la escenas de la rabia de Danesh ante la muerte de ??? y el selfie con los cadaveres que se marcan al final los policias de la nueva Jharkand. Nasir, el narrador de la historia y hombre de confianza de los Khan participa en la banda sonora con las canciones 'Ik Bagal' en la primera parte y 'Aabroo' en esta segunda. El sentimiento tras visionar esta magnífica obra de arte del cine negro hindu es fantastico, su historia, sus personajes, todo funciona a la perfección, todo queda grabado de un modo u otro en tu memoria por mucho que pase el tiempo. Y es que cuando todos dan lo mejor de si no se puede esperar otra cosa que un filme tan atrapante como este.

GANGS OF WASSEYPUR I

Gangs of Wasseypur I - Anurag Kashyap - India 

 10/10

Considerada como la versión india de 'El Padrino', 'Gangs of Wasseypur' es, además, una de las películas idóneas para introducirse de lleno en el cine bollywoodiense. En India llevan muchísimo tiempo haciendo cine, con mejor o peor calidad de eso no hay duda; todos conocemos esos vídeos con escenas de imitaciones famosas de los mas conocidos blockbusters americanos que corren por Youtube. Pero como dicen, la experiencia es un grado, y si algo han aprendido los cineastas indios es a llevar al publico a sus salas, a conseguir emocionarlos con risas o lágrimas y a crear sus propios héroes y heroínas de acción o drama (Amir Khan, Kareena Kapoor o ShahRukh Khan) sin depender de los foráneos; una industria que, a base de experiencia y esfuerzo repito, no solo se ha mantenido firme en su país durante todos estos años sino que no ha dejado de crecer en ningún momento. Curioso ver como uno de los principales prejuicios de la gente hacia el cine de este país, además de los mínimos 140 minutos de duración y lo pretenciosas que algunos creen que son sus películas es, la introducción de numeros musicales cuando la trama no lo necesita. Cierto, si. Pero es un prejuicio o una excusa? Porque si echamos la vista atrás…Gene Kelly, Fred Astair, Frank Sinatra, los hermanos Marx, y un largo etcétera también actuaban, cantaban y bailaban, vale que sus números estaban justificados muchas veces, pero como actores, son considerados de los mejores en la historia en parte precisamente por el manejo de diferentes artes escénicas, ya fueran interpretación, baile o canto, no? Pues los grandes actores actuales indios son exactamente iguales en eso, no solo actúan sino que son capazes de las mas largas y dificiles coreografías, de cantar todo tipo de canciones sin importar cual sea el estilo e incluso, de sacarte las lágrimas con un dramón sobre el autísmo como 'My name is Khan' que con una comedia romántica al estilo '3 Idiots'. Un trabajo, un esfuerzo y una labor la de los actores indios que es encomiable y digna de ver aunque sea en contadas ocasiones. Está claro que alguien que no ha visto nunca una película bollywodiense no puede lanzarse a la aventura porque puede salir sin ganas de ver ninguna mas. Hay que elegir la opción adecuada para empezar a saborear un cine tan infravalorado como este. La historia completa de 'Gangs of Wasseypur' abarca mas de 50 años concentrados en 5h 20 minutos dividos en 2 partes de exacta duración para su estreno comercial. Este cuento de 3 generaciones de mafiosos al estilo Tarantino basado en hechos reales con ciertas licencias para dramatizar algunos hechos, que no se os olvide, NO cuenta con números musicales sacados de la nada e inútiles en todo el metraje aunque si, momentos musicales que entran dentro de lo lógico de la situación que se nos muestra, algo que muchos agradeceran y les animará a darle una oportunidad. De hecho, la escena de apertura con la música en la tv y la cámara alejándose aparte de dejar clarisimas sus intenciones respecto a lo que se nos avecina, es todo un guiño a esas escenas de baile tan pintorescas y que por suerte no tendréis que 'sufrir' en esta ocasión. Esta dirigida completamente por Anurag Kashyap quien ,también, participa en el guión junto a Akhilesh Jaiswal, Sachin K. Ladia y Syed Zeeshan Qadri. 'Gans of Wasseypur' fue un golpe sobre la mesa de la industria cinematográfica mundial, un aviso al mundo, la advertencia de que si se lo proponen, son capazes de realizar enormes y costosas producciones pero con un sello de calidad y un gusto impecable. Estrenada en 2012, su primera parte llegó a las salas españolas este mismo mes de abril de 2014 y hará lo propio la segunda entrega en los Cinemes Girona de Barcelona y en el cine Artistic Metropol de Madrid el día 25 de abril. 'Gangs of Wasseypur' es una de las cintas perfectas para iniciarse al cine bollywoodiense.

