COMPLIANCE

Compliance - Craig Zobel - Estados Unidos

7.5/10

Thriller insoportablemente malrollero de principio a fin con un perfil indie que puede llegar a despertar ese demonio oculto, morboso y lascivo que reside en el fondo de algunos seres humanos. 'Compliance' está, por muy difícil que pueda parecer tras verla, inspirada en hechos auténticamente reales. Becky (Dreama Walker), una joven dependienta de un restaurante de comida rápida es acusada de robar a una clienta. Su encargada Sandra (Ann Dowd), siguiendo las ordenes del agente Daniels que se encuentra al teléfono, sera la responsable de llevar a Becky al almacén y ejercer de vigilante hasta que Daniels pueda acercarse al restaurante y aclarar todo el asunto. Tras escribir, producir y dirigir en 2012 esta, su opera prima, Craig Zobel estreno el año pasado al frente de la dirección únicamente un drama de ciencia ficción postapocaliptico con Margot Robbie, Chiwetel Ejiofor y Chris Pine basado en la novela de Robert C. O’Brien titulado, 'Z for Zachariah' asi como dos episodios en la serie de éxito internacional, 'The Leftovers'. El gran potencial de 'Compliance' reside en el buen uso del tiempo en que transcurre la historia. Los hechos reales sucedieron durante unas tres horas aproximádamente y en la película quedas reducidos a unos aprovechadisimos noventa minutos que condensan notablemente la tensión vivida aquella tarde noche de viernes. La primera mitad es muy claustrofóbica, la acción no solo no sale del restaurante sino que prácticamente todo se reduce a una habitación, el almacén. Tanto los créditos iniciales como el 'respiro' a modo de break que su director/guionista introduce a mitad del film mezclando imágenes del solitario parking del restaurante con la banda sonora realizada por Heather Mcintosh a base de violones (muy parecida a la compuesta por Alberto Iglesias para 'La piel que habito') delimitan a la perfección lo aislado del almacén respecto al restaurante y de este con el resto del mundo. Esa 'soledad' del lugar se hace extrema y trasciende hasta el punto de lograr que Becky pierda todas las fuerzas y la cordura dando paso a la indiferencia. Después del break, empieza una segunda mitad igual de tensa y, aunque la acción esta vez si sale del almacén por momentos, es en este tramo en concreto cuando la incomodidad de lo que ocurre se hace mas insoportable, donde la imaginación de cada espectador empieza a maquinar sobre hasta que punto son algunos seres humanos manipulables y que serian estos capaces de hacer por no rebelarse ante la autoridad aun sabiendo que lo que hacen, no es lo correcto.

La adaptación que Zobel hace de los hechos es fascinante, y lo digo después de haber visto la película y buscado en la red sobre estos hechos. La tortura psicológica a la que es sometida la frágil Becky y la impotencia de no poder hacer nada os pueden llevar a pensar que su guión es incoherente o que sus personajes no actúan racionalmente pero...todo tiene una explicación, todo...y os aconsejo que para 'disfrutar', por llamarlo de alguna manera, enteramente de ese sufrimiento y angustia no busquéis ningún dato sobre estos hechos, os impactara mucho mas. Para mi seria muy fácil contarlo pero os aseguro que el disfrute que conlleva terminar la película y buscar información sobre este caso no es comparable a muchos otros placeres cinéfilos. Es un placer extraño, como de masoquismo, es decir, una vez terminas la película y piensas...pero como va a pasar esto de verdad? Pues si, no solo ocurrió una vez, sino mas de 70 veces en Estados Unidos. Y ahora viene la segunda pregunta que uno se hace mas veces viendo esta película: Pero como es posible que ninguno de los trabajadores haga algo para impedir eso? Tranquilidad, cuando busquéis la información sobre el caso al terminar de verla, os quedara todo muy claro, es más, no es la primera vez que este 'tema' se lleva al cine, no estos hechos digo, sino...bueno, ya lo veréis. 'Compliance' es un thriller dramático, muy dramático, muy de sentir la humillación a la que es sometida Becky, de empatizar con ella en todo momento y de meterse en su piel. Al igual que me encanta la francesa 'A l´interieur' y jamas la recomiendo a según que mujeres y menos si están embarazadas, con 'Compliance' me ocurre algo similar, es una película muy jodida de ver si eres una chica, mucho, no es tan explicita porque su director conoce algo llamado sutilidad y es utilizada justo cuando llega el momento, en ese sentido, si buscáis carnaza de cualquier tipo, olvidaros de esta película, es una película jodida de ver, incomoda y a su vez...morbosa. Obvio que habrá muchas chicas que ni les afecte ni les diga nada pero la gran mayoría, lo van a pasar muy mal viendo la opera prima de Zobel si empatizan con su desgraciada protagonista. El que avisa no es traidor, son noventa minutos de tensión creciente en los que por momentos pensaras que se trata de una broma o que se trata todo de un sueño pero...para nada, la realidad supera a la ficción con creces y 'Compliance' es una grandiosa muestra de ello. Por ultimo destacar a todo el reparto porque esta magnifico, sin esas grandes actuaciones la tensión no se sostendría de ninguna manera, en especial sobre todo las de la veterana Ann Dowd en su papel de encargada esta fantástica, una mujer de carácter fuerte y celosa de la juventud de sus empleadas que ansia sentirse querida, la de Dreama Walker...que ojos!...la frágil protagonista de la película que parece la hermana pequeña de Rose McGowan transmite muy bien su impotencia y desconcierto en todo momento y la de el bobalicón? Van, interpretado enormemente por un Bill Camp al que mas tarde se le vio en 'Lincoln', '12 años de esclavitud' y hace poco en 'Midnight Special' como uno de los dos matones de la secta; próximamente estará en 'Jason Bourne', toda una interpretación que ha relanzado su carrera, ellos tres, son los pilares interpretativos sobre los que se monta 'Compliance', el resto como digo, Pat Healy, Phillip Ettinger, Ashlie Atkinson o Nikiya Mathis, magníficos, todos, otorgando un plus de naturalidad ideal para la historia. Nada mas, recordad, buscad info al terminar de ver la película y asombraros con la adaptación de Craig Zobel, incluso hay hasta vídeos en Youtube sobre lo que pasó y un mini documental del canal ABC, pero mejor, hacerlo después de verla y sobre todo, paciencia, aunque todo os parezca extraño y que nadie en su sano juicio haría nada de esto, tened paciencia porque la recompensa final saldará todas vuestras dudas. Quizás mi nota final sea algo alta considerando que no es un guión puramente original pero 'Compliance' tiene muchos de los elementos que me gustan, pocos personajes, una sola localización, historia absorbente e hipnótica, diálogos ágiles y una dirección que va directa al grano. Director a seguir, desde ya.

OXV: THE MANUAL

OXV: The Manual (Frequencies) - Darren Paul Fisher - Australia

5.5/10

Interesante propuesta la dirigida, escrita, montada y producida por el australiano profesor de cine y director, Darren Paul Fisher ('Inbetweeners', 'Popcorn'), donde el drama romántico se da la mano con la ciencia ficción mas filosófica y poética. En 'OXV: The Manual' la acción nos traslada a una realidad alternativa donde es posible medir las frecuencias individuales que emite cada ser humano y que determinaran su éxito o fracaso en la vida dependiendo de como sean estas. Mientras que los portadores de frecuencias altas están destinados a triunfar en la vida en todo lo que se propongan convirtiéndose en una especie de apáticos humanoides incapaces de sentir, los de frecuencia baja sufrirán todo lo contrario, la mala suerte y las malas elecciones formaran parte de su destino sin perder apenas un mínimo de humanidad. Esta seria la parte científica de la película a la que se le une como medio de transporte/explicación la historia de amor entre dos personas de frecuencias opuestas, Marie (interpretada por Lily Laight, Georgina Minter-Brown y Eleanor Wyld) de frecuencia alta y Zak (interpretado por Charlie Rixon, Dylan Llewellyn y Daniel Fraser) de frecuencia baja. La idea no es mala pero el ritmo lento y eso, junto a un desarrollo poco atractivo y un desenlace básico que vuelve inútil todo lo visto anteriormente terminan lastrándola mas de lo que se merece. 'OXV: The Manual' entraría dentro de esa nueva ciencia ficción de perfil indie con otras como 'I Origins', 'Under the Skin', 'Primer', 'Ex Machina', 'The Signal' o la británica 'Never Let Me Go'. Esta contemplativamente inteligente ciencia ficción austera o de 'bajo' presupuesto en comparación con la gran mayoría de producciones de este género, permite a sus directores y guionistas abordar cualquier tema por extraño que pueda parecer y relatar historias donde precisamente lo que importa y prevalece es la historia o el planteamiento por encima de cualquier artificio visual. También tenemos películas como la recientes 'Clovefield Lane 10' o 'Midnight Special' que vendrían a ser el nexo de unión entre ambas propuestas, la de la ciencia ficción mas comercial con la austera o indie. Aunque todo este tipo de ciencia ficción tenga como principal fuerte la potencia de su historia o ideas, siempre tienen un elemento o varios que las hacen especiales como por ejemplo los viajes en el tiempo en 'Primer', la atmósfera grisácea,  enrarecida y la banda sonora hipnótica de 'Under the Skin' o el final explosivo de 'The Signal'; todos estos elementos enganchan a una historia que aunque priori pudiera parecer amateur, aburrida o insípida culmina dignamente cerrando la película, es decir, mantienen al espectador interesado en lo que ocurre, en lo que ve y en lo que le cuentan, que como digo, es la potencia de estas historias. En 'OXV: The Manual' el interés viene únicamente de la historia en si, no hay ningún otro elemento al que agarrarse mas que lo que su director nos va relatando en un montaje atemporal en pequeñas dosis para poder encajar las piezas al mismo tiempo que Zak, el protagonista de la película, y entender el significado de la propuesta. Una propuesta que empieza interesante pero se diluye por la falta de emotividad en su tramo medio y la extraña madriguera de conejo que su guión teje para, por si fuera poco, rematar con un final tópico que no hace otra que restarle cualquier importancia a todo lo que antes se ha planteado. Lo mejor es la idea de las frecuencias, el esperanzador inicio y la breve actuación de Georgina Minter-Brown en la etapa adolescente de Marie.

TRUMBO

Trumbo - Jay Roach - Estados Unidos

8/10

Biopic sobre el guionista norteamericano Dalton Trumbo, repudiado y perseguido durante la década de los 40 por la industria cinematográfica de su país por su militancia en el partido comunista. El biopic es un genero complicado y en muchas ocasiones las películas de este genero resultan fallidas. No es el caso de 'Trumbo' que se apoya principalmente en un reparto brillante, encabezado por el extraordinario Bryan Cranston (Breaking Bad) y que esta perfectamente secundado por gente como Diane Lane, John Goodman, Helen Mirren, Elle Fanning o un fantástico Louis C.K. Todo este elenco consigue despertar el interés del espectador sacándole jugo a un buen y solido guión y descubriendo esta interesante y para muchos desconocida historia, entre los que me incluyo. Cranston despliega todas sus dotes interpretativas, que ya exhibió hasta la excelencia en 'Breaking Bad', y consigue dotar a su personaje de tonos dramáticos con momentos cómicos, rubricando una actuación soberbia, que culmino en una merecida nominación al Oscar. Sin discusión lo mejor de la película y el pilar principal de toda la cinta. Jay Roach demuestra que no solo sirve para dirigir comedias absurdas como la saga Austin Powers, y deja que la película vaya fluyendo, siguiendo cronológicamente los acontecimientos y con una puesta en escena sin artificios y con aroma de buen cine clásico. Consigue dotar a la película de un muy buen ritmo que no decae en las casi dos horas de metraje. El director no pone ningún impedimento, y eso, hoy en día, ya es mucho decir. El guión, firmado por John Mcnamara, es uno de los puntos fuertes de la cinta. Consigue evolucionar a todos los personajes en su justa medida, especialmente el de Dalton Trumbo. Algunos secundarios quedan un poco menos bien dibujados (nada importante), pero el excelente trabajo de los actores consigue que eso no sea ningún problema. La película también logra un muy buen retrato del inicio de la Guerra Fría después del final de la Segunda Guerra Mundial y del conservadurismo y el anticomunismo que se instalo en la industria cinematográfica y en la sociedad estadounidense y especialmente en algunas de las estrellas más rutilantes de Hollywood, cómo por ejemplo el mítico John Wayne. Una película necesaria, con la que Hollywood intenta redimirse del maltrato que infringió a uno de sus mejores escritores de la época más gloriosa del cine. Aviso que cuando terminas solo tienes ganas de revisar 'Espartaco' y 'Vacaciones en Roma', escritas por Trumbo, alguna con nombre falso, y que seguro que las veremos desde una óptica totalmente diferente. Una cinta que creo que encantará a los amantes del cine clásico en particular y a los amantes del cine en general.

SOCIETY

Society – Brian Yuzna – Estados Unidos 

7/10 

Vaya por delante que si no habéis visto la película parad de leer. Enfrentaos a ella desde la mayor absoluta ignorancia. No veáis ningún tipo de trailer, ni leáis reseña alguna. ¿Ya la habéis visto? ¿Sí? Adelante con la reseña entonces… En 1989, Brian Yuzna, productor lovecraftiano ('Re-Animator', 'From Beyond') se lanzó a la dirección son 'Society'. En dicha producción seremos testigos de las obsesiones que atormentan al joven Bill Whitney (Billy Warlock). Billy no se siente parte del entorno que le rodea. Desconfía de sus padres y hermana, se siente un extraño en su casa y sufre continuas pesadillas. Como elemento discordante dentro de la clase alta de la que se rodea empieza a plantearse una serie de dudas, siendo la más importante de ellas si es él realmente parte de su propia familia. Todo se acabará de complicar cuando el ex-novio de su hermana, el cual también parece padecer un trastorno esquizoide, le muestre unas grabaciones donde se escuchará a su familia mantener una incestuosa relación... Yuzna nos plantea una interesante fábula sobre la lucha de clases. El juego de sospechas del que seremos testigos durante prácticamente todo el metraje desembocará en un delirante tramo final donde Yuzna le cederá el testigo a Screaming Mad George. Este genio japonés del maquillaje nos ofrecerá una orgía de carne, en sentido literal, que ríanse ustedes de la nueva carne que David Cronenberg nos presentaba 'Videodrome'. Miembros, caras, nalgas, y apéndices varios se fundirán con una plasticidad pasmosa y un descacharrante sentido del humor (si quieren ver a un auténtico cara de culo, esta es su película). Será justo este tono de comedia final lo que desentone un poco con el resto de la película. Desde mi punto de vista, este tono humorístico echa por tierra gran parte de clímax obtenido durante la primera hora de metraje. No obstante estamos ante una película soberbia y, probablemente, la mejor del director. Disfruten de su visionado y recuerden que al final, el rico se come al pobre, siempre.

10 Y 10: PAVEL KHVALEEV

Desde Rusia llega un nuevo '10 y 10' de la mano de Pavel Khvaleev, el prometedor y novel director ruso que se estreno con 'III' el pasado año por toda Europa y que también se pudo ver en la ultima edición de Terrormolins en Barcelona. Rusia, un país donde el cine de terror o fantástico apenas ha sido explotado a lo largo de su historia y donde en los últimos 5 años apenas se han producido una decena de filmes de este genero. Sin ir mas lejos, el estreno de 'III' en su país de origen no fue posible hasta pasadas las 12 de la noche por problemas 'políticos'. Como digo, 'III', su opera prima sin contar un drama titulado 'Random' que filmó junto a su amigo Igor Preobrazhenskiy, es un oscuro cuento o fabula singular sobre el chamanismo que evoca directamente a películas como 'The Cell' de Tarsem Sing o a la saga de vídeojuegos 'Silent Hill'. En su única película hasta el momento se puede comprobar la influencia visual y estética que Khvaleev ha adquirido a lo largo de los últimos 10 años como creador de videoclips para diferentes grupos así como para el suyo propio, Moonbeam, un grupo de música house, techno, trance, dubstep, minimal techno tracks y remixes  fundado en 2003 junto a los hermanos Vitaly. Os recomiendo echar un vistazo a la web de Moonbeam y comprobar el gran trabajo de este artista ruso que apunta muy alto en los próximo años. Sin mas ya, aquí están sus listas.

MIS 10 PELÍCULAS FAVORITAS

1. Dancer in the Dark (2000) - Lars von Trier - Dinamarca

2. Shutter Island (2009) - Martin Scorsese - Estados Unidos

3. El espinazo del diablo (2001) - Guillermo del Toro - España

 
4. The Green Mile (1999) - Frank Darabont - Estados Unidos

  5. Watchmen (2009) - Zack Snyder - Estados Unidos
 
6. Inglourious Basterds (2009) - Quentin Tarantino  - Estados Unidos

7. Ex Machina (2014) - Alex Garland - Reino Unido

 8. Seven (1995) - David Fincher - Estados Unidos

9. Silent Hill (2006) - Christopher Gans - Canadá

10. Birdman (2014) - Alejandro G. Iñárritu - Estados Unidos

 
MIS 10 PELICULAS DE TERROR FAVORITAS

1. El laberinto del fauno (2006) - Guillermo del Toro - España

2. Silent Hill (2006) - Christopher Gans - Canadá
 
3. The Cell (2000) - Tarsem Singh - Estados Unidos

4. The Silence of the Lambs (1990) - Jonathan Demme - Estados Unidos 

5. Constantine (2005) - Francis Lawrence - Estados Unidos 

6. 1408 (2007) - Mikael Hâfström - Estados Unidos

7.  A Nightmare on Elm Street (1984) - Wes Craven - Estados Unidos

8. El espinazo del diablo (2001) - Guillermo del Toro - España

9. It Follows (2014) - David Robert Mitchell - Estados Unidos

 10. Saw (2003) - James Wan - Estados Unidos

RUMBA TRES, DE IDA Y VUELTA

Rumba Tres, De Ida y Vuelta - Joan Capdevila, David Casademunt - España

7/10

Documental musical que huye de convencionalismos, se muestra sincero y absorbe la energía de sus tres protagonistas, el grupo barcelonés de rumba catalana conocido como Rumba 3, para relatarnos con alegría y sin tabues el auge del mítico conjunto en la década de los 70 así como su casi total desvanecimiento en el panorama musical actual. No creo que haya muchos grupos o cantantes, ya no solo españoles sino internacionales, que hayan cantado ante 40 mil personas bajo el monolito de Whasington como hizo el grupo barcelonés Rumba 3 en 1990. Este es un detalle a tener en cuenta, menos conocidos que Chunguitos, Chichos o igual que los también barceloneses Bordón 4, Pedro Capdevila, José Sardaña y Juan Capdevila, Rumba 3, nacieron el el barrio de Buen Pastor en Barcelona como grupo a finales de los 60, tres amigos de la infancia con algo en común, su amor por la música y las canciones de Joselito. Lo mejor que se puede esperar de este tipo de documentales es que entretengan, provoquen cualquier tipo de sentimiento y que cuente anécdotas o detalles desconocidos por la gran mayoría. En ese sentido cumple sobradamente con dos partes claramente diferenciables por su montaje, una primera donde se relata el éxito del grupo tanto a nivel nacional e internacional en países como Colombia, Ecuador, Chile, México, Venezuela, Estados Unidos donde tocaron en Whasington y Houston así como en buena parte de Europa, Países Bajos, Alemania y hasta Polonia. La rumba catalana, la rumba-pop, todo un éxito de masas con que obviamente conllevo una legión de fans enloquecidas con los tres guapos cantantes, de esto también se habla en esta primera parte, y aquí algunos de los familiares entrevistados, no solo no se callan nada sino que apunta anécdotas muy curiosas. Los entrevistados son en su mayoría los familiares mas cercanos del trio pero también se han prestado a colaborar artistas como Lolita, Estopa, Braulio, José Mota, Justo Molinero o el reciente fallecido rey de la rumba catalana, Peret, en una de sus últimas entrevistas concedidas. Todo un gusto oírlo hablar. Si el fue el rey, o el maestro con el permiso de El Pescailla, Rumba 3 fueron los príncipes de la rumba catalana sin ninguna duda, su música fácil y rítmica acompañaba unas letras llenas de alegría y despreocupaciones que liberaban a la gente de sus problemas diarios. Pero este éxito se propago mas a nivel internacional, como le ocurrió a Severiano Ballesteros, pese a ser muy queridos en España, su fama en el resto del mundo superaba con creces a una generación española levente oscurecida por el franquísmo, embocada al inicio de la movida y la consagración del rock y del pop en las listas de éxitos nacionales. La segunda parte muestra por fin al trio contando sus inicios y las penurias que pasaron hasta que la efímera fama les alcanzo de la mano de Salvador Escamilla y el programa 'Radio-Scop' donde consiguieron su primer contrato discográfico con la discográfica Discophon. El documental dura 80 minutos aproximadamente sin contar los créditos y esta segunda parte en concreto se espera con muchas ganas durante toda la primera, quiero decir, sus directores y montador van creando y generando un interés progresivo en ver el 'estado' actual de un grupo tan conocido alrededor del mundo formado por 3 humildes chicos de un barrio obrero de Barcelona y, aunque nunca hayas oído cantar a Rumba 3, este mito musical que vas viendo crecer delante de tus ojos engendrado a base de testimonios familiares que provocan escenas ficcionadas de lo que ocurrió junto a un variado repertorio de grabaciones televisivas del grupo nunca llega a ser aburrido o pretencioso sino como digo, todo lo contrario, el interés aumenta con cada testimonio e imagen de archivo que se ve. Destacar en esta segunda parte el testimonio de la infancia del líder espiritual del grupo, Juan Capdevila, duro y cruel como la vida misma, es ahí donde se entiende su personalidad como miembro de Rumba 3 y su espíritu bromista y alegre, esta claro de donde venia esa explosión de energía cuando agarraba el micrófono y bailaba como lo hacia Bobby Farrell de Boney M, su durísima infancia le marco el carácter para siempre. La parte tecnica de 'Rumba 3, de ida y vuelta' brilla en la dirección y el guión dinámico de los noveles David Casademunt y Joan Capdevila (hijo de Juan Capdevila) y también en el montaje de Pau Bacardit cuyo último trabajo 'Anabel', un filme de Antonio Trashorras, se proyecto en el pasado festival de Sitges. Las escasas escenas ficcionadas son de gran calidad y muestran a la perfección esas anécdotas tan interesantes que tanto los familiares como el propio grupo relatan. La fotografía es sencilla, obra de Christian Moyès, tampoco el montaje permite explayarse mucho y es en esas ficciones supletorias de los testimonios donde vemos el acertado trabajo de Moyès. Tossa Bella (Tossa de Mar es la localidad donde reside actualmente Rumba 3) produce y distribuye el documental en colaboración con RollOut Producciones y Fitzcarraldo Films a quienes agradezco el habernos facilitado el visionado de este acercamiento a uno de los mejores grupo de rumba catalana que ha dado este país.

SCARFACE

 Scarface - Howard Hawks - Estados Unidos

10/10

La x marca el lugar del crimen. Todos los que hayan visto esta película sabrán a que me estoy refiriendo con esta alusión a uno de los muchos elementos que hacen de esta película una obra maestra del cine, y del genero de gangsters en particular,porque si hay algo de lo que rebosa esta obra es de inventiva visual en cada fotograma. Pero vayamos al meollo del asunto,el argumento y su construcción. Tony Camonte es un matón que quiere ascender en el mundo del crimen a toda costa y no dudara en liquidar a todo el que se le ponga por delante con tal de hacerse con el control de la venta de alcohol durante la época de la ley seca. Ambicioso, capaz de desear lo que otros poseen (algo que observamos sin duda en su encaprichamiento por la sofisticada amante prostituta de su jefe) Camonte tiene una debilidad, la única cosa que sabe que no puede poseer, su propia hermana, de la que esta secretamente enamorado, y a la que no permite que se le acerque ningún hombre, esta circunstancia sera fundamental en el devenir de los acontecimientos. La escena inicial de la película ya pone la primera piedra de lo que veremos durante todo el metraje, el magnifico uso que se hace de la sugerencia mediante símbolos, sombras y otros elementos visuales que su director saber poner en liza de manera magistral, letreros direccionales, uso de la luz y de los neones, el cartel mítico de THE WORLD IS YOURS así como una magnifica descripción de personajes y de una realidad social que se estaba produciendo durante el rodaje del film, no en vano, Camonte está inspirado en la figura de Al Capone, un aspecto del film que quisiera remarcar porque resulta interesante. 'Scarface' comienza con unos rótulos donde se nos indica que la película es una crítica a la dejadez de las fuerzas vivas del país que permiten que individuos como estos campen a sus anchas, y a la prensa que los encumbra como si fueran dioses (no hace falta recordar que nos encontramos a finales de los años 20 principio de los 30) en un país donde los forajidos siempre han tenido ese aura mitificada, sobre todo en una época donde la crisis social había conseguido el desarraigo de una gran parte de la sociedad que veía a estos individuos como personas que estaban por encima de ese sistema e irremediablemente causaban admiración por ello (hoy en día los forajidos llevan traje y corbata y no causan precisamente esa impresión...no se si me explico) y en esa cuestión hay una escena donde un grupo de ciudadanos con influencias junto al alcalde, piden explicaciones al director de un diario por publicar ese tipo de reportajes, a lo que este responde que ellos no son responsables de la violencia,que no existen leyes para regular la entrada de armas desde la frontera, que las leyes de inmigración con respecto a las expulsiones del país son muy laxas y que deberían ser los propios ciudadanos los que exigieran al gobierno la aplicación de leyes mas duras,me parece interesante la critica que subyace en cuanto a como la prensa escurre el bulto respecto a su descarnado sensacionalismo, hay cosas que no han cambiado ¿no? ...pero volviendo a la cuestión, la película hace gala de algunos momentos inolvidables como ese magnifico plano donde vemos caer las hojas de un calendario al ritmo de una ametralladora simbolizando la ola de violencia entre las bandas, el momento donde se recrea la matanza de la noche de San Valentín, la ingeniosa conclusión de la escena de la bolera o el irónico final, la película fue producida  por el magnate Howard Hugues autentico promotor del proyecto y que muchos recordareis por la película dirigida por Martin Scorsese basada en su vida y obra 'The Aviator'. 'Scarface' forma parte de la era dorada del género, comparte prestigio con obras contemporáneas tan importantes como 'Little Caesar' o 'The Public Enemy', ambas de 1931, y contó con un extraordinario remake a cargo de Brian De Palma en 1983 con un soberbio Al Pacino, en definitiva, una de las mejores películas de la historia de cine que recomendaría ver a todo buen aficionado.

VOLVER A SOÑAR

Volver a Soñar - Daniel Gálvez - España

8/10

Si tuviera que comparar 'Volver a soñar' con algún otra producción, ese sería sin duda 'Cinema Paradiso'. No exagero. Obviamente la película de Tornatore es la película de Tornatore pero el nivel de emotividad que provocan ambas realizaciones en su tramo final es casi similar, deja ese poso bueno y ese sentimiento tan grande que es el de llorar de felicidad. El primer paso dentro de la industria cinematográfica de Daniel Gálvez condensa en poco mas de 10 minutos lo que el cine es capaz de provocar en el ser humano y su función como catalizador para hacer soñar incluso a aquellos que lo han perdido todo como es el caso del protagonista de 'Volver a soñar', Mauricio (Hermann Bonnín), un sin techo que no ha renunciado a soñar y al cual ese arte que tanto ama, el séptimo, le depara una ultima gran sorpresa. Ese sería un argumento perfecto sin revelar ningún detalle esencial. No es que haya truco final, su potencial reside en la magia de toda la historia no de un as bajo la manga al final. Parece increíble que se trate de un cortometraje de un director novel, la factura técnica es excelente y el mensaje que se quiere transmitir claro y emotivo, sin pretensiones, directo al corazón sin disfrazar la realidad de ñoñerías y banalidades. El cine dentro del cine y nunca mejor dicho, en 'Volver a soñar' se nota el amor de Gálvez por el cine en el tratamiento humilde y austero de la historia y como la desarrolla, queda claro que el director barcelonés aporta esa experiencia adquirida durante años como aficionado y como periodista en pases de prensa y festivales (véase la escena del discurso dentro de la sala y donde pone la cámara para enfatizar la soledad de ese director novel); este mismo tratamiento honesto y sencillo esta en su mensaje final y las localizaciones elegidas (en una de las escenas podemos ver a Mauricio asistiendo a la proyección de 'La nit que va morir l´Elvis' en los Cinemes Girona y mas tarde otra película en el Cine Alexandra) son una prueba de esa experiencia que menciono y que tan bien queda reflejada en el cortometraje. El guión del propio Gálvez y el montaje de Marc Bou que también es el script son otro de los puentes fuertes de 'Volver a soñar' pues mantiene el interés hasta el final, empatizar con el personaje de Mauricio es fácil, y eso se debe tanto al guión que construye un personaje con escasas frases pero muy cercano y a una interpretación notable del veterano Hermann Bonnín que aporta una mirada tierna pero humilde. El protagonista total y absoluto es Bonnín pero en el reparto también encontramos otras caras conocidas en pequeños papeles como la de Aina Clotet, conocida sobre todo por sus papeles en series catalanas de gran éxito como 'Estació d´enllaç', donde empezó su carrera y en otras como 'El cor de la ciutat', 'Infidels' o 'Gran Nord', su ultimo trabajo fue en la segunda entrega del díptico romántico dirigido por Dani de la Orden, 'Barcelona, nit d´hivern'. También en papeles pequeños Bruno Sevilla ('Tercer Grado', 'Sweet Home'), Anna Ycobalzeta ('Ventdelplá', 'Polseres Vermelles', 'Merlí') y Tony Corvillo ('El cor de la ciutat', 'La Riera', 'El Principe'). J.M. Quintana Cámara ('Isonomia') es el compositor de una banda sonora que le va como anillo al dedo a la historia, un solo de piano que acompaña las imagenes por momentos y que se deja oír en su total esplendor en los créditos finales. Cuenta con una acertada y urbana fotografía de Marcos Plana ('The Directors Cuts', 'Around Us') y esta producido por el propio Daniel Galvez en colaboración con John Prskalo. 'Volver a soñar' tiene una duración de 14 minutos, esta completamente rodado en Barcelona y tras los créditos finales encontrareis una prueba que refuta mis palabras sobre el amor que destila su director por este arte, un guiño/cameo al estilo Hitchcock con el director y el productor cruzando de lado a lado. Hace unos pocos días 'Volver a soñar' fue seleccionado por primera vez para competir en la selección oficial del Ko&Digital Festival Internacional de Cine Solidario de Sant Sadurní d'Anoia siendo su proyección el martes 14 de junio a partir de las 20:30h en c/Industria, 59 (Sant Sadurní d'Anoia, Barcelona). Desde las cuentas oficiales del blog en Twitter y Facebook os iremos informando de las novedades del corto pero tambien podeis estar al dia siguiendo su pagina oficial en Facebook.

10 Y 10: ONETTI BROTHERS

Hoy os traemos un nuevo '10 y 10' muy especial desde el otro lado del charco. Concretamente desde Argentina llegan 4 listas pertenecientes a dos de los resucitadores del nuevo giallo o neogiallo junto a los belgas Hélène Cattet y Bruno Forzani, se trata de los hermanos Onetti, Luciano y Nicolás. Luciano dirige y Nicolás produce. Aunque esos sean sus dos roles prefijados ambos se podrian considerar autodidactas pues han producido, escrito, protagonizado y compuesto la banda sonora de sus dos primeras obras. 'Sonno Profondo' en 2013 y 'Francesca' en 2015. Ambos films estrenados con gran acogida de público y crítica durante el Festival de Sitges en sus respectivos años conforman un díptico excepcional con base en las famosas películas giallo de principios de los 70 que ha conseguido devolver a este subgénero el esplendor e interés de su época de oro. Mientras que 'Sonno Profondo' presenta una linea mas experimental mediante un único plano subjetivo del asesino que a su vez es también el protagonista, en 'Francesca' se conjugan todos y cada uno de los elementos básico del giallo mas prematuro y asombroso, el de principios de los 70. No os las perdais si teneis ocasión. En los enlaces teneis la reseña de ambas películas. Y ahora, lo que importa, las listas de estos argentinos sangrientos directamente para todos vosotros.

NICOLÁS ONETTI

MIS 10 PELÍCULAS FAVORITAS

1. A Clockwork Orange (1971) - Stanley Kubrick - Reino Unido

2. Godfellas (1990) - Martin Scorsese - Estados Unidos

3. Pulp Fiction (1994) - Quentin Tarantino - Estados Unidos

4. 2001: A Space Odyssey (1968) - Stanley Kubrick - Reino Unido

5. Whiplash (2014) - Damien Chazelle - Estados Unidos
 
6. Cidade de Deus (2002) - Fernando Meirelles, Kátia Lund  - Brasil

7. Eyes Wide Shut (1999) - Stanley Kubrick - Reino Unido

 8. Inception (2010) - Christopher Nolan - Estados Unidos

9. Rear Window (1954) - Alfred Hitchcock - Estados Unidos

10. Unforgiven (1992) - Clint Eastwood - Estados Unidos

 
MIS 10 PELICULAS DE TERROR FAVORITAS

1. Tenebre (1982) - Dario Argento - Italia

2. Dawn of the Dead (2004) - Zack Snyder - Estados Unidos
 
3. Halloween (1978) - John Carpenter - Estados Unidos

4. The Hills Have Eyes (1977) - Wes Craven - Estados Unidos

5. Martyrs (2008) - Pascal Laugier - Francia

6. Profondo Rosso (1975) - Dario Argento - Italia

7.  The Strangers (2008) - Bryan Bertino - Estados Unidos

8. I corpi presentano tracce di violenza carnale (Torso) (1973) - Sergio Martino - Italia

9. The Hand (1981) - Oliver Stone - Estados Unidos

 10. A Serbian Film (2010) - Srdjan Spasojevic - Serbia

LUCIANO ONETTI

MIS 10 PELÍCULAS FAVORITAS

1. Citizen Kane (1941) - Orson Welles - Estados Unidos

2. A Clockwork Orange (1971) - Stanley Kubrick - Reino Unido
 
3. Godfellas (1990) - Martin Scorsese - Estados Unidos
4. Rear Window (1954) - Alfred Hitchcock - Estados Unidos

5. The Usual Suspects (1995) - Bryan Singer - Estados Unidos
 
6. Pulp Fiction (1994) - Quentin Tarantino - Estados Unidos

7. The Godfather (1972) - Francis Ford Coppola - Estados Unidos

 8. Irréversible (2002) - Gaspar Noé - Francia

9. 2001: A Space Odyssey (1968) - Stanley Kubrick - Reino Unido

10. Memento (2000) - Christopher Nolan - Estados Unidos

 
MIS 10 PELICULAS DE TERROR FAVORITAS

1. The Texas Chainsaw Massacre (1974) - Tobe Hooper - Estados Unidos

2. Night of the Living Dead (1968) - George A. Romero - Estados Unidos
 
3. The Exorcist (1973) - William Friedkin - Estados Unidos

4. Profondo Rosso (1975) - Dario Argento - Italia

5. Psycho (1960) - Alfred Hitchcock - Estados Unidos

6. Les yeux sans visage (1960) - Georges Franju - Francia

7.  The Shining (1980) - Stanley Kubrick - Estados Unidos

8. Rosemary´s Baby (1968) - Roman Polanski - Reino Unido

9. Martyrs (2008) - Pascal Laugier - Francia

 10. Los Otros (2001) - Alejandro Amenábar - España

TORO

Toro - Kike Maíllo - España

6.5/10

Honesta propuesta en formato thriller de acción con reminiscencias al 'Drive' de Winding Refn y un toque muy español la que propone el realizador español Kike Maíllo en 'Toro', segundo largometraje de su carrera tras la premiada 'Eva' en 2011. No va a ser la película de acción del año ni tampoco es un producto superior a la media pero el regusto que deja 'Toro' es bueno. Su mayor baza no esta ni en los personajes, los cuales están perfilados con dos o tres lineas máximo, ni tampoco en la acción que solo aparece en algunos momentos concretos; el mayor o mejor logro de 'Toro' es conformar un thriller bien empacado, sencillo, básico, honesto, con los justos alardes tanto en violencia como en secuencias de acción, con una estética muy marcada y una enfatización del color rojo constante así como el uso de sintetizadores en la banda sonora. Esto precisamente es es lo que lleva a esa comparación con Refn. Bueno, eso y cierta secuencia previa a los créditos iniciales también. 'Toro' no es una españolada cañí, ni un intento de copiar fantasmadas americanas, lo que ocurre y como ocurre es totalmente real y posible, el escaso uso y aparición de armas de fuego en comparación con armas blancas es un ejemplo de esto que digo. Dirigida por Kike Maíllo con guión de Rafael Cobos y Fernando Navarro esta producida por Apaches Entertainment (hay un guiño a esta productora hacia el final protagonizado por Tosar?), Atresmedia Cine, Zircozine (productora de Luis Tosar), Escándalo Films, Maestranza Films, Telefónica Studios y Ran Entertainment, en asociación con BMedia 2013-Back up Media. La película tiene una duración de 100 minutos y cuenta la historia de Toro (Mario Casas), que tras un incidente termina entre rejas para cinco años después y a punto de terminar el régimen de pernocta en la prisión verse involucrado en el rescate de su sobrina Diana (Claudia Vega), la hija de López (Luis Tosar), que ha sido secuestrada por el temible Romano (José Sacristán) con el fin de saldar una deuda pendiente.

Color predominante el rojo, titulo 'Toro', créditos iniciales con India Martinez desgarrándose la voz, Mario Casas...la película desde fuera apesta a chonismo puro y duro, a un 'GTA Spain' con bailarinas de sevillanas armadas con uzis acechando en cada esquina y no...'Toro' no es asi, es mas seria en ese sentido. Es mas cercana al cine negro o al drama que al propio de cine de acción, la historia ya la has visto antes pero no así, contiene algunos escasos chispazos de humor sobre todo gracias al personaje que interpreta Luis Tosar y que funcionan bien como contra punto a la seriedad del de Casas, contenido en toda la película y ofreciendo un aceptable registro. No voy a criticar a Mario Casas por la sencilla razón que no soy nadie para hacerlo ni creo que supiera hacerlo mejor que el, su interpretación me parece aceptable y su seriedad no me chirría, encaja bien con el personaje incluso físicamente pero el tono de la voz...ahí algo falla. Sacristán esta onfire y ese perfil malévolo junto al tono de voz que tiene le va perfecto al personaje de Romano que interpreta, un jefe mafioso sin escrúpulos, esta hecho a su medida. Atención a la escena nocturna Sacristán/cuchillo en su visita a la Tita. En los secundarios 'Toro' también esta bien surtida, la nominada al Goya por actriz revelación Ingrid García Johnsson como la novia de Toro, el hombre de confianza, mano derecha de Romano que viste con el traje oficial de choni es Ginés, interpretado por José Manuel Poga y en menor medida Ignacio Herráez, Nya de la Rubia, Claudia Canal, Claudia Vega, Manuel Salas, Isabel Zayas y Luici Macías como la Tita. Buena fotografía de Arnau Valls Colomer y un montaje simple y potente pero limpio de Elena Ruiz conforman ese producto llamado 'Toro', fácil de vender y fácil de criticar porque al igual que la película empieza con muchisima potencia con la secuencia previa y los créditos iniciales luego uno no se explica si los conductores de los otros coches durante la persecución en la playa iban ciegos de peyote para no ver semejante contenedor y bueno...así es 'Toro', tiene cosas buenas y otras no tan buenas pero el conjunto en general es aceptable. Un noir made in spain, un thriller tranquilo, sin explosiones ni alardes de acción ni de violencia, con ausencia expresa de diálogos para potenciar lo visual, no es 'Airbag' de Ulloa ni 'GTA', es Kike Maillo. Todo en 'Toro' juega a favor de lo visual porque me niego a pensar que Rafael Cobos, autor del guión de 'Grupo 7' y co-guionista de 'La isla minima', haya creado unos personajes tan planos porque si sin una intención secundaria como es la de potenciar el impacto visual e ir directo al grano. En el guión de 'Toro' también participa el televisivo Fernando Navarro ('Cuatrosfera', 'Hispania', 'Anacleto: Agente Secreto'). No hay banda sonora mas que la edición de sonido con algunos sintetizadores todo bajo el mando de David Machado y algunos temas independientes entre otros como por ejemplo al inicio con India Martínez o Bambino que suena a mitad del film.

THE FINEST HOURS

The Finest Hours - Craig Gillespie - Estados Unidos

6/10

'The Finest Hours' es una película dedicada a un hecho real que ocurrió en 1952, la historia del mayor salvamento realizado nunca por la más pequeña embarcación. Así pues estamos hablando de lo que debería ser una película épica donde los sacrificios y sufrimientos están presentes en cada minuto de la cinta. Disney nos presenta una película de época, ambientada en los glamurosos años cincuenta donde el capitán de la guardia costera Benard Webber, interpretado por un sosísimo Chris Pine da vida a su protagonista. Este debe enfrentarse a una decisión que le puede costar su vida y la de los hombres a su mando. Lo que nos vamos a encontrar una vez sentados cómodamente en nuestra butaca será la presentación a modo de historia de amor del capitán Webber, un personaje tímido y bastante estricto con las reglas a las que ciñe su vida como guarda costero pero el amor que todo lo puede entra en su vida cuando conoce a Mirian la que será su futura esposa interpretada por Holliday Grainger (posiblemente la recordéis haciendo de Lucrecia Borgia en la serie de televisión). Tras este comienzo donde se pretende simpatizar y comprender la mentalidad del capitán Webber aunque en mi opinión no hace más que plantearte si el protagonista no sufrirá de un posible síndrome de asperger, damos paso a la acción que es lo que más esperamos de esta película. El SS Pendleton un petrolero que se dirigía a Boston es literalmente partido en dos por una de las mayores tormentas invernales que se dieron en las costas de Nueva Inglaterra. Treinta marinos han quedado en una de las partes del buque y pronto van a acompañar en el viaje final a sus otros compañeros que yacen en el fondo del mar junto con la otra mitad hundida. Ante tan desesperada situación el oficial ingeniero del petrolero, interpretado por el hermano pequeño de Batman (Cassey Affleck), intentará coordinar a los hombres que quedan de la tripulación para que trabajen unidos, pese a que en un principio  no es nada apreciado poco a poco conseguirá ser obedecido, se ve que esta familia no cae bien allá donde vaya. Las noticias del desastre llegan hasta la estación costera de Chatam en Massachusetts, el oficial al mando Daniel Cluff, (interpretado por un Eric Bana que de tan soso que es llegas a tomarle cariño) debe decidir mandar una operación de rescate para salvar a los supervivientes del petrolero. El capitán Webber será el que junto con cuatro hombres más deberá encabezar esta operación de salvamento en el barco más ridículamente pequeño que puedas imaginar para esta tarea. Olas gigantescas, vientos y temperaturas extremas son algunas de las cosas a las que deberá enfrentarse para poder llevar a cabo su decisión de salvar a las víctimas de este naufragio. Esta es la parte que mas merito y en la que mas destaca la película, tanto la fotografía como su manera de filmar nos ofrecen por fin algo espectacular en lo que podamos prestar verdadero interés porque hasta ese momento el drama humano del que hemos sido testigos nos ha dejado como en el mes de febrero el tiempo en las costas de Massachusetts. La acción a partir de este momento se divide en dos, por un lado veremos como el capitán Webber y su minúsculo bote intentan encontrar la parte que aun no se ha hundido del petrolero y por otro como el oficial ingeniero busca soluciones para demorar el hundimiento de lo que queda de su buque. La desesperación de la gente que ha quedado en la estación de guardacostas esperando noticias no ayuda en nada a que la trama se desarrolle más bien hace todo lo contrario y parece metidas con el único pretexto de alargar la película sin ton ni son. Si algo te puede hacer disfrutar de la película es su espectacularidad en las escenas donde vemos el mini bote del capitán Webber rompiendo las olas para llegar a encontrar el petrolero, escenas muy bien filmadas y movimientos de cámara que no te marean como viene siendo lo normal en el cine actual. En contra su poco interés en el drama que se desarrolla ya sea por los actores y sus espesas interpretaciones o por que la película no consigue llegar al nivel épico que cuenta la historia real. En definitiva una película para pasar un rato y para olvidar que me recordó a la 'The Perfect Storm' de Petersen sin un George Clooney que la salvara del naufragio.

THE JUNGLE BOOK

The Jungle Book - Jon Favreau - Estados Unidos

Os acordáis cuando a principios de los 90 empezaron a llegar a los salones recreativos las primeras maquinas 3D? Bueno, si no, os lo cuento yo. Se trataba básicamente de unas cápsulas de metal enormes donde entraban una o dos personas máximo, el aparato se cerraba y empezaba la experiencia 3D. La mayoría estábamos acostumbrados a las 2D habituales, las motos que seguían siendo 2D aunque te montaras en una o el partido de discos flotantes. La llegada de estos monstruos de metal asegurando la experiencia definitiva nos llamo mucho la atención. Tras hacer una mínima cola y  pasar 15 minutos dentro, la compuerta se abría. Las caras de aburrimiento de la gente que salia de dicha cápsula eran un poema. Una experiencia vacía que solo exigía de la vista para poder disfrutarla, sin interacción y sin nada mas que estar sentados delante de una pantalla donde una cámara aérea recorría montañas y ciudades. Así es esta nueva visión de 'The Jungle Book', una experiencia que promete mucho y solo ofrece vacío. Tranquilos, no he sacado el traje de pana con olor a naftalina del armario, simplemente me parece una versión, visión, reboot, adaptación, o lo que sea, vacía e inútil. Inútil en el sentido de no aportar ningún enfoque nuevo o algo que la diferente mas allá de la parte visual, que si, es muy bonita y esta excelentemente realizada pero no mejora en nada a la original que, para mas datos, es uno de los clásicos animados de Disney mas vistos en el mundo entero. Quiero decir, en volumen de visionados, el clásico de 1945 debe estar entre las 5 películas de Disney vistas mas veces por todo el mundo, así que...para que volver a contar la misma historia y decirnos lo mismo que tan bien se encargo y se sigue encargando de hacer el film de Disney? Quizás se trate de inculcar unos valores que parecen perdidos actualmente a una generación que no ha crecido con estos clásicos, por ese lado me parece bien pero la generación actual de niños a los que va dedicada mayormente esta película, no son idiotas y mucho menos tontos, si pueden elegir entre ambas versiones, tenedlo claro que sin duda elegirán la animada.

No me parece un film malo, esta muy bien realizado, visualmente es una maravilla y Neel Sethi, el niño que da vida a Mowgli, esta genial si tenemos en cuenta que mas del 80% de su papel fue delante de un panel verde pero mi desencanto con esta versión principalmente es porque no hace olvidar a la de Disney para nada, esperaba ver un enfoque como el de Annaud en 'Two Brothers' con animales que no hablan o quizás una proto versión de Mowgli como en el reboot de 'Rise of the Planet of the Apes' de 2011, algo distinto. Mientras que la versión de dibujos animados estrenada en 1967 es obviamente infantil y dedica a un publico muy concreto, esta de 2016 se antoja algo mas oscura o sucia que aquella acercándose mas al relato original de Rudyard Kipling donde los adultos también pueden maravillarse con los grandes avances visuales que se han conseguido para el séptimo arte. Uno de los grandes errores radica precisamente en querer vendernos animales 'reales' que hablan y cantan, mirándolo desde fuera es extraño y bizarro, ni siquiera las míticas canciones tienen la misma gracia. Esto, no pasaba en la versión animada donde los personajes encajaban perfectamente en su entorno. Lo que mas me gusto fue oír a Idris Elba como Shere Khan, pocas cosas deben acojonar mas que eso. En el reparto también participan con sus voces Ben Kingsley como Bagheera, Christopher Walken como King Louie, Bill Murray como Baloo o Scarlet Johansson como Kaa entre otros. Jon Favreau, director de las dos primeras partes de 'Iron Man'y productor ejecutivo en la tercera así como también en 'Avengers' y 'Avengers: Age of Ultron' dirige el guión adaptado por Justin Marks ('Street Fighter: The Legend of Chun-Li') sobre la obra original que Rudyard Kipling publico en 1894. 'The Jungle Book' de Favreau gustará a los mas pequeños de la casa sin ninguna duda y también a gran parte del publico adulto por su gran factura técnica e incluso puede ser la chispa detonante que consiga que muchos de ellos, tanto grandes como pequeños, vuelvan a revisionar el clásico de Disney que tan buenos valores procesaba, valores como la experiencia de la madurez, la supervivencia, la responsabilidad, la amistad o la importancia de la familia. En definitiva, película floja que no aporta ninguna visión nueva, es exactamente la misma producción de 1967 sin ningún avance o añadido mas que el uso de unos excelsos fx. Quizás su secuela que ya esta producción, nos cuente como continúan las aventuras de Mowgli y resulte mas interesante. Esperaremos.

CANTINFLAS

Cantinflas - Sebastián del Amo - México

7/10

Dos años. Dos años ha tardado en llegar a los cines españoles este falso biopic del mítico artista mexicano interpretado por Óscar Jaenada, 'Cantinflas'. Hago un inciso: Gracias A CONTRACORRIENTE FILMS por seguir haciendo tan buenísimo trabajo. Prosigo. Falso biopic o biopic no convencional porque no cuenta nada de la infancia de Mario Moreno y su montaje a caballo entre la pre-producción de su gran éxito en tierras americanas 'Around the World in 80 days' y los inicios del propio personaje a partir de 1933 restan mucho interés y ritmo a una historia que pudo haber dado mas de si. Cierto es que se llama 'Cantinflas' y no 'Mario Moreno'. Tratándose mas de un biopic del personaje que del artista que lo creo, la omisión de la infancia del actor mexicano esta 'justificada'. La introducción de esa parte 'americana' me parece mas que una buena idea para la cronología tanto del guión como del montaje pero hay que ver el cuadro desde fuera y darse cuenta que no es mas que una campaña de marketing para vender el producto en todo el mundo, para que 'Cantinflas' sea un pseudo biopic global y no un producto puramente para el publico latino. Tampoco engaña ya que uno se puede dar cuenta del tono y por donde se van a mover los hilos en los primeros 10 minutos de película. Otra de las cosas que entrarían dentro de ese truco de marketing que es la parte 'americana' es la banda sonora totalmente azucarada, empalagosa e infantil del murciano Roque Baños que conforma un ambiente a moralina naftalinera nada acorde con ese 1955 tan luminoso que se nos muestra.

Volviendo a lo de biopic de Cantinflas/Mario Moreno hay algo que no llegué a entender, si la explicación a que su infancia no sea relatada es que se trata de un biopic del personaje y no del artista, porque no se nos cuenta el origen de los famosos harapos que Mario usa para convertirse en Cantinflas? En comparación con por ejemplo Chaplin, el gorro y el bastón son algo significativo en su carrera, como Batman y su traje, si se trata del biopic de Cantinflas me parece un gran error no explicar el origen de ese atuendo tan característico. También se aprecia en el guión algo de confusión en el intento de mostrar poco o mucho los momentos claves en la vida de Mario Moreno (pero no era un biopic sobre el personaje?), su lucha por la igualdad y el reparto equitativo de las subvenciones del sindicato de actores, el drama personal con su mujer por no poder tener hijo así como el trauma de verse superado por su propia creación como así demuestra la única escena en que vemos a un Mario Moreno lanzando un vaso contra un cuadro de Cantinflas. Mas que confusión en el guión suena a metraje recortado, a sensación de querer contentar a todos y contar mucho en poco tiempo como por ejemplo intentando hacer que el espectador entienda de donde saco la inspiración Mario par algunas de sus futuras películas haciendo de político (escena en el teatro) o barrendero (escena con un amigo del barrio). La película dirigida y co-escrita por Sebastian del Amo junto a Edui Tijerina tiene algo especial, algo que la salva y la hace única. Óscar Jaenada. El español no solo ofrece un registro pasmosamente idéntico al del actor mexicano sino que físicamente es la viva imagen de Cantinflas. Por mucho que se empeñe la gran mayoría de publico mexicano en echar pestes sobre la elección de Oscar para el papel, es algo que salta a la vista, era la mejor elección posible, facciones, gestos, miradas, tono de voz, todo, y os lo dice un fan de la filmografía de Cantinflas. La actuación de Jaenada es brillante, resucitando a Cantinflas (comedia) y a Mario Moreno (drama) como se puede observar en el primer encuentro que tiene con Michael Todd (Michael Imperioli). Oscar Jaenada es el salvavidas de esta película sin ninguna duda y la razón de darle un 7/10 a la película. Como español se podría decir que barro para cada pero sinceramente, sabéis que no, solo hay que verlo actuar en un par de escenas para darse cuenta que no se podría haber encontrado ningún actor mejor que el para este papel. Poco mas, me gustaría que hubieran desarrollado mas la parte dramática y que se mostrara la infancia de Mario pues creo que en ella esta la esencia del mito de Cantinflas, en sus raíces y en su humildad. Entre la actuación de Jaenada, la multitud de cameos la película y los 3 o 4 detalles simpáticos que tiene el guión sobre curiosidades de la vida de Cantinflas, el film se soporta mejor y se hace pasable. De momento habrá que conformarse con este 'biopic' hasta que el ciclo de la vida nos permita ver de nuevo otro distinto con otra visión o enfoque donde se nos cuente TODA la vida de Mario Moreno.

HUSH

Hush - Mike Flanagan - Estados Unidos

6.5/10

 'Hush' es una nueva i correcta propuesta en el subgénero conocido como 'home-invasion'. Estrenada el 8 de abril por Netflix simultáneamente en todo el mundo, nos cuenta como Maddie (Kate Siegel), una escritora sordomuda, se aisla en una cabaña en el bosque para poder terminar su último libro. Pero la tranquilidad que ella buscaba se vera rota por un extraño enmascarado y empezara una terrorífica y larga noche.
El genero de las películas llamadas 'home-invasion' a veces nos da alguna alegría como con la magnífica 'Funny Games', la de 1997, o la mítica y salvaje 'Straw Dogs' de 1971 con Dustin Hoffman, conocida aquí como 'Perros de paja'. Mas recientemente nos ha dejado algún titulo digno de mencionar como la infravalorada 'The Strangers' de 2008 con Liv Tyler, o 'You're the next' de 2011, que mezcla este subgénero con el slasher puro y duro. También desde el cine español nos ha llegado alguna buena propuesta de este tipo de cine como la notable 'Secuestrados' (2010) con una excelente actuación de Manuela Vellés. 'Hush' no llega al nivel de todas estas propuestas, pero consigue un aprobado a pesar de sus defectos, que los tiene. El director Mike Flanagan ('Oculus') consigue crear una muy buena atmósfera de tensión en la primera parte de la película, pero en el tramo central le pierde un poco el pulso al ritmo y aunque en el rush final lo levanta un poco, no consigue alcanzar el nivel que nos muestra al inicio. En lineas generales la factura es buena, utiliza bien la iluminación y el reducido espacio del que dispone, pero alguna escena podría estar mejor resuelta. El director que también es guionista junto con su pareja, que curiosamente es la protagonista de esta cinta, no tuvo demasiado faena en escribir el guión ya que durante todo el metraje apenas hay quince escasos minutos de dialogo ya que el personaje principal es mudo. Esto que podría parecer un handicap, es una de las virtudes de la película, ya que el director utiliza de manera notable el sonido y la banda sonora. Otra de la cosas positivas, es la duración, 81 minutos, ya que a veces se tiende a estirar demasiado el chicle y se empeora el resultado. No es el caso. Las interpretaciones son correctas. Kate Siegel consigue transmitirnos la angustia y el sufrimiento de su personaje, pero patina un poco cuando utiliza el lenguaje sordomudo, ya que se le nota demasiado que no lo es. Su antagonista, el maníaco que quiere matarla, esta interpretado de manera bastante convincente por John Gallagher Jr., recientemente visto en la notable '10 Cloverfield Lane'. En definitiva, una buena propuesta, en que sus virtudes dominan por encima de sus errores y que pudo resultar mucho mejor, pero también pudo ser mucho peor.

 Posible SPOILER: Para mi uno de los grandes errores de la cinta es que el asesino se despoje tan rápidamente de la estupenda mascara. La tendría que llevar puesta al menos hasta mitad de la cinta, ya que resulta bastante inquietante. FIN SPOILER.

LONDON HAS FALLEN

London Has Fallen - Babak Najafi - Estados Unidos

5/10

Cuidado, cuidado, cuidado. No es 'The Raid' ni tan siquiera 'John Wick' e imposible llegar a la altura de esa obra maestra llamada 'Die Hard' pero ojo con criticar alegre y negativamente esta 'London Has Fallen' porque aunque siga siendo igual o peor que su predecesora si es posible apreciar una mejora ostensible en el único potencial salvable que tiene la saga, las escenas de acción. Hay un trabajo y un esfuerzo detrás y las cifras de taquilla respaldan este tipo de films. 'OHF' hizo casi 100$ con un presupuesto de 70$ lo que, si no me salen mal las cuentas, la broma les salio ligeramente rentable. Vamos a la película. Mientras que el patriotismo descarado sigue presente así como las pinceladas contadas de humor corrosivo o ese guión lleno de lagunas, las escenas de acción en esta secuela han subido el listón un poco mas. En 'London Has Fallen' no se respeta ni a nada ni a nadie, cualquiera puede morir y todo puede ser destruido. Cierto que algunos cromas del ataque inicial cantan un poco pero como digo, hay un aumento de la calidad en las escenas de acción como pueden ser la persecución por las calles de Londres cuando se dirigen al helicóptero del presidente y como no, el enorme plano secuencia del segundo tramo de la película. 'London Has Fallen' no es mejor ni peor que 'Olympus Has Fallen' pero si mucho mas lograda y efectiva, sigue cometiendo el error de tomarse en serio a si misma en muchas ocasiones pero desde luego el sueco Babak Najafi, su director, ha sabido imprimir ritmo y darle a una secuela de este tipo lo que el publico espera de ella, mas de todo y en abundancia. En las explosiones del inicio es donde se notan mas los cromas pero en esa misma set piece es donde Najafi introduce toda la iconografía deudora de la saga y que supone el titulo del film gracias a una infiltración total y a todos los niveles del enemigo en cuestión, se pueden ver policías disparando a policías en la plaza Trafalgar, a la guardia real masacrando civiles y mandatarios en frente del palacio de Buckingham, el puente de Chelsea y la abadía de Westminster destruidas así como un tremendo bombazo en el río Támesis cuya onda expansiva afecta hasta al Big Ben. Todo esto llega en los primeros 30 minutos. Sentada la iconografía de la secuela el resto es donde Najafi se suelta la mano y vemos su poca experiencia, todo resulta previsible, hay acción sin descanso (tiroteo+bombazos+persecución coche+persecución helicóptero+emboscada+rescate), situaciones de guión cogidas por los pelos (atención a como logra contactar Butler tras los atentados con la Casa Blanca), frases lapidarias en plan aspersor, y un mas de lo mismo donde destaca solo la acción y como esta es rodada. De una única localización se pasa a una ciudad entera y el equipo de 'LHF' sabe sacarle provecho dignamente. El plano secuencia del segundo tramo que cite antes es la prueba mas clara de que esta saga puede llegar a ser mucho mas, el potencial que tiene queda en ella patente como no paso en ningún momento en 'OHF', cada ciudad importante del mundo puede representar una secuela mas y así hasta la saciedad o hasta que el publico se canse o no se le de lo que espera, acción, acción y mas acción, mas explosiones, mas situaciones al limite, mas descontrol, etc...En 'LHF' repite todo el equipo de 'OHF' a excepción del director y la fotografía donde se ha apostado en esta ocasión por el británico Ed Wild ('Severance (Desmembrados)') y no por Conrad W. Hall. Butler y Eckhart (Carl Winslow y John Mclane) son el motor de una película que por momentos no sabe si hacer un descanso para soltar una coña o seguir tomándose tan en serio a si misma tan extremadamente. El abuso del humor podría devenir todavía mas si cabe en un film paródico totalmente, esta saga juega en esa linea dando saltos sin saber que el peligro puede llegar en cualquier momento si no se aferra pronto a a un estilo, o paródico introduciendo mas humor o seria tornándose una pseudo saga Bourne. Cinta pasable, mejor que la primera en mi humilde opinión por el solo hecho de ampliar el campo de batalla dando pie a mejores secuencias de acción. Mala, floja, pasable, 'LHF' será como quieras que sea. A mi personalmente me gusta la comodidad y si puedo ver una película, aun floja o mala, y seguir haciendo después otras labores no veo el problema, la veo, y sigo, otros en cambio la ven y su cabeza no para de buscar errores, fallos, etc...mientras que yo ese tiempo lo dedico a descansar la mente, comodidad se llama y pocas ganas de complicarme la vida con algo que no me la quiere complicar, solo intentar hacerme disfrutar, o no.Testosterona y balas. Uso cerebral = 0. Disfrute = Aceptable.