ESPECIAL GIALLO

 Por fin ve la luz este especial recopilatorio sobre el genero que revoluciono el cine de terror a principios de los 70, el giallo italiano. En total son 8 reseñas pertenecientes a a grandes películas de este genero escritas todas ellas por grandes criticos nacionales e internacionales como son Signor Wardh, co-fundador del portal Tutti i colori dell´italia, Rob Talbot de Diabolique Magazine, Starburst Magazine y Scream Horror Magazine, Reverendo Wilson fundador de El gabinete del Reverendo Wilson, uno de los blogs de genero mas seguidos y conocidos en todo el mundo (no es coña, lo hemos comprobado), Javier Pueyo, escritor del libro 'Fulci, autopsia de un cineasta', Von Snuff y Mario Padilla, co-presentador uno y co-fundador el otro, de dos de los 2 podcast sobre cine de genero mas seguidos actualmente, Aguas Turbias y El Terror No Tiene Podcast, Howard Gorman, periodista y editor en Cinema Chords y Tom Holland´s Terror Time así como redactor en Dread Central, Blumhouse, Daily Dead News y Rue Morgue ademas de ser el representante oficial en España de Crypt Tv, el canal de television de Eli Roth, y cerramos la lista con  Juan Pedro Rodriguez, redactor habitual de La Abadia de Berzano, otro de los blogs top del panorama reciente. El prologo como ya podéis comprobar mas abajo esta escrito por el argentino Luciano Onetti, director de dos los giallo o neo-giallo mas recientes y conocidos, 'Sonno Profondo' y 'Francesca'. Desde aquí y de parte de todo el equipo que forma Bloodstab queremos daros las gracias a todos por tan enorme colaboración y por dedicarnos un rato de vuestro tiempo. Sois grandes, todos! 

 

EL GIALLO NO HA MUERTO por LUCIANO ONETTI

En un mundo de remakes, reboots, precuelas, secuelas, creemos pensar en la falta  de originalidad, quizás por miedo a intentar crear algo nuevo o quizás por elegir el camino mas fácil, el de la taquilla asegurada, el éxito comercial. En ese mundo taquillero es donde el giallo se asoma, casi con miedo también, mostrando su color amarillo en ese bosque oscuro rebooteado, remakeado. No es extraño pensar sin dudas que la nostalgia esta presente en  nuestras vidas y hoy en día en las películas. Sin ir mas lejos puedo mencionar 'Stranger Things' una serie ambientada en los 80s. Que es entonces lo que nos atrapa? La nostalgia del pasado. Ya había mencionado en algunas entrevistas esto de la nostalgia. De ahí me decisión de  hacer dos de mis películas 'Sonno Profondo' y 'Francesca', ambientadas en aquella época.  No solo con esa ambientación, sino que visualmente, auditivamente ,actoralmente y con un tempo que hiciera referencia a  aquellos años. Fui original en aquel entonces, y hoy en día pueden verse algunas producciones que siguen la misma linea estilística retro. El giallo es eso. es nostalgia pura. Un giallo moderno sin los recursos clásicos de los 60s  no seria un verdadero giallo. Si así fuera parecería mas a una parodia del genero o seria una experimentación donde se roban recursos del genero generando lo que algunos hoy llaman neo giallo. Pero el giallo es mas simple, mas rustico. En aquella época los espectadores podían sorprenderse mas, aun no estaba todo inventado. el giallo era simple, no había una ambición de llegar a un éxito comercial. La mayoría eran 'obras maestras' (dicho así actualmente por grandes críticos). Probablemente si muchas de esas películas fueran estrenadas hoy en día en los cines serian un fracaso comercial. Porque aquellas películas fueron hechas en otra realidad social y momentos históricos que solo pertenecían a esa época. Hoy el mundo cambio. Y lo neo justamente en este genero no sirve, no alcanza. Si hasta el mismo Argento quizás no pudo adaptarse a esta época, no han sido sus ultimas películas bien recibidas, hasta han hablado de su 'decadencia'. Por lo que claro esta que hay una fuerte barrera superpuesta por la critica que es muy difícil de sobrepasar.

El giallo late...

Del neo giallo puedo mencionar por ejemplo la película 'The Editor'. Sin dudas es una parodia del genero. Y creo entender porque. Es difícil encarar un proyecto giallo y que parezca serio. Si se busca alcanzar a los nuevos espectadores de hoy lo mas fácil seria no aburrirlos en una sala de cine. Y eso se intento hacer. Los espectadores que desconocían el genero les pareció entretenida, divertida. No me parece una película para que un espectador comience a conocer el genero. Porque se hicieron parodias de escenas de múltiples películas giallo. 'Amer' y 'The Strange Colour of Your Body's Tears' son grandes películas que no considero del genero giallo. Mas bien, tomaron referencias del genero logrando así dos grandes películas. Innovación interesante. Algunos las catalogaron de neo giallo. Pero solo por el uso de colores estridentes o guantes de cuero no hacen que una película sea giallo. El giallo sigue latiendo... y en un mundo donde las criticas son duras. Es difícil sumergirse en el mundo del cine y ser valorado por los críticos, ellos están ahí, para escribir una reseña sin escapar de los detalles de la obviedad, comparar  todo con el pasado. Lo mismo ocurre con la música. Intentar hacer un disco musical sin  que te comparen con bandas del pasado es casi imposible. Por lo que es muy difícil poder tener una banda actual original y de alto alcance. En vez de remakes, están los covers.  Por miedo quizás también? Si los críticos comparan constantemente una película actual con películas hechas en otras épocas claro esta que hay una fuerte conexion con el pasado, no dando lugar a la originalidad de los cineastas ni siquiera aun a su innovación. El giallo es un genero subestimado. Aun así, el giallo intenta sobrevivir. Al menos eso intento junto a mi hermano Nicolas. Contar historias del genero respetándolo tal como es, puramente giallo. Parodias, neo giallo, innovaciones, remakes, reboots...no hay palabras para encasillar al giallo. Finalmente es arte. Quierase o no, el giallo no ha muerto y no morirá jamas.

Chi L´ha vista morire - Aldo Lado - Italia

Imprescindible giallo rodado a principios de los años 70 que gira entorno a un asesino de menores, orquestado con brillantez por el realizador Aldo Lado -cuya carrera incluye títulos tan interesantes como el rape&revenge 'Violación en el último tren de la noche' o el mini clásico de ciencia-ficción 'El Humanoide'- ambientado con especial cuidado en una Venecia truculenta y llena de miedo. Con una poderosa banda sonora del maestro Morricone, la cinta contiene todos los elementos que el aficionado al género desea ver: cámara subjetiva, manos enguantadas, falsos culpables y un protagonista entregado por la causa en busca de la verdad. Pero lejos de caer en un cúmulo de tópicos mil veces vistos, '¿Quién la ha visto morir?' se sitúa por encima de la media gracias a una brillante puesta en escena y a unos personajes interesantes. La historia arranca de manera salvaje, con el cruel asesinato de una niña en Francia, para después realizar una elipsis de cinco años pasando a Italia y presentándonos a los verdaderos protagonistas, un padre divorciado (excepcional George Lazenby) cuya hija pequeña (Nicoletta Elmi, también vista en 'Bahía de sangre', 'Demons' o 'Rojo oscuro') se ha desplazado a Venecia para pasar las vacaciones. El desastre caerá sobre ellos y la jovencita también será asesinada, iniciándose así el típico juego del whodunit con pocas pistas para esclarecer el enigma. Tensión constante, erotismo, trampas para el espectador, secuencias inolvidables (el asesinato en el cine) y un final con un marcado tono anticlerical (en la linea de 'Angustia de silencio' de Lucio Fulci) que curiosamente fue cambiado para algunas copias de la versión internacional. Junto a Elmi y Lazenby (tras ver la película, nos preguntamos por qué la carrera de este último no continuó en este camino) componen el elenco rostros habituales del cine de género europeo, como Adolfo Celi o Anita Strindberg. Por si todo esto no es suficiente, destaquemos además la forma en que Aldo Lado personifica a la maldad en el filme: la figura de una viuda con el eterno velo sobre sus ojos. Realmente aterradora.

La coda dello Scorpione - Sergio Martino - Italia

A super suave George Hilton again top-bills the second giallo offering from the team of director Sergio Martino and writer Ernesto Gastaldi. The Uruguayan actor plays an insurance investigator sniffing around the recently widowed Ida 'Evelyn Stewart' Galli, who has travelled to Athens to have clearance of her husband’s million dollar life insurance policy authorised. After getting her hands on the cash, the widow is promptly sliced up by a leather trouser clad nutcase in her hotel room, leaving Hilton prime suspect as far as the local cops are concerned. Either to clear his name or just get his hands on the missing loot, he sets out with new found journalist friend Anita Strindberg (Edwige Fenech was busy) to solve the mystery of the killer's identity, negotiating other interested parties along the way; such as the dead husband's formidable mistress, played by Jess Franco regular Janine Reynaud. The film is almost a textbook example of the genre, which in many ways displays he and Gastaldi's craftsmanship, as opposed to 'artistry'. They aren't trying to impress you with dreamy lyricism or irony – they just want you to be gripped by the story right up until the bloody end. The scene where the killer stalks and despatches Reynaud and her scar-faced henchman is one of the most skilfully orchestrated murder set pieces that the giallo genre has to offer. A superb score from Bruno Nicolai often recalls Morricone's work for the previous year's 'The Bird with the Crystal Plumage'.

Reazione a Catena - Mario Bava - Italia

Hay pocas dudas en que el nacimiento del genero slasher debe casi todo al clásico de Mario Bava de 1971, 'Reazione a catena’ (Bahía de sangre). Considerado como una de las mejores películas y el trabajo mas gore y violento de Bava, 'Reazione a catena' cuenta la historia del asesino de una anciana condesa a la mano de su marido quien quiere heredar su fortuna. Lo que sigue es una matanza a lo 'Battle Royale' cuando todos los familiares, hijos bastardos y demás salen de cada esquina, luchando por hacerse dueños de la fortuna como sea. Como he dicho, es probablemente la película mas brutal que ha dirigido Bava y el director peleo por tener Carlo Rambaldi a cargo de los efectos para dar el masacre el máximo realismo posible. Lo que más destaca es como Rambaldi y Bava sabes convertir los trece asesinatos en obras de arte, que claramente luego ha servido de inspiración para grandes como Dario Argento y Lucio Fulci… De hecho, Argento tenia tantas ganas de tener una copia de la película que un amigo suyo, quien trabajaba en un cine, le robo la copia de la película cuando se estreno por primera vez en Italia y el cine en cuestión tuvo que sacar otra película de Bava, 'Il rosso segno della follia', para mantener sus cliente contentos. Se dice que Argento tiene la copia en su posesión aun. Los efectos también jugaban un papel muy importante porque nos hacia preguntar no solo quien iba a ser el siguiente víctima pero como Rambaldi y Bava iban a seguir superándose con el gore antes de los créditos. Cualquier icono del terror se sorprendería con la variedad de armas sacados del armario para cada 'kill' - un ahorcamiento, un machetazo en cara, una decapitación, y una larga lista de etcéteras. Hasta se ha comentado que Sir Christopher Lee no podía seguir con la película por la cantidad de violencia jamas visto en la pantalla. Como era de esperar The British Board Of Film Classification se cebo con la película mas que con cualquier otra hasta la fecha, prohibiendo su estreno en cine, aunque paradójicamente llego a salir en vídeo casi sin cortes. Luego en 2010, gracias a Arrow Films llego a salir una versión sin censura en 2010 que mas que merece la pena conseguir.

Torso - Sergio Martino - Italia

En las medianías de una universidad de Perugia, un maniaco sexual aniquila sin compasión a una joven pareja; este tan solo será el inicio de una serie de crímenes que atemorizarán a la periferia de la ciudad. Así se presenta 'Torso', partiendo de una premisa eternamente recurrida en el giallo, derivando en su desarrollo a formar una de sus más singulares y distinguidas representaciones pero sin perder ni un ápice de la especial sensibilidad italiana para el thriller. Sergio Martino lleva el suspense por los derroteros del clima soleado y el frondoso terreno de una aislada campiña, algo que lo contrapone, al menos en primer término, con los valores estéticos más habituales del thriller italiano, más ligados a calles solitarias envueltas de noches oscuras.  Aunque la historia principal se vea allegada a las narrativas más tópicas del género, el encanto de la propuesta se sobrepone a ello derivando en una serie de características que hacen de 'Torso' una aportación al giallo de cierto exotismo y extravagancia: desde su funcional, inesperado y árido clima rural, del que Martino saca una atmósfera con turbiedad de siniestro resplandor, o la concepción de un villano presentado en sus apariciones como un elemento mucho más etéreo y fantasmagórico, sin olvidar la sensualidad de las féminas protagonista en un desmedido tono erótico realmente inspirado. Todo ello presenta a Torso como un giallo tan efectivo como fuera de lo común, que se guarda además en su desarrollo varias armas totalmente funcionales;  en ellas, Martino evoca el tono más visceral del terror americano con una serie de asesinatos de un toque grotesco ajeno a confinarse, presentando además un fetichismo hacia el daño de la fisicidad que rápidamente nos llevará a su macabro e idílico título original, 'I corpi presentano tracce di violenza carnale' . Pero además, en un campo de acción tan lejano a los valores estéticos de la corriente, Martino no obvia las habituales sugerencias implícitas del fantástico italiano a la hora de confeccionar su suspense, logrando una fusión perfecta con una premeditada y desmedida crueldad en las recreaciones de los asesinatos. A este respecto, además, se podrían hacer muchos vínculos con el futuro slasher norteamericano, con el que 'Torso' tiene no pocas conexiones, como pudiera inspirar a modo de ejemplo esa violencia desmedida en una peculiar y distinguida ambientación bucólica.  

Il Dolce corpo di Deborah - Romolo Guererri - Italia

Ask somebody to mention the most influential gialli and chances are they'll say 'Blood and Black Lace', 'The Bird with the Crystal Plumage' and 'The Girl Who Knew Too Much'. They will probably forget about one of the most influential gialli of the late 60’s, a 1968 thriller by director Romolo Guererri that brought some of the genre's most recognisable stars together for the first time. A film where one the most beloved giallo directors cut his teeth as a production manager and that helped shape the genre during the late 60s/early 70s. But let’s start a few years earlier. Ernesto Gastaldi was born in 1934. He studied at the Centro sperimentale di cinematografia (CSC) in Rome and would go on to become one of the genres most prolific screenwriters. His first script to be filmed was for Renato Polselli’s 'The Vampire and the Ballerina', but he would go on to write scripts for a wide array of films during the 1960s, most notably for Mario Bava’s 'The Whip & the Body' and Riccardo Freda’s 'The Horrible Dr Hichcock'. He’d known Luciano Martino (older brother of Sergio) since 1957 and had worked on a few projects together with Martino and his business partner Mino Loy. Gastaldi enjoyed thrillers and had written several scripts in the genre during his studies at the CSC. A few had already been filmed, 'A…Come assaino' (originally written as a stage play, but later developed into a film), Elio Scardamaglia’s 'The Murder Clinic and Libido' (which Gastaldi had written and directed as part of a bet between Martino and Loy). The origins of the script for 'The Sweet Body of Deborah' are somewhat unclear. Roberto Curti mentions in his excellent article 'Rediscovering Brunello Rondi' that a thriller called 'Honeymoon' starring Carroll Baker and Jean Sorel was mentioned in a newspaper article in 1967. Apparently it was supposed to be written by Rondi and Martino and directed by Rondi, but for some reason the film didn’t come to fruition. The project remained with Martino and the script work ended up in the hands of Gastaldi instead. The filmed script is attributed solely to Gastaldi, but the story credit is shared between Martino and Gastaldi. At the time, thrillers were often influenced by the popular gothic genre, but with 'The Sweet Body of Deborah', Gastaldi left the gothic trappings out. You can tell from the very start of the film when Deborah walks along the beach in a leopard skin fur coat that it’s going to be a long way from the dark and eerie castle settings of earlier thrillers. The plot follows newlyweds Deborah (Carroll Baker) and Marcel (Jean Sorel) on vacation in Switzerland where they are confronted by Philip (Philippe Leroy) who believes Marcel to be responsible for the suicide of Marcel’s former girlfriend Suzanne (Ida Galli). Deborah and Marcel head to the Cote d’Azur, but it’s not long before the couple starts receiving threatening phone calls and Suzanne’s favourite music starts playing in their isolated Côte d’azur villa. Husbands and wives crossing and double-crossing each other is a familiar to those interested in gialli, it’s easy to forget that 'The Sweet Body of Deborah' was one of the first Italian thrillers to use this plot device. Gastladi’s script is clearly influenced by Henri-Gorges Clouzot's 'Les Diaboliques' from 1955, but also borrows elements from Cukor’s 'Gaslight' (1944). The director chosen for the project was Romolo Guererri, brother of Marino Girolami and uncle of Enzo G Castellari. Guererri had previously directed '10,000 Dollar for a Massacre' for Martino, but this was his first assignment as a director of a thriller and you can tell. Guererri was a competent director, but is far more interested in psychological mind games than in the violent excesses of Mario Bava’s 'Blood and Black Lace'. The sex and nudity quota is considerably higher in comparison to Bava’s film. There’s a sexy shower scene between Baker and Sorel early on in the film and between that, a steamy night club show and some love-making, the film ushered in an era of sexier gialli. The lack of more violent set pieces leaves Guererri somewhat struggling to keep the second act interesting and more tension would have been needed for the film to fully succeed. As it stands, a fair number of scenes are just of characters looking worried when they hear a classical recording. Guerreri would go on to direct just one more gialli, the very underrated and criminally unseen 'The Double' starring Jean Sorel and Ewa Aulin. Which is a shame as he fares a lot better in that film in terms of pacing. With few set pieces it's up to Baker and Sorel to carry the film and they both do a good job. The role of Deborah is not unlike the ones Edwige Fenech would go on the play in 'The Strange Vice of Mrs Wardh' and 'All the Colors of the Dark'. More a damsel in distress role than the plucky resourceful heroine played by, for example, Susan Scott in later gialli. The rest of the cast were all fairly experienced actors and actresses, but almost all of them were new to the thriller genre. Luigi Pistilli, Ida Gialli and George Hilton all have fairly small but vital parts and were well cast for their roles.  The rest of the crew was made up of director of photography Marcello Masciocchi, whose beautiful widescreen cinematography features some very striking compositions. Sergio Martino served as a production manager and would three years later go on to directed his own giallo, the classic 'The Strange Vice of Mrs Wardh'. Nora Orlandi provided the cool and jazzy soundtrack. Orlandi would later go on to score several gialli like Riccardo Freda’s 'Double Face' and Martino’s 'The Strange Vice of Mrs Wardh'. The film was released in Italy on March 20th 1968. It is often described as very successful and that its success was responsible for the wave of sexy thrillers made in its wake. I’m not sure if it was the returns on the investment that other producers saw, but in terms of financial success, the film made 400 million lire (not bad, but certainly not fantastic) and the film only was the 70th most successful film of the 1967-1968 season. In any case, if a film was deemed successful or profitable enough, then there would be another Italian producer keen to make a similar type of picture. Deborah spurned a lot of imitations, most notably Umberto Lenzi’s early gialli; 'Paranoia', 'A Quiet Place to Kill' and 'So Sweet, So Perverse' (the latter produced by Luciano Martino) and Lucio Fulci’s 'One on Top of the Other'.  Several aspects of the film return in other films, music used to haunt someone returns as a motif in both Riccardo Freda’s 'Double Face' and in Lenzi’s 'Orgasmo'. There’s an Italian saying: 'Squada che vince non si tocca'. If the team wins, don’t change it and that meant that Baker, Sorel, Pistilli, Galli and Hilton soon found themselves in other thrillers. A few of them produced by Luciano, who’d go on to produce his brother Sergio’s string of successful gialli in the wake of Argento’s Bird. 'The Sweet Body of Deborah' does feel slightly dated today, but remains an enjoyable early giallo. A lot of the things people associate with the giallo genre aren’t found in the film and will probably leave those expecting a masked, black gloved killer disappointed. As such it’s a poor place to start for somebody new to the genre, but to those familiar with it, it remains an important and influential film that helped shape the genre that we know and love.

 Lo Strano Vizio della Signora Wardh - Sergio Martino - Italia

La labor de Martino ha sido reconocida dentro de lo que a veces se llama 'el cine popular italiano'. En cambio, su labor dentro del subgénero amarillo suele quedar eclipsada por otros nombres o reducida a la anécdota por aquella obra de secuencias magistrales y título tan rojo como negro: 'Torso: i corpi presentano tracce di violenza carrnale' de la cual habla con más detalle mi camarada el Reverendo Wilson. Sería éste el último giallo de Martino, al menos si nos ponemos puristas (siempre se pueden reconocer códigos y rescatarvirtudes de la posterior 'Morte sospetta di una minorenne.Pero vámonos al comienzo de las tórridas andanzas del realizador romano, ya que éste dedicado a la Sra. Wardh será su primer giallo. Estará ya presente desde el título una de sus señas de identidad vivientes: Edwige Fenech, su aterrorizada musa de origen argelino, de padre maltés y madre siciliana. Ni Martino ni nosotros nos cansaremos de verla gritar 'Pronto?!' al teléfono, de huir de asesinos inidentificables, de desnudarse a la mínima excusa narrativa, …Ella será la Sra. Wardh y ella poseerá este 'extraño vicio' que no es otra cosa que un pasado sadomasoquista con su amante Jean (el indescriptible y justamente mitificado Ivan Rassimov), que nos brindará unas escenas en flashback en las que Martino puede poner todo su perturbador arte y oscuro sentido de lo erótico a trabajar. Se paseará por el elenco, como se paseó antes por el spaghetti western, el galán uruguayo George Hilton, en uno de sus habituales papeles ambiguos que moverán y removerán la trama. Sin extendernos mucho más, destacar el papel de Conchita Airoldi, con un personaje lleno de desparpajo que mezcla lo sofisticado y lo burdo de la Italia post-miracolo que tanto le gusta retratar a Martino. La recuperaremos en 'Torso'.Tenemos ante nosotros un giallo puro 'entre clásico y revolucionario' (así se refiere Ángel Sala a los gialli de Martino) con todos los obligados clichés esperables: las cuchillas de afeitar, las mujeres de mente fracturada entre la histeria, el amor y la muerte, los desnudos, los guantes negros, las tramas sin demasiada lógica y de resolución tramposa. Con qué elegancia llevaría esto último Ernesto Gastaldi, que se convertiría en el colaborador habitual de Martino en esta serie de andanzas.Martino entrega una obra llena de sangre y pechos, con secuencias tan oníricas como memorables, tanto de muerte como no, todo empaquetado con una banda sonora de Nora Orlandi con dos leitmotivs embriagadores. Uno de ellos,'Dies Irae', resucitado en 'Kill Bill vol. 2' por nuestra amada y también de extraños vicios, Señora Tarantino.  El delirante desenlace de esta obra tendrá lugar en (oh, milagros de la coproducción) Sitges, donde se levantarán todas las cartas para demostrar que en este cine hay cierta necesidad de ir de farol, aunque sea para terminar la partida. Entre sus defectos más evidentes está una trama que avanza a trompicones con una presencia/ausencia de asesino que puede llegar a ser molesta. En sus virtudes, una estética apabullante, que cambia completamente de tercio en el último ídem, una película rodada con ímpetu enfermizo, un reparto convincente o como poco atractivo, … y podría seguir.

Cosa avette fatto a Solange? - Massimo Dallamano - Italia

A menudo el nombre Massimo Dallamano pasa casi inadvertido para los aficionados del giallo, pero lo cierto es que además de haber sido un eficiente director de fotografía (se puede apreciar su trabajo en 'Por un puñado de dólares (Per un pugno di dollari, 1964)' o 'La muerte tenía un precio (Per qualche dollaro in piu, 1965)' de Sergio Leone) fue uno de los realizadores que mejores resultados consiguieron en el género. Sirva de ejemplo esta '¿Qué habéis hecho con Solange? (Cosa avete fatto a Solange?, 1972)', posiblemente uno de los gialli más controvertidos y oscuros de los muchos que surgieron durante la década de los setenta.   Basada libremente en la novela 'El secreto del alfiler' de Edgar Wallace, Dallamano se adentra en una intriga que se cuece a fuego lento y en la que se nos relata las desventuras de Henry (Fabio Testi), un apuesto maestro de instituto que mantiene una relación extramatrimonial con Elizabeth (Cristina Galbó), una de sus alumnas. En uno de sus furtivos encuentros deciden ir a dar un paseo en barca, cuando la muchacha parece ver a un misterioso hombre vestido con sotana clavando un cuchillo en el sexo de la víctima. Henry piensa que se trata del propio miedo de Elizabeth a ser desvirgada y no la cree, pero al día siguiente le anuncian que una de las chicas a las que impartía clases ha sido asesinada y ha aparecido con un arma blanca clavada en el interior de su vagina. Preso por los remordimientos, Henry emprende por su cuenta una pequeña investigación cuando la propia Elizabeth aparezca muerta en el apartamento que tenía destinado a sus escarceos amorosos, hasta dar con un oscuro secreto del pasado que rodeaba a cada una de las víctimas. Aunque rebaja el tono a la hora de tratar el sexo con menores, este título no duda en abordar temas como el aborto haciendo gala de una misoginia y una amoralidad que recuerda a otras cintas como '¿Quién la ha visto morir?', con la que también comparte su tono anticlerical y una puesta en escena más formal, además de redimir de todos los 'pecados' a sus protagonistas masculinos. Por otra parte, en el elenco actoral encontramos a Camille Keaton - uno de los rostros imprescindibles del cine de terror más malrollero de los setenta - que aunque no pronuncia una sola palabra durante la película, logra atraparnos con su magnetismo y su mirada. '¿Qué habéis hecho con Solange?' se aleja de las retorcidas (y tramposas) tramas a las que normalmente nos tiene acostumbrado este subgénero y luce una narración pausada que irá increscendo hasta llegar a su sorprendente desenlace. Todo ello apoyado por la fotografía de Aristide Massaccesi (es decir, Joe D’Amato) y la banda sonora compuesta por Ennio Morricone (y orquestada por Bruno Nicolai) que otorgan una aura sombría a esta bomba de incorrección política que a día de hoy sería recibida a palos.

La dama rossa uccide sette volte - Emilio P. Miraglia - Italia

Estrenada en Italia a principios de los años 70, poco antes de que el género empezará a flaquear, 'La Dama Rosa Mata Siete Veces' no arranca como el típico giallo. El enorme castillo alemán repleto de polvorientos pasillos cubiertos de telarañas o la tétrica historia familiar que cuenta el abuelo a sus nietas son características que nos recuerdan más bien a la filmografía clásica de la Hammer o a la fascinante 'La Máscara Del Demonio', del maestro Bava. Sin embargo, Miraglia sabe muy bien lo que se hace pues, pocos minutos después, el director nos sumergirá de lleno en la vertiginosa vida de la moda y la fotografía, contraste lleno de glamour con el que empezaremos a encontrar las características del giallo más reconocido. Una vez establecidos estos dos mundos totalmente opuestos, el dúo Miraglia-Pittorru, mucho más cómodo tras su primera colaboración en 'La Noche Que Evelyn Salió De La Tumba', logra difuminar de una forma destacable la frontera entre el terror gótico y el giallo, añadiendo un interesante concepto al whodunit característico de los gialli, un acontecimiento sobrenatural como posible antagonista del filme. Estos conceptos, que en manos inexpertas serían inmiscibles y darían como resultado una amalgama de ideas totalmente inconexas, quedan perfectamente asociados gracias al esfuerzo y saber hacer de Miraglia, un director que merece ser reivindicado. Por supuesto, no todo el reconocimiento de 'La Dama Rosa Mata Siete Veces' se debe al trabajo de dirección, la película cuenta con un reparto más que adecuado del que cabe destacar un trío de increíbles actrices. Mientras que Barbara Bouchet y Marina Malfatti elevan la calidad de la actuación por encima de lo que acostumbramos a ver en el cine italiano de género, una jovencísima y recién llegada a Italia Sybil Danning añadiría el toque de sensualidad que necesitaba la obra para competir con el resto de gialli de la época.  Si a todo lo anteriormente comentado le añadimos una banda sonora espectacular orquestada por el mismísimo Bruno Nicolai, músico de renombre con más de 120 créditos acumulados en su vida, tenemos un giallo de una calidad notable que desgraciadamente pasó sin pena ni gloria al competir con otros mejores ejemplos de ese mismo año como 'Angustia De Silencio' o '¿Qué Habéis Hecho Con Solange?'.

BLOOD FATHER

Blood Father - Jean-François Richet - Estados Unidos

Este thriller de serie B es otro intento de Mel Gibson de recuperar el prestigio y respeto del que gozo en las décadas de los 80 y 90, el cual por un serie de problemas personales vilipendió y ya nunca mas ha recuperado. Hubo un tiempo en que Mel Gibson era el rey de Hollywood. Aterrizó en América arrasando con la trilogía 'Mad Max', para consolidarse con la saga 'Arma Letal' y coronarse ganando el Oscar como director con su obra magna, 'Braveheart'. Después de tocar el cielo interpretando a William Wallace, Gibson mantuvo el tipo hasta cambiar de siglo con buenas películas como por ejemplo 'El Patriota' hasta llegar 'Señales' de M.Night Shyamalan, el último buen trabajo que se le recuerda. Después sus problemas con el alcohol y algunas declaraciones fuera de tono lo llevaran a caer en el pozo. Ahora con 'Blood Father' intenta redimirse de todo aquello. Y precisamente de redención es de lo que nos habla esta cinta. Gibson interpreta a un personaje que durante su vida siempre ha tomado malas decisiones y nunca ha aportado nada bueno a la sociedad. Divorciado, ex-presidiario y malviviendo en una vieja y mugrienta cabaña haciendo tatuajes, Link (Mel Gibson) recibe una llamada de su hija desaparecida hace tiempo que le pide ayuda para escapar de una banda de delincuentes. Aquí, él tomara la decisión de proteger por encima de todo a su hija, y por una vez en su vida hacer lo que es correcto y poder redimirse de todas sus malas decisiones anteriores. La película no pasa de un aprobado justito, y aprueba precisamente por el carisma que Mel Gibson desprende en pantalla. Una especie de road-movie de acción con un argumento que no aporta nada al tan manido genero de padre protege hija. El guión se limita a avanzar en la trama sin profundizar demasiado en los personajes. A el director, Jean-François Richet, no parece preocuparle demasiado este guión tan plano y se limita a rodar con corrección, intercalando alguna buena escena de acción en el metraje. Tampoco le juega a favor la poca química que se genera entre el padre (Mel Gibson) y la hija (Erin Moriarty), ni que se encasille en el papel de latino malo a unos buenos secundarios como Diego Luna o Richard Cabral ('American Crime'). Y lo que si es de juzgado de guardia es desaprovechar a un actorazo como William H.Macy con un papel muy discreto y casi testimonial. Resumiendo, ni es una buena película, ni es mala. Se olvida tan rápido como se consumen sus 88 minutos de metraje, y que de no ser por la presencia de Mel Gibson, lo mejor del film de largo, este producto aún pasaría mas discretamente por nuestras pantallas de lo que lo hará. No creo que sea la redención que Mel Gibson esta buscando. Esperemos que esta llegue en su próxima película como director, 'Hacksaw Ridge', una gran producción bélica en la que tenemos puestas muchas esperanzas de que Gibson muestre sus buenas dotes como director como ya hizo en 'Apocalypto' o la 'La Pasión de Cristo' y que llevo a su máximo nivel en 'Braveheart'. Hay muchas ganas de que vuelva a la senda del triunfo, señor Gibson, pero en 'Blood Father' no lo consigue.

STRANGERS ON A TRAIN

 Strangers on a train - Alfred Hitchcock - Estados Unidos

Una estación de tren, lugar donde miles de transeúntes ven rostros de desconocidos a los que no volverán a ver...o tal vez si, dos hombres están a punto de subir a uno de esos trenes, no les vemos la cara, solo los zapatos, uno entra en el plano por el lado izquierdo, el otro por el derecho, y parece que se nos sugiere que irremediablemente van a encontrarse,  y así, los opuestos terminan por coincidir de manera accidental, un cruce de piernas cuyas consecuencias ellos no pueden siquiera imaginar... da pie a una conversación que les cambiara la vida. Y así empieza 'Strangers on a train'... Como decía, los dos extraños comienzan una conversación, por un lado tenemos a Guy Haines (sosete Farley Granger) un joven y prometedor jugador de tenis que quiere hacer carrera política, por el otro tenemos a Bruno Anthony (excelente Robert Walker) un particular y excéntrico individuo que conoce al tenista por la prensa, un elemento a mi entender fundamental para dar salida a esta historia, el director presenta a estos dos personajes y a un elemento fundamental de la trama...un mechero. La conversación empieza con un tono amable, exceptuando algunos comentarios que hace Bruno sobre la relación de Guy con la hija de un senador al estar casado... pero que no van mas allá de la simple anécdota no carente de humor negro, pero para lo que Guy no es mas que una broma para Bruno es algo mas serio de lo que pueda parecer a simple vista. Bruno quiere proponerle un plan a Guy para llevar a cabo 'el crimen perfecto', sin sospechas, sin testigos, una coartada segura. Ambos tienen a alguien que les hace la vida imposible, en el caso de Guy su adultera mujer de la quiere divorciarse para contraer matrimonio con la hija de un senador, Anne Morton (bellisima Ruth Roman) pero ésta no se lo pone fácil para concedérselo, en el caso de Bruno, su padre, al que odia hasta el punto de querer matarlo. Llegados a este punto todos sabemos que la propuesta es que uno mate al estorbo del otro, pero comprendemos que el único que cree que ese pacto tácito ha cumplirse es Bruno. Así que sigue a la mujer de guy hasta una feria, en una escena que todo buen aficionado al cine recordara como una de las mejores de la filmografía del maestro británico, y sin testigos, salvo nosotros, asesina a la esposa de Guy, entonces en su mente distorsionada cree que Guy cumplirá con su parte y asesinara a su padre, con lo que no contaba es con la moralidad de Guy para asesinar a otro ser humano. Y aquí es donde aparecen los sentimientos mas poderosos de la película, la moralidad, el sentimiento de culpa, la venganza y algunos de los arquetipos del cine de Hitchcock, como el doble o el falso culpable.

Otra mención aparte merece la fotografía, que va oscureciendose y adoptando cada vez mas el tono de el mejor 'noir' posible. 'Strangers on a train', es una de las grandes obras de Alfred Hitchcock, y está a su vez inspirada en la novela de la famosa autora Patricia Highsmith, del mismo titulo aunque con muchos cambios respecto a esta. Para finalizar quisiera que prestarais atención a varias secuencias que son realmente brillantes. Como ya he comentado, la persecución y posterior asesinato de la esposa de Guy esta llena de sutilezas y de un humor negro apabullantes, sino fijaos en el gesto que hace guy con sus manos antes de participar en un concurso de feria donde se utiliza un martillo para medir tu fuerza, delante de su futura víctima, la conversación de Bruno y Guy, cuando este le revela que ha cometido el crimen y que tiene lugar con cada uno tras las rejas de una verja, muy elocuente ¿no?. Y para acabar...bueno, he mencionado antes que existía un elemento importante en la presentación de los dos personajes...un mechero, este sera fundamental en el devenir de los acontecimientos y formara parte de uno de esos trucos narrativos que solo los grandes directores son capaces de construir en función de ellos, sino me creéis observad como dilata el tiempo de la narración en la escena del partido de tenis y el viaje en tren que emprende Bruno. Una muesca mas de gloria en la filmografía del maestro del suspense...soberbia.

DOUBLE TROUBLE

Double Trouble - Fer Zaragoza Carbonell - España

Entre las miles de cosas gratificantes que tiene escribir sobre cine existe la de ver como alguien disfruta con lo que hace, con su hobby o con su trabajo, ver y comprobar que lleva adelante proyectos sin darle ningún tipo de importancia a la repercusión mediática o monetaria como fin. 'Double Trouble' es el segundo trabajo 'oficial' de un ex compañero de esta casa, Fer Zaragoza. El valenciano repite formato, cortometraje, para regalarnos una nueva idea que evoca directamente al cine fantástico mas misterioso de los años 80 y 90 o a series míticas como 'The Twilight Zone'. Después de 'El teléfono de mamá', Fer bajo su productora amateur El Bigotito Films, escribe y dirige 'Double Trouble' con un claro enfoque retro, su música, su historia y su puesta en escena así lo indican. Ambos trabajos hasta la fecha de Fer son grandes ideas que dan para mucho mas pero pecan de algo en concreto, mas detalles o datos que ayuden a crear una imagen mas amplia del personaje central. En 'El teléfono de mamá', la idea nos atraía pero se nos quedaba algo corto el desarrollo, era muy difícil ahondar en las vidas de sus dos protagonistas mas allá de lo debido, en parte por su breve duración y en parte por la inexperiencia de su director obviamente pero, aquella idea tan chispeante dotaba de magia a ese corto, era su alma. En 'Double Trouble', con mucho mas tiempo en el aire vuelve a pasar igual, lo único que sabemos de nuestro protagonista, el guionista alter ego del propio Fer Zaragoza interpretado por Borja Adrián, es que se encuentra escribiendo un guión y por lo tanto, es guionista o trabaja en el medio. Lo mejor que tiene 'Double Trouble' es la idea, exactamente igual que ocurría en 'El teléfono de mamá', el jovencisimo director levantino vive por y para el cine y su mente no deja de trabajar en ideas originales o al menos ingeniosas para llevar a cabo sus proyectos como demuestra de nuevo en esta ocasión. He visto en 'Double Trouble' ramalazos de los Observers de 'Fringe', del cine mas primerizo de Carpenter, he visto ese homenaje en toda regla a 'Old Boy' con el martillo de Mineranova y he disfrutado con el momento: 'ojo cuidado que se quita las gafas y baja...cuidado que va....,' enorme, no os metáis nunca con alguien con gafas y un martillo, es un consejo. La parte técnica ha aumentado de calidad y se puede comprobar en el trabajo realizado por Facundo Báez y Jaume Agües en la fotografía, edición y sonido así como en la banda sonora original de Rodrigo Caro, un toque retro que le va como anillo al dedo a 'Double Trouble' y que lo dota de un estilo determinado y muy concreto. Jorge Valdés es The Stranger Man y la canción de los créditos finales corresponde a un tema de Eli & Fur titulado 'You´re So High' del álbum Illusions. En lineas generales se pude comprobar perfectamente el aumento de calidad en este segundo trabajo de Fer Zaragoza, hay una mejoría evidente y eso solo es indicador de que se están haciendo las cosas bien, 'Double Trouble' es un corto sencillo, de corte fantástico y con un estilo muy marcado, un bocado ligero que llevarse a la boca, una historia sin pretensiones que no chantajea al espectador con su evocación a la nostalgia. Al igual que con otros jóvenes realizadores nacionales o internacionales que recién empiezan en este duro mundo cinematográfico, en Bloodstab seguimos apostando por ellos, por valores como Fer Zaragoza.

INTO THE MUD

Into The Mud - Pablo S. Pastor - España

Que barbaridad de calidad la de este corto en todos los aspectos. Lo primero que destaca en el global de 'Into the Mud' es la originalidad del guión escrito por el propio director y un gran y cuidado diseño de producción que asombra desde el minuto 1 hasta su sorprendente y curioso final, un corto que deja una sensación clara, queremos mas, queremos con el tiempo que 'Into The Mud' se convierta en largometraje si o si. El madrileño Pablo S. Pastor se estrena con este corto de terror forestal a través del barro donde la hija de Verónica Forqué, María, una belleza rubia insuperable es perseguida, escopeta en mano, por Ramón G. Del Pomar. 'Into The Mud' dura aproximadamente diez minutos y concentra todo el interés en un extracto que como bien dije antes, de convertirse en un film convencional sorprendería a mas de uno. El corto muestra en su arranque a una desconcertada y desorientada mujer que despierta desnuda completamente encima de un plástico en mitad de un profundo bosque mientras detrás suyo, un cazador habla por teléfono. Este despiste servirá para que la chica comience una carrera a través del entramado bosque con el cazador tras de si. Hay que ir con mucho, mucho ojo sobre lo que se cuenta y no de 'Into The Mud', sus referencias mas directas son de producciones que precisamente no pertenecen ni al terror ni tan siquiera a ninguno de los subgéneros que se han creado a partir de este, cuando lo veáis lo entenderéis. Saliéndonos de ahí, de las referencias prohibidas por spoilers y por ofrecer otra curiosa aunque completamente alejada de la historia de 'Into The Mud' y su final, tenemos a una mujer envuelta en plástico, rubia, desnuda, cubierta por suciedad y polvo a lo Saoirse Ronan en 'Hannah' y un cazador que es la viva imagen de campesino americano con el pelo largo, camisa a cuadros y chaleco, tal parecen Laura Palmer y Bob, todos sabemos quien era Bob en 'Twin Peaks' no creo que haga falta explicar nada, pero repito, esta referencia no tiene absolutamente nada que ver con la historia del corto de Pastor, es mas un detalle visual extraño que se produce al visionar el corto. Los actores, dos, ambos bastante acertados en sus gestos pues no hay dialogo, todo se reproduce ante nuestros ojos sin que se articule palabra alguna y cuando se hace uno puede entender lo que se transmite sin tan siquiera oírlo, por ello, ambos actores están muy bien, sus gestos y miradas completan esa ausencia de dialogo a la perfección, grandes Maria y Ramón. Con un presupuesto de 4 mil euros aproximadamante, 'Into The Mud' se estreno el pasado 29 de abril en el International short Film Experience de Leiden en Rotterdam y ha sido seleccionado en otros festivales como Nocturna en Madrid, Shock Stock en Ontario, Canadá, donde gano el premio a mejor corto, TIFF's Shadows Shorts Competition, Cinefantasy IFFF de Brasil, Fantosfreak Film Festival, Cortos con K Film Festival que organizan los compañeros de la web KillerClowns, Infest Festival, Fangofest de Amposta y en el Ripollet Film festival de Barcelona o el Islantilla Cinefórum Festival de Islantilla. Recientemente 'Into The Mud' ha recibido dos nuevas e importantisimas selecciones: Screamfest Horror Film festival de Los Ángeles y Sitges Film Festival 2016 donde competirá por el premio Paul Naschy en la sección Brigadoon. En los aspectos técnicos que mas destacan encontramos en la fotografía y el montaje a Víctor J. Alvarado, operador de cámara en 'Metamorphose' y editor en 'You´re Gonna Die Tonight', ambos dirigidos por Sergio Morcillo mientras que en los efectos especiales volvemos a toparnos con un nombre que empieza a ser ya mas que habitual en muchos de los mejores cortos fantásticos y de terror españoles que se vienen realizando en la últimos años, Víctor Javier Bernardos ('Mr Dentonn', 'Behind'). 'Into The Mud' se revela como una historia realmente sencilla, original y efectiva, un guión solido que no da margen al error y donde se aprecia una sensación de control de todos los detalles mas que acertada, cuenta con un hilo conductor de persecución entre los dos protagonistas ya visto de mil maneras en mil cintas distintas pero la satisfacción que resulta la sorpresa final compensa sobradamente todo su visionado; la opera prima de Pablo S. Pastor va a dar que hablar en Sitges y raro es que no termine con el tiempo siendo un largometraje de calidad, para mas aderezo suculento cuenta con la primera actuación en el mundillo de la artista y creadora hija de la grandiosa Verónica Forqué, María, la guinda rubia definitiva a un postre perfecto. Y recordad, es un cortometraje de terror...

LIGHTS OUT

Lights Out - David F. Sandberg - Estados Unidos

Inútil es el adjetivo mas adecuado para esta película de terror. Cuidado, inútil pero no en el sentido peyorativo estricto del vocablo al 100%, inútil porque sigue siendo un mas de lo mismo sin substancia alguna que no sabe, o no quiere explotar del todo la idea original de la que parte, y, en estos tiempos que sobrevolamos de remakes, reboots, etc, una idea original vale su peso en oro. Sandberg la tuvo con el corto 'Lights Out' y el buen hacer de aquel devino en la oportunidad de convertirlo en largometraje con el dinerito de James Wan, master of horror actual, pero el resultado final es insatisfactorio a todas luces. 'Lights Out' usa la idea primaria del corto de Sandberg apoyada en un refrito de tópicos manidos y vistos hasta la saciedad, incluso en los expedientes Warren de su propio productor, pero donde aquel sacaba petróleo, Sandberg no saca mas que bostezos y cuando un film de terror de aproximadamente 75 minutos consigue que mires el reloj es que algo no te engancha como debería. Y es curioso porque realmente 'Lights Out' introduce la acción y el terror ya en los primeros minutos con ese guiño en el almacén y los maniquis al corto donde aparece la mima protagonista, esposa del director, pero luego la forma en que se articula y justifica esta idea es donde pierde todo el interes debido a ese repertorio de clichés. Llegando al tramo final, la película recupera algo de ese fallido esqueleto artificial montado para dar ritmo a la acción y se permite el lujo hasta de introducir humor en pequeños destellos, algo que el film agradece y el espectador también después de casi 40 minutos donde no ocurre practicamente nada mas que guión de relleno, plano y convencional. Lo que no salvo de ninguna de las maneras es el final, un final tan malo como hacia tiempo no veía en un film de este estilo, un final barato, rápido, que tira por tierra todo ese tramo final tan 'comico' y retro iluminado por la luz azul que porta su protagonista, un final dramático y extraño que me hace pensar en esa no explotación y desarrollo total de la idea, franquicia? Secuela? Precuela? Me da que van a ir por ahí los tiros y que mínimo tendremos trilogía si es que esta 'Lights Out' consigue hacer la taquilla suficiente. En cuanto a los tan hablados tópicos o clichés, es algo que en ocasiones funciona y en otras no, cuando lo hace es porque su director o guionista sabe darle la vuelta de tuerca necesaria a esa frase-enfoque diferente o porque se respira un guiño a cierta película y o fotograma, pero cuando no, se corre el peligro de que la mayor parte de la critica mundial se fije solo en ellos de forma muy peyorativa. En 'Lights Out' los tienes todos sin esa variable ni matiz que los haga diferentes, son los mismos de siempre filmados desde el mismo punto de vista, sin chispa, se utilizan muy bien los silencios y no se abusa ni del cgi ni de lo sobresaltos auditivos, me imagino a Wan con un café caliente en las manos en la sala de montaje de pie, con la mirada clavada en los montadores sentados delante de el...I SAY, I DONT WANT FUCKING SOUNDS...!!! Fuera bromas, en ese sentido la opera prima de Sandberg esta bien dirigida, usa los artificios justos para poder dar la máxima coherencia y realidad a su historia pero uno no puede dejar de ver otras películas en ella cuando la idea de la luz desaparece, 'Shocker', 'Fragiles', 'Stir of Echoes', 'We are Still Here', 'El Orfanato', 'Hide and Seek', 'Ringu', 'What Lies Beneath', 'Insidious', 'Warren Files', 'The Messengers', 'Don't Be Afraid of the Dark' etc etc etc En el apartado técnico siempre encuentro algo destacable cuando el film no termina de hacerme participe de su historia, en este caso, tampoco ha sido así, ni recuerdo la banda sonora de un curtido como Benjamin Wallfisch ni la fotografía de Marc Spicer ('Fast 7') como algo que llamara mi atención. La última vez que tuve una decepción con un film de terror fue con 'Annabelle', de la cual  se prepara un spinoff dirigido precisamente por Sandberg, coincidencia? destino? Tranquilos, 'Lights Out' es mucho mejor que 'Annabelle' pero no llega al nivel de los expedientes Warren, lo mejor son algunos de los sobresaltos y escenas aisladas que, curiosamente, son las que usan en su totalidad la idea de la luz, encendida y apagada, el neón rojo de la tienda de tatuajes, la persecución del novio en el tramo final o el arranque en el almacén con los maniquies. En definitiva, 'Lights Out' da lo que promete en su justa medida y no arriesga mas, se conforma con ser modesta y no alardear de presupuesto, corta y funcional, olvidable...inútil.

BLACK

Black - Adil El Arbi y Bilall Fallah - Belgica

Flojo drama suburbano esta 'Black' de Adil El Arbi y Bilall Fallah, segundo largometraje juntos antes de ponerse a las manos de la vuelta de Axel Foley en la cuarta entrega de 'Beverly Hills Cop'. Tras coincidir en una comisaria arrestados por diferentes motivos, Marwan (Aboubakr Bensaihi), un joven marroquí de la banda de los 1080 y Marvela (Martha Canga Antonio), miembro de los africanos Black Bronx empiezan una relación a escondidas de sus compañeros a sabiendas de lo que puede llegarles a ocurrir si cualquier se entera de ello. Una pseudo 'Romeo y Julieta' modernos situados en dos barrios de Bruselas, Molenbek para los marroquíes y Matonge para los africanos. 'Black' es una película convencional y sin apenas fuerza o interés, su mensaje denuncia a la actual sociedad adolescente carece de garra y determinación, ni los episodios violentos resultan efectivos porque no hay ninguna empatía con sus protagonistas, ni tan siquiera entre ellos, no hay química entre los actores principales y sobre ellos gira toda la historia. Los secundarios están de paso, ni la madre de Marvela tiene suficiente protagonismo ni el hermano de Marwan y mucho menos esa ristra pintoresca de matones y pintamonas que pueblan todo el metraje, ninguno tiene el suficiente peso como para importarnos lo que les ocurre. Este tipo de cine critica social de los bajos fondos de una ciudad ya lo hacia en la década de los 70 excelentemente José Antonio de La Loma y sus perros callejeros, aquí esta vez con el aderezo de esa comparación con 'Romeo y Julieta' (hasta se menciona a Shakespeare en la película), 'West Side Story', 'The Outsiders' de Coppola, la basada en hechos reales 'Alpha Dog', la española '7 Virgenes' o mas recientes como 'Dope'. A mi personalmente me recordó mucho a una miniserie británica que se realizo no hace mucho, 'Top Boy', de Channel 4, si os gusta este film belga no os perdáis dicha serie. Es entonces 'Black' un intento muy light si por ejemplo la comparamos con la italiana de Sollima 'Suburra', no la comparare con 'Gomorra' la serie porque esa ya raya a un nivel excelso y el formato televisivo permite un mejor desarrollo de secundarios pero es que en 'Suburra', en menos tiempo ocurre casi mecánicamente este desarrollo y en 'Black', por mucho que sus directores intentan e intentan que empatizemos con unos u otros, resulta imposible, tienen muy claro como son los personajes pero no les dan ni los minutos ni los diálogos necesarios para terminar de explotar su personalidad, todo ocurre deprisa y a veces sin lógica alguna. O bueno, quizás haya una lógica racista en según que y que no mostrar. Porque mostrar practicamente completa la violacion de una chica y no de la otra? Es por ser una marroquí y otra africana? Imagino que debe haber algún motivo para que esto no sea como yo estoy pensando aunque...si recuerdo...en la película los marroquíes son mostrados como ladrones de turistas y maleantes capaces de lanzar cócteles molotov a la policía mientras que los africanos son unos vendedores de droga pertenecientes a una organización mafiosa además de unos violadores sin escrúpulos...no quiero pensar mal pero las imagenes y el montaje que también es de los propios directores, esta ahí, no juzgo, solo os cuento lo que vi. Estrenada el pasado 12 de agosto en plataformas online y en España a través de Karma Films, la pelicula dirigida, montada por Adil El Arbi y Bilall Fallah y co escrita por ellos mismos junto a Hans Herbots y Nele Meirhaeghe es una adaptación de los libros 'Back & Black' del escritor belga Dirk Bracke y tiene una duración aproximada de 90 minutos; la banda sonora es practicamente no original y esta repleta de temas de hip hop con bases africanas y árabes. La fotografía si es uno de los puntos destacables de 'Black', compuesta por Robecht Heyvaert ('Baghdad Messi') y ofrece una visión magnifica de Bruselas y de los barrios conflictivos, de sus recovecos y de sus bellas puestas de sol reflejadas en sus empedradas calles. 'Black' es una película carente de interés y su mensaje se queda a medio camino como el propósito de la historia, ni drama romántico ni critica social alcanzan el nivel exigido. 

SUICIDE SQUAD

Suicide Squad - David Ayer - Estados Unidos

El universo DC cinematográfico sigue desarrollándose. Esta vez, le toca el turno a sus villanos en una especie de 'The Dirty Dozen' moderno. El escuadrón suicida es un grupo de delincuentes, la mayoría Metahumanos que es contratado a la fuerza por el gobierno estadounidense para que luchen a su favor. Un argumento sencillo para un film sencillo con alma de Blockbuster veraniego, puro entretenimiento. Por un lado tenemos a los elementos protagonistas, donde destacan Deadshot (Will Smith) y Harley Quinn (Margot Robbie). De hecho estos son los protagonistas fundamentales del film, son los que más se desarrollan, de los que más conocemos su pasado y por ende que más destacan. El resto, pues si, cada uno tiene su momento pero ni se desarrollan psicologicamente ni se desarrolla apenas su historia excepto por pequeños flashbacks y en algún que otro diálogo. Esto es uno de los pequeños problemas de llevar un grupo protagonista tan extenso, aunque en los primeros minutos se utiliza alguna triquiñuela bastante ingeniosa para apartar a algún personaje del grupo (muy curioso el caso de Encantadora). Volviendo a Will Smith, el carisma que le imprime al personaje es una de las mejores bazas de la cinta. Tenemos al Will Smith haciendo prácticamente de si mismo, es algo así como si el príncipe de Bel Air se hubiera convertido en asesino a sueldo, esto hace que reconozcamos al personaje e incluso nos guste (¿a quien no le gusta Will Smith?), pero se pierde el toque de maldad que se le quería imprimir a este personaje, y ese es otro de los fallos que no ha sabido solucionar el bueno de Ayer, el talante de peligrosidad y de maldad de estos personajes se diluye demasiado fácilmente, demasiado deprisa, para ser los asesinos más peligrosos del universo DC se terminan convirtiendo con demasiada celeridad en hermanitas de la caridad, no precisamente al final de la cinta. Para Margot Robbie no puedo más que tener buenas palabras, lo hace genial, nos llegamos a creer que la tía está como un cencerro y físicamente es (Harley Quinn) perfecta. Con sus salidas del tono y sus piradas de pinza nos saca constantemente de la rutina en la que podría caer una película con tanta testosterona. Quizás el mayor fallo de su personaje sea su novio. Y he aquí que llegamos a uno de los elementos más polémicos del film desde el día en que se conoció su presencia en el mismo. 'El Joker' encarnado en esta ocasión por Jared Leto nos ofrece una versión de lo más psicodélica, una especie de mafioso-gangsta-psicópata que la verdad no le favorece en absoluto al personaje, es verdad que no se llega a desarrollar el personaje, en el film es un puro secundario y por eso no podemos calificar al personaje tanto como nos gustaría, pero este lleva el toque desenfadado de la película y esto es totalmente contraproducente en caso de que más adelante se le de su auténtico papel, el de archienemigo de Batman y pretendan que nos lo tomemos en serio. Lo que quiero decir es que a lo mejor se lo podrían haber reservado en este film, no sacarlo, que se escuchase su voz por teléfono o un pequeño cameo en el que nos impactase y dejar el personaje en lo más alto para el futuro film de Batman o el de la liga de la justicia. Otra cosa que no le hace ningún favor a este Joker de Leto es su inmediato predecesor (Heath Ledger y su oscuro y Nolaniano Joker). Del resto de personajes poco más que decir, cumplen la mayoría y alguno te deja con ganas de más, a mí especialmente Katana. El capitán boomerang me parece de los más divertidos del film y el diablo que quizás sea al que más trasfondo le dan junto a Harley y Deadshot también se luce bastante. De los responsables del gobierno destacar a Amanda Waller (Viola Davis), en plan jefa mala total está genial y tiene mucho punch en algunos momentos y por el contrario Rick Flag (Joel Kinnaman) que está muy flojito y a veces es un personaje insoportable. En cuanto a argumento este escuadrón suicida va a lo que va, no hay que buscar profundas tramas, ni una compleja psicología, esto es presentación, nudo y desenlace sencillo, directo y bastante efectivo, aunque a menudo para seguir el juego haya que poner el modo incredulidad en off y el montaje sea a veces bastante torpe, hasta el punto de dejar colgado algún chiste que otro. Pero vamos, nada que no haya pasado ya en otros Blockbusters veraniegos. Visualmente el film es muy irregular, todo lo que tiene que ver con encantadora, sus saltos dimensionales, su estética (esa sombra difusa con los ojos dorados brillando) me encanta, sin embargo hay momentos bastante regulares, por ejemplo el vídeo de la cárcel de el diablo, que es de lo más cutre que he visto en una película últimamente y encima lo ponen varias veces. Killer Croc tampoco me gusta, la cara y sus expresiones faciales muy bien, pero cuando lo ves de cuerpo entero parece que tiene mucha cabeza y poco cuerpo, no impone como debiera un personaje como este. Otra cosa que no entiendo de este film es lo blandito que es en cuanto a violencia y sangre, o sea me vendes que estos tipos son asesinos peligrosísimos, auténticos psicópatas, monstruos aberrantes y en la cinta apenas hay sangre o violencia explicita ¡esto debería ser un festival de vísceras! la calificación R le venía a la cinta como anillo al dedo, le habría dado un toque más adulto y por que no, más verosimilitud. En fin, la experiencia se queda en un Blockbuster palomitero bastante disfrutable sobre todo si te dejas parte del cerebro en casa (la de la lógica), con personajes que pueden seguir dando guerra más adelante y que continúa expandiendo a lo ancho (a ver si para Justice League un poco de profundidad) el universo cinematogáfico DC.

THERAPY

Therapy - Nathan Ambrosioni - Francia

Segundo largometraje del joven frances Nathan Ambrosioni después de 'Hostile' en 2014 en el que vuelve a escribir, dirigir y actuar el mismo situando la historia nuevamente en el genero del thriller de terror con la introducción al policíaco mas oscuro de films como 'Seven'. Estrenada mundialmente hace escasas semanas en el Fantasía Fest de Montreal, 'Therapy' llegará por primera vez a España durante la próxima edición de Sitges Festival donde se proyectará en la sección Brigadoon de acceso gratuito para todo el mundo. Durante una investigación rutinaria, dos jovenes policias encuentran unas cintas de video en diferentes formatos dentro de una caja manchada de sangre en un lugar abandonado. En ellas descubriran que lo que parecían ser la simples vacaciones de una familia se convirtieron en algo mucho mas macabro y que aun quizás aún esten a tiempo de salvarlos. He tenido sensaciones encontradas con la nueva película de Ambrosioni, por un lado creo firmemente que tanto esta como sus anteriores trabajos serán con el tiempo mas reconocidos que actualmente siendo estos por ejemplo un duro entrenamiento para la mente y la capacidad del realizador francés y por otro, la apreciación de un estancamiento en las ideas que viene desde 'Hostile' ya que ambas cintas parecen practicamente iguales en su desarrollo siendo la de 2014 vencedora en todas las batallas por ser la primera. Lo dificil no es hacer una pelicula y tener exito, lo dificil es hacerlo con la segunda. Ambrosioni no solo incluye en esta ocasión el genero policíaco y deja de lado el paranormal sino que se atreve con el slasher mas despreocupado y sangriento, a veces surrealista, es decir, la variedad de subgéneros de terror vuelve a estar presente, así como el uso excesivo de un found footage muchas veces, injustificado, algo que no pasaba en 'Hostile', incluso ese doble de Myers porta una cámara encima. El found footage no se puede usar a la ligera, hay que darle un sentido y explicacion 'lógica' al porqué de estar grabando cuando las vidas de personas corren peligro, se capta un momento real grabado para siempre, lo que no se puede entender es que estos archivos found footage lleven incorporada una banda sonora de efectos de sonido estruendosos que desestabilizan totalmente la atmósfera creada en ese antiguo manicomio. Este es uno de los puntos que mas chirrían de la película, la edición de sonido es horrible y no ayuda en nada a la producción, es mas, perjudica y mucho a los silencios y voces lejanas que se oyen, no se aprecian bien. Al igual que en 'Hostile', Nathan juega con la variedad de subgéneros (hasta el giallo mas sangriento hace presencia) y tramas, subtramas, etc y desgraciadamente, se le vuelve a ir de las manos, su propósito en desviar la atención del giro final marca de la casa ya se convierte en previsible, es mas que eso, es desconcertante, hay cabos que no se cierran, y la sensacion de que lo único importante es ver como cierra la historia y el giro final quitan interés a todo lo demás. Si en algo ha mejorado en la dirección desde 'Hostile' es en el uso de un found footage mas calmado, sobre todo gracias a la inclusión de la Go Pro, pero el fin no justifica los medios en esta ocasión y se vuelve a abusar demasiado de este formato así como de una edición de sonido desastrosa.  De lo bueno salvable de 'Therapy' es la historia en si, una idea para un guión bastante ingeniosa pero no tomada lo suficientemente en serio o simplemente mal ejecutada, y la actuación de Luna Belan, que vuelve a captar la atención de la cámara como en su anterior trabajo junto a Ambrosioni como no lo hace ningúno de los otros actores, algunos con mas tablas incluso ofrecen un registro impropio para el film en el que están. Influencias, que no guiños ni homenajes, de 'TBWP', el remake de 'Hosue on Haunted Hill', 'Halloween' por la mascara o el videojuego 'Silent Hill' por la sonora pesadilla que acompaña algunas escenas, a 'Therapy' le cuesta un mundo mantener el interés y se desvía constantemente de su linea argumental base pero sin duda es una mas que aceptable propuesta en la carrera del director  Nathan Ambrosioni, al que el tiempo y estas películas/experiencias van a convertir en un realizador de referencia a seguir dentro de algunos años; el genero de terror en Francia siempre ha sido uno de los mas punteros en toda Europa tanto en los años 60 como en la no tan lejana nueva ola explicita que generaron las 'Martyrs' etc, es joven y tiene buena mano, ama el cine y presenta sus ideas sin esconder nada, Ambrosioni está labrando su camino de una manera quizás algo efectista e inocente pero sin tapujos. Nadie dijo que fuera fácil, cierto? Cabe apuntar que Nathan no solo dirige, escribe y participa como actor, tambien se encarga de la fotografia y el montaje, lo unico en lo que no participa es en la banda sonora, donde encontramos a Céline di Simone que ya colaboró anteriormente junto a Ambrosioni en el corto 'The Lake'. En Bloodstab seguimos apostando por este joven valor como uno de los realizadores europeos del genero de terror a tener en cuenta para los próximos años.

GHOSTBUSTERS

Ghostbusters - Paul Feig - Estados Unidos

Ni  remake  ni  reboot,  en  todo  caso,  readaptacion  o  reversion. Estas nuevas  cazafantasmas  han  nacido  como  carne  de  blockbuster  veraniego,  facil  de  ver  y  de  criticar. Partamos de una certeza casi absoluta, 'Ghostbusters' de 1984 es insuperable, en todos y cada uno de sus aspectos, técnicos, interpretativos, narrativa, es imposible conseguir un exito similar a la cinta de Reitman, una pelicula que marco una época y a un tipo de cinefagos muy especiales, tanto que cuando normalmente estos selectos grupo repletos de acerrimos fans descubren la noticia del futuro remake o adaptación, terminan echando pestes meses antes incluso de iniciarse el rodaje. Pero con esta nueva 'Ghostbusters' no ha ocurrido tal que asi sino que los miembros de este curioso grupo se han dividido mas que nunca, estan los que la tachan de sexista, feminista, burda, barata y sin respeto por la original y otros que alaban el bueno uso de las referencias de la saga de Reitman asi como el tono de comedia constante que puebla la produccion obviando el hecho de que sean mujeres ahora sus cuatro protagonistas. Por tanto, unos y otros, siguen con esa certeza, que la de 1984, es insuperable, y partiendo de ahi, esta nueva 'Ghostbusters' agrada mas que descontenta en lineas generales y su fin es ser carne de blockbuster, a pesar de las muchas criticas negativas, esta version de Feig crea su universo propio a base de apoyarse por momentos en elementos recurrentes de la de Reitman pero sin hacerlos propios, la esencia de la pelicula de los 80 esta intacta gracias precisamente a estos elementos, ya sean edificios, melodias, coches, cameos o vinculos entre algunos de los nuevos y viejos protagonistas. Que la comedia sea una constante en su metraje es debido a que su director y co-guionista se ha criado en sitcoms como 'Freaks and Geeks', de la que es el creador, 'Arrested Development', 'Weeds', 'The Office', 'Jackie' o 'Bored to Death' para en 2011 estrenarse con el largo 'Brides Maids', otra comedia a la que seguirian dos mas 'The Heat' con Bullock y McCarthy y 'Spy' con Jason Statham el año pasado. Katie Dippold colabora en el guión y curiosamente tambien procede de sitcoms televisivas como 'MADtv' o 'Parks and Recreation'. Personalmente no es una idea que me atraiga mucho el hecho de cambiar de sexo, raza o religion a los protagonistas de una adaptacion nueva solo por el hecho de innovar cuando los originales funcionaban tan y tan bien pero en este caso, encontrar a cuatro actores con el mismo poder de carisma y empatia hacia ellos como el que tenían los Murray, Ramis, Aykroyd o Hudson es muy dificil, algo no solo dificil sino tambien imposible, porque aquellas cuatro bestias del septimo arte ademas tambien participaron en el guion, en la historia, y practicamente en todo dejando un sello que perdura mas de 30 años despues. Nadie puede olvidar al doctor Venkman despues de conocerlo, por ejemplo. Y lo mismo en relación a los secundarios, Potts como la telefonista, Moranis como el vecino pesado y Sigourney son inalcanzables para cualquier actor que ahora pretenda llevar ese rol. Por lo tanto, la elección que a priori puede parecer extraña de cambiar de sexo a los protagonistas funciona maravillosamente por la replica dada por Chris 'Thor' Hemsworth en un papel que sorprendera a mas de uno y a mas de dos, enfundado tras unas gafas sin cristales, su inocente personalidad y su falta de sentido del ridiculo asi como de ideas o materias gris completa genialmente el tono de comedia que se muestra en la pelicula y que comanda, sin ningun tipo de duda, Melissa McCarthy. La actriz norteamericana esta estupenda, de principio a fin, seria el equivalente al personaje de Aykroyd en la original, aunque repito, no tiene nada que ver este film con el de Reitman, por si aun no ha quedado claro. El inicio es titubeante ya que en los creditos se oyen extractos de la famosa melodia y el aire que se respira es de que esta historia pertenece a otra epoca, no a la actual pero, rapidamente todo se pone en marcha y la presentacion de personajes continua sin apenas descanso, la comedia, los gags y los chistes no dejan de aparecer uno tras otro, ni aun entrando a verla con la mueca torcida de hater es imposible no reirse con alguna de las frases de ese guión, hay que ser muy triste para no reirse con alguna de sus gracias. Es un blockbuster despreocupado y centrado en contentar a fans con los cameos de TODOS los actores de la original, elementos como el Ecto1 o la estación de bomberos, la relación entre algunos de los personajes viejos y nuevos y una McCarthy y un Hemsworth robando el show a propios y fantasmas; lo mejor que tiene es que sorprende por la gran cantidad de criticas negativas recibidas y lo falsas que llegan a ser, 'Ghostbusters' habla por si sola, en el campo como diria Guardiola, y compensa, uno no sale con la sensacion de haber visto un tiburon con cara de humano pereciendo de la manera mas ilogica posible acechado por una rubia, uno sale con la sonrisa en la boca, con la sensacion de haber disfrutado de una nueva version que para nada es tan mala como los criticos almidonados de naftalina la ponen. Al parecer entender algunas peliculas como lo que son, simples y llanos entretenimientos, es pecado, es como el que le gusta el futbol y al igual ve un F.C. Barcelona vs. R. Madrid que un Llagostera vs Sabadell y disfruta igual, parece ser que esta penado con carcel entrar a una sala de cine con el unico fin de pasarlo bien y que todas las peliculas que uno ve deben ser hijas de las de Tarkovsky o Ford, eso son maestros y hacian obras maestras, estos hacen blockbusters y lo unico que pretenden es entretener y conseguir suficiente dinero para volver a rodar otra mas. Y en ese sentido, 'Ghostbusters' cumple sobradamente, y sino, es que estais muertos por dentro.