Tras el gracioso y violento flashforward inicial se nos da paso a los créditos iniciales que son usados para contarnos donde esta Wasseypur y el comienzo de esta gran historia generacional en la voz de uno de sus protagonistas secundarios. El inicio como digo, aparte de violento, es fulgurante con cualquier prejuicio que sobre el cine de este país se pueda tener. Increíble que de las pocas criticas negativas que tiene esta película en Internet, en casi ninguna de ellas, se haga alusión a los 160 minutos de duración como algo perjudicial. Tan increíble como ver las puntuaciones tan elevadas que posee en las webs cinéfilas mas famosas que existen actualmente. La acción nos sitúa en la India de 1940 ocupada por los británicos que explotan los campos de cereales y las minas de carbón, mas concretamente en Wasseypur, un pequeño pueblo a las fueras de Dhanbad perteneciente a la región de Bengala donde los violentos y temidos qureshi gobiernan desde tiempos inmemorables frente a sus rivales, los pastunes o pashtunes. A pesar de ocupar mas de 4 décadas el ritmo de la película no decae en ningún momento gracias sobretodo a un guión y un montaje perfectamente elaborados, y también a las varias escenas de humor que hay y que la hacen mas entretenida y llevadera. Las canciones que aparecen, que no números musicales, están totalmente justificados (los presos en la cárcel, los jóvenes en el tren) y además, las canciones tienen unas letras totalmente adecuadas para las escenas en que aparecen, no resultan chirriantes ni molestas. La banda sonora original compuesta por Sneha Khanwalkar, agrega unos suaves toques de saxo melodico en las transiciones entre escenas que ayudan a crear ese clima turbio y mafioso made in 'El Padrino' presente en todo el film. La primera hora pasa rápido tanto en la película como en los años representados; principalmente el núcleo de la historia de esta primera parte esta centrada en Sardar Khan (Manoj Bajpayee), hijo del mencionado antes Shahid Khan, que ansia venganza desde el día que fue exiliado junto a sus padres a Dhanbad. Un reguero de traiciones, engaños, violencia callejera, asaltos al poder, venganzas, trafico de carbón, hierro, explosivos, arena o pescado, robos, explosiones, amor, sexo…si, sexo, sutilmente mostrado pero aparece también, en general contiene todos los elementos del cine de gangsters, incluso cierto toque o inspiración occidental en algunos momentos pero sin alejarse de sus raíces, de las calles de Wasseypur, todos estos elementos están perfectamente bien enlazados para brindarnos un producto que podría estar firmado incluso por el mismisimo Quentin Tarantino. Incluso se pueden atisbar ciertos aires de western, de un cine negro delicioso, 'Gangs of Wasseypur' es la perfecta iniciacion a Bollywood, es un thriller explosivo en el que su director demuestra que hay vida cinéfila al margen de los gigantes comerciales americanos, que se puede hacer una gran pelicula siendo eficaces y determinados. El resto de actores que habitan alrededor de la figura de Sardar Khan están muy bien. Destacaría a las dos mujeres del protagonista, tanto su esposa Nagma Khatoon (Richa Chadda), la única capaz de hacer lo que quiere con el temido Sardar y que nos regala un par de escenas de humor impagables, como la bella y exquisita Durga (Reema Sen); también a Faizal Khan, el hijo rebelde de ambos que esta interpretado por Nawazuddin Siddiqui, un prolifico actor indio con mas de 40 películas en su curriculum y que deja un registro impresionante en todas y cada una de sus escenas. La fotografia dirigida por Rajeev Ravi es maravillosa y uno de los puentes fuertes en la película ayudando al espectador a adentrarse mas aun en las asimétricas calles de Wasseypur y Dhanbad. El colorido contraste entre pobreza y riqueza roza ligeramente la critica social desde un punto comico o ironico la mayoria de las veces. No hay duda que es una de esas peliculas que no se olvidan, una obra de culto inmediata tras su estreno y que a dia de hoy, 2 años despues del mismo, sigue en boca de muchos aficionados al cine. Vito Corleone ya tiene su replica asiática, y se llama…Sardar Khan. Imprescindible.

THE RAID

Serbuan maut (The Raid: Redemption) - Gareth Evans - Indonesia

8.5/10

La mejor película de acción de los últimos 5 años, o casi. 'The Raid' es un shock visual, una inyección de adrenalina con la que olvidarás hasta parpadear. Esta producción indonesa, se ha convertido en poco tiempo, en la mejor película de la historia de su país. El galés Gareth Evans, nacido en Hirwaun, dirige y escribe esta cinta repleta de acción, disparos, golpes, cuchillazos, saltos al vacío, y un sin fin de excelentes escenas de acción genialmente coreografiadas que harán las delicias de todo aquel que tenga la oportunidad de vivirla. Sí, porque…esta película no se ve, sino…se vive. Mucho tiempo hacia que no se veía una idea tan brillante y simple en un largometraje de acción. El argumento nos cuenta la historia de un grupo de SWAT durante la redada a un edificio donde se encuentran un mafioso muy importante, Tama Riyadi (Ray Sahetapy) y sus 'amigos'. Como si de un videojuego se tratara, deberán ir piso a piso eliminando cuanto secuaz aparezca hasta llegar a su objetivo en la planta 15. Lo mejor que tiene sin duda alguna, aparte de las escenas de acción brillantemente ejecutadas, es la brevedad de la película en si. Con una trama simple aderezada con unos pocos problemas familiares, corrupción y en donde escasean los diálogos porque realmente, no hacen falta, todo el peso recae en la acción donde, 'The Raid', deja al resto de films estrenados de este genero durante los últimos años, a la altura del betún. Se la podría considerar dentro del género de artes marciales, las cuales vemos en muchas de las coreografías pero, personalmente, no estoy de acuerdo. Las luchas cuerpo a cuerpo contienen movimientos pertenecientes a diferentes artes marciales, pero la película no se recrea en este tipo de golpes sino en la combinación de estos mismos sin adornar junto a otros contra paredes, ventanas, cristales, sillas, estanterías o cualquier objeto que haya a mano en ese momento, sin contar claro, los salvajes tiroteos varios que hay sobretodo durante la entrada de los SWAT en el edificio.

Protagonizada por Iko Uwais (Rama) y siendo así, la segunda cinta que rueda bajo las órdenes de Gareth Evans, quien lo descubrió un día rodando un documental de silat (artes marciales indonesas) donde entraba Iko. Este actor indonesio de nacimiento, combinaba su entrenamiento de silat en el gimnasio de su tío con su pasión por el fútbol ya que practicó este deporte como mediocampista en un club de segunda división en su país, aunque, su carrera en el deporte del balón se truncó debido a que el club entró en bancarrota. Fue campeón en 2005 del National Pencak Silat Championship como 'best performer in the demonstration category'. También trabajo durante un par de años como controlador operativo para una empresa de telefonía movil. El resto del plantel, salvo Mad Dog (Yayan Ruhian) la mano derecha de Tama Riyadi (Ray Sahetapy), pasa más bien inadvertido, ya que la acción, es la protagonista de esta gran película. Lo que impresiona de este actor, Yayan Ruhian es que fue entrenado a finales de los 80 en silat por el Pasukan Pengamanan Presiden (Indonesian Presidential Security Forces), su equivalente seria el servicio secreto norteamericano y también por la policía militar indonesa a principios de los 90. Iko Uwais y Yayan Ruhian son los coreógrafos de todas las escenas, algo que se nota mucho, ya que no veréis ninguna pelea que no tenga justificación, ni un enfrentamiento final clásico en las praderas de Indonesia. Todo está estudiado, pensado, detallado y elaborado para ir al grano, para centrar todo en la única e incesante acción que da comienzo a los pocos minutos de empezar el metraje y que no descansa hasta el final. Se la podria acusar de tener un cierre muy simple, o un argumento plano y sin giros pero, realmente, nada de eso importa porque, cuando llegas al final del visionado y puedes por fin respirar y parpadear tras hora y media de pura acción, adrenalina y testosterona lo único en que puedes pensar son la cantidad de escenas brutales que viste, la de golpes que te hicieron mirar hacia otro lado y en las horribles ganas de volverla a ver cuanto antes. ¿Es un vídeojuego hecho realidad? Puede ser. El hecho de ir planta por planta, aunque luego no sea así en la totalidad de la frase, si parece un argumento muy perteneciente al mundo gamer. Sin ir más lejos me viene a la memoria el primer 'Metal Gear Solid', donde una de las misiones consistía en ir subiendo piso tras piso eliminando a todo aquel que salía a tu paso, y eran muchos, demasiados, realmente no es nada fácil sobrevivir a ese momento en el vídeojuego que cito. También 'Parasite Eve', donde tras terminar el juego se podía acceder a un bonus donde se trataba exactamente de eso, subir piso tras piso (más de 30), hasta llegar a la azotea donde te esperaba un enemigo final de proporciones épicas. Incluso diría que hay un muy lejano parecido con el film de culto 'Game of Death', protagonizada por Bruce Lee y en donde este, subía…piso tras piso, enfrentando a rivales mas duros en cada uno de ellos hasta dar con su enemigo. En 'The Raid' ocurre lo mismo, no son simples matones, no son simples secuaces, tampoco expertos luchadores ni agentes enfundados en trajes, pero lo que si son es, gente dispuesta a todo por defender a su jefe, y además, son muchos, sobrepasando en número al grupo Swat; cada enemigo muerto ira añadiendo rasguños, cicatrizes, heridas brutales en cabezas, cuellos, piernas, brazos, etc provocadas por una infinidad de armas distintas que harán de la escalada al último piso todo un desafío para el pequeño grupo de especialistas que se dispone a atrapar a Tama Riyadi. La banda sonora original fue creada por Aria Prayogi y Fajar Yuskemal que como Iko Uwais ya habían trabajado antes con Gareth Evans. Tras el éxito de la película y su posterior distribución en USA por Sony, Mike Shinoda (Linkin Park) fue el encargado de crear una nueva con el fin de hacer el film más dinámico. Algo que realmente consiguió Mike añadiendo unas pistas muy sutiles con toques punk y sintetizadores varios para las escenas de acción ayudando a crear así, una atmósfera mucho más oscura, grisacea y adecuada que la original.

EL INFIERNO (EL NARCO)

El Narco (El infierno) - Luis Estrada - Mexico

 8/10

'El Infierno' titulada en España 'El Narco` es una película de 2010 dirigida por el realizador mexicano Luis Estrada y estrenada poco tiempo antes de las celebraciones del Bicentenario de la Independencia de México. Considerada la tercera parte de una tetralogía, en ella el director latinoamericano volvió a poner patas arriba todas las vergüenzas de su propio país mostrando bajo el manto de la comedia mas negra y la critica mas ácida, el nivel de corrupción y narcisismo político que gobernaba el país de una manera real y sin censura alguna. Dicho poker de films lo forman las películas: 'La ley de Herodes' de 1999, 'Un mundo maravilloso' en 2006, 'El Infierno' 2010 y la estrenada el año pasado, 'La dictadura perfecta', todas como no, con el tándem director/actor que forman Luis Estrada y Damián Alcázar. El brillante director mexicano presento de manera brillante una mezcla de géneros que van desde el thriller mas inquietante, pasando por el cine negro, la comedia satírica o la acción mas puramente mafiosa o de clanes. En medio de todo eso encontramos a Benny Garcia (Damián Alcázar), el típico mexicano tanto física como mental e ideologicamente puro de corazón al inicio pero corruptible como todos una vez entra en la rueda del narcotráfico y el dinero fácil. Benny, como tantos otros se fue a Estados Unidos en busca de un trabajo digno imposible de conseguir en México. 20 años mas tarde lo vemos siendo expulsado y de regreso a su pueblo natal. Asombrado descubre que su bonito pueblo se ha convertido en un vertedero de violencia sin escrúpulos, corrupción, pobreza y asesinatos a plena luz del día. Tras la noticia de la muerte de su hermano menor convertido en un temible mafioso de la zona al que apodaban 'El Diablo', Benny pide ayuda a Cochiloco (Joaquín Cosio), el mafioso oficial por encima de su difunto hermano y a la vez su mejor amigo de la infancia. Ante la urgencia de conseguir dinero para mantener tanto a su madre, como a su cuñada viuda y a su sobrino, Benny acepta el trabajo propuesto por el jefe de Cochiloco, el siguiente peldaño en la escalera hacia el poder llamado Don José Reyes (Ernesto Gomez Cruz), dejándose así infectar rápidamente por el poder y las ventajas que otorgan el dinero fácil, la violencia y pertenecer al crimen organizado.

Pese a que el tono de comedia, sátira, o critica social es mas que evidente en muchos diálogos o escenas, la película funciona maravillosamente como thriller de acción al mas puro estilo Tarantino, 'Breaking Bad' o 'Gangs of Wasseypur', eso la hace única y facilmente catalogable en un grupo muy selecto de films donde la comedia es el perfecto vehículo para criticar cualquier sistema corrupto y cualquier red de crimen organizado. No es la ascensión de un joven vendedor de drogas ni tampoco una matanza entre familias mafiosas como en 'Blow' o 'Alpha Dog', es una gran thriller negro de acción bañado con una sutil comedia y elegante critica a la clase de políticos que han llevado a México a ser una teta seca que todos han chupado hasta dejarla sin nada mas que ofrecer que una gota cada cierto tiempo. La calidad de las actuaciones es perfecta, hay una total implicación por todos en sus diálogos, Alcázar esta impresionante, me rindo completamente a este actor al que de momento solo he visto en las películas de Estrada. Joaquín Cosio o los 'Reyes', tanto el como ella, geniales bordando momentos dramáticos-críticos como llenos de humor y que decir de 'la cuñada', que mujer! que curvas! y encima crea un buen registro de su personaje la actriz Elisabeth Cervantes. Como digo, del primero al ultimo, inclusive el chico al que pregunta Benny por 'el sobrino' o la adorable madre de Benny, todos están perfectos, brillantes. La cinta empieza muy muy cómica, con diálogos brillantes repletos de guiños e indirectas a diestro y siniestro pero a medida que avanzan los 150 minutos de duración, las relaciones entre los personajes se vuelven mas intensas, los momentos dramáticos contados cobran una importancia vital para el desarrollo de un trama que va ahogando en esa espiral de desenfreno de Benny al propio espectador hasta ese final digno de ser interpretado por Pacino si de una película americana habláramos. Luis Estrada tiene el poder de rodar unas historias que aun sabiendo lo que puede ocurrir o sobre que puede tratar no deja de sorprenderte a cada minuto que pasa, obligandote a prestar atención a cuanto se nos narra ya sea visual o narrativamente. Producida por Bandido Films con guion del propio Estrada y su habitual en esta tetralogía, Jorge Sampietro, destacaría además de lo anteriormente citado, la redonda e impecable dirección de fotografia de Damian Garcia ('Gueros', 'Desierto'), mostrándonos un infierno en la tierra, un desértico y arido pueblo mexicano donde la pobreza y miserias rompen cualquier encuadre idílico para mostrar la verdadera realidad de una nación donde todo el mundo mete la mano en la bolsa. No me olvido de una banda sonora que a priori pasa desapercibida al estar repleta de canciones no originales del propio film y en parte también a ese ambiente fiestero de los narcos pero, es una banda sonora que cobra mucha importancia y valor al conocer quien esta detrás que no es otro que el canadiense Michael Brook, creador entre otras de las partituras en películas como 'Heat','The Fighter', 'Into the wild' o la recientemente protagonizada por Jennifer Connelly 'Aloft'. 'El Infierno' arraso en los premios Ariel de 2011 llevandose el de mejor director, mejor película, mejor actor principal y secundario para Alcázar y Cosio respectivamente, además, estuvo nominada en los Goya de 2010 donde perdió frente la chilena 'La vida de los peces'. 'El Infierno' es una película altamente recomendable para todos aquellos que gusten de un cine sin tapujos, que habla claro y que no se esconde de nada y ante nadie para mostrar lo que quiere mostrar, la realidad tal y como es. Una realidad que a veces y aunque pueda parecer cómica o absurda, existe, y existe gracias a esa corruptela gubernamental que abunda en México desde tiempos lejanos. Una feroz critica a un sistema político que ha sido capaz de crear o permitir la creación una red de narcotrafico tan grande y extensa que ni modo de salir de ella aun queriéndolo con todas las ganas. Para muestra, un botón. Para muestra, el final de 'El Infierno'. Creanme, no se la pierdan por nada del mundo. Grandiosa película.

OM SHANTI OM

 Om Shanti Om - Farah Khan - India

7/10

Dos cosas son las que alejan a la gente del cine de Bollywood; una, la excesiva duración de todas las producciones donde pocas o ninguna bajan de los 120 minutos y dos, la introducción de números musicales tengan o no que ver en la trama principal. Sin estos dos 'inconvenientes' el cine producido en la India seria practicamente igual al del resto del mundo con pequeñas diferencias. Salvando estos escollos que son los que, personalmente, considero hacen a este cine único y diferente, uno se encuentra con un cine repleto de producciones fastuosas, diseños de producción enormemente detallados, números musicales de 20 minutos o mas coreografiados brillantemente, actores increíblemente carismáticos capaces de actuar, cantar y bailar perfectamente al lado de actrices absolutamente bellas e impresionantes y que, al igual que sus compañeros, actúan, cantan y bailan dejando claro que su inimitable belleza y sensualidad no son los motivos principales de su protagonismo en la película. La gran mayoría del cine bollywodiense es sencillo, busca sobre todo, entretener al espectador que paga su entrada. El amor y la comedia son los temas principales en casi todas las producciones, no es un cine rebuscado, es un cine simple y directo en su gran mayoría que basa todo su potencial en el carisma de su protagonista/s y en los números musicales que ejecutan con precisión milimetrica. En ellos se puede observar claramente lo que es y como entienden el cine en ese exótico país llamado India. La película que os recomiendo hoy, 'Om Shanti Om' de 2007, es una de las mejores comedias románticas de la década, usa la parte del argumento del cine dentro del cine para justificar casi todos los números musicales que en ella se ven, no solamente están perfectamente integrados sino que algunos contienen grandes canciones llenas de ritmo y originalidad. El único problema que pueden encontrar aquellos que duden si verla o no por esos dos 'incovenientes' antes citados, es su duración, 167 minutos.Años 70. Un joven aspirante a actor llamado Om Prakash (Shahrukh Khan) trabaja en unos estudios de cine mientras sueña con ser una estrella de cine como su adorado Rajesh Kapoor, el actor del momento. Om esta enamorado de la actriz principal del rodaje en el que trabaja, la bellisima Shanti (Deepika Padukone). Tras una misteriosa tragedia, el estudio donde se iba a rodar la escena final queda totalmente destruido arrasado por un incendio en el que mueren ambos, Om y Shanti. 30 años mas tarde, el actor Om Kapoor, hijo de la famosa estrella de los años 70, Rajesh Kapoor, es la viva imagen del fallecido Om Prakash que, tras una serie de flashes al visitar el derruido estudio empieza a darse cuenta de quien es en realidad. Nada mas y nada menos que Om Prakash reencarnado. Tras aceptar su destino, el nuevo Om Prakash/Kapoor removerá cielo y tierra para encontrar a la también reencarnada Shanti.

Dirigida por la coreógrafa anteriormente y ahora también directora Farah Khan ('Main Hoon Na', 'Tees Maar Khan') esta interpretada por Shahrukh Khan (saga 'Don', 'My name is Khan') y Deepika Padukone ('Cocktail', 'Chennai Express') en los papeles principales. Farah Khan estuvo nominada en 2004 a mejor coreografía en los Tony Awards, reconocida internacionalmente por sus trabajos en 'Monsoon Wedding', 'Bombay Dreams' o 'Vanity Fair', entrenó a Shakira para la versión bollywodiense de 'Hips don´t lie' que presentó en los MTV Awards de 2006 y fue la primera mujer india en ser nominada a mejor director en los Filmfare Awards (los Oscar de la India) por su opera prima 'Main Hoon Na' con Shahrukh Khan también como protagonista y con el que guarda una gran amistad. De hecho, 'Om Shanti Om', esta producida por la empresa Red Chillies Entertainment, propiedad de Shahrukh Khan. La banda sonora fuera de los numeros musicales es una maravilla, con una melodia y tema principal reconocible interpretado bajo diferentes instrumentos a lo largo de todo el film. A muchos no os dirán nada estos nombres y es normal pero Shahrukh Khan es el actor indio mas querido de Bollywood actualmente, junto a Amir Khan o Abhishek Bachchan entre otros. Todo un carisma en pantalla, su registro habitual queda perfecto en esta 'Om Shanti Om', un papel que se ajusta a su forma de actuar como anillo al dedo. Shahrukh como Om es un tipo capaz de hacerte reír con sus payasadas y de emocionarte cuando el amor le toca el corazón, de cantar y de bailar a un nivel increíble, un todo terreno, un actor superlativo. A su lado, Deepika Padukone, una belleza insuperable. Deepika deja boquiabierto al personal con su forma de moverse cuando canta o baila, hasta ese momento su potente mirada y sus grandes ojos dejan tambaleando a cualquiera. Al igual que Shahrukh con el que se complementa a las mil maravillas, Deepika transmite bien y casi sin esfuerzo su personaje, pocas veces se han visto en una película unos ojos de tal calibre, muy pocas. Este era su debut cinematográfico y desde 2007 hasta la fecha cuenta ya con 15 películas en su currículum. 167 minutos con un reparto que no pasa de 5 actores y donde el ritmo y la acción apenas decae es algo a remarcar porque, al margen de la pareja protagonista solo 4 o 5 actores aparecen con frases o escenas importantes dentro de la película, obviando los extras claro y mantener el interes con un reparto tan escaso es digno de admiración. Algun fallo tiene como es ese inexplicable cambio explosivo de actitud en un personaje crucial en la trama durante la escena del incendio y también como es provocado este que, a no ser que el marmol prenda solo, no logro entenderlo. 'Om Shanti Om' es famosa por sus grandes números musicales llenos de detalles para aburrir, mezclados con imagenes de archivo en ocasiones, funcionando todo en una harmonía perfecta con la estética del cine dentro del cine. La película mas taquillera de 2007 en la India también es conocida por reunir en un numero musical a mas del 90% del panorama cinéfilo indio del momento en una impresionante coreografía, un hito asombroso. Si sois asiduos seguidores de este cine, podréis reconocer a varios actores, directores, etc en cameos ocasionales asi como infinidad de guiños al cine clásico hindu sobre todo en el numero musical pasada la mitad del film. Divida en dos partes bastante reconocibles, esta comedia romántica de ritmo imparable es la película perfecta para dejarse embriagar por los aromas y el colorido cine que proponen desde la India, un cine que cada vez esta mas cerca y que cada vez tiene mas adeptos. Si os termina gustando sabed que, en este ya pasado 2014 se estrenó 'Happy New Year', dirigida por Farah Khan e interpretada por Shahrukh Khan y Deepika Padukone